Los tres mosqueteros, superproducción francesa

 

La enésima versión del clásico de Alejandro Dumas ha llegado este año a los cines en forma de superproducción europea. Y tendrá su continuación en 2024. Los tres mosqueteros: D'Artagnan se estrenó en España en mayo y su segunda parte, Los tres mosqueteros: Milady, se ha estrenado este mes de diciembre en Francia y llegará a finales de enero de 2024 a nuestro país.

Esta nueva versión es muy interesante a nivel estético y musical. La partitura corre a cargo de Guillaume Roussel, y tiene cierto estilo cercano al de Han Zimmer. De hecho, en algunas escenas de acción, trae reminiscencias de la saga de El caballero oscuro.

Los tres mosqueteros: D'Artagnan goza de buen ritmo, buenas coreografías y un hábil equilibrio entre modernidad y tradición. Dirige Martin Bourboulon, artífice del biopic Eiffel, y el elenco cuenta con dos rostros muy conocidos internacionalmente: Vincent Cassel, visto en películas como Especiales, Cisne negro o Jason Bourne, y Eva Green, la otrora chica Bond de Casino Royale y conocida también por El reino de los cielos o El hogar de Miss Peregrine para niños especiales.

En 2011 hubo otra adaptación de Los tres mosqueteros con vocación de ser una actualización del clásico para el siglo XXI, pero no lograba ese equilibrio entre conservar la esencia y resultar visualmente moderna, sino que a pesar de ser muy espectacular, la esencia más bien se difuminaba. Ahora, con adaptación en forma de dilogía, mantiene mejor la esencia, y aunque visualmente no sea tan espectacular como la de 2011, sí resulta lo suficientemente actual visualmente para dar continuidad al clásico de Dumas en las pantallas del nuevo milenio. Larga vida a los mosqueteros. Uno para todos y todos para uno.

Fast and furious X, la venganza

 

El director francés Louis Leterrier, responsable de títulos como Transporter, El increíble Hulk, o Ahora me ves,  toma las riendas  de Fast and furious 10, En esta ocasión, la familia y la banda de Dominic Toretto se ven amenazadas por el hijo de Hernán Reyes, el capo de la droga con quien se enfrentaron en la quinta entrega de la saga, que diez años después de aquellos acontecimientos, está sediendo de venganza y armado hasta los dientes. 

En la línea de lo que viene siendo la saga, se trata de una montaña rusa de más de dos horas de metraje a base de explosiones, tiros, peleas y acrobacias automovilísticas imposibles. Un espectáculo audiovisual donde lo de menos es la trama y cuyas bazas más importantes son el ritmo frenético, el carisma de los actores, el sentido de lazo familiar que une a los personajes, la hábil mezcla de acción y humor y el tono distendido de no tomarse en serio a sí mismo. Estos ingredientes bien mezclados dan una chispa que es la seña de identidad de la franquicia, la cual quizá se había apagado un poco en la anterior entrega, y que siendo la novena podía hacer presagiar el final de la saga, pero que en esta nueva película ha revivido y además garantiza la continuidad, ya que deja el final abierto y la próxima entrega se encuentra en preproducción y  con el estreno previsto para 2025.

En Fast and furious 10 repiten en sus papeles Vin Diesel, Michelle Rodríguez, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Jason Statham, entre otros. Y el nuevo fichaje para encarnar el villano es Jason Momoa, conocido actualmente por Aquaman y que había saltado al estrellato con el remake de Conan, el bárbaro.

Una cosa interesante de la franquicia es que los personajes son muy numerosos y no todos salen en todas las películas, pero cada vez que están, son interpretados por los mismos actores. Ninguno ha tenido dos rostros distintos. Y eso que el inicio de la saga se remonta a 2001. Ya son 10 películas en 22 años. Los motores siguen rugiendo y quemando gasolina con éxito en la que posiblemente ya sea la saga cinematográfica más longeva y prolífica del siglo XXI.

La vida de Brianeitor, superación personal

 

Brianeitor es un joven gamer almeriense que padece atrofia muscular degenerativa y se ha convertido en una estrella de los videojuegos y las redes sociales. Este año ha tenido su debut cinematográfico en la película Campeonex y en este documental sobre sí mismo, La vida de Brianeitor, dirigido por Álvaro Longoria.

A través de testimonios de familiares y amigos, y del propio Brianeitor, descubrimos una impresionante historia de superación personal y toda una lección de vida sobre cómo afrontar la adversidad por muy dura que esta sea. Un ejemplo inspirador para muchas personas.

También la unidad familiar que se forma en torno a él es fundamental para salir adelante. 

El tratamiento cinematográfico del director es el de retratar al protagonista de una forma muy directa, cercana y sencilla, sin grandes artificios. Es un material difícil de manejar sin caer en la sensiblería o el sensacionalismo, pero Longoria lo consigue, dando como resultado un documental equilibrado en forma y fondo. Consigue transmitir la historia y emocionar pero en su justa medida, sin excesos, y con mucho respeto hacia el protagonista y la gente que lo rodea. 

Campeonex, vuelve equipo de Javier Fesser

 

Tras el éxito de Campeones en 2018, vuelve el director Javier Fesser a la carga con la secuela Campeonex, en la que el peculiar equipo de baloncesto de la primera entrega, nos lleva esta vez al mundo del atletismo y los eSports, de la mano de una nueva entrenadora, una joven con fama de gafe que necesita hacer prácticas para completar sus estudios, interpretada por Elisa Hipólito, y con un nuevo fichaje en el equipo, el gamer Brianeitor.

La película tiene ritmo y chispa como su predecesora, si bien a nivel de calado dramático tenía más enjundia el personaje del entrenador de la primera entrega que la estudiante en prácticas de la presente secuela. No obstante, hay que reconocer el espléndido trabajo de la actriz Elisa Hipólito, hija de los actores Carlos Hipólito y Mapi Sagaseta, que aporta el carisma necesario para llevar el peso de la trama. Del mismo modo, también cabe decir que la evolución de todos los personajes que integran el equipo era mayor en la película original.

A pesar de estas diferencias, Campeonex es una digna secuela, con un arranque y un final que desprenden muchísima energía y mantienen al espectador pegado a la pantalla. En general tiene buen ritmo y transmite buenas vibraciones. Muy recomendable.

Feliz Navidad 2023

 

Os deseo a todos que paséis una Feliz Navidad. Aunque durante todo el año debemos llevarnos bien con lo demás, tener ilusión, estar alegres, pasar tiempo con la familia, con los amigos, siempre puede haber cosas del trabajo, de la rutina diaria, de la vida acelerada que llevamos, que nos hacen pasar a un segundo plano estas cosas que realmente son las que importan. Por eso es importante aprovechar estas fechas para ilusionarse, para reconciliarse, para estar más atentos a quienes nos rodean y a nuestros seres queridos, ya que es ahora cuando estos pequeños detalles son la prioridad sobre las otras cosas que nos distraen el resto del año.

Feliz Navidad y que 2024 sea un año de buen cine y de cosas buenas para todos.

Misterio en Venecia, tercera encarnación de Poirot por Kenneth Branagh

 Kenneth Branagh continúa con sus adaptaciones de las novelas de Agatha Christie, y tras Asesinato en el Orient Express y Muerte en el Nilo nos trae este año Misterio en Venecia, una película basada en la novela de Agatha Christie Halloween party. De las tres películas, posiblemente esta sea la más redonda. El estilo de Branagh para estas adaptaciones de la célebre novelista británica, apuestan por un estilo más intenso que el de la investigación serena que suelen tener las películas basadas en las novelas de Agatha Christie, como aquellas protagonizadas en los años 70 por Peter Ustinov o la serie de televisión protagonizada por David Suchet.

La estética elegida por el director tanto para caracterizarse él mismo como el detective Hércules Poirot, así como también la puesta en escena y la estética en general de la película, cuenta con una paleta de colores bastante contrastados con ángulos de cámara muy pronunciados, y quizás esa estética, donde mejor casa con la historia, es precisamente en esta nueva película, Misterio en Venecia.

El famoso detective belga Hércules Poirot se encuentra retirado en Venecia cuando recibe de repente la visita de una antigua amiga, que es una novelista de éxito y cuyas novelas suelen tener de protagonista a un personaje inspirado en el propio Poirot, pero sus tres últimos libros han sido un fracaso y busca una nueva historia que relance su carrera. Esta se encuentra en Venecia para asistir a una sesión de espiritismo con una médium a la que quiere desenmascarar y le pide a su amigo Poirot que la acompaña a la sesión para ayudar a destapar el fraude de la médium,

Así como en las dos anteriores adaptaciones había contado con un elenco lleno de estrellas de la pantalla en este caso ha contado con menos rostros conocidos. Aparte del propio Brannagh, destaca la presencia de Michelle Yeoh, ganadora del Óscar por Todo a la vez en todas partes, que a su vez fue muy conocida a finales de los 90 por ser la chica Bond de El mañana nunca muere y la coprotagonista de la aclamada cinta de Ang Lee, Tigre y dragón. También podemos encontrar a Jamie Dornan, protagonista de 50 sombras de Grey.

Misterio en Venecia es muy entretenida y mezcla elementos tanto del thriller policial como del cine de terror para retratar una Venecia muy sombría que resulta bastante sugerente y desde luego, perfectamente adecuada a la historia que está contando.

Super Mario Bros, en 3D y en pantalla grande

 

Super Mario Bros es una película producida por los estudios Illumination, los mismos de la saga de Gru y los minions, y por la marca de videojuegos Nintendo. La película y es muy entretenida y muy divertida, de ritmo trepidante, pero carece del calado dramático de películas de animación como las de Pixar, lo cual hace que el público objetivo sea más para niños o bien para adultos que sean fans de del videojuego de Super Mario Bros.

Es un poco como ver el videojuego, pero sin interactividad, es decir, como si estás viendo la partida que está haciendo otra persona, ya que los gráficos actuales de los videojuegos y los de la película son muy, muy similares. La aparición de Donkey Kong es muy divertida. Recordemos que Super Mario es un personaje que sale realmente del videojuego Donkey Kong, que en 1981 causó furor, el cual se basaba en el icono cinematográfico King Kong, obviamente, y tenía un personaje llamado jump man, sin un nombre específico, que tenía que rescatar a una princesa y esquivar todos los obstáculos que le arrojaba el temible gorila. En 1985, Super Mario conoció su propio videojuego y desde entonces hasta la fecha se ha desarrollado en diferentes aventuras, versiones y con los gráficos cada vez más desarrollados.

La trama cuenta la historia de los dos hermanos fontaneros, Mario y Luigi, que por un accidente en una tubería se ven transportados a otro mundo donde se separan y Mario emprende la búsqueda de su hermano con la ayuda de la princesa Peach. La aventura irá aderezada por canciones míticas de ayer y de hoy como Holding out for a hero, de Bonnie Tyler, Take on me, de A-Ha, o Thunderstruck, de AC/DC, por ejemplo.

El videojuego había conocido una adaptación de acción real, de título homónimo, en 1993 con Bob Hoskins, John Leguizamo, Dennis Hopper y Samantha Mathis como protagonistas, y que además incorporaba en su banda sonora el tema Almost unreal de Roxette, cuyo videoclip servía de vehículo para promocionar la película.

Napoleón, otro espectáculo épico de Ridley Scott

 

Recuerdo un reportaje a finales de los noventa, cuando George Lucas iba a reestrenar la trilogía original de Star wars con nuevas imágenes digitalizadas antes de iniciar la nueva trilogía con los episodios 1, 2 y 3,  en el que varios cineastas consagrados opinaban sobre cómo les influyó en su momento el estreno de La guerra de las galaxias en 1977. Uno de ellos era Ridley Scott, que dijo algo así como que eso no iba con él, porque estaba en otra onda distinta, ya que estaba preparando la que fue su ópera prima, Los duelistas, que se desarrollaba en la época de las guerras napoleónicas, pero curiosamente, sus dos siguientes películas fueron Alien y Blade runner. Ahora vuelve a esa época de sus inicios con el propio protagonista de las guerras napoleónicas, es decir, Napoleón Bonaparte, en una película que lleva su nombre: Napoleón.

Aunque nunca dejó del todo la ciencia ficción, ya que volvió a ella a con Prometheus o Alien covenant, sí es verdad que las historias épicas de otras épocas siempre le han fascinado, como ya ha demostrado en Gladiator o El reino de los cielos. Ahora con Napoleón vuelve a trabajar con Joaquin Phoenix, con quien ya había trabajado en Gladiator, como protagonista absoluto de la película y realmente ha conseguido un nuevo gran espectáculo cinematográfico épico con imágenes muy impactantes. La película transcurre entre 1793 y 1815 y tiene, digamos, como tres partes temáticas de la vida de Napoleón. Por un lado, la parte política, luego la parte personal de su relación con Josefina y por otro lado, las gestas heroicas, las batallas épicas, que son lo que dan el gran espectáculo visual de esta película. Estos tres temas se van alternando a lo largo de dos horas y media de metraje con ciertos vaivenes en el ritmo narrativo, pero en general, se mantiene bastante bien el interés durante las dos horas y media.

Creo recordar que fue Francis Ford Coppola quien dijo una vez que para tener una buena película necesitas dos grandes momentos y colocar uno al principio y otro al final, para arrancar la historia atrapando al espectador y luego, al final, para dejar con buen sabor de boca. Lo que pase entre medias tiene una importancia relativa. Esto fue por lo que en Apocalipsis now empieza, digamos, por el final, con una gran explosión. En el caso de Napoleón tenemos realmente tres grandes batallas que son de un impacto visual importante; una al principio, la de Tolón, en la que los franceses toman un fuerte custodiado por los ingleses, luego hay otra al final, que es la famosa de Waterloo, y entre medias tiene otra batalla, la de Austerlitz, en la que se tiende una emboscada a los enemigos en un lago helado, que es realmente muy impactante.

La parte política de la historia se toca de manera superficial, pero lo suficiente para que el espectador sepa en cada momento quién es el amigo y enemigo de Francia, ya que era una época en la que las alianzas y conflictos entre países europeos eran muy cambiantes, y quien hoy era tu amigo, mañana podía ser tu enemigo y viceversa. Respecto al matrimonio con Josefina, se transmite bien la difícil y complicada relación que tuvieron y al mismo tiempo, la unión emocional que mantuvieron toda la vida. Josefina es interpretada con gran carisma por Vanessa Kirby, a la que pudimos ver este verano en Misión: Imposible, Sentencia mortal. Y finalmente, las batallas son el plato fuerte de la película, donde Scott despliega todo su poderío visual y su veteranía dirigiendo este tipo de escenas.

La película ha generado cierta controversia por las licencias artísticas que se ha tomado faltando al rigor histórico, pero si Scott en Gladiator, fue capaz de hacer que un personaje histórico como el emperador Cómodo, muriese en la arena del Coliseo a manos de un personaje ficticio, el gladiador Máximo, y la película no solo arrasó en su momento, sino que 23 años después de su estreno sigue siendo aclamada como una gran película, ¿qué se espera ver en Napoleón? Es una película de Ridley Scott, disfruten del espectáculo.

Una buena persona, un drama lleno de aristas

Una buena persona es un drama sobre las adicciones, la culpa, el perdón y las relaciones familiares, que gira en torno a un accidente de tráfico.

La presencia de Morgan Freeman siempre hace subir puntos a las películas en las que aparece, pero también hay que reconocer en este caso, que su compañera de reparto, Florence Pugh, hace una interpretación sensacional. La actriz ha sido vista en películas como Viuda Negra o Mujercitas, por ejemplo.

Dirige Zach Braff con buen pulso narrativo y un tono dramático que no llega a ser tremendista, lo cual se agradece para disfrutar de la película, ya que los temas que toca son bastante duros, pero aun así, se echa en falta algún momento de distensión para oxigenar la atmósfera dramática.

Misión imposible: sentencia mortal, la séptima entrega

 

Es la séptima, pero no la última, ya que el título completo es Misión: Imposible. Sentencia mortal. Parte uno, es decir, que habrá una parte dos que supondrá la octava entrega de la saga. Esta vez Ethan Hunt se enfrenta a la inteligencia artificial. Un ente cibernético se ha hecho con el control de un submarino nuclear y la clave para detenerlo está en una llave dividida en dos partes que se han dispersado y varios gobiernos y mercenarios van en busca de dicha llave. Esta primera parte de Sentencia mortal se centra en la carrera por conseguir esa llave. Supuestamente en la siguiente entrega veremos cómo se enfrentan al enemigo virtual que tiene bajo su control el submarino.

Quizá suene a obviedad decir que la película es espectacular, pero es que realmente lo es, y consigue seguir siendo interesante y mantener la chispa y la garra y hacer vibrar al espectador a pesar de ser ya una séptima entrega. Recordemos que la primera data de 1996 y la dirigió Brian De Palma. En aquel entonces Tom Cruise, productor de la saga desde el inicio, quería que cada entrega tuviera un estilo diferente y fuera dirigida por un director distinto, de manera que la segunda y más acrobática fue dirigida por John Woo, la tercera y mas sombría, por J.J. Abrahms, y la cuarta, Protocolo fantasma, con algo más de humor, por Brad Bird, director de películas de animación como Ratatouille, El gigante de hierro o Los increíbles. Sin embargo, las tres últimas entregas, así como la próxima, que se encuentra en postproducción, han sido dirigidas por Christopher McQuarrie con quien Tom Cruise había trabajado en Jack Reacher.

M:I Sentencia mortal, a pesar de durar bastante más de dos horas y ser la séptima entrega de una saga, es decir, algo ya visto y conocido, es impactante, entretenida, espectacular, trepidante y divertida. Especialmente la escena en el tren, la persecución en Italia y el seguimiento en el aeropuerto hackeando el sistema de reconocimiento facial, son en mi opinión, memorables. Además del gran salto en moto que hace al vacío que ha servido de gancho publicitario y forma parte de la mencionada secuencia del tren.

Los valores del deporte a través del cine

 

La práctica habitual del deporte, en general, nos aporta valores importantes como el esfuerzo, la concentración, el sacrificio, la constancia, el trabajo en equipo, el compañerismo, la superación, la disciplina, el honor, etcétera. Pero además, los profesionales de élite se convierten en referentes para el público, en un ejemplo a seguir, lo cual hace que deban tener, además de lo anteriormente mencionado, un sentido relevante de la responsabilidad.

En 2021 el cine nos trajo dos ejemplos de casos reales que se han convertido en referentes de estos valores por motivos totalmente opuestos. Por un lado se estrenaba El método Williams, por la cual Will Smith ganó el Óscar a mejor actor principal encarnando a Richard Williams, el padre de las hermanas tenistas y campeonas Serena y Venus Williams. Un padre con una obsesión, convertir a sus hijas en campeonas de tenis, y un plan minuciosamente elaborado para lograr tan ambicioso objetivo. Disciplina, fuerza de voluntad, constancia, son algunas de las cualidades que le llevaron al éxito, además de una confianza arrolladora en sí mismo y en su plan, 

En el otro lado del espectro se estrenaba  El gran Maurice, interpretado magníficamente por Mark Rylance, ganador del Óscar por El puente de los espías. Es la historia del conocido como El Fantasma del Open, un operario de grúa británico que en un momento de crisis en el que ve peligrar su trabajo, encuentra en el golf su gran vocación y decide participar en el prestigioso Open Británico de Golf sin tener ni medios ni técnica para este deporte, entrenándose por su cuenta de manera totalmente autodidacta. Ostenta aún hoy en día el récord de peor resultado en la historia de este campeonato, que obtuvo la primera vez que se presentó, pero eso no le frenó para seguir intentándolo. Su pasión y tenacidad le sirvieron para ser inspiración para otros: si él puede, yo también.

No solo son importantes los resultados, sino también el proceso, y en él podemos encontrar historias inspiradoras. Cuando se dice que lo importante es participar, es cierto, porque para que haya un ganador, debe haber varios perdedores y quien gana, lo hace gracias a que hay otros que han competido con él. Se suele dar siempre relevancia a los que ganan, pero son la minoría, porque para que cualquier deporte se mantenga vivo, debe tener mucha gente que lo practique, pero en cada competición solo gana uno. Lo importante para todos los participantes es haberlo hecho lo mejor posible y haber estado concentrado y dando todo lo que puedes dar. Unas veces se gana y otras se pierde, pero lo importante para cada uno es la satisfacción de haber hecho lo correcto. Así es el deporte y así también es la vida.

La sirenita, buen rollo bajo el mar

 

En la senda de los remakes y reboots de los clásicos de animación 2D de Disney en acción real, lo cual no deja de ser un eufemismo, porque tienen más de animación 3D que de imagen real, le llega el turno  La sirenita. En esta colección de nuevas versiones, las encontramos de dos tipos: las que dan un enfoque nuevo a la historia, como Maléfica o Dumbo, y las que calcan casi plano a plano la película original, con algún añadido, ya que suelen ser más largas que las originales, pero que tienen en mismo guion con los mismos diálogos y canciones. La sirenita pertenece a este segundo grupo, junto con otros como La bella y la bestia, Aladdin o El rey león.

El tema musical de Bajo el mar tiene la misma fuerza que antaño, y es que es una canción que transmite muy buenas vibraciones, y las imágenes que la acompañan son muy vivas y espectaculares. Otro momento que creo que tiene bastante fuerza, es la escena del naufragio, de gran intensidad dramática.

A la protagonista le da vida la joven actriz y cantante Halle Bailey, secundada por veteranos como Javier Bardem, en el papel de Tritón, y Melissa McCarthy como Úrsula. Dirige un experto en musicales, Rob Marshall, responsable de títulos como Chicago, Nine o Into the woods.

Se trata de la historia por todos conocida de la sirena que quiere vivir entre los humanos y para ello, ante la negativa tajante de su padre, el rey Tritón, hace un gran sacrificio dejándose embaucar por la malvada Úrsula, que ansía arrebatarle el trono al rey. Una trama de conspiración por el poder aprovechándose de un conflicto familiar entre padre e hija. Y todo enmarcado en unas imágenes digitales submarinas, a veces hipnóticas. Buen guion, aunque no nuevo, buena estética, pero falta algo de chispa o de carisma en los actores en general, aunque con algunos momentos muy intensos como los anteriormente descritos. En general, muy agradable de ver.

Elemental, la combinación perfecta de los elementos

 

Elemental es la nueva película de Pixar que nos llega de la mano del director de origen coreano Peter Sohn. Es una historia de amor imposible entre una chica de fuego y un chico de agua que viven en Ciudad Elemento, un lugar donde conviven seres hechos de los cuatro elementos, agua, fuego, tierra y aire, bajo la regla básica de convivencia de que no se pueden mezclar.

Ciudad Elemento viene siendo una metáfora de lo que es Nueva York, o lo que era en los años 60 con gente de distintos países que formaban comunidades y estaba mal visto que se juntaran unos con otros, como se refleja, por ejemplo, en West Side Story. De hecho, parte de la trama, la que se refiere a la historia familiar de la chica de fuego, está inspirada en la propia vida del director, que se crio en el Bronx en el seno de una familia de inmigrantes coreanos. Su padre montó una tienda de verduras y más tarde otra de materiales de arte. El hermano de Peter heredó esta última tienda, pero Peter no estaba interesado en continuar el negocio familiar, así que se mudó a California para convertirse en dibujante y entró en Pixar. Durante años en la compañía dio voz a personajes de distintas películas y trabajó en el departamento de arte para varios proyectos. Por ejemplo, Russell, el niño explorador de Up, lo diseñó él como una versión infantil de sí mismo. Si alguien se preguntaba por qué Russell tenía rasgos asiáticos, pues ya lo sabe.

Elemental funciona muy bien en cuanto a ritmo, humor y estéticamente es muy llamativa. Aunque lo que predomina es la historia romántica, también están muy presentes temas como los de las diferencias de clase social, y el conflicto personal de decidir entre seguir las tradiciones familiares o trazar uno su propio camino. La familia está también muy presente en esta historia.

Muy buena canción la de Steal the show, de Lauv, que en español es adaptada y cantada por Pablo Alborán bajo el título Somos dos. Una canción emotiva que no deja indiferente, que atrapa, que hace sentir bien, que transmite buenas vibraciones.

Momias, animación española de primer nivel

 

Momias es una divertida comedia de aventuras creada por los artífices de Tadeo Jones y Atrapa la bandera. Las momias viven la eternidad en su propia ciudad protegidos de la intervención de los vivos. Un codicioso arqueólogo y su equipo de alta tecnología consiguen irrumpir en esta ciudad y llevarse el anillo nupcial de la princesa Nefer. Su prometido, Thut, un famoso auriga retirado tras un accidente mortal que le ha hecho coger miedo a la velocidad, que vive de sus éxitos pasados como campeón de las carreras de cuádrigas, decide ir con su hermano pequeño al mundo de los vivos para recuperar el anillo, seguidos como no, por la propia princesa. El suyo es compromiso forzoso, ya que él es un soltero empedernido y ella no quiere casarse con un marido impuesto ni quiere seguir los protocolos de la corte faraónica, sino que lo que le gusta es cantar.

La película es muy divertida y con mucho ritmo. Habla sobre perseguir los sueños, superar los traumas y la responsabilidad de tomar decisiones que nos puedan cambiar la vida hacia un camino o hacia otro. En la banda sonora se incluye el mítico tema Walk like an egytian de 1986 de The Bangles. En el apartado técnico es una animación de primer nivel muy potente visualmente.

Dirige Juan Jesús Galocha, que debuta en la dirección tras ser director de arte en otras películas de animación como Tadeo Jones o el popular cortometraje Cuerdas. El guion es de Jordi Gasull y Javier López Barreira, guionistas también de los dos primeras entregas de Tadeo Jones y de Atrapa la bandera.

Garcine, 40 años de Volver a empezar

 

José Luis Garci consiguió el primer Óscar para el cine español con su película Volver a empezar, una película hermosa, emocional, sobre un Premio Nobel español afincado en Estados Unidos que vuelve a su Gijón natal a reencontrarse con los viejos amigos y su antiguo amor.

Los actores, Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo y Agustín González, nos brindan grandes momentos de emoción, drama y comedia. Los bellos paisajes asturianos retratados con gran cariño por Garci, se ven resaltados por dos inspiradores temas musicales que se van alternando a lo largo del metraje: Canon en Re mayor, de Pachelbel y Begin the beguine, de Cole Porter.

Con motivo del 40º aniversario de esta gesta del cine español, el centro Conde Duque de Madrid nos ofrece una exposición sobre Garci, una inmersión en su mundo de películas, libros, radio y televisión que tienen como tema nuclear su gran pasión por el cine clásico, el glamur y la magia de ese cine de antes, del cine de siempre.

Un lunes cualquiera, en Notodofilmfest

 

Ya está disponible en el concurso de cortos Notodofilmfest mi cortometraje Un lunes cualquiera, en la sección 30", cortos que duran 30 segundos.

Con esta pieza he tratado de plasmar el sentir de muchas personas  cuando madrugan los lunes tras el fin de semana para enfrentarse al mundo una semana más.

Es un corto rodado en Madrid realizado específicamente para este festival y lo podéis ver aquí, bajo estas líneas.

¿Te has sentido así alguna vez?

Información técnica.

Indiana Jones y el dial del destino, una vida de aventuras

 

Indiana Jones ha vuelto por quinta y última vez a llenar las pantallas de todo el mundo con Indiana Jones y el dial del destino. Harrison Ford a sus 80 años se despide de uno de los personajes más icónicos de su carrera, junto con Han Solo de La guerra de las galaxias y Rick Dekard de Blade runner. Se estrena esta última aventura tras 42 años de ver la luz su primera andadura en las pantallas con En busca del arca perdida. Esta vez ya no está George Lucas en la producción, puesto que Lucasfilm ya pertenece a Disney desde 2012, y Steven Spielberg ha formado parte del equipo de producción cediendo las riendas de la dirección a James Mangold, un director muy interesante responsable de títulos como Le Mans 66, Logan, El tren de las 3:10, o Copland. 

El resultado es una muy entretenida película de aventuras y acción en la más pura tradición de la saga. Se desarrolla en el año 69, cuando el hombre va pisar la luna, y tiene un prólogo en la Segunda Guerra Mundial para el cual Harrison Ford fue rejuvenecido digitalmente. Si bien El reino de la calavera de cristal fue muy denostada por muchos, aunque yo la defendí, sí es verdad que El dial del destino se puede decir que está por encima de aquella, pero aun así, las cinco películas componen una extraordinaria saga de aventuras que se ha pergeñado durante cuatro décadas y que ya es un gran icono de la historia del cine. Posiblemente esta sea la película, junto con La última cruzada, en las que más se profundiza en la psicología del personaje de Indiana Jones. En La última cruzada veíamos su adolescencia y luego la difícil relación con su padre siendo ya adulto, y aquí, en esta última aventura de El dial del destino, vemos a un profesor de universidad que se jubila y a un aventurero retirado que tiene que volver a las andanzas, y también con otro drama familiar que le da un calado más dramático al personaje. El dial del destino está hecha con muchos efectos digitales pero que se ponen al servicio de la continuidad visual de la saga para estar alineados con los efectos especiales utilizados antaño, es decir, que no se vea tan digital y que parezca más artesanal como las primeras películas. En La calavera de cristal se había intentado esto, pero realmente está más conseguido técnicamente en esta nueva aventura.

Además de Harrison Ford, el elenco está formado por actores de gran solvencia como el danés Mads Mikelssen, al que pudimos ver en Otra ronda o de villano de James bond en Casino Royale. En un papel más secundario podemos encontrar también presencia española con Antonio banderas. También se recupera a Karen Allen, aunque su presencia en pantalla es muy limitada. También hay que destacar  a la actriz Phoebe Mary Waller-Bridge, que es la nueva compañera de fatigas de Indiana, que interpreta al personaje de Helena Shaw, una aventurera que resulta ser la ahijada del mítico arqueólogo.

 En definitiva, Indiana Jones y el dial del destino es una gran aventura divertida y trepidante  siguiendo la mejor tradición de la saga y que supone un más que digno y emocionante broche de oro para el cierre de la misma.

La ballena, grande Fraser en todos los sentidos

 

La ballena (The whale)  es un potente drama sobre el deterioro de un profesor de universidad online que sufre de obesidad mórbida. En principio puede parecer que todo gire en torno al protagonista, pero los secundarios a su alrededor también tienen unos perfiles de gran calado dramático componiendo entre todos un pequeño mural de almas rotas buscando la redención.

No obstante, todo gira en torno al protagonista, ya que los dramas ajenos también están relacionados con él, pero todos los personajes tienen una fuerte entidad y son representados por muy buenas interpretaciones de sus respectivos actores. Brendan Fraser se alzó con el Óscar a mejor actor principal por esta película, totalmente merecido, así como también merecido es el premio a mejor maquillaje, la otra pieza que junto con la intensa interpretación de Fraser, compone el sólido personaje protagonista. La película tenía una tercera nominación en la categoría a mejor actriz de reparto para Hong Chao, en la que finalmente fue ganadora Jamie Lee Curtis por Todo a la vez en todas partes.

Dirige Darren Aronofsky, que ya nos demostró su gusto por explorar los rincones oscuros del alma con títulos como Cisne negro o Noé. El tono de la película quizá sea menos oscuro que el de esas otras, pero el calado dramático de los temas que toca es igual de extremo. Además, está grabada en formato 4:3, es decir, con la pantalla cuadrada en vez de panorámica, con lo cual el espectador ve reducida la pantalla igual que el protagonista ve reducido su mundo encerrado en su pequeño apartamento.

La película es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro homónima de Samuel D. Hunter, quien también se encarga de la adaptación del guion.

Además, La ballena entra dentro de lo que son las películas de un solo escenario, el apartamento del protagonista en este caso, como muchos otros títulos tales como La soga, de Alfred Hitchcock, o  Un dios salvaje, de Roman Polanski, por citar dos ejemplos.

Peter Pan y Wendy, aventuras en Nunca Jamás

 

Disney lanza una nueva versión de Peter Pan bajo el título Peter Pan y Wendy bajo la dirección de David Lowery, que ya había realizado en 2016 otra nueva versión de un clásico Disney con Peter y el dragón. Peter es encarnado por el joven actor Alexander Molony, debutando en el largometraje tras varias series de televisión. Por otro lado, Wendy es interpretada por la también joven actriz Ever Anderson, la hija de la actriz Milla Jovovich, la icónica Leeloo de El quinto elemento, y del director Paul W. Anderson, responsable de películas como la saga Resident Evil, con su mujer de protagonista, Pompeya, Horizonte final o Mortal Kombat. Ever Anderson ha ido vista también en Resident Evil: capítulo final, trabajando a las órdenes de su padre e interpretando la versión adolescente del personaje de su madre. También hizo la versión adolescente de Scarlett Johanson en Viuda Negra. Finalmente, el legendario Capitán Garfio es encarnado por el veterano Jude Law, visto últimamente en otras películas de fantasía, la saga Animales fantásticos.

Peter Pan y Wendy arranca con ritmo pero sin sorpresas, con  la historia ya conocida pero sin ningún rasgo distintivo para esta versión respecto a otras versiones. Es a mitad de película, cuando se profundiza en el pasado de Peter Pan y Garfio y de dónde viene su rivalidad, cuando la película gana en tensión dramática y se hace más interesante. El tema central de la historia, la cuestión de no crecer, de hacerse mayor, los pros y contras tanto de la infancia como de la madurez, están muy presentes en esta segunda mitad del metraje.

Peter Pan y Wendy es una nueva versión del clásico muy agradable de ver con buenos efectos digitales, buen rito, correctas interpretaciones, donde quizá la  más destacada es Ever Anderson, aunque quizá esté por debajo de otras versiones como el clásico de animación de la propia Disney o la versión de Steven Spielberg, Hook, que daba otro enfoque a la historia con un Peter Pan que había crecido y olvidado quién habia sido.

Nadando en libertad, la niña y el mero azul

 

Nadando en libertad es una película australiana del director Robert Connolly que se ha estrenado en España directamente en streaming. Se trata de la amistad entre una adolescente y un mero azul. Desde niña, ha sido entrenada para el buceo por su madre, una mujer activista ecologista que lucha por proteger el ecosistema de la bahía en la que viven y ha transmitido su pasión por el mar a su hija.

El título original es Blueback y es la adaptación de una novela corta homónima de un escritor también australiano, Tim Winton.

Radha Mitchell, curtida en películas de acción como Pitch Black, Objetivo: la Casa Blanca o El fuego de la venganza, por ejemplo, da vida a esa madre activista de fuerte temperamento que lucha con gran pasión por aquello en lo que cree. La hija es encarnada por tres actrices en sus distintas edades: Ariel Donoghue, de niña, Ilsa Fogg, de adolescente, y Mia Wasilowska, la protagonista de las dos películas de Tim Burton sobre Alicia en al país de las maravillas. En un papel secundario encontramos a Eric Bana, que protagonizó la anterior película de Connolly, Años de sequía, y que gozó de gran popularidad en la primera década del siglo XXI con títulos como Hulk, Munich o Troya.

Nadando en libertad es una película muy agradable de ver, sobre la familia y la conservación del medioambiente, temas que toca de manera muy directa y efectiva pero sin estridencias, con un tono muy distendido, en ocasiones como si fuera una fábula. Una película recomendable.

La clave del éxito

 

El triunfo de la serie B de acción en los años 80

El otro día estuve viendo una película ochentera que no había visto: El tren del infierno, una producción de Cannon Films, la productora que en la década de los 80, bajo la batuta de los primos Menahen Golan y Yoran Globus, encumbró  héroes de acción como Chuck Norris o Jean-Claude Van Damme y consiguió ser muy rentable haciendo películas de acción de serie B, muchas de las cuales iban directas a las estanterías de los videoclubs.

Concretamente, con El tren del infierno, consiguieron estar presentes en los Óscar, ya que esta película tuvo tres nominaciones: mejor montaje, mejor actor de reparto para Eric Roberts y mejor actor principal con Jon Voight.

Esto me lleva a la siguiente reflexión: ¿cuál es la clave del éxito? ¿Es necesario ser muy famoso o recaudar mucho en taquilla? Los responsables de Cannon pudieron vivir de hacer cine con películas de acción de bajo presupuesto, que si bien no tenían el alcance de las grandes productoras como Carolco o Warner Bros., sí tenían el suficiente público como para que las películas fuesen rentables.

Por ejemplo, en 1991 Carolco estrenaba la mítica Terminator 2  con un presupuesto de 102 millones de dólares y Schwarzenegger de protagonista convertido ya en estrella, recaudando a mundialmente unos 520 millones de dólares. Ese mismo año, Cannon estrenaba Kickboxer, la película que lanzó a la fama a Jean Claude Van-Damme, con un presupuesto de 1,5 millones de dólares y una recaudación mundial de 14 millones.

A lo que voy, es que si el éxito en la vida es vivir de lo que a uno le gusta, cuando alguien tiene vocación por el cine, el éxito no significa llegar a lo más alto de industria o ganar un Óscar, sino ser capaz de tener un público lo suficientemente amplio para hacer rentables películas de presupuesto ajustado y poder vivir de ellas. Además de Cannon, otro ejemplo de esto es Woody Allen, que tiene su estilo particular de cine, hace películas también con un presupuesto bajo y tiene una audiencia fiel lo suficientemente amplia para rentabilizar sus películas y ganarse la vida haciendo cine.

Películas para el día del trabajo

 No estoy demasiado viejo para esto

Hoy, 1 de mayo, Día del Trabajo, recojo aquí tres películas europeas que abordan uno de los temas quizá menos aireados en los medios de comunicación, pero que es un gran drama para muchas familias, como es el del paro de las personas de mediana edad, que de repente se ven en la calle y se les considera obsoletos para el mercado laboral. En el cine sí que se les ha dado voz a este sector social a nivel internacional.

Full Monty (1997, Reino Unido): comedia británica que cuenta cómo varios trabajadores de la industria del metal se quedan en paro como consecuencia de la crisis del sector. En el pintoresco grupo hay hombres de distintas edades con diferentes circunstancias de vida, pero todos se unen para salir adelante realizando un espectáculo de «boys», o sea de estriptis masculino. Fue un gran éxito en su momento, incluso un fenómeno social, y tiene una banda sonora plagada de grandes temas de música disco.

Abuelos (2019, España): comedia española sobre un hombre de mediana edad que se queda en paro y para salir adelante, se junta con otro amigo ya jubilado y otro que es escritor, para hacerse los tres emprendedores y montar una guardería.

Arturo y el algoritmo (2021, Italia): comedia italiana sobre un directivo de mediana edad que se de repente en la calle porque un algoritmo que mide la productividad de la empresa, le ha seleccionado como no apto para seguir desempeñando su trabajo. Para salir adelante se hace «rider» de una compañía  de reparto a domicilio.

X-Men, una apuesta arriesgada de Bryan Singer

 Hoy en día todos conocemos y hemos disfrutado de la saga de los X-Men, la adaptación cinematográfica de los cómics homónimos en inglés, que en España se conocían como La Patrulla X. Sin embargo, en su momento, hace 23 años, cuando Bryan Singer llevó a cabo la primera adaptación a la pantalla, apostó por un arriesgado cambio estético, como se puede apreciar en estas dos fotos sobre estas líneas.

Mientras en los cómics cada superhéroe lleva su traje con su correspondiente colorido, en la película se optó por buscar un uniforme negro para todos los componentes del grupo. Y la verdad es que fue todo un acierto. El éxito fue enorme y propició varias secuelas, precuelas, «spin off», y «crossover». Singer se encargó también de X-Men 2, pero en la siguiente abandonó la saga para unirse a Warner Bros y DC Cómics en la película Superman Returns, que no tuvo el éxito que se esperaba. Para esa tercera entrega, titulada X-Men: la decisión final, se contó con Brett Ratner, artífice de la saga de comedias de acción Hora punta. Singer volvería a la saga de los mutantes para dirigir el «crossover» X-Men: días de futuro pasado y su secuela, X-Men: Apocalisis. En la última entrega hasta la fecha, Dark Phoenix, ha participado como productor.

Reivindicando El ataque de los clones

 Cuando se estrenó la trilogía de Star Wars que supuso las precuelas de la trilogía primigenia, es decir, los episodios del I al III que nos contaban cómo Anakin Skywalker se convirtió en Darth Vader, la mayoría de la gente, o al menos de los que se han pronunciado, respecto a ello, coinciden en que la mejor de las tres es la última, La venganza de los Sith. En esta película, vemos el paso definitivo de Anakin hacia el lado oscuro, el momento de convertirse en Darh Vader, posiblemente el más esperado por todos los fans desde que se anunció que se harían estos episodios.

Sin embargo, creo que la más completa de las tres es El ataque de los clones  y lo voy a argumentar con algunos datos objetivos:

1. Evolución de la trama: creo que de las tres, es la que más hace evolucionar la historia, ya que La amenaza fantasma era el momento de conocer a Anakin de niño y La venganza de los Sith, la trama en sí misma, era todo guerra. En El ataque de los clones vemos cómo realmente se pasa de la República a la guerra mediante los tejemanejes en la sombra por parte del lado oscuro.

2. Evolución del personaje: sin duda, el Episodio II es en el que podemos ver una evolución más marcada del personaje principal. En el Episodio I era un niño con muy buenas aptitudes y en el III da el paso definitivo al lado oscuro, pero en el II se desgrana todo el proceso de conversión. Por un lado, vemos a un joven aprendiz de jedi con muy buenas aptitudes pero con un problema grave de actitud, y es que peca en exceso de arrogancia. Eso, sumado al enorme sufrimiento por la violenta muerte de su madre y a la tentación por parte del senador Palpatine, que le da alas alabándole su enorme talento y su potencial para ser el jedi más poderoso, acaba llevándole a desviarse del camino de la rectitud, proceso que culminará en el Episodio III.

3. Ritmo de montaje: la película goza de un fluido ritmo narrativo adoptando el mismo esquema que El imperio contraataca, el montaje paralelo de historias. Tras el atentado contra la senadora Padme bajo la custodia de Obi Wan y Anakin, los personajes toman caminos distintos dividiendo la historia en dos subtramas: por un lado, Anakin debe escoltar a Padme a su hogar en el planeta Naboo, mientras que por otra parte, Obi Wan inicia una investigación para encontrar al culpable del atentado, y en este proceso, encuentra un ejército de clones que se ha estado fabricando a espaldas del senado y de la orden Jedi. Ambas subtramas se van contando alternativamente durante el desarrollo de la trama hasta que vuelven a converger en el desenlace de la historia, cuando los tres personajes se vuelven a encontrar.

4. Momento épico para los fans: a nivel fan, es cierto que el momento de la conversión de Anakin en Darth Vader en el Episodio III era el más esperado, pero aun así, el Episodio II tiene también otro gran momento, y es el de ser la primera vez en la saga, teniendo en cuenta que esta era la quinta película de Star Wars que se rodaba, en la que se veían a un montón de jedis luchando con sables láser en la pantalla. Hasta entonces, se habían visto luchas de dos o tres espadas de luz al mismo tiempo, pero en el desenlace de El ataque de los clones, se por primera vez a todo un ejército de guerreros Jedi en acción.

5. Hito en la historia del cine: a nivel industrial, cabe destacar que El ataque de los clones fue la primera superproducción rodada en digital. Hasta entonces se había utilizado el llamado vídeo de alta definición en películas dindependientes de bajo presupuesto, como El proyecto de la bruja de Blair, Bailando en la oscuridad o las películas del movimiento Dogma 95. Pero con los grandes presupuestos nadie se atrevía a dar el paso de arriesgarse a rodar en digital en vez de en celuloide, pero alguien siempre debe ser el primero, el pionero, y ese fue George Lucas con El ataque de los clones.

Cine de Semana Santa: Resucitado (2016)

En 2016 se estrenaba Resucitado, una película sobre la investigación que un centurión romano lleva a cabo al descubrir la tumba vacía de Jesucristo el tercer día de haber sido crucificado. Es una película de romanos en clave de thriller que a pesar de no ser un peliculón, es efectiva, entretenida y sobre todo, aporta un enfoque diferente e interesante sobre la resurrección de Cristo, aunque no tenga un mayor calado de trascendencia, pero tampoco la película es pretenciosa en ese sentido.

Dirige Kevin Reynolds, director de Robin Hood: príncipe de los ladrones o Waterworld, entre otras. Protagoniza Joseph Fiennes, conocido especialmente por la oscarizada Shakespeare in love.

Resucitado es por tanto, una película interesante para rescatar en estas fechas, especialmente por el enfoque que da de ver el tema de la resurrección de Cristo desde la perspectiva de los romanos. Como ya sabemos, sobre todo el proceso de la vida de Cristo, la pasión o la crucifixión, hay muchas otras películas, como La Pasión, El hombre que hacía milagros o Jesús de Nazaret, entre otras.

Feliz Semana Santa a todos.

El estrangulador de Boston, periodismo de investigación

 

En los años 60, un asesino en serie se dedicaba a estrangular mujeres en la ciudad de Boston. Dos periodistas, Loretta McLaughlin y Jean Cole, se encargaron de investigarlo teniendo todo en contra. La policía no quería que la prensa metiera las narices en sus investigaciones y encima, siendo dos mujeres, ya que ese tipo de casos en esa época solían ser encomendados a hombres, mientras que a las mujeres se les asignaban más las noticias de moda y sociedad.

El Estrangulador de Boston nos cuenta esta investigación con mucha sobriedad, un tono general de cine clásico, una cuidada ambientación de época y  posiblemente una de las mejores interpretaciones de su protagonista, Keira Knightley. También su compañera de reparto, Carrie Coon, está espléndida en su papel, aunque es un rostro menos conocido de la pantalla, ya que a pesar de hacer cine y televisión, su carrera se ha forjado mayormente en el teatro. Entre los secundarios encontramos otro rostro conocido, el veterano Chris Cooper, interpretando al director del periódico, y por tanto, el jefe de las aguerridas periodistas.

La ambientación está muy conseguida con una fotografía en tonos apagados y una partitura musical en la línea de los clásicos del suspense. El ritmo es adecuado y mantiene el interés en todo momento.

Escribe y dirige Matt Ruskin bajo la producción de, entre otros, Ridley Scott. El estrangulador de Boston es una película de suspense que, sin llegar a ser un peliculón, es un más que correcto thriller de corte clásico y elegante con muy buenas interpretaciones de sus actrices principales y un tono en general más que convincente.

As bestas, la ganadora de los CEC y los Goya

 

Un western no del oeste, sino del noroeste

La ganadora de este año en las Medallas CEC y en los Goya, ha sido la película As bestas, del director Rodrigo Sorogoyen, responsable de títulos como El reino o Que Dios nos perdone. Un matrimonio francés se instala en una recóndita aldea de Galicia para emprender un proyecto ecológico, pero un conflicto con su vecinos, dos hermanos lugareños, les llevará a entrar en una espiral de tensión creciente.

Tiene mucho de western en su forma de plasmar la historia, las miradas de los personajes, la puesta en escena, pero ambientado en el noroeste español en vez de en el oeste norteamericano, y en el siglo XXI en vez de en el XIX. Muy buena película en todos sus aspectos, desde la fotografía a la música y las interpretaciones de todos sus actores. Además, aunque la trama es sencilla en apariencia para seguir bien la narración sin perderse, es una historia con muchos matices, con personajes bien trazados y muy contrastados entre sí. La única pega que le veo es el idioma,  porque como los gallegos entre sí hablan en gallego y los franceses entre sí en francés, y solo cuando interactúan unos con otros hablan castellano, al final, media película está subtitulada. Y aunque se van alternando los distintos fragmentos, como es habitual en muchas películas con varios idiomas, el caso es que hay partes subtituladas demasiado largas antes del siguiente tramo en castellano.

En general, As bestas logra una atmósfera muy tensa, muy absorbente y muy envolvente, que mantiene el interés en todo momento a pesar de sus más de dos horas de metraje.

Todo a la vez en todas partes, la ganadora de los Óscar

 

Un desparrame descomunal de puro entretenimiento

La ganadora de los Óscar este año, Todo a la vez en todas partes, es una locura de película del tándem de directores conocido como Daniels, formado por Daniel Kwan y Daniel Scheinert. Ambos han trabajado juntos en varios cortometrajes, videoclips musicales y alguna serie de televisión. En el largometraje debutaron con Swiss army man, en 2016, y ahora, con su segunda película, Todo a la vez en todas partes, han triunfado en la noche de los Premios de la Academia de Hollywood.

La película es despliegue de imaginación sin parangón donde se mezcla el humor absurdo, las artes marciales, el multiverso, la acción desenfrenada, el surrealismo, todo ello en un cóctel explosivo que serpentea a lo largo de más de dos horas de duración entre lo genial y lo grotesco, consiguiendo mayormente el mágico equilibrio, aunque en ocasiones se les va de las manos. La primera hora de película es genial, ya que mezcla todos estos elementos de forma equilibrada y se puede seguir perfectamente la trama. Luego, en el desenlace, hay un rato en el que la mezcla de imágenes resulta algo confusa y a pesar de que al final se entiende en esencia lo que ha pasado, resulta más complicado seguir la evolución paso a paso en este tramo del metraje.

La trama versa sobre una inmigrante China en Estados Unidos que regenta una lavandería y vive con su marido, su padre y su hija, dándole todos, cada uno en su rol y a su manera, más de un quebradero de cabeza. Un día descubre que existe un multiverso con infinidad de universos alternativos donde todos tienen vidas distintas y que ella es la última oportunidad de salvar el equilibrio entre universos que se ve amenazado por una poderosa villana.

El reparto es todo un homenaje al cine de acción de los años 80 y 90 encabezado por Michelle Yeoh, la otrora chica Bond de El mañana nunca muere y coprotagonista más tarde de la aclamada Tigre y dragón. La acompaña en rol de su marido, Ke Huy Quan, conocido de niño por acompañar a Indiana Jones por la India tras la pista del templo maldito y por sus artilugios caseros en Los Goonies. También están Jamie Lee Curtis, de Mentiras arriesgadas, Un pez llamado Wanda o la saga Halloween, por ejemplo, y el también veterano James Hong, con una dilatadísima carrera como actor de reparto al podemos recordar, entre otras muchas, por El chico de oro, Golpe en la pequeña China o Tango y Cash, por ejemplo.

25 aniversario de Cinemanet

 

La asociación de cine Cinemanet, con la que colaboro desde que inició su andadura en Madrid en 2008, celebra su 25 aniversario este año. Para ello, ha publicado un libro titulado Cine y familia, bajo la coordinación del director de Cinemanet, Daniel Arasa, y la colaboración de 15 autores, entre lo cuales me incluyo.

El libro será presentado el próximo miércoles 22 de marzo a las 19h en la Librería Antonio Machado, en Madrid. Os esperamos.

Más información sobre el libro AQUÍ.

Oscars 2023, un homenaje a los iconos de los 80 y los 90

 

Se han entregado los Óscar 2023 y se alza como ganadora Todo a la vez en todas partes, con siete premios en total. De los resultados de esta gala, quisiera resaltar dos aspectos que me parecen relevantes.

En primer lugar, los cuatro actores premiados, todos tenían dos cosas en común: para todos ellos, esta era su primera nominación, y por otra parte, los cuatro han sido iconos del cine comercial de los años 80 y 90 en papeles que combinaban acción y comedia. Michelle Yeoh, ganadora como mejor actriz principal, fue la chica Bond de El mañana nunca muere, a la que más tarde la vimos de coprotagonista en Tigre y dragón. Jamie Lee Curtis, Óscar a mejor actriz de reparto, ídolo de los fans del cine de terror por la saga Halloween,  pero también nos brindó grandes papeles de comedia con películas como Un pez llamado Wanda o Mentiras arriesgadas. Brendan Fraser, mejor actor principal, es conocido por todos gracias a sus papeles en George de la jungla y la saga de  La momia. Y finalmente, el ganador como mejor de reparto, Ke Huy Quan, todos lo recordamos de niño en Indiana Jones y el templo maldito y Los Goonies.

De los cuatro, solo Brendan Fraser ha cambiado de registro con un drama sobre un hombre con sobrepeso en La ballena, cumpliendo así con los criterios habituales de la Academia en esta categoría de premios. Los otros tres han ganado por Todo a la vez todas partes, comedia de acción desenfrenada. Y esto me lleva al segundo aspecto que me ha parecido relevante, el género de la película premiada. Por un lado, parece increíble que gane esta película con la competencia que tenía, aunque partiera como favorita por ser la más nominada, pero tampoco sería la primera vez que una película multinominada se vaya de vacío, recodemos, por ejemplo, Gangs of  New York, de Martin Scorsese. De toda maneras, creo que es bueno el reconocimiento a estos actores y actrices, como he dicho antes, y también el hecho de salga de la gala una película multipremiada, ya que en los últimos años se han dado varios casos de que otras películas se lleven más estatuillas que la ganadora de la noche y eso creo que desluce un poco el espectáculo de los Óscars.

En definitiva, hemos asistido a una edición de los Óscars con un resultado más festivo y fresco de lo habitual y eso creo que es positivo, especialmente, ahora que recuperamos un poco la normalidad tras la pandemia. Me queda la pena de que mi favorita, Los Fabelman, se vaya de vacío, pero sí creo que el resultado de Óscars de este año, por la energía positiva que transmite en su conjunto, más que por los premios en sí, ha sido más que satisfactorio.

Sevilla, plató de rodaje para Hollywood

 

Creo que cualquiera que haya estado en Sevilla, se habrá dado cuenta de que posiblemente tenga una de las más bonitas, espectaculares y fotogénicas Plazas de España de nuestro país. La industria de Hollywood también se percató de ello y no solo en un momento dado de la historia, sino que podemos encontrar dos superproducciones de la Meca del Cine estrenadas con 40 años de diferencia, en 1962 y 2002 respectivamente, que han rodado alguna escena de su metraje en este espléndido escenario.

Por un lado, el director David  Lean dirigió la mítica Lawrence de Arabia en varias localizaciones españolas, siendo una de ellas la Plaza de España de Sevilla, cuyo palacio sirvió para recrear el cuartel del ejército británico. En la foto de arriba podemos ver  de izquierda a derecha a Anthony Quayle, Jack Hawkins y Claude Raines paseando entre sus arcos.

Por otra parte, en la foto de abajo, podemos ver paseando por el mismo lugar a Nathalie Portman y Hayden Christensen acompañados de R2-D2 en Star Wars-Episodio II: El ataque de los clones, la primera superproducción de Hollywood rodada en digital. Hasta entonces, el vídeo digital de alta definición se había usado en película independientes de bajo presupuesto, como El proyecto de la bruja de Blair o Bailando en la oscuridad, pero fue George Lucas quien dio el paso de llevar la imagen digital a las producciones de lato presupuesto. La Plaza de España de Sevilla, con varios retoques digitales en postproducción, sirvió de escenario para la escena de la llegada de los protagonistas al planeta Naboo. 

Doblete en Marvel y DC: Halle Berry

 

En el año 2000, el director Bryan Singer hizo una arriesgada apuesta adaptando a la pantalla los cómics de Marvel de La Patrulla X , el grupo de superhéroes mutantes, con un «look» totalmente distinto al de las viñetas. En vez del variopinto colorido con cada superhéroe luciendo su traje particular, en la versión fílmica, X-Men, llevaban todos un mismo uniforme. Uno de ellos, Tormenta, fue encarnado por la actriz Halle Berry, que repitió el papel en tres ocasiones más, dos secuelas y un «crossover», ya que la película fue todo un éxito y el experimento estético dio buen resultado.

Sin embargo, en 2004, entre la segunda y la tercera entrega de lo X-Men, tuvo tiempo para meterse en la piel de otra superheroína, esta vez de la competencia, de DC Cómics, con la versión de Catwoman, dirigida por el francés Pitof, por la recibió el Razzie a peor director. La película ganó tres razzies más, a peor película, peor guion y peor actriz principal para Halle Berry. Lo más curioso es que había ganado el Óscar a mejor actriz tres años antes por Monster's ball. En 2014 volvió a sr nominada al Razzie por The call y Movie 43, aunque no volvió a ganarlo.