La constelación del perro: en busca del mundo perdido

 

La nueva película de Ridley Scott, La constelación del perro, es una historia futurista, pero de un futuro cercano, que nos presenta un mundo devastado por una pandemia. Un virus ha acabado con la civilización actual y ha dado paso a un mundo distópico en el que los supervivientes viven aislados, con miedo, protegiéndose como pueden, y tribus salvajes errantes que se dedican al saqueo despiadado de lo que encuentran a su paso. En este panorama desolador, un piloto que convive con su perro y con un exmarine, mantiene viva la esperanza de encontrar más gente con la que intentar recuperar la civilización perdida y una vida mejor que la mera situación de supervivencia en la que se encuentran. Sin embargo, su compañero, es mucho más escéptico y se ha acomodado a esa vida de limitarse a sobrevivir, matar o morir. En sus exploraciones, el piloto se encuentra con una familia de granjeros, formada por un padre y su hija, y una comunidad de menonitas. Además, ha oído hablar sobre un núcleo urbano llamado Grand Junction, como el último resquicio de la civilización, y su objetivo es encontrarlo.

La constelación del perro es la adaptación de la novela homónima de Peter Heller. El elenco está encabezado por Jacob Elordi, nominado a los Óscar por Frankenstein, en el papel del piloto, y Josh Brolin, el otrora hermano mayor de Los Goonies, que ya había trabajado a las órdenes de Ridley Scott en American gangster, en el rol del exmarine Les secundan Margaret Qualley, la hija de Andie McDowell, vista en Érase una vez en Hollywood o La sustancia, en el papel de la granjera, y dando vida a su padre tenemos al veterano Guy Pierce, conocido por títulos como Memento o LA Confidential, entre otros, y que había trabajado antes con Ridley Scott en Prometheus y Alien: covenant.

La película no es la típica distopía que te expone en cuatro frases el escenario desolador de turno para pasar a la acción trepidante sin dar un respiro, sino que es más bien contemplativa y melancólica. Se toma su tiempo para describir a los personajes, el mundo en el que viven, sus respectivos pasados, sus traumas. Tiene acción, obviamente, y esas escenas son brutales e intensas, pero entre tiroteo y tiroteo, adopta un tono más calmado con el que deja respirar las emociones de los protagonistas y permite así un mayor desarrollo de los personajes. Y sobre todo, lo más interesante es que siendo una historia sobre un futuro devastador, es mu positiva, porque nos deja un mensaje de esperanza, de resistencia, de no rendirse ante la adversidad.

Atención, se rueda la secuela de Días de trueno, prevista para 2028

 

Pues sí, el proyecto estaba dando vueltas desde hace tiempo, pero ahora es una realidad. La semana pasada se anunció oficialmente la puesta en marcha de la producción que tendrá de protagonista a Tom Cruise, naturalmente, acompañado de Anne Hathaway y dirigidos por Jonathan Levine, director de comedias como Casi imposible o 50/50.

Por eso es una ocasión fantástica para escribir algo sobre Días de trueno. Fue la película en la que Tom Cruise y Nicole Kidman se conocieron. Luego se casaron, tuvieron dos hijos adoptivos y el matrimonio duró 11 años. Durante ese tiempo volvieron a trabajar juntos dos veces: a las órdenes de Ron Howard en Un horizonte muy lejano, y bajo la batuta de Stanley Kubrick en Eyes wide shut.

El éxito de Top Gun convirtió a Tom Cruise en superestrella y él mismo propuso una historia, aunque el guion lo firma Robert Towne, siguiendo la misma línea. Se reunieron de nuevo los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer, el director Tony Scott, el músico Hans Zimmer y el protagonista, Tom Cruise, para dar vida de nuevo a un piloto instintivo y temerario, pero en vez de en aviones, en coches de carreras de la NASCAR. También hay un romance, una balada pop romántica, Show me heaven, velocidad, adrenalina, y la fórmula funciona. No tuvo tanta taquilla ni tanta repercusión social como Top Gun, pero tuvo igualmente buenos beneficios. Y en el elenco, además de Cruise y Kidman, también cuenta con la carismática presencia de Robert Duvall, el otrora abogado de la familia Corleone en la saga de El padrino. También cuenta con Cary Elwes, popular en aquella época por La princesa prometida.

Ahora ya sabemos que en 2028 podremos ver de nuevo Tom Cruise pilotando a toda velocidad en los circuitos de la NASCAR.

Lapönia: comedia familiar para adultos

 

Normalmente, las comedias familiares son para todos los públicos. Se denominan familiares porque son para ver toda la familia, niños y adultos. Sin embargo, Lapönia  tiene el formato de comedia familiar, pero por su contenido, no es para niños. Se trata de dos matrimonios en Navidad hablando sobre las diferencias culturales entre Finlandia y España, sobre las diferentes formas de educar a los hijos, si con la ilusión o con el racionalismo, sobre la verdad y la mentira, en fin, conversaciones de adultos muy interesantes tratadas en clave de comedia y con un elenco estupendo de cuatro intérpretes, que tienen mucha química entre ellos, y funcionan a la perfección desde el principio hasta el final del metraje: Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjom Enger.

Lapönia es la adaptación al cine de la obra de teatro homónima, llevada a cabo por David Serrano, director de Días de fútbol o Voy a pasármelo bien, entre otras. El planteamiento de la trama es muy similar a otra obra llevada al cine, Un dios salvaje: un conflicto entre dos niños desencadena la trama que consiste en los diálogos a cuatro bandas entre los dos matrimonios, padres de ambos niños. Lo que cambia totalmente entre una y otra obra, es el contexto, la relación entre los matrimonios y los temas tratados en estas conversaciones.

Lapönia goza de un genial diseño de producción, en una casa nórdica de madera y llena de ventanales, que juega también como metáfora visual por los temas tratados en cuanto a transparencia, laberintos, lugares secretos de nuestro ser. Curiosamente no se rodó en Finlandia, sino que esa casa se encuentra el País Vasco. Entre este marco físico, la calidad del texto literario, el marcado perfil de cada personaje y las actuaciones de los cuatro intérpretes, el resultado final es una película entretenida, divertida, con trasfondo y que deja poso, que algo nos remueve por dentro.

Calle Málaga: película buena pero no redonda

 

Calle Málaga es la nueva película de la directora de El caftán azul, Maryan Touzani, que tiene planteamientos muy interesantes, pero que no acaba de  profundizar en ellos ni a darles una salida. La película empieza presentando al personaje de María Ángeles, una tangerina octogenaria espléndidamente interpretada por Carmen Maura y maravillosamente fotografiada, ya que por los tonos alegres y la paleta de colores con que se retrata Tánger en la película, dan ganas de irse a vivir allí. Y el enorme carisma de Carmen Maura capta la atención del espectador desde el primer fotograma y mantiene el interés hasta el final. Sin embargo, las situaciones sugeridas por el guion también resultan sugerentes durante la primera mitad de la película, pero luego van perdiendo fuerza porco hasta llegar a un final algo inconcluso.

Las relaciones familiares, la tercera edad, cómo envejecer con dignidad, estos temas tan interesantes son los que sugiere la película, pero sin acabar de profundizar en ellos. También parece que la directora nos quiere exponer ciertas cuestiones para que cada uno tenga su opinión pero ella no se moja en dar la suya. Acompañan a Carmen Maura, principalmente, Marta Etura en el rol de su hija y el actor y director marroquí Ahmed Boulane encarnando a un anticuario con el que el personaje de Maura entabla un romance.

En resumen, los dos puntos fuertes de Calle Málaga son la magistral interpretación de Carmen Maura y la magnífica fotografía. Es correcta en cuestión de ritmo y las interpretaciones del resto del elenco. Pero en mi opinión, falla en el desenlace del guion, que de entrada pone sobre el tapete temas muy interesantes en los que no acaba de profundizar.

Lo que pasó después de Septiembre 5 nos lo contó Spielberg: Munich

 

La semana pasada publicaba la reseña de Septiembre 5 y es inevitable hablar de esa película sin recordar la formidable Munich de Steven Spielberg, la cual he nombrado varias veces en este blog, lo podéis comprobar con el buscador, pero nunca le había dedicado una reseña entera, porque es una peli de 2005 y yo empecé a escribir el blog en febrero de 2007. Así que, vamos allá.

Hacía tiempo que no la veía y la he vuelto a ver para tenerla más fresca. Munich comienza resumiendo en diez minutos lo que cuenta Septiembre 5 en hora y media, y después continúa la película, que dura dos horas y media, con la reacción de Israel al atentado: organizar un comando secreto que localice y mate a los artífices del atentado. Un comando del Mossad que oficialmente opere desvinculado del servicio secreto israelí. Un comando formado por cinco hombres, cada uno con una especialidad.

A la hora de elegir a los actores que interpretaran e este grupo,  Spielberg tenía claro que quería cinco actores muy distintos entre ellos, del mismo modo que los personajes debían ser también muy diferentes y que cada uno tuviese su propia identidad bien definida y diferenciada. Empezó por el líder del grupo. Durante preproducción de la película, estaba viendo Hulk con sus hijos y le llamó la atención la humanidad que transmitía Eric Bana, el cual estaba terminando el rodaje de Troya cuando recibió una llamada para decirle que Spielberg estaba interesado en ficharle para su nueva película.

En los otros cuatro personajes encontramos los rostros de Daniel Craig, un año antes de saltar al estrellato como 007 en Casino Royale, Ciarán Hinds, secundario de lujo que debutó en los 80 en la mítica Excalibur y hemos podido verlo en títulos como Camino a la perdición, El fantasma de la ópera, Pozos de ambición o la última entrega de Harry Potter, por citar algunos ejemplos. Completan el equipo Hans Zischler, actor alemán que lleva haciendo cine desde 1970 hasta la actualidad y tiene una ingente filmografía, y Mathieu Kassovitz, que participó en títulos míticos del cine francés de los 90 como El quinto elemento o Amélie, y es director de títulos como Los ríos de color púrpura o Gothika.

Especial mención merecen las actrices Ayelet Zurer, por su carisma como la esposa del protagonista, y Lynn Cohen por su recreación de la primera ministra israelí Golda Meir.

La película generó controversia. Spielberg trató de humanizarlos a todos, a pesar de ser él judío, israelíes y palestinos, por lo que recibió críticas de ambas partes. Los agentes del Mossad no son presentados como héroes típicos, sino como hombres que deben matar por su país y tienen serios escrúpulos y dudas a la hora de cumplir su misión, además de la paranoia de ponerse ellos como objetivos a medida que se van eliminando terroristas. El eterno dilema del ojo por ojo que no hace sino generar una venganza tras otra por un lado y por otro. Un dilema moral muy interesante para debatir. ¿Venganza o justicia? Quizá la diferencia esté en los métodos empleados. Si alguien nos agrede y nuestra defensa es un respuesta en la misma forma y manera, ¿en qué nos diferenciamos? Este tipo de cuestiones están muy bien expuestas por parte de Spielberg en Munich.

La película recibió cinco nominaciones a los Óscar e injustamente se fue de vacío. Estaba nominada a mejor película, director, guion adaptado, montaje y banda sonora.

Desde el punto de vista del periodismo: Septiembre 5

 

Ya había comentado en el Balance 2025 que se me habían quedado por ver algunos títulos del año de los que tenía muchas ganas, y uno de ellos era este, Septiembre 5. Es un intenso thriller periodístico sobre el atentado en las olimpiadas de Múnich en 1972 contra atletas israelíes. La película arranca en los estudios de la ABC americana en Múnich desde donde están haciendo la cobertura del gran evento deportivo. De pronto se oyen disparos, no se sabe lo que pasa. Los espectadores, que ya sabemos el argumento, sabemos lo que está pasando, pero la narrativa de la película no lleva por la mirada de ese grupo de periodistas deportivos que se encuentran allí haciendo su trabajo, cómo viven aquellos tensos momentos y cómo van descubriendo poco a poco lo que está pasando.

Se trata de una producción alemana y tercer largometraje de su director Tim Fehlbaum. Mantiene un pulso narrativo adecuado a la historia desde el principio hasta el final. Quizá en algún momento convendría haber subido un poco más la intensidad dramática, para crear algún clímax, subrayar alguna situación, pero al menos el ritmo no decae en ningún momento.

Encabezan el reparto, como rostros más reconocibles, Peter Sarsgaard y Ben Chaplin, aunque las actuaciones que más brillan son las del actor John Magaro y la actriz Leonie Benesch.

Septiembre 5 es en definitiva un buen thriller con buen ritmo, buena ambientación y sólidas interpretaciones. Hace un buen tándem para una doble sesión con Munich, de Steven Spielberg, que narra los hechos que supuestamente ocurrieron después del atentado, la operación secreta del Mossad para encontrar a los culpables de la matanza.

Otra Odisea con menos presupuesto y mucho arte: El regreso de Ulises

 

En plena euforia de La Odisea, es interesante recuperar esta película del año pasado, El regreso de Ulises. Mientras la película de Nolan preparaba su llegada a las pantallas ofreciendo información del rodaje y generando expectativas durante el proceso de producción, llegaba a la cartelera esta película con un presupuesto muchísimo más modesto que el de Nolan, pero con resultado artístico muy interesante.

El regreso de Ulises trata sobre el tercio final de La Odisea, es decir lo que es la llegada de Ulises a Ítaca y cómo se encuentra su isla totalmente arruinada. Su mujer, Penélope, se mantiene firme en mantener la esperanza de que su rey volverá, mientras se ve presionada por un montón de pretendientes codiciosos que desean desposarla para sustituir a Ulises, dando por sentado que este ha muerto. Los habitantes de Ítaca sienten que su rey les abandonó, que llevó a la muerte a muchos de sus compatriotas. Se convirtió en el gran héroe de Troya, pero a costa de dejar muchos cadáveres en el camino.

Ulises y Penélope están interpretados respectivamente por Ralph Finnes y Juliette Binoche, en su tercera película juntos, ya que habían coincidido anteriormente en Cumbres borrascosas y El paciente inglés en los años 90. Ambos están espléndidos en sus roles, pero además, la presencia de Ulises se ve potenciada por una fotografía que le da una textura muy física a las cicatrices del personaje, a su cuerpo castigado por las heridas de batalla pero también por las heridas del alma, los traumas, la culpa. Del mismo modo, la incertidumbre y la angustia de Penélope, que vive sumida en un mundo de sombras, asediada por buitres que ansían el trono de Ítaca, también se ve apoyada por la fotografía que centra muchas de sus apariciones en pantalla en medio de la oscuridad iluminada por la luz titilante del fuego.

En un papel secundario encontramos presencia española con la actriz Ángela Molina en el rol de la madre de Ulises. Dirige la película Uberto Pasolini, un cineasta que se inició en los años 80 como ayudante de dirección de la mítica La misión, de Roland Joffé, y que triunfó en los 90 como productor del gran éxito internacional Full monty.

En definitiva, El regreso de Ulises ofrece una visión más reflexiva y menos espectacular sobre el mítico personaje de Homero, con interpretaciones muy sólidas, una buena fotografía que contribuye a la construcción de los personajes, y que encuentra su punto más débil quizás en algunas caídas de ritmo, pero que en general resulta muy interesante.