Back to black, una cuestión de energía

 

La directora de 50 sombras de Grey, Sam Taylor-Johnson, nos trae ahora, con mejor resultado, la biografía de la malograda estrella de la canción Amy Winehouse en una película que toma su título de una de las más emblemáticas canciones de la artista: Back to black. La meteórica carrera musical de Amy Winehouse que llegó a lo más alto, aquejada por un progresivo deterioro provocado por un creciente alcoholismo que la llevó a fallecer a la temprana edad de 27 años en plena cresta de la ola de su éxito.

La película nos muestra esta evolución desde que Amy empezó a cantar a los 16 años a través de sus relaciones con las tres personas más influyentes en su vida: su abuela, su padre y su marido. La actriz Marisa Abela se transforma en Amy de manera asombrosa. No sería de extrañar que tuviera una nominación al Óscar. La película tiene buen ritmo y en general todo es correcto. Sin embargo, no da la sensación de ser una película redonda, y en mi opinión, se debe a la energía.

Las películas cuentan historias y dependiendo del tipo de historia que sea, le pega ser contada con una energía u otra. Hay películas que desprenden energía positiva, buen rollo, otras que tienen una energía más visceral, más arrebatadora, etcétera. Y ninguna energía es mejor o peor que otra, sencillamente es cuestión de darle a cada historia la energía que pide para ser contada. Por ejemplo, por citar dos musicales muy buenos con energías muy distintas, pero que en cada caso es la adecuada: Mary Poppins y Moulin Rouge. Ambas transmiten mucha energía, tienen mucha garra, pero una nos transporta al mundo de la fantasía, de la infancia, y la otra nos traslada a una intensa pasión arrebatadora y visceral.

En el caso de Back to black, nos encontramos con una energía propia de película testimonial, que nos cuenta de forma dramatizada la vida de una persona, un biopic correcto que puede contar la vida de una persona sin más, pero claro, siendo como era Amy Winehouse y tal y como transcurrió su vida, quizá la película requería, o algún espectador podría esperar, que tuviese una intensidad más cercana a la de Moulin Rouge, por ejemplo, que a la de una biografía convencional. En cualquier caso, la película se deja ver con agrado, entretiene y se puede disfrutar la discografía de Amy Winehouse.

El reino del planeta de los simios, el legado de César

 

La cuarta entrega de la saga precuela del clásico de ciencia ficción El planeta de los simios. Tras El origen del planeta de los simios, El amanecer del planeta de los simios y La guerra del planeta de los simios, llega El reino del planeta de los simios, con un planteamiento muy interesante. La película arranca con la muerte de César y salta en el tiempo varias generaciones después, donde ya nos presentan una sociedad simiesca en la que los humanos han sido sometidos a los simios, con algunas referencias visuales al clásico de 1968, pero todavía no es ese momento, ya que los personajes aún no son los de la película primigenia.

La trama es sencilla: nos cuenta la historia de Noa, un simio perteneciente a un clan que vive en sintonía con las águilas, y del cual su padre es el líder. Al cumplir la mayoría de edad, debe pasar por un ritual y justo en vísperas de hacerlo, la aldea es atacada por otro clan simio liderado por Proximus, un tirano que utiliza el recuerdo y el culto a César para someter a sus súbditos. Noa sobrevive al ataque de su aldea y va tras la pista de Proximus, que ha secuestrado a su madre y a su hermana. En el camino se cruza con Nova, una humana que también va tras Proximus y con Raka, un orangután que enseña a Noa las auténticas enseñanzas de César, que no son un mensaje de miedo y de enfrentamientos, sino de buscar la conciliación para vivir en armonía simios y humanos. Eso añadido a unos fuertes lazos familiares, hacen de Noa un nuevo héroe y líder carismático, un personaje con garra para sustituir a César en la saga.

Es interesante ver cómo un legado que promueve la paz y la concordia puede ser tergiversado por unos para hacer el mal y preservado por otros para hacer el bien. Otro aspecto relevante es el hecho de que todos los personajes son nuevos. Es una época en la que aún no aparecen los de la película clásica y ya han muerto hace tiempo los de las películas anteriores. Eso les hace a los productores tomar un riesgo que se ve poco en las sagas de blockbusters actuales, optar por crear personajes nuevos sin el apoyo de ninguno secundario de las películas anteriores. Y lo cierto es que con Noa y Proximus consiguen dos buenos protagonista y antagonista, con carisma suficiente para captar la atención del público.

Además, la película visualmente es muy potente y muy bonita estéticamente. La dirige Wes Ball, el director de la saga El corredor del laberinto.

Premios Cinemanet Madrid 2024

 

El pasado 27 de mayo se entregaron los premios Cinemanet de Madrid, los premios Personaje y ¡Qué bello es vivir! El acto tuvo lugar en la Universidad San Pablo CEU. Varios medios se han hecho eco de este evento. Los podéis ver a continuación:

religionenlibertad.com

lacomarcadepuertollano.com

miciudadreal.es

Buscando a Coque en Miami y con muchas risas

 

Tras haber trabajado juntos en varios cortometrajes, los guionistas y directores Teresa Bellón y César F. Calviño, debutan en el largometraje con Buscando a Coque, que es la versión larga de uno de sus cortos, Cariño, me he follado a Bunbury. Aunque estirar la trama de un corto de 3 minutos a un largo de 87 pueda parecer algo difícil de llevar a cabo sin resultar reiterativo, en Buscando a Coque se consigue gracias especialmente a unos buenos diálogos y sus dos protagonistas, Hugo Silva y Alexandra Jiménez, que brillan con luz propia. También las localizaciones de Miami y Madrid ayudan a dar empaque al conjunto.

Los personajes se llaman como sus directores, César y Teresa, y la trama arranca cuando en esta pareja, que llevan 17 años juntos, ella le confiesa a él que se ha acostado con Coque Malla, que además es el ídolo de César desde la adolescencia. A partir de aquí comienza la búsqueda de la estrella de la música para pedirle explicaciones y hablar de lo ocurrido. Una búsqueda que les lleva hasta Miami.

El primer cuarto de hora de película es de carcajada continua y el resto se pasa en un suspiro entre unas cuantas risas más, las canciones de Coque Malla y las peripecias de la pareja de madrileños en Miami buscando al cantante en un Mustang de alquiler. El propio Coque sale en la película interpretándose a sí mismo.

En general, Buscando a Coque es una comedia romántica fresca y divertida  para público adulto con dos actores protagonistas en estado de gracia.

Caviezel y Verástegui aúnan esfuerzos: Sound of freedom

 

Cartel de Sound of Freedom

Eduardo Verástegui es un actor y productor mexicano, también cantante en sus inicios, que en 2004 fundó junto al director Alejandro Monteverde la productora Metanoia Films para la producción de películas de contenido social y valores humanos. Su primera producción en esta línea fue Bella, de 2006.

Jim Caviezel es una estrella de Hollywood que está implicado en varias actividades solidarias junto a su esposa y procura participar en proyectos pequeños de fuerte contenido social, como por ejemplo, La verdad de Soraya M, que alterna con superproducciones de entretenimiento como Plan de escape, Déjà Vu, y que sobre todo es conocido internacionalmente por interpretar a Jesucristo en La Pasión de Cristo, de Mel Gibson.

Estos dos actores tan comprometidos con las historias de interés social y humano, se han unido para traer a los cines el pasado año la película Sound of freedom, dirigida por Alejandro Monteverde, para dar visibilidad a la tragedia que supone el secuestro y tráfico de niños. La trama cuenta el caso real del policía Tim Ballard, un agente que investiga y persigue a pedófilos. Tras varios años viendo pasar ante sus ojos una realidad tan devastadora, sufre una crisis existencial que le lleva a cuestionarse si su trabajo es suficiente o no, ya que ha detenido a muchos pedófilos, pero nunca ha conseguido rescatar a ningún menor víctima de las redes de tráfico de esclavos, por lo que decide intentar buscar y rescatar niños.

Sound of freedom consigue manejar con éxito un material muy complicado. Es capaz de emocionar sin edulcorar la realidad, que muestra cómo es pero sin recrearse en lo sórdido. En ese sentido es muy elegante en su puesta en escena y consigue transmitir el mensaje tan importante que pretende dar, como es el de concienciar sobre una realidad muy dura y dolorosa que algunos prefieren ignorar, pero que está ahí, y es una gran lacra para la sociedad.

Óscar a mejor guion original: Anatomía de una caída

 No es la primera vez que una película de habla no inglesa gana el Óscar a mejor guion original, Precedentes como la italiana Divorcio a la italiana, de 1961, la francesa Un hombre y una mujer, de 1965,  o la española Hable con ella, de 2001, son prueba de ello. Este año ha recaído este galardón en la producción francesa Anatomía de una caída, un thriller judicial sobre la investigación de la muerte de un hombre al precipitarse al vacío desde lo alto de su casa habiendo dudas sobre si ha sido un accidente, un suicidio o un homicidio.

Tanto el guion como la interpretación de la actriz principal, Sandra Hüller, y el niño, Milo Machado-Graner, son espléndidos. Dura más de dos hora y no se hace larga. Sin embargo, a nivel de producción, resulta quizá demasiado sobria. Parece que le falta algo, jugar un poco más con la fotografía, los planos, etcétera. Incluso las caracterizaciones de los personajes secundarios, da la sensación de estar poco cuidadas.

Por eso creo que el Óscar a mejor guion está más que justificado, mientras que, por ejemplo, el Globo de Oro a mejor películas extranjera, no me lo parece tanto, especialmente cuando competía con Yo capitán, entre las nominadas. También ambas competían por el Óscar a mejor película extranjera, que finalmente se llevó  La zona de interés.

La mala racha de Ferrari

 

Cartel de la película Ferrari

Todos lo grandes negocios pasan por momento complicados, y del expiloto y empresario Enzo Ferrari, no iba a ser una excepción. Diez años después de fundar su marca de coches junto a su esposa, atraviesa un crisis que a punto estuvo de llevar a la quiebra el negocio. Además, el matrimonio atravesaba un momento personal de distanciamiento por la pérdida de su hijo, mientras que Enzo mantenía en secreto a otro hijo con otra mujer. Este momento crucial de la icónica marca de automovilismo es retratado en el entretenido biopic Ferrari, de Michael Mann.

El director de títulos como Heat, Collateral o El último mohicano, ya había trabajado como productor ejecutivo en otra película sobre la historia del mundo automovilístico relacionado con Ferrari, en Lemans 66, dirigida por James Mangold. Ahora Mann  dirige él directamente este biopic con Adam Driver en la piel del magnate de la automoción, Penélope Cruz como su esposa y socia en la empresa, y Shailene Woodley como la madre de su hijo ilegítimo.

Las escenas de las carreras de coches son vibrantes, como cabía esperar del director, y en cuanto a las escenas más de relaciones humanas entre los personajes, destacan en intensidad aquellas protagonizadas por el matrimonio Ferrari, con el tour de force entre Adam Driver y Penélope Cruz. No es la primera vez que Mann trabaja con actores españoles, ya dirigió a Javier Bardem en Collateral y a Luis Tosar en Corrupción en Miami.

Una película interesante sobre el automovilismo y el mundo de los negocios y los emprendedores, que resulta vibrante en ocasiones, menos intensa en otras, pero que en general, goza de buen ritmo y resulta muy agradable de ver.