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Cinco películas de ayer que parecen de hoy

Hay películas por las que no pasa el tiempo, y es que en realidad, por muy modernos que queramos ser, no hay nada nuevo bajo el sol. Cambia...

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miércoles, 12 de septiembre de 2018

Increíblemente divertida

Una de las ventajas de la animación es que puedes hacer una secuela en cualquier momento sin que los actores envejezcan. Eso pasa con Los increíbles 2. Comienza exactamente donde terminó la primera hace ya catorce años y los personajes siguen como entonces.

La primera entrega ya era divertida, pero esta secuela tiene momentos realmente desternillantes, principalmente debido al protagonismo que en esta ocasión le dan al bebé Jack Jack, que se convierte, sin duda, en la estrella cómica de la función, con permiso de su hermano Dash, que también tiene sus momentos de gloria.

Tras el desenlace de la anterior película, en que los superhéroes en la clandestinidad vuelven a la acción para salvar la ciudad, se reabre el debate sobre si readmitirlos o no en la sociedad. El empresario Winston Deavor, magnate de las tecnologías y gran admirador de los superhéroes, propone a Elastigirl para lanzar un nuevo producto de cámaras incorporadas en trajes para que se graben sus hazañas y así se gane el favor del público. Mientras ella anda por ahí luciendo sus poderes, su marido, Mr. Increíble, debe cuidar de los niños.

Los personajes conservan la chispa y la frescura de la primera parte y a nivel de contenido se mantiene el foco en las relaciones entre padres e hijos, en la unión familiar. Las escenas de acción son vibrantes y la estética de la película muy atractiva, como su predecesora, con esa mezcla de cine de superhéroes, aventuras y espías con cierto aire retro.

Los increíbles 2, en definitiva, es trepidante y divertida a la altura de su predecesora. Una gran secuela.

viernes, 31 de agosto de 2018

¡«Mamma mia», vaya fiesta!

Se termina agosto y qué mejor forma de acabar el periodo vacacional que con una refrescante fiesta en un cine de verano. Mamma mía! Una y otra vez es la película adecuada para ello. Paisajes griegos y coreografías a ritmo de Abba, todo un pelotazo de buen rollo.

La primera parte, Mamma mía!, era la adaptación al cine del musical homónimo y fue dirigida en 2008 por Phyllida Lloyd, que suponía su debut como directora para la gran pantalla tras dirigir una «TV Movie». La historia es la de una joven llamada Sophie, que va a casarse e invita a la boda a los tres hombres que podrían ser su padre, ya que su madre, Donna, nunca estuvo segura de cuál de los tres era.

Diez años después llega la secuela: Mamma mía! Una y otra vez, que mantiene el tono de «feel good movie» de su predecesora, es decir, de película que te hace sentir bien. En esta ocasión, se hace un recorrido por el pasado, por la historia de cómo Donna conoció a los tres hombres de su vida, mientras en el presente, Sophie está a punto de reabrir el resort de su madre, convertido ahora en el hotel que Donna siempre soñó con tener, un año después del fallecimiento de esta.

Dirige esta vez el guionista británico Ol Parker, la que es su tercera película como director. Narrativamente llama la atención la fluidez y nitidez con que maneja los saltos temporales entre las dos épocas que relata y que se entremezclan durante todo el metraje. Técnicamente, también resultan llamativas algunas de las transiciones usadas para estos cambios. Él mismo también se ha encargado del guión del filme.

Repite Amanda Seyfried en el papel de Sophie, así como Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgard como sus tres presuntos padres y Julie Walters y Chritine Baranski como las amigas de Donna. Para la reconstrucción histórica, el papel de Donna en versión juvenil, recae en Lily James, quien había destacado en el elenco de Baby Driver y aquí defiende con gran convicción el carismático personaje encarnado por Meryl Streep en la primera entrega.

Las relaciones entre padres e hijos siguen estando de trasfondo, como en su predecesora, aunque quizá en esta tengan algo más de calado dramático, a pesar de que lo fundamental sigue siendo el lúdico espectáculo musical. Canciones, bailes, humor, amor, pero sobre todo, muy buenas vibraciones.

sábado, 25 de agosto de 2018

Espías en Beirut

Tony Gilroy, guionista de la saga sobre Jason Bourne, se encarga de otra trama de espías en El rehén (Beirut), la nueva película de Brad Anderson, director de El maquinista o Session 9. Se trata de una trama de ficción enmarcada en un conflicto histórico, una fórmula que suele funcionar bastante bien. En este caso la acción se desarrolla con la guerra civil libanesa, que tuvo lugar entre 1975 y 1990. La película arranca en 1972, en el escenario prebélico, para presentarnos al protagonista, un diplomático estadounidense llamado Mason Skiles, destinado en Beirut y felizmente casado con una libanesa. Tras un trágico incidente, regresa a Estados Unidos y la acción da un salto de diez años. Con el Líbano en plena guerra civil, la CIA solicita a Mason, retirado del servicio diplomático, que regrese a Beirut para llevar a cabo una negociación que solo él puede realizar.

Protagoniza Jon Hamm, conocido especialmente por la serie Mad Men, con gran convicción y carisma en un papel que le sienta como un guante. Se convierte así en estrella absoluta de la función. Le acompaña, aunque en un segundo plano, Rosamund Pike, la otrora chica Bond de Muere otro día.

Narrativamente el filme es muy nítido, en todo momento es fácil de entender lo que está sucediendo. A veces, en este tipo de historias, ocurre que se hace algo confuso su seguimiento por un exceso de nombres y mucho vocabulario técnico del mundo político y de las fuerzas de seguridad. En este caso, es de agradecer que eso no ocurra. Por otro lado, al tratarse de un diplomático y no de un agente, no hay tanta acción como en la saga Bourne, pero sí está narrada con esa intensidad y las pocas escenas de acción que tiene están muy bien ejecutadas.

La película se rodó en Marruecos con un presupuesto más ajustado de lo previsto en un principio. Inicialmente iba a ser una película de estudio, pero finalmente se produjo de forma independiente.

El rehén es un trepidante, entretenido y vibrante thriller de espías con trasfondo político, un protagonista carismático, una narrativa nítida y un ritmo muy fluido. Una película impecable.

lunes, 13 de agosto de 2018

Sexta misión imposible con algunas novedades

Misión Imposible: Fallout es la sexta entrega de la saga de espías iniciada en 1996 con gran entusiasmo por Tom Cruise. Desde el principio estableció ciertas pautas a seguir en el desarrollo de la saga y actualmente unas siguen vigentes y otras no, lo cual no ha hecho mella en la calidad de la película, sino que incluso estamos ante una de las entregas más redondas de la saga.

Cruise siempre quiso hacer él secuencias de acción sin dobles y que en pantalla se le viese bien el rostro para que se supiera que es él quien está ejecutando la escena. A pesar de que han pasado 22 años desde la primera entrega y que ya cuenta con 56 primaveras, sigue fiel a su promesa y nos vuelve a deleitar con espectaculares, vibrantes y sorprendentes secuencias de acción en esta nueva entrega. Incluso, durante el rodaje, se lesionó una rodilla durante la ejecución de una escena en la que debía saltar de la azotea de un edificio.

Por otra parte, había dicho en un principio, que le interesaba que cada película de la franquicia fuese dirigida por diferentes cineastas para que cada cinta tuviese un estilo propio. Esto se ha mantenido hasta ahora. En MI: Fallout, repite tras las cámaras Christopher McQuarrie, quien debutó en la saga con la quinta misión, Nación secreta, tras haber trabajado con Cruise en Jack Reacher. Los otros cuatro directores que han trabajado en la saga han sido, en orden cronológico, Brian De Palma, John Woo, J.J. Abrahms y Brad Bird.

Otro cambio que se ha producido en la sexta aventura, aunque no tengo constancia de que hubiese ninguna norma preestablecida al respecto, es que por primera vez un villano repite papel. El líder de El Sindicato, Solomon Lane, interpretado por Sean Harris en Nación secreta, vuelve a estar presente en Fallout.

Destacan los nuevos fichajes de Henry Cavill y Angela Basset, y repiten papel Simon Pegg, Ving Rhames, Rebecca Ferguson, Alec Baldwin y Michelle Monaghan. La música corre a cargo esta vez de Lorne Balfe, que logra unas atmósferas muy interesantes en algunas secuencias. Ha compuesto partituras para títulos recientes como 12 valientes o Ghost in the shell.

La trama gira en torno a la recuperación de tres núcleos de plutonio que han caído en manos enemigas tras una misión fallida. Persecuciones en moto, helicópteros, peleas cuerpo a cuerpo, juegos de máscaras, todo lo necesario para un refrescante y vibrante cóctel veraniego de espías y acción espectacular, en una de las entregas más redondas de la saga.

sábado, 21 de julio de 2018

Cinco películas de ayer que parecen de hoy


Hay películas por las que no pasa el tiempo, y es que en realidad, por muy modernos que queramos ser, no hay nada nuevo bajo el sol. Cambian las formas, las tecnologías, pero el ser humano sigue siendo el mismo, y más si hablamos de diferencias en décadas, que a ni siquiera un siglo llega. Como muestra, he seleccionado cinco películas en blanco y negro que reflejan distintos ámbitos de la sociedad y que mantienen una vigencia total hoy en día, a pesar de que se hayan estrenado hace más de 50 años. El orden es meramente cronológico, de más antigua a más moderna, no obedece a ninguna valoración de la calidad de las películas.


1. Tiempos modernos (Modern times, Charles Chaplin, 1936)
Un buen título para los años 30 que podría seguir aplicándose en el siglo XXI. El plano de apertura de la película en la que se ve un rebaño de ovejas moviéndose al unísono, que se funde con otro de obreros entrando en una fábrica, podría repetirse perfectamente con una imagen actual de un parque empresarial o industrial en hora punta. La deshumanización del ambiente laboral en favor de las máquinas, es algo aún vigente, con la diferencia de que se han sustituido las palancas y engranajes por los ordenadores. Incluso en esta película ya se esbozaba la videoconferencia, en forma videovigilancia del jefe a los operarios.

2. Luna nueva (His girl friday, Howard Hawks, 1940)
Desternillante y frenética comedia de Howard Hawks ambientada en el mundo del periodismo, que pone de relieve las miserias éticas de los políticos y el periodismo sensacionalista. Al mismo tiempo, la batalla de los sexos viene dada por una pareja sensacional: el editor de un periódico y su ex mujer, también periodista, interpretados por Cary Grant y Rosalind Russell. El papel de ella es el de una mujer moderna más auténtica y genuina que muchos personajes femeninos actuales que se pretenden modernos pero no van más allá de un mero cliché superficial y sin fuerza.
3. Eva al desnudo (All about Eve, Joseph Mankiewicz, 1950)
Los trepas oportunistas sin escrúpulos están a la orden del día, pero no es nada nuevo. Esta película nos muestra sin trampa ni cartón las artimañas de una actriz de teatro para pasar de la nada al estrellato a costa de otra actriz ya consagrada. Sensacionales interpretaciones de Anne Baxter y Bette Davis.
4. Cautivos del mal (The bad and the beautiful, Vincent Minnelli, 1952)
Las relaciones amor/odio de una actriz, un guionista y un director con un productor egoísta y arrogante pero de gran talento. Toda una lección sobre los entresijos del mundo del cine. Aunque hoy Hollywood hace más autocrítica con las miserias de la fábrica de los sueños, en su años dorados, la década de los 50, ya algunos mostraban sin tapujos el lado oscuro de la industria más glamurosa del mundo.

5. El apartamento (The apartment, Billy Wilder, 1960)
Infidelidades, tráfico de favores, oportunismo, ambición por subir en el escalafón, todas las miserias que se dan hoy en día en las oficinas de una gran empresa, ya fueron plasmadas en el 60 por el gran Billy Wilder con esta fantástica tragicomedia, que conserva toda su fuerza hoy en día.

miércoles, 11 de julio de 2018

Sicario, de nuevo contra los cárteles mexicanos

El canadiense Dennis Villeneuve, responsable de la secuela Blade Runner 2049, nos trajo en 2015 la película Sicario, protagonizada por Josh Brolin, Benicio del Toro y Emily Blunt. El argumento giraba en torno a una operación de la CIA contra los cárteles de la droga mexicanos en la frontera con Estados Unidos.

El mismo equipo de producción nos trae ahora una secuela: Sicario, el día del soldado, con los mismos protagonistas, salvo Emily Blunt. Brolin y Del Toro retoman sus personajes, un agente de la CIA con una misión que cumplir y un sicario colaborador habitual. En esta ocasión, la actividad de los cárteles en la frontera se ha recrudecido y ahora ayudan a terroristas islamistas a entrar en Estados Unidos. La CIA se plantea hacer que los cárteles se enfrenten entre ellos para debilitar su poder. Para ello, montan un operativo para secuestrar a la hija de uno de los narcotraficantes más importantes, con el fin de culpar a sus competidores.

Esta vez, los productores han contado con el director italiano Stefano Sollima, curtido en series de televisión policiacas. El guión es de Taylor Sheridan, actor que debutó como guionista precisamente con la primera entrega de Sicario, al que seguirían los libretos de Comanchería y Wind River antes de esta secuela.

El tono de Sicario, el día del soldado mantiene una continuidad totalmente armónica con la primera parte. El tipo de fotografía empleado y la música inquietante, casi omnipresente en todo el metraje, son dos constantes que le dan una uniformidad tonal a la saga. Por otra parte, aunque el ritmo narrativo es prácticamente el mismo, y a pesar de un par de situaciones resueltas de un modo algo forzado, la narrativa en conjunto resulta más fluida y redonda en esta secuela que en su predecesora. Un destello de redención en el personaje de Benicio del Toro, lo hace más cercano al espectador, a falta del contrapunto positivo que suponía el personaje de Emily Blunt en la primera película, para arrojar algo de luz en medio de la oscura ambigüedad moral que envuelve a ese sórdido universo que es la guerra sucia contra el aún más sucio negocio del narcotráfico.

lunes, 25 de junio de 2018

Mansión jurásica

En el primer semestre del año hemos podido disfrutar de Steven Spielberg por triplicado. Empezamos con el Spielberg «director serio y comprometido» en Los archivos del Pentágono. Luego llegó su faceta más mágica y espectacular con Ready Player One y ahora le tenemos en cartelera como productor con una nueva entrega de su mítica saga de dinosaurios: Jurassic World 2: el reino caído.

La anterior entrega, Jurassic World, era la continuación lógica de la primera trilogía: tras los errores cometidos, finalmente, veinte años después, el parque era una realidad. Aparte de eso, la gran baza del filme fue la nostalgia. Una vez quemado este cartucho, no parecía que se pudiera estirar más el tema, ya que los nuevos personajes, la ejecutiva encarnada por Bryce Dallas Howard, y el adiestrador de velocirraptores, interpretado por Chris Pratt, no tenían demasiado calado para continuar sin las reminiscencias del pasado.

Sin embargo, los guionistas Colin Trevorrow y Derek Connolly, han conseguido algo nuevo para la saga: un nuevo escenario. Ambos se habían encargado ya del guión en la anterior entrega junto a Rick Jaffa y Amanda Silver. Además, Trevorrow se había hecho cargo de la dirección, que en esta secuela ha cedido a un director español: Juan Antonio Bayona, responsable de El orfanato, Lo imposible y Un monstruo viene a verme.

La acción de la película se enmarca, principalmente en dos escenarios. Arranca con una operación de rescate de dinosaurios en Isla Nublar, donde se había construido el parque. Un volcán ha entrado en erupción y amenaza con extinguir a todos los dinosaurios que ahora campan a sus anchas por la isla. Para evitar su extinción, se envía una expedición a sacar del lugar a distintas especies de dinosaurios. Carreras, gritos y estampidas de animales prehistóricos por la jungla y los edificios tecnológicos del parque, nada que no hubiéramos visto antes, solo que esta vez la erupción del volcán hace que toda la acción sea una trepidante carrera contrarreloj.

Una vez fuera de la isla, la acción se traslada a una gran mansión, la de un antiguo socio de John Hammond, el artífice de todo el proyecto. Este nuevo escenario es lo que diferencia a esta entrega del resto de la saga, no solo porque el espacio físico sea nuevo, sino también porque es donde Bayona consigue dejar mejor alguna huella de su estilo como autor. Acción y suspense en un ambiente menos tecnológico y más clásico. Es como un cuento de Charles Dickens plagado de dinosaurios.

Este ambiente con varios planos icónicos de dinosaurios bramando con diferentes fondos nocturnos, se ve reforzado por la fotografía de John Schwatzman y la música de Michael Giacchino, que no olvida hacer sonar de vez en cuando los acordes del tema central de Jurassic Park compuesto por John Williams hace 25 años.

La guinda del pastel la pone Jeff Goldblum, retomando su personaje del excéntrico matemático Ian Malcolm, sosteniendo sus tesis sobre el debate ético acerca de la salvación de la extinción de unas especies ya extintas por la naturaleza, así como del poder que supone hoy en día la manipulación genética y las responsabilidades que su uso implica.