Lapönia: comedia familiar para adultos

 

Normalmente, las comedias familiares son para todos los públicos. Se denominan familiares porque son para ver toda la familia, niños y adultos. Sin embargo, Lapönia  tiene el formato de comedia familiar, pero por su contenido, no es para niños. Se trata de dos matrimonios en Navidad hablando sobre las diferencias culturales entre Finlandia y España, sobre las diferentes formas de educar a los hijos, si con la ilusión o con el racionalismo, sobre la verdad y la mentira, en fin, conversaciones de adultos muy interesantes tratadas en clave de comedia y con un elenco estupendo de cuatro intérpretes, que tienen mucha química entre ellos, y funcionan a la perfección desde el principio hasta el final del metraje: Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjom Enger.

Lapönia es la adaptación al cine de la obra de teatro homónima, llevada a cabo por David Serrano, director de Días de fútbol o Voy a pasármelo bien, entre otras. El planteamiento de la trama es muy similar a otra obra llevada al cine, Un dios salvaje: un conflicto entre dos niños desencadena la trama que consiste en los diálogos a cuatro bandas entre los dos matrimonios, padres de ambos niños. Lo que cambia totalmente entre una y otra obra, es el contexto, la relación entre los matrimonios y los temas tratados en estas conversaciones.

Lapönia goza de un genial diseño de producción, en una casa nórdica de madera y llena de ventanales, que juega también como metáfora visual por los temas tratados en cuanto a transparencia, laberintos, lugares secretos de nuestro ser. Curiosamente no se rodó en Finlandia, sino que esa casa se encuentra el País Vasco. Entre este marco físico, la calidad del texto literario, el marcado perfil de cada personaje y las actuaciones de los cuatro intérpretes, el resultado final es una película entretenida, divertida, con trasfondo y que deja poso, que algo nos remueve por dentro.

Calle Málaga: película buena pero no redonda

 

Calle Málaga es la nueva película de la directora de El caftán azul, Maryan Touzani, que tiene planteamientos muy interesantes, pero que no acaba de  profundizar en ellos ni a darles una salida. La película empieza presentando al personaje de María Ángeles, una tangerina octogenaria espléndidamente interpretada por Carmen Maura y maravillosamente fotografiada, ya que por los tonos alegres y la paleta de colores con que se retrata Tánger en la película, dan ganas de irse a vivir allí. Y el enorme carisma de Carmen Maura capta la atención del espectador desde el primer fotograma y mantiene el interés hasta el final. Sin embargo, las situaciones sugeridas por el guion también resultan sugerentes durante la primera mitad de la película, pero luego van perdiendo fuerza porco hasta llegar a un final algo inconcluso.

Las relaciones familiares, la tercera edad, cómo envejecer con dignidad, estos temas tan interesantes son los que sugiere la película, pero sin acabar de profundizar en ellos. También parece que la directora nos quiere exponer ciertas cuestiones para que cada uno tenga su opinión pero ella no se moja en dar la suya. Acompañan a Carmen Maura, principalmente, Marta Etura en el rol de su hija y el actor y director marroquí Ahmed Boulane encarnando a un anticuario con el que el personaje de Maura entabla un romance.

En resumen, los dos puntos fuertes de Calle Málaga son la magistral interpretación de Carmen Maura y la magnífica fotografía. Es correcta en cuestión de ritmo y las interpretaciones del resto del elenco. Pero en mi opinión, falla en el desenlace del guion, que de entrada pone sobre el tapete temas muy interesantes en los que no acaba de profundizar.

Lo que pasó después de Septiembre 5 nos lo contó Spielberg: Munich

 

La semana pasada publicaba la reseña de Septiembre 5 y es inevitable hablar de esa película sin recordar la formidable Munich de Steven Spielberg, la cual he nombrado varias veces en este blog, lo podéis comprobar con el buscador, pero nunca le había dedicado una reseña entera, porque es una peli de 2005 y yo empecé a escribir el blog en febrero de 2007. Así que, vamos allá.

Hacía tiempo que no la veía y la he vuelto a ver para tenerla más fresca. Munich comienza resumiendo en diez minutos lo que cuenta Septiembre 5 en hora y media, y después continúa la película, que dura dos horas y media, con la reacción de Israel al atentado: organizar un comando secreto que localice y mate a los artífices del atentado. Un comando del Mossad que oficialmente opere desvinculado del servicio secreto israelí. Un comando formado por cinco hombres, cada uno con una especialidad.

A la hora de elegir a los actores que interpretaran e este grupo,  Spielberg tenía claro que quería cinco actores muy distintos entre ellos, del mismo modo que los personajes debían ser también muy diferentes y que cada uno tuviese su propia identidad bien definida y diferenciada. Empezó por el líder del grupo. Durante preproducción de la película, estaba viendo Hulk con sus hijos y le llamó la atención la humanidad que transmitía Eric Bana, el cual estaba terminando el rodaje de Troya cuando recibió una llamada para decirle que Spielberg estaba interesado en ficharle para su nueva película.

En los otros cuatro personajes encontramos los rostros de Daniel Craig, un año antes de saltar al estrellato como 007 en Casino Royale, Ciarán Hinds, secundario de lujo que debutó en los 80 en la mítica Excalibur y hemos podido verlo en títulos como Camino a la perdición, El fantasma de la ópera, Pozos de ambición o la última entrega de Harry Potter, por citar algunos ejemplos. Completan el equipo Hans Zischler, actor alemán que lleva haciendo cine desde 1970 hasta la actualidad y tiene una ingente filmografía, y Mathieu Kassovitz, que participó en títulos míticos del cine francés de los 90 como El quinto elemento o Amélie, y es director de títulos como Los ríos de color púrpura o Gothika.

Especial mención merecen las actrices Ayelet Zurer, por su carisma como la esposa del protagonista, y Lynn Cohen por su recreación de la primera ministra israelí Golda Meir.

La película generó controversia. Spielberg trató de humanizarlos a todos, a pesar de ser él judío, israelíes y palestinos, por lo que recibió críticas de ambas partes. Los agentes del Mossad no son presentados como héroes típicos, sino como hombres que deben matar por su país y tienen serios escrúpulos y dudas a la hora de cumplir su misión, además de la paranoia de ponerse ellos como objetivos a medida que se van eliminando terroristas. El eterno dilema del ojo por ojo que no hace sino generar una venganza tras otra por un lado y por otro. Un dilema moral muy interesante para debatir. ¿Venganza o justicia? Quizá la diferencia esté en los métodos empleados. Si alguien nos agrede y nuestra defensa es un respuesta en la misma forma y manera, ¿en qué nos diferenciamos? Este tipo de cuestiones están muy bien expuestas por parte de Spielberg en Munich.

La película recibió cinco nominaciones a los Óscar e injustamente se fue de vacío. Estaba nominada a mejor película, director, guion adaptado, montaje y banda sonora.

Desde el punto de vista del periodismo: Septiembre 5

 

Ya había comentado en el Balance 2025 que se me habían quedado por ver algunos títulos del año de los que tenía muchas ganas, y uno de ellos era este, Septiembre 5. Es un intenso thriller periodístico sobre el atentado en las olimpiadas de Múnich en 1972 contra atletas israelíes. La película arranca en los estudios de la ABC americana en Múnich desde donde están haciendo la cobertura del gran evento deportivo. De pronto se oyen disparos, no se sabe lo que pasa. Los espectadores, que ya sabemos el argumento, sabemos lo que está pasando, pero la narrativa de la película no lleva por la mirada de ese grupo de periodistas deportivos que se encuentran allí haciendo su trabajo, cómo viven aquellos tensos momentos y cómo van descubriendo poco a poco lo que está pasando.

Se trata de una producción alemana y tercer largometraje de su director Tim Fehlbaum. Mantiene un pulso narrativo adecuado a la historia desde el principio hasta el final. Quizá en algún momento convendría haber subido un poco más la intensidad dramática, para crear algún clímax, subrayar alguna situación, pero al menos el ritmo no decae en ningún momento.

Encabezan el reparto, como rostros más reconocibles, Peter Sarsgaard y Ben Chaplin, aunque las actuaciones que más brillan son las del actor John Magaro y la actriz Leonie Benesch.

Septiembre 5 es en definitiva un buen thriller con buen ritmo, buena ambientación y sólidas interpretaciones. Hace un buen tándem para una doble sesión con Munich, de Steven Spielberg, que narra los hechos que supuestamente ocurrieron después del atentado, la operación secreta del Mossad para encontrar a los culpables de la matanza.

Otra Odisea con menos presupuesto y mucho arte: El regreso de Ulises

 

En plena euforia de La Odisea, es interesante recuperar esta película del año pasado, El regreso de Ulises. Mientras la película de Nolan preparaba su llegada a las pantallas ofreciendo información del rodaje y generando expectativas durante el proceso de producción, llegaba a la cartelera esta película con un presupuesto muchísimo más modesto que el de Nolan, pero con resultado artístico muy interesante.

El regreso de Ulises trata sobre el tercio final de La Odisea, es decir lo que es la llegada de Ulises a Ítaca y cómo se encuentra su isla totalmente arruinada. Su mujer, Penélope, se mantiene firme en mantener la esperanza de que su rey volverá, mientras se ve presionada por un montón de pretendientes codiciosos que desean desposarla para sustituir a Ulises, dando por sentado que este ha muerto. Los habitantes de Ítaca sienten que su rey les abandonó, que llevó a la muerte a muchos de sus compatriotas. Se convirtió en el gran héroe de Troya, pero a costa de dejar muchos cadáveres en el camino.

Ulises y Penélope están interpretados respectivamente por Ralph Finnes y Juliette Binoche, en su tercera película juntos, ya que habían coincidido anteriormente en Cumbres borrascosas y El paciente inglés en los años 90. Ambos están espléndidos en sus roles, pero además, la presencia de Ulises se ve potenciada por una fotografía que le da una textura muy física a las cicatrices del personaje, a su cuerpo castigado por las heridas de batalla pero también por las heridas del alma, los traumas, la culpa. Del mismo modo, la incertidumbre y la angustia de Penélope, que vive sumida en un mundo de sombras, asediada por buitres que ansían el trono de Ítaca, también se ve apoyada por la fotografía que centra muchas de sus apariciones en pantalla en medio de la oscuridad iluminada por la luz titilante del fuego.

En un papel secundario encontramos presencia española con la actriz Ángela Molina en el rol de la madre de Ulises. Dirige la película Uberto Pasolini, un cineasta que se inició en los años 80 como ayudante de dirección de la mítica La misión, de Roland Joffé, y que triunfó en los 90 como productor del gran éxito internacional Full monty.

En definitiva, El regreso de Ulises ofrece una visión más reflexiva y menos espectacular sobre el mítico personaje de Homero, con interpretaciones muy sólidas, una buena fotografía que contribuye a la construcción de los personajes, y que encuentra su punto más débil quizás en algunas caídas de ritmo, pero que en general resulta muy interesante.

La Odisea, un gran viaje en todos los sentidos

 

La Odisea cuenta el viaje de vuelta a casa de Odiseo y su ejército tras su victoria en la batalla de Troya. Por un lado es un viaje lleno de aventuras, donde se deben enfrentar a seres mitológicos, como el cíclope Polifemo o la bruja Circe, por ejemplo. Por otra parte es un viaje interior de Odiseo, de enfrentarse con sus propios fantasmas, a su arrogancia por desafiar a los dioses, a su conciencia por las atrocidades en la batalla de Troya, pero además es la lucha por volver a casa junto a su amada esposa Penélope y su hijo Telémaco.

Además de los viajes que nos cuenta la historia, también está el viaje que Nolan propone al espectador, que como viene siendo habitual en sus películas, convierte el visionado del filme en una experiencia sensorial. La capacidad de Nolan para crear una atmósfera totalmente absorbente con la combinación de la música con los encuadres,  la puesta en escena y la fotografía, dando como resultado un tono hiperrealista y frío. Este estilo lo ha llevado a distintos ámbitos, como el cómic, con la trilogía de Batman, la guerra, con Dunkerque, el cine de espías con Tenet, la ciencia ficción con Interstellar, e incluso con el mundo del ilusionismo del siglo XIX con El truco final. Ahora lleva este estilo tan personal suyo a la Grecia clásica de Homero, dando un resultado curioso, porque si bien tanto hiperrealismo puede chocar a la hora de retratar un mundo de criaturas mitológicas, que no son reales, el caso es que la película funciona. Incluso el retrato de las diosas Atenea o Calipso, son muy terrenales en apariencia, pero la esencia de lo que cuenta se transmite al espectador, ya que las interpretaciones de Zendaya y Charlize Theron, respectivamente, resultan convincentes.

Y hablando ya del elenco, La Odisea cuenta en general con estrellas de primera línea, como las ya nombradas. Un casting encabezado por Matt Damon como Odiseo, impresionante, repartiendo estopa como en la saga Bourne y además dando profundidad al personaje, secundado por Anne Hathaway como Penélope, que este año también está en cartelera con El diablo viste de Prada 2, Tom Holland, el actual Spiderman del universo Marvel, como Telémaco, y Robert Pattinson, el otrora vampiro de la saga Crepúsculo, como el villano de la función.

La Odisea de Nolan es eso, muy de Nolan, dura casi tres horas, pero no se hace larga, es una experiencia, es un viaje a la antigua Grecia, al mundo mitológico y al mundo interior, aquel en el que cada uno debe lidiar con sus propios fantasmas. Es épica, es espectacular y tiene una producción colosal. Además, ha dejado algún plano icónico, de estos que pasarán a la historia, como el del caballo de Troya en la playa. Es una de las mejores películas del año, sin duda.

Rondallas, viva la vida

 

Se estrenó el 1 de enero de este año en cines, y es una muy buena forma de empezar el año, porque Rondallas es una película positiva, entrañable, divertida y emocionante.  La trama versa sobre una comunidad de luto, un pueblo pesquero de Galicia en el que un barco naufragó y murieron varios tripulantes, entre ellos, el patrón del barco, que además era el líder de la rondalla del pueblo, un grupo de música tradicional. Dos años después de la tragedia, la rondalla está disuelta y los habitantes del pueblo siguen con sus vidas sumidos en la melancolía. El mejor amigo del patrón del barco, encarnado por Javier Gutiérrez, propone reunir de nuevo a la rondalla para participar en el concurso anual de rondallas y así levantar los ánimos de la comunidad.

Rondallas es una película sobre la superación del duelo a través de la música y el trabajo en equipo, sobre el acercamiento a quienes nos rodean, sobre el reencontrarse con uno mismo y con los demás después de haber perdido un poco el norte, y sobre recuperar la ilusión por disfrutar de las cosas buenas de la vida, que son muchas y muy sencillas, pero a veces perdemos la perspectiva cuando la tragedia nos pasa por encima como una apisonadora.

Como decía antes, encabeza el elenco Javier Gutiérrez con su carisma habitual, protagonista estelar de Campeones, El desconocido o La isla mínima,  pero realmente quien brilla por encima del resto es la actriz María Vázquez, a la que hemos podido ver en títulos como Matria, Quien a hierro mata o Mataharis. Su presencia en la pantalla es notoria en cada escena en la que interviene. En general, todo el elenco trabaja muy bien y todos los personajes rezuman autenticidad, y eso hace que todas las escenas resulten interesantes, sean quienes sean los que salgan en ellas.

Dirige Daniel Sánchez Arévalo y consigue una película con un acabado técnico y un ritmo narrativo sensacionales, pero su mayor virtud, su mayor logro en este filme, es el mágico equilibrio entre drama y comedia. Hay momentos cómicos que funcionan muy bien, que oxigenan el relato, pero sin desdramatizar los hechos. Consigue emocionar, pero sin caer en el sentimentalismo exagerado. A pesar de ser un relato de ficción, es un retrato realista de una comunidad con unas tradiciones, una cultura y un modo de vida muy concretos a los que el director se acerca con todo el respeto y se nota su sensibilidad y empatía hacia ese microcosmos en el que desarrolla su película.

El pasado mes de febrero, Rondallas recibió la medalla Platino Educa de la Solidaridad en gala de medallas del CEC.