El precio de la red, crecimiento versus seguridad

 El precio de la red es la secuela de La red social. Ha pasado más de una década desde que la creación de Facebook, que se ha convertido en una potentísima empresa. Mark Zuckerberg ya no es presentado como un genio universitario asocial, sino como un empresario frío y sin escrúpulos que prioriza el crecimiento de su empresa sobre la seguridad de sus usuarios sin importarle el daño que estos puedan sufrir. De esta manera manipula el algoritmo en función de viralizar los contenidos que más le hagan crecer en cada momento sin importarle el tipo de contenido que sea, sin ningún filtro moral. Una trabajadora del departamento de integridad cívica descubre estas manipulaciones, y ante la negativa a ser escuchada por sus propios compañeros, acaba colaborando con Jeff Horowitz, periodista de investigación de The Wall Street Journal.

Aaron Sorkin, guionista de La red social, dirigida por David Fincher, vuelve al mundo de Facebook para escribir el guion de El precio de la red, pero además esta vez también dirige. Como director debutó con Molly's game y esta es su cuarta película. Aunque visualmente Sorkin no es Fincher, el sólido guion hace de El precio de la red una estupenda y digna secuela de su predecesora. Además, pone sobre el tapete temas muy interesantes para el debate, como la deshumanización de las empresas, la falta de ética real tras las decisiones ejecutivas, y digo «real» porque oficialmente hay mucha normativa, mucha ley de transparencia, mucha protección de datos, mucha ética laboral, pero a la hora de la verdad, todo es un paripé. Es una práctica común en el siglo XXI, a todos los niveles, poner buena cara y buenas palabras cuando vas a hacer algo que no es correcto. Hay una frase en una película de Clint Eastwood, El fuera de la ley, que tiene una frase que explica esto muy bien: «Si me orinas encima, no me digas que está lloviendo».

Además de un sólido guion y una correcta dirección, el precio de la red también cuenta con un buen elenco actoral. Haugen es encarnada por Mikey Madison, ganadora del Óscar a mejor actriz principal por Anora, Horowitz es interpretado por Jeremy Allen White, el otrora Bruce Springsteen en Deliver me from nowhere y ganador de dos premios Emmy por la serie The Bear, y a Zuckerberg le da vida en pantalla Jeremy Strong, nominado al Óscar por The apprentice por su papel de Roy Cohn, el mentor de Donald Trump.

El precio de la red se diferencia de su predecesora en el tipo de historia: la primera era una trama sobre emprendedores, y la segunda es un thriller de investigación periodística, pero ambas forman parte de la misma historia, como la vida misma, según en qué etapa se encuentra uno.

Dos días, un canto a la vida

 

Dos días es la ópera prima de Gonzaga Manso, que debuta en el largometraje en la triple faceta de director guionista y director de fotografía. Rodada en Santa Cristina, La Coruña, la película hace una reflexión sobre el sentido de la vida, la amistad, el amor, la familia, el paso del tiempo, la vejez y las ganas de vivir.

Un médico de 89 años, que sigue pasando consulta porque se resiste a jubilarse, pasa el verano con su familia. Todos están preocupados por su salud, pero él se agobia de tanta atención, quiere hacer las cosas por su cuenta, y se va de pesca con un amigo de toda la vida. Ambos salen a pescar en barca y, por una serie de acontecimientos, se quedan a la deriva esperando ser rescatados, pero nadie sabe que han salido al mar. 

Los dos protagonistas están encarnados por el veterano Saturnino García, conocido sobre todo por Justino, un asesino de la tercera edad, aunque con una amplia filmografía, y por Jesús Outes, un mariscador retirado que ha debutado en esta película como actor a los 67 años de edad y ha resultado ser toda una revelación. Ambos personajes son la voz de la experiencia y su amistad conecta muy bien con el espectador y transmite una visión luminosa, a la par que realista, de la vida, de saber disfrutarla.

Por otro lado está la familia del médico, que tiene esposa, tres hijas y varios nietos. Las actrices están todas convincentes, destacando Aurora Maestre, la que hace de esposa, y a la que pudimos ver el año pasado en Romería. Las hijas son interpretadas por Ledicia Sola, Melania Cruz y Elena Seijo, todas ellas vistas en varias series de TV y largometrajes. 

Dos días es un estreno español imprescindible de este año. Es una película sencilla y optimista que rezuma autenticidad en cada fotograma. Está producida por Películas Pendelton, los productores de Campeones, y recibió la Biznaga de Plata del Público en el Festival de Málaga.

Mallorca confidencial, entre el cine social y thriller

 

Mallorca confidencial trata sobre un asentamiento chabolista en Mallorca donde la Chusa ejerce un gran poder como matriarca, que además se financia con el narcotráfico y lleva el negocio en familia, como los Corleone, pero en versión gitana. El asentamiento se ve amenazado por la presión de un grupo inmobiliario que quiere construir en la zona ofreciendo a los habitantes pisos de realojo en otro barrio.

Protagoniza Lolita Flores, desplegando un  gran carisma en la pantalla. Está secundada por Asia Ortega, vista en películas como Tu hijo o Hasta el cielo, que aquí encarna a la sobrina de la matriarca y no palidece en absoluto ante la imponente presencia de Lolita, lo cual dice mucho a favor de esta joven actriz. En un papel secundario encontramos a la hija de Lolita, Elena Furiase.

El planteamiento de Mallorca confidencial es interesante, con el tema de la lealtad de fondo, y combinando el drama social con el thriller policiaco. Sin embargo, hay una sensación de que al drama le falta profundidad y al thriller le falta vibración. Normalmente las películas no son redondas por sobrarle metraje, pero en este caso, quizá le falta, porque la película es corta, hora y media escasa, lo cual se agradece, pero aunque no llegase a las dos horas, sí creo que le convendría desarrollar un poco más las tramas para que el drama toque fibra y el suspense en torno al narcotráfico vibre más. No obstante, es una película agradable de ver, con planteamientos interesantes de fondo y dos actrices de diferentes generaciones que ofrecen sendas potentes interpretaciones.

El mago del Kremlin, al auge de Putin

 

El director francés Olivier Assayas nos cuenta a través de El mago del Kremlin, cómo un estudiante de arte dramático ruso en plena apertura a la democracia en los años 90, pasa a ser productor de televisión y de ahí a convertir en presidente de Rusia a un funcionario del FSB especializado en contraespionaje, que no tiene ni un ápice de carisma ni empatía con el pueblo. Un tipo ambicioso sin medida y más frío que el hielo de Siberia. Es una historia fascinante de marketing político sobre la llegada al poder de Vladimir Putin, aunque el protagonista, este joven experto en comunicación política, es un personaje ficticio, por lo que podemos hablar de historia pero no de biografía.

La película adapta a la pantalla la novela homónima de Giuliano Da Empoli, que se basa en un personaje real que fue mano derecha de Putin para construir a Vadim Baranov, al que encarna magníficamente Paul Dano en la película. Dano es un gran actor al que hemos podido ver en Los Fabelman, Pequeña miss Sunshine o Prisioneros, entre otros títulos. Le secundan Alicia Vikander en el rol del amor de juventud de Baranov, y Jude Law encarnando de manera totalmente convincente a Putin.

La narración de El mago del Kremlin se construye a través de una entrevista que le hacen a Baranov una vez retirado de la política y va contando toda su trayectoria. El ritmo narrativo es muy constante, que si la película fuese más corta, quizá no se notaría tanto, pero al durar más de dos horas, se echa en falta algún juego de cambio de ritmo en algún momento. Además, al contar muchos eventos de diferente índole a lo largo del ascenso de Putin al poder, la verdad es que se presta bastante a que cada momento tengo su ritmo más adecuado, más trepidante unas veces, más reflexivo otras, así que el ritmo constante puede lastrar el resultado final de una película cuyo planteamiento es muy interesante. También si se ha visto el tráiler, como es mi caso, parece en principio que el ritmo va a ser distinto al que es en realidad.

Con todas y con esas, El mago del Kremlin es muy interesante en su planteamiento de mostrar por qué hoy en día está el mundo como está, de dónde venimos cuando en los años 90 el mundo cambió de paradigma con el final de la Guerra Fría, que mantuvo congeladas las reglas del juego geopolítico durante más de 40 años, y de repente, nuevas alianzas internacionales, la revolución digital, nuevas clases sociales, y como dice el refrán, " a río revuelto, ganancia de pescadores".

Los miserables. El origen, la redención de Jean Valjean

 

La popular obra de Víctor Hugo, Los miserables, ha tenido diversas adaptaciones cinematográficas a lo largo de los años. La más recordada actualmente seguramente es la versión de 2012, una superproducción musical con un reparto lleno de estrellas de la gran pantalla. Los miserables. El origen es una modesta producción francesa centrada en la historia de Jean Valjean antes de su llegada a París. El planteamiento recuerda un poco al de El regreso de Ulises, en cuanto a coger un pasaje de una obra enorme y construir un relato más íntimo, más pequeño, centrado en un parte del texto original.

Los miserables. El origen goza de un trabajo actoral estupendo, fundamentalmente con cuatro personajes: Jean Valjean, el obispo que lo acoge y las dos mujeres que viven con el obispo, su hermana y su criada. Los cuatro hacen interpretaciones muy convincentes y encarnan muy bien a sus personajes, pero Grégory Gadebois, además, en la piel de Valjean, aporta una presencia física muy imponente que refuerza el carácter peligroso del personaje y resulta siempre inquietante. La trama arranca con la llegada de Valjean, tras salir de la cárcel, vaga sin rumbo y llega a un pueblo donde todo el mundo le da la espalda, excepto el obispo, que lo acoge en su casa.

Se trata de una historia de redención enmarcada en una época muy dura y oscura. Esta dureza está muy bien plasmada visualmente por una presencia casi constante de elementos de piedra en la escenografía, fotografiada con tonos fríos en escala de grises. Además, la inquietante presencia del protagonista contrasta con el tono sosegado de la narración y el ritmo pausado, pero adecuado, del desarrollo de la trama. Por tanto, resultan muy acertadas tanto la ambientación como las interpretaciones. Dirige con muy buen criterio el director y guionista Éric Besnard.

La película se proyectó en primicia en la gala del CEC, se estrenó en cines de España en febrero y llega ahora a las plataformas de streaming.

Revisión necesaria: Salvar a soldado Ryan (1998)

 

Nunca había escrito en el blog sobre Salvar al soldado Ryan, y el hecho de que el desembarco de Normandía esté ahora en la actualidad cinematográfica con Tiempo de victoria, creo que es una buena ocasión para la revisión de esta gran película de Steven Spielberg. Es un largometraje que vale mucho la pena revisitar de vez en cuando por varios motivos.

Para empezar, es una película que creó escuela. El estilo visual con el que se han rodado las escenas bélicas de infinidad de películas de guerra, deben mucho a la primera media hora de Salvar al soldado Ryan, que desarrolla el desembarco de Normandía con un realismo nunca visto hasta entonces, pero muy imitado posteriormente.

Recibió cinco premios Óscar, entre ellos a mejor director para Spielberg, el segundo después de La lista de Schindler. Las otras categorías premiadas fueron mejor fotografía, montaje, sonido y edición de sonido.

Fue la primera vez que Tom Hanks se ponía a las órdenes de Spielberg, y después de esto volvieron a trabajar juntos en La terminal, Atrápame si puedes, El puente de los espías y Los archivos del Pentágono. En el reparto también nos encontramos con Matt Damon, que ese año ganaba el Óscar a mejor guion junto con Ben Affleck por El indomable Will Hunting. También nos encontramos con un joven Vin Diesel antes de convertirse en estrella de acción con la saga Fast and furious. Otro miembro curioso del comando de rescate es Edward Burns, actor y director de cine independiente que en aquel momento estaba empezando y llevaba dos películas a sus espaldas: Los hermanos McMullen y Ella es única.

Una curiosidad sobre el reparto: Andrew Scott, protagonista de Tiempo de victoria, sale en Salvar al soldado Ryan acreditado como "soldado en la playa".

La trama versa sobre una misión moral: una mujer ha perdido a tres de sus cuatro hijos en la guerra al mismo tiempo. Solo queda uno, James Ryan, por lo que el alto mando, conmovido por esta situación, pone en marcha una operación para buscarlo entre las líneas enemigas y mandarlo a casa. Tal misión es encomendada a un grupo de hombres que acaban de participar en el desembarco de Normandía. Una historia de coraje y humanidad, cuyos personajes son profundos, calado dramático, interpretados por excelentes actores dirigidos con la maestría y la habilidad técnica y narrativa que solo los grandes como Spielberg pueden ofrecernos. Una gran historia servida con el empaque de un gran espectáculo.

Tiempo de victoria: el hombre del tiempo en Normandía

 

Tiempo de victoria es una producción británica de los productores de El instante más oscuro, que nos cuenta la trastienda del desembarco de Normandía desde un punto de vista muy original: el de la meteorología. Tras el desastre que supuso la Operación Tigre, un ensayo realizado para el desembarco de Normandía, el general Eisenhower necesita tener todas las garantías de que la operación vaya a salir bien. Para la ocasión, por recomendación de Churchill, le envían al capitán Stagg, considerado como uno de los mejores meteorólogos, para realizar un pronóstico del tiempo que hará el día del desembarco. Sus métodos y pronóstico chocan totalmente con Krick, el meteorólogo habitual de Eisenhower que le ha acompañado en sus campañas anteriores.

El título de la película hace un juego de palabras, pero es distinto en el traducido respecto al original. En inglés se titula Pressure, en alusión a la presión a la que se ve sometido Stagg y la presión atmosférica, mientras que en castellano, Tiempo de victoria, juega entre el tiempo del momento y el tiempo atmosférico. Bajo presión se encuentran todos los implicados en la operación del desembarco, obviamente, pero en concreto el protagonista, que se presenta como un hombre íntegro, comprometido con la responsabilidad que su decisión conlleva aunque vaya en contra de todos los intereses del alto mando. Una actitud que le honra y que contrasta con la de Krick, que adapta su trabajo a lo que sus superiores quieren oír. Por lo tanto, es muy interesante a nivel de debate sobre los grandes profesionales que hacen su trabajo como debe hacerse, guste o no a lo demás, y aquellos que hacen las cosas para agradar a otros y no tener que enfrentarse a nadie ni meterse en líos.

Se trata del segundo largometraje del director australiano Anthony Maras, que debutó en 2018 con Hotel Bombay. Protagoniza Andrew Scott en el rol de Stagg, actor visto anteriormente en Spectre, 1917, o en series de TV como Black mirror o Sherlock. Le acompaña, en el papel de Eisenhower, Brendan Fraser, ganador del Óscar a mejor actor por La ballena e inolvidable para el público de los 90 por protagonizar George de la jungla y La momia. A destacar también la interpretación de Kerry Condon como la secretaria de Eisenhower, que goza de gran carisma en pantalla, y a quien hemos podido ver en Tres anuncios en las afueras o F1: la película, por ejemplo, y que fue nominada a mejor actriz de reparto por Almas en pena en Insherin. 

La película en una carrera contrarreloj y goza de un ritmo narrativo frenético acompañado de una vibrante partitura musical de Volker Bertelmann, responsable también de la música de títulos como Cónclave o Los niños de Winton.