Cleaner: rescate vertical, eficacia sin novedad

 

Si cogemos el escenario de La jungla de cristal, el rascacielos de una gran corporación, le añadimos el perfil del protagonista de Alerta máxima, un militar degradado a cocinero, pero esta vez en mujer  expulsada del ejército que se gana la vida como limpiaventanas, pues tenemos Cleaner: rescate vertical, una película de acción con mucho espíritu de este tipo de películas de los años 90, en parte debido a su director, el veterano y gran artesano de la adrenalina en pantalla, Martin Campbell, responsable de títulos como Goldeneye, Casino Royale o La máscara del Zorro. Curiosamente el propio Campbell dirigió el regreso de Mel Gibson ante las cámaras en 2010 con Al límite, donde también, igual que en Cleaner, trataba el tema de los activistas ecologistas radicales.

En otros aspectos también recuerda a aquella película, en cuanto a ser un largometraje de acción bien realizado, entretenido, abundante en clichés, sin innovar, pero sin tampoco pretenderlo. Es una de estas pelis cuya falta de pretensiones se convierte en su mejor baza. Un entretenimiento hecho con oficio que da lo que promete, sin más, y se deja ver con agrado.

Protagoniza Daisy Ridley, la protagonista de los episodios VII, VIII y IX de Star Wars, que aunque comparte cabeza de cartel con Clive Owen, este tiene un papel relevante pero breve, cediendo más protagonismo al joven Taz Skylar. La trama versa sobre una limpiaventanas de  una compañía energética, con pasado militar, una infancia difícil y un hermano autista a su cargo, que está a punto de ser despedida por llegar tarde, y que sigue trabajando en el exterior del rascacielos al final de la jornada laboral cuando se celebra una fiesta de accionistas, con invitados especiales de alta relevancia, por los grandes beneficios de la empresa. De repente, un grupo de ecologistas radicales irrumpen en la ceremonia con la intención de hacer confesar a los altos cargos todos los trapos sucios de la energética, que no es tan sostenible ni ecológica como dicen.

Cumbres borrascosas: la pasión desatada entre Barbie y Frankenstein

 

La enésima adaptación de la célebre obra de Emily Brontë, Cumbres borrascosas, en esta ocasión, en una coproducción británica y estadounidense con una pareja protagonista muy curiosa: Margot Robbie, protagonista de Barbie, y Jacob Elordi, coprotagonista de Frankenstein, encarnando al monstruo, papel por el que fue nominado al Óscar. Y es que aquí ambos tienen reminiscencias de aquellos papeles. Ella es como una chica burguesa y él es un bruto con traumas infantiles y mucho magnetismo. Robbie es Catherine, una chica de alta sociedad venida a menos por la adicción de su padre al juego, y Elordi es Heathcliff, un niño rescatado de la calle por ese padre en un arranque de solidaridad, que se cría junto a Catherine como si fueran hermanos, pero con la diferencia de clase a la que cada uno pertenece. Cuando son adultos, el amor y la pasión surgen entre ambos, pero la relación se complica por esas diferencias de clase.

Una trama de amores truncados y pasiones desatadas servida por la directora y guionista británica  Emerald Fennell, tratando de ofrecer la historia tantas veces vista de una forma totalmente diferente. El riesgo la honra, aunque el resultado no siempre funciona del todo. Introduce música moderna en una ambientación de época, lo cual se ha hecho antes en otras películas, y aquí también funciona muy bien. Por otra parte, utiliza un estilo visual muy extremo, muy barroco, con texturas muy orgánicas, que juega entre el terror y el drama extremado y que unas veces funciona bien y otras veces resulta grotesco o un poco desagradable sin justificación. Eso hace que haya cierta dispersión de tono y que despiste un poco al espectador en cuanto a qué nos quiere decir la directora. Se podría decir que el estilismo visual prima sobre la hondura emocional de los personajes.

En cuanto a los intérpretes, la química entre la pareja protagonista es buena. De los secundarios cabe destacar especialmente a la actriz irlandesa Alison Oliver, en el papel de Isabella. Y los niños que interpretan a los protagonistas en su infancia también trabajan muy bien. El resto del elenco cumple bien su cometido.

Por tanto se puede concluir que esta nueva versión de Cumbres borrascosas es una película no redonda del todo, pero tampoco fallida, sino que quizá experimenta excesivamente con el estilismo en esa búsqueda de innovar con algo ya muy conocido. Algo de sutileza en algunos momentos no le vendría mal, pero en general es una película interesante y con buenos intérpretes.

La hegemonía de James Cameron en la taquilla se tambalea en 2026

 Hasta este año, James Cameron mantenía desde 1997 el liderazgo de la taquilla mundial. Titanic desbancó ese año a Parque Jurásico y el propio Cameron se desbancó a sí mismo en 2009 con Avatar, que ha sido la película más taquillera de la historia hasta este año. No solo eso, sino que de las cuatro primeras del ranking, tres eran suyas: Avatar en primer puesto, Avatar: el sentido del agua en el tercero y Titanic en cuarta posición.

¿Qué ha pasado este año? Pues que la segunda hasta ahora, que era Vengadores: Endgame, se ha reestrenado este año bajo el título Vengadores:Endgame Encore con material adicional para darle continuidad con el próximo estreno de Vengadores: Doomsday, y con este nuevo pase por las salas ha conseguido hacerse con el primer puesto de la taquilla. Además, un estreno nuevo de este año ha alcanzado también los primeros puestos: Spiderman: Brand new day ha entrado en el tercer puesto del ranking. Por otro lado, el fenómeno chino de 2025, Ne Zha 2, entró en el quinto puesto, pero tras los últimos ajustes y el final de su periplo por las salas internacionales, ha superado por muy poco a Titanic, que cae al sexto puesto.

La verdad es que me parece un relevo un poco triste, que el liderato de la película más taquillera de la historia tras mantenerse desde 2009, se haya producido por un reestreno, cuando llevábamos desde 1982 con dos directores estrella revolucionando la industria del cine con sus taquillazos. En el 82 fue E.T., de Spielberg, para superarse a sí mismo en el 93 con Parque Jurásico y ser luego sustituido por Cameron con Titanic en el 97 y luego con Avatar en 2009, y en 2026 cambia el número uno de la lista con una película de 2019 que se reestrena con unos minutos adicionales de metraje, pero en fin, así es la industria.

Viaje al país de los blancos: las buenas personas obran milagros

 

Ousman Umar, fundador de la ONG NASCO Feeding Minds, escribió un libro contando su increíble historia. Un adolescente ghanés que emigró a España en busca de una vida mejor, impulsado por la curiosidad y gran afán de superación personal. Sobrevivió al desierto del Sáhara y la travesía marítima en patera. Pero el país de los blancos, la tierra prometida, no era lo que esperaba, hasta que se cruzó en su camino otra persona con tan buenas intenciones como él, una mujer que lo acogió, convirtiéndose ella y su marido en los tutores legales de Ousman, con lo que él tuvo ocasión de estudiar y aprovechó al máximo las oportunidades que se le abrieron. Cuando se juntan dos buenas personas, con sentimientos nobles, aparece la magia, surgen historias milagrosas como esta.

Dani Sancho, realizador de documentales, debuta en la dirección de ficción con la adaptación a la pantalla de esta historia, Viaje al país de los blancos, en la que, según sus propias palabras, quería evitar caer en estereotipos sórdidos, tremendistas o sensibleros de las historias sobre inmigración ilegal, y la verdad es que lo ha conseguido con creces. El tono de la película alcanza ese mágico equilibrio de tono sin cargar demasiado en ningún aspecto estereotipado. La película se ha rodado tanto en Ghana como en España. La fotografía, las localizaciones, la envergadura de la producción se nota.

El propio Ousman se interpreta a sí mismo en la parte adulta de su vida. Su versión adolescente, que lleva principalmente el grueso de la trama, está interpretado por Benjamin Kakraba, que debuta como actor en esta película y es espectacular. Le secunda la actriz Emma Vilarasau, en el papel de su madre adoptiva, que hace un papel sensacional, que rezuma autenticidad.

Viaje al país de los blancos es una película que trasciende al tema obvio de la inmigración convirtiéndose en una historia de amor incondicional, afán de superación, crecimiento personal y la necesidad de creer y confiar los unos en los otros para lograr grandes cosas en la vida. La iniciativa y la tenacidad son fundamentales, pero también lo es dar con las personas adecuadas en las que apoyarse, y la historia de Ousman es prueba de ello, tal como nos muestra esta película.

Revisión interesante: El hombre que pudo reinar (1975)

 

John Huston llevó a la pantalla el clásico de aventuras de Rudyard Kipling El hombre que pudo reinar con tres actores de primera línea: Sean Connery, Michael Caine y Christopher Plummer. El relato de dos exmilitares británicos en la India colonial, que tras prestar su servicio, en vez de regresar a Inglaterra, deciden quedarse por esas tierras en busca de fortuna con todo tipo de artimañas hasta que se les ocurre la gran idea: irse al país vecino de Kafiristán, dominado por tribus enfrentadas entre sí, y ofrecer sus conocimientos militares y armas de fuego para adiestrar a una de esas tribus frente a sus adversarios y así ganarse su confianza y poder acceder a los tesoros que estos pueblos poseen.

La pareja de pícaros emprendedores, de voluble ética, y desprecio a la autoridad, pero con empuje, simpatía y orgullo, está encarnada por Michael Caine y Sean Connery. El tono de la película y la esencia de estos personajes queda muy bien reflejada en una frase del personaje de Caine: cuando se encuentran con un jefe tribal, y tras mostrar sus armas de fuego y habilidades, este les pregunta si son dioses, a lo que Caine, riendo socarronamente, contesta: «No, no somos dioses, somos británicos, que es casi lo mismo». 

Ambos protagonistas son secundados por Christopher Plummer, que encarna al periodista que cuenta la historia y que sirvió de testigo cuando ambos aventureros firmaron su acuerdo para emprender su descabellado plan de conquista. Este periodista en la obra original no tiene nombre y está inspirado en la propia experiencia de Kipling como corresponsal, pero en la película toma el nombre del autor, Rudyard Kipling

Una película deliciosa sobre el emprendimiento y la aventura que encierra valores como la amistad, la codicia o la lealtad. Un cuento moral con humor, acción y unos personajes inolvidables que encarnan brillantemente la picaresca británica.

Una de las favoritas de su propio autor: El fuera de la ley (1976)

En numerosas ocasiones he oído que cuando a Clint Eastwood le preguntaban por sus películas favoritas de su filmografía, y actualmente, ya retirado, también le han preguntado, y siempre salen títulos como Sin perdón, su primer Óscar como director y el inicio de su mejor época como autor, Bird, que para él fue un proyecto personal importante,  pero a mí siempre me ha llamado la atención que nombrase El fuera de la ley, porque en mi recuerdo de los westerns que ha dirigido, es de los que menos me impactó cuando lo vi. Habría entendido que citara antes El jinete pálido o incluso Infierno de cobardes, pero para él, este está entre sus favoritas.

La he vuelto a ver hace poco, por si con la perspectiva del tiempo cambiaba mi opinión. Lo cierto que es que la valoro mejor ahora, me parece más buena de lo que recordaba, pero aún así, sigo prefiriendo las antes nombradas. Por ello he indagado un poco, para ver por qué siempre ha figurado entre sus favoritas, y parece ser que El fuera de la ley, como director, fue la primera con la que obtuvo un mayor beneplácito del público. Además, el tema que trata sobre la Guerra de Secesión, es algo que en la cultura estadounidense toca más hondo que el público europeo.

La trama es sobre un granjero llamado Josey Wales, que en la Guerra de Secesión, pierde a su mujer y a su hijo a manos de un comando del norte que saquea su granja. Al perderlo todo, se alista con la milicia sureña y se acaba convirtiendo en leyenda. Terminada la guerra, el bando vencedor ofrece un acuerdo de paz a las guerrillas del bando perdedor, a lo que él se niega y es perseguido como proscrito.

Hace poco nombraba esta película en la reseña de El precio de la red, por una frase muy gráfica que tiene mucho que ver con la falsedad de hoy en día a todos los niveles, cuando la gente te dice una cosa y quiere hacerte ver que algo es maravilloso cuando es claramente lo contrario. El personaje de Fletcher, líder de la milicia a la que se une Wales, cuando le están hablando sobre las condiciones del acuerdo de paz para los guerrilleros que se rindan, le contesta: «Dice otro viejo proverbio: si me orinas encima, no me digas que está lloviendo». Me parece sensacional esta frase, y no me faltan ocasiones en el día a día en las que podría decírsela a unas cuantas personas.

Esta película, que cumple 50 años este año, fue la primera colaboración entre Eastwood y Sondra Locke, y a raíz de la cual iniciaron un romance que duraría hasta 1989 y durante el cual hicieron varias películas juntos.

Retribution, un remake con más presupuesto y menos identidad (2023)

 

A colación del estreno de Prime crime: a true story, he visto hace poco otra película sobre estafas millonarias y sus consecuencias: Retribution, protagonizada por Liam Neeson. Me llamó la atención especialmente porque se trata de un remake americano, o más bien internacional, ya que es coproducción, de una película española que personalmente me gusta mucho: El desconocido.

Un financiero que vive cómodamente con un trabajo legal, pero no siempre honesto del todo, recibe una mañana, mientras conduce llevando a sus hijos al colegio, una llamada de un desconocido que le quiere hacer pagar por sus pecados: tiene una bomba en el coche y si no hace todo lo que le vaya diciendo o si intenta huir, la bomba estallará.

La propia trama nos lleva a una película llena de adrenalina, con una carrera de supervivencia contrarreloj. En ese sentido, Retribution cumple. Sin embargo, no llega a la altura de El desconocido. ¿Y por qué? Tiene 20 millones de presupuesto frente a los 4 millones que tenía la original. Tiene el carisma de Liam Neeson, que realmente lleva bien el cargar con el peso de toda la película a sus espaldas. El papel original lo hacía Luis Tosar, también con gran presencia en pantalla. Ahí están empatadas. La cuestión es que el El desconocido, a pesar de tener menos presupuesto, tiene identidad propia, es más genuina. Retribution tiene más medios, pero no pasa de ser una película de acción más dentro de la industria hollywoodiense. Me recuerda un poco al caso de La asesina, el remake americano del éxito francés Nikita, de Luc Besson. En ambos casos, Retribution y La asesina, en mi opinión, caen en la misma trampa, y es hacer películas en la media de la industria a partir de obras que en Europa tuvieron éxito por ser diferentes a la media.