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Diario de producción: nuevo cartel

Hoy se cumple un año de la presentación de El laberinto de las almas en Hermandades del Trabajo , en Madrid. El plan era ver otras posibili...

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lunes, 30 de diciembre de 2019

Cegado por la luz, inspirado por el Boss

La directora de la aclamada Quiero ser como Beckham, Gurinder Chadha, nos trae una nueva historia sobre jóvenes de familias de inmigrantes en Reino Unido que quieren integrarse con los británicos pero se ven atrapados en los choques culturales de sus tradiciones familiares y el modo de vida occidental. Se trata de Blinded by the light (Cegado por la luz), basada en hechos reales, que sitúa la acción a finales de los años 80, concretamente en 1987, en Luton, una localidad cercana a Londres.

Es una época en la que los adolescentes abogaban más por la música electrónica de los sintetizadores que por el rock que había triunfado en la primera mitad de la década. En este contexto, el joven Javed, de familia pakistaní afincada en Luton, que quiere ser escritor, contra la voluntad de su padre, el cual quiere que estudie para ser algo más serio, como médico o abogado, por ejemplo. Entre sus relaciones familiares y el ambiente social racista de hostigamiento a los pakistaníes, Javed encuentra la inspiración en las canciones de Bruce Springsteen, al que descubre a través de un compañero del instituto.

La familia, el racismo, la xenofobia y los sueños de juventud son los temas perfectamente mezclados que nos aporta Blinded by the light, que toma el título de una de las canciones de Springsteen. Todo ello aderezado con las buenas vibraciones de los míticos temas del Boss, pero también con otros grupos de la época como Pet Shop Boys, Heera, Level 42 o Cutting Crew. El conjunto tiene un tono de comedia drámatica inspiradora que transmite muy buen rollo, lo que viene siendo una «feel good movie», en la línea de películas como Amanece en Edimburgo, Mamma mia! o Begin again, solo que en el caso de Blinded by the light se trata de personajes reales, una historia real de mensaje positivo que transmite buenas vibraciones.

sábado, 28 de diciembre de 2019

Dolor y gloria, el declive de un artista

La nueva película de Almodóvar, Dolor y gloria, nos muestra a un exitoso director de cine en horas bajas, pasando por un bache tanto a nivel emocional como de salud física. Un evento por el aniversario de una de sus películas más aclamadas y su reencuentro con el actor protagonista de aquella, son el punto de partida para que el artista reaccione y reflexione sobre su vida y el momento que está pasando.

La mejor baza de la película, sin dudas, es Antonio Banderas, que encarna al protagonista con una naturalidad pasmosa y un carisma que atrapa al espectador durante todo el metraje. Le secundan Asier Etxeandía, Penélope Cruz y Leonardo Sbaraglia. En papeles más secundarios podemos encontrar otros rostros conocidos como Cecilia Roth, Raúl Arévalo o Pedro Casablanc.

Por lo demás, el estilo es puramente «almodovariano», desde la colorista puesta en escena hasta los temas tratados en el argumento: homosexualidad, la figura materna, el arte, las drogas. Respecto a esto último, la heroína tiene una presencia en pantalla como la cocaína en El precio del poder. Lo que sí es bastante destacable es que se nota la veteranía del director manchego en la fluidez narrativa. Almodóvar ha conseguido tener un estilo muy personal y a estas alturas lo tiene ya tan depurado que es capaz de plasmarlo con tal naturalidad que hace de Dolor y gloria posiblemente una de las mejores películas de su dilatada carrera.

domingo, 22 de diciembre de 2019

Feliz Navidad


Este año las luces de Madrid nos llevan al portal de Belén a ritmo de jazz. Feliz Navidad y próspero Año Nuevo 2020 lleno de buen cine.

viernes, 20 de diciembre de 2019

La gran mentira del buen mentiroso

The good liar, cuya traducción literal sería El buen mentiroso, es una novela de Nicholas Searle que ha sido llevada al cine por el director Bill Condon con el mismo título, pero que en España se ha estrenado como La gran mentira. Se trata de un «thriller» sobre un veterano estafador profesional que se ha fijado como nuevo objetivo a una acaudalada viuda. El tono de la película comienza como de comedia sofisticada y se va oscureciendo a medida que avanza el metraje y se van desvelando las numerosas sorpresas que nos guarda la historia.

Protagonizan los veteranos Ian McKellen, inolvidable en sus personajes de Gandalf en El señor de los anillos y Magneto en los X-Men, y Helen Mirren, ganadora del Óscar por The queen y también inolvidable en películas como La deuda, Hitchcock o Espías desde el cielo, por citar algunos ejemplos. Es una delicia disfrutar del buen hacer de estos dos gigantes de la interpretación, ambos salidos de la prestigiosa escena británica. Bill Condon ha trabajado ya anteriormente con McKellen en Dioses y monstruos y Mr. Holmes. También adecuada la música del filme corre a cargo de un colaborador habitual suyo, Carter Burwell.

La gran mentira es una elegante película de intriga, engaños y sorprendentes giros de guion con dos pesos pesados de la interpretación cargando con el protagonismo con una naturalidad pasmosa, encarnando unos personajes que acaban teniendo bastante más calado de lo que parece al principio.

sábado, 14 de diciembre de 2019

Lo nuevo de 007 ya tiene título y tráiler

Hace más de una semana se estrenó el tráiler de la nueva película de James Bond, Sin tiempo para morir (No time to die). Se anuncia su estreno para abril de 2020 y la cosa pinta bastante bien.

Es curioso que siendo la quinta entrega protagonizada por Daniel Craig, sea la primera que retoma la tradición de la saga de tener un título rimbombante, con el verbo morir en el mismo. Recordemos que morir o matar son palabras habituales en los títulos de la saga: Vive y deja morir, Panorama para matar, Licencia para matar, El mañana nunca muere, Muere otro día. El tipo de títulos de los anteriores filmes de Craig, Skyfall y Spectre, de una sola palabra enigmática, también han estado presentes a lo largo de la saga: Moonraker, Goldenye, Octopussy, Goldfinger (en español James Bond contra Goldfinger), Thunderbolt (en español Operación Trueno).

El tráiler es espectacular, como cabía esperar. Aquí está.



Todo lo que quieras sobre 007 tu alcance.
#JamesBond

lunes, 9 de diciembre de 2019

La mafia sindicalista de Scorsese; El irlandés.

Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci dirigidos por Martin Scorsese, ¿qué podría salir mal? Pues nada, obviamente. El resultado es El irlandés (The Irishman), la adaptación del libro I heard you paint houses, de Charles Brandt, llevada a guion por Steve Zaillian, responsable de guiones como el de American gangster, Gangs of New York o La lista de Schindler, entre otros.

El irlandés es la historia del estafador, sicario y sindicalista Frank Sheeran y su relación, entre otros, con el famoso dirigente sindical Jimmy Hoffa y el capo mafioso Russell Bufalino. De Niro interpreta a Sheeran, Pacino a Hoffa y Pesci a Bufalino. La película desarrolla la vida de Sheeran desde sus inicios en los años 50 hasta el siglo XXI. Medio siglo de historia de los Estados Unidos durante más de tres horas de metraje contado bajo el prisma de los lazos de unión entre sindicalistas y mafiosos. Amistades, lealtades y traiciones se entremezclan en un macabro juego de poder, ambición y corrupción.

El estilo de Scorsese es inconfundible. En cuanto trata el tema de la mafia, se nota la marca de su autor en la puesta en escena, los encuadres, la dirección de actores, etc. Si se le puede poner alguna pega al filme es la falta de sorpresa en esta forma de hacer cine, ya que recuerda a cualquiera de sus otras historias sobre mafia como Uno de los nuestros, Malas calles o Casino. Por lo demás, todo funciona estupendamente. Solamente para quienes no estén muy familiarizados con la historia estadounidense, entre los que me incluyo, a veces resulta confuso saber de quién están hablando por la cantidad de nombres que se cruzan en los diálogos. Algo así recuerdo haber sentido en JFK, de Oliver Stone, por ejemplo, y algún que otro título del estilo.

La ambientación de las distintas décadas que abarca la historia está muy cuidada tanto a nivel de diseño de producción como de acompañamiento musical. Una delicia ver a este trío de ases veteranos trabajar, aunque sea necesario disponer de casi cuatro horas para disfrutar de la película. No se puede decir que esta duración pase desapercibida o se pase en un suspiro, es larga y se nota, pero sí es cierto que tampoco se hace pesada y se ve con agrado.
#ElIrlandés

domingo, 1 de diciembre de 2019

Arde el asfalto en Le Mans y en la pantalla

El director James Mangold ha demostrado y lo sigue haciendo, una gran versatilidad para adaptarse a cualquier género y salir bien parado: la comedia romántica con Kate y Leopold, el «thriller» policiaco con Cop Land, el cine de superhéroes con Logan, el «western» con El tren de la 3:10, el musical biográfico con En la cuerda floja, y ahora se introduce en el mundo de las carreras de coches con Le Mans '66 (Ford vs. Ferrari).

La película es pura adrenalina. No hace falta ser un fan de los coches y la velocidad para disfrutar a tope de este filme, incluso puede despertar alguna vocación oculta, quién sabe. Se trata del hito histórico en la historia del automovilismo en que la marca Ford, hasta entonces dedicada a vender coches al usuario pero sin nombre en la alta competición, decide cambiar las cosas y construir un coche capaz de ganar al imbatible Ferrari en las 24 horas de Le Mans. El expiloto Carroll Shelby y el mecánico y piloto Ken Miles, harían el tándem perfecto para conseguir el objetivo de la prestigiosa marca americana.

Le Mans '66 nos transmite toda la emoción y la adrenalina de la alta competición, además de contarnos una historia de amistad, la que tenían Shelby y Miles, con un sentido del humor muy fresco y efectivo. Sin embargo, no por ir de buen rollo deja de mostrarnos el otro lado de la moneda, el de la vileza y mezquindad que pululan por las altas esferas entre los ejecutivos de las grandes corporaciones. Un nido de envidias, ambiciones en intereses que Mangold nos muestra sin tapujos pero con una sonrisa en el rostro.

Protagonizan Matt Damon y Christian Bale encarnando a Shelby y Miles respectivamente. Ambos trabajan muy bien, especialmente Bale, y sobre todo la química entre los dos funciona perfectamente para transmitir ese sentimiento de compadreo y buenas vibraciones que tenían. Otro punto fuerte es la música, a cargo de Marco Beltrami y Buck Sanders, así como el montaje de sonido y el ritmo narrativo. Todo ello contribuye a darle a la película un tono muy «cool», muy guay, muy fresco, haciendo que sus más de dos horas de duración se pasen en un suspiro.

#LeMans66

sábado, 16 de noviembre de 2019

Terminator: destino oscuro, Cameron ha vuelto.

Pues sí, el padre de la criatura ha vuelto. James Cameron cedió en su momento los derechos sobre su icónico personaje, Terminator, con lo que otros realizaron las secuelas Terminator 3: la rebelión de las máquinas, Terminator Salvation y Terminator Genesis. Ha pasado el tiempo y ha recuperado el control sobre su personaje. Al no estar conforme con esas secuelas, lo cual me parece bastante lógico, ha decidido obviarlas y hacer él mismo la secuela de su mítica Terminator 2: el juicio final (1991). El resultado es Terminator: destino oscuro (Terminator: dark fate), en la que él asume las labores de producción y ha dejado la dirección a Tim Miller, responsable de Dead Pool. Ya a principios de año nos sorprendía con otra producción de ciencia ficción, Alita, dirigida por Robert Rodríguez.

Terminator: destino oscuro se trata de una continuación en toda regla de Terminator 2. El inicio es muy impactante, por lo que no voy a contar nada para no hacer «spoiler», y te mete de lleno en la trama. Hay elementos que se apuntaban en la anterior entrega que se retoman en esta, como el hecho de que los Terminator tienen un sistema de aprendizaje, de manera que cuanto más contacto tienen con los humanos, más aprenden. Volvemos a ver repartir estopa a Sarah Connor y al T-800, es decir, a Linda Hamilton y a Arnold Schwarzenegger en la piel nuevamente de sus míticos personajes. Para el relevo generacional han fichado a Mackenzie Davis, conocida por la serie de TV Halt and catch fire y en cine por Blade Runner 2049, en el personaje protector, así como a Gabriel Luna, en el rol del Terminator malo, y Natalia Reyes como una chica mexicana que es el nuevo objetivo de los Terminator. En papeles muy secundarios podemos encontrar dos rostros conocidos del cine español: Tristán Ulloa y Alicia Borrachero.

Me ha gustado porque juega con conceptos que no se habían visto antes, como por ejemplo, qué pasa si un Terminator cumple su misión y nadie termina con él. Al final de la segunda parte decía el T-800 que debían bajarle a la caldera porque no podía autoterminarse. En esta ocasión, tal como se ve en el tráiler y en el cartel, vemos a Schwarzenegger envejecido. Por dentro es una máquina pero por fuera es tejido vivo, así que es lógico que el aspecto externo envejezca pero pueda seguir repartiendo estopa como siempre. Por otra parte, si en la anterior entrega se cargaban el proyecto que daba lugar a Skynet, es lógico que hayan cambiado el futuro y la línea narrativa tome otra dirección. En fin, son varias cosas que están presentes en Terminator: destino oscuro y que me parecen muy interesantes, a pesar de que también tiene sus detractores. A mí, personalmente me ha gustado.

Mucha acción, ritmo trepidante, secuencias muy bien diseñadas y planificadas, muy entretenida, muy espectacular, una película de James Cameron, aunque no la firme como director. Al igual que en las producciones de Spielberg, en las de Cameron la sombra del productor también es alargada.

#TerminatorDarkFate
#terminatordestinooscuro

lunes, 11 de noviembre de 2019

Géminis, Ang Lee entra en acción

Ang Lee, el director de Tigre y dragón, La tormenta de hielo, La vida de Pi, Sentido y sensibilidad, Hulk, ¿alguien se lo podía imaginar haciendo una película de acción pura y dura? Pues lo ha hecho, y en lo que a su trabajo se refiere, ha superado el reto con creces. Géminis es una película muy vistosa, rodada con cámara de HFR a 120 fps, es decir, de imagen hiperrealista, con una elegante fotografía, escenas de acción muy bien coreografiadas y ritmo trepidante. Es cierto que tanto Tigre y dragón como Hulk tenían secuencias de acción, pero la narración mantenía un ritmo más pausado centrado más en los personajes. Además, Géminis cuenta también con un carismático protagonista: Will Smith. También es destacable la vibrante partitura musical de Lorne Balfe, responsable también de la música de Misión Imposible: Fallout y Ghost in the shell.

Sin embargo, la película se disfruta en el momento pero no deja poso, y es que su talón de Aquiles reside en la base, es decir, en el guion. La trama principal versa sobre un tirador de élite que se retira, pero debido a un alto secreto relacionado con su última misión, debe ser eliminado y envían a otro agente a matarlo resultando ser este un clon suyo treinta años más joven. La trama de ciencia ficción sobre el tema de la clonación resulta interesante y más la situación del protagonista enfrentado a su propio clon. El problema es que esta trama apenas se desarrolla y lo que prima en todo el metraje es el argumento archimanido de un agente que debe eliminar a otro. Es algo muy recurrente porque como hilo conductor narrativo es muy efectivo, pero a estas alturas se hace necesario que una película aporte algo más para diferenciarse de tantas otras. Esto lo vemos en la saga Bourne, en Asesinos, donde se enfrentaban Sylvester Stallone y Antonio Banderas, Enemigo a las puertas, con este argumento en clave bélica, y en muchas más películas sobre espías y asesinos de élite.

Por tanto, se podría concluir que Géminis es un estupendo y vistoso envoltorio con un contenido pobre que podría dar más de sí, pero que no se desarrolla lo suficiente en aras de dar predominio a un argumento muy efectivo pero muy manido, lo que hace que el resultado final, pudiendo ser un gran «thriller» de ciencia ficción, se quede en una cinta de acción más del montón, pero eso sí, de muy buena calidad técnica.

#GeminiMan

martes, 5 de noviembre de 2019

El protagonismo del Joker no es novedad.

¿Crees en las casualidades?

Hace unos días salía en las noticias que hay mucha gente visitando en plan turístico las escaleras del Bronx donde se rodó la escena mas icónica de Joker, e incluso hay muchos fans disfrazados emulando dicha secuencia. Está claro que estamos asistiendo a una «jokermanía», en la que la película de Todd Phillips no solo arrasa en taquilla, sino que además genera un fenómeno social, aunque el hecho de que esto ocurra en torno a un personaje que es un sociópata asesino, resulta cuanto menos inquietante.
Sin embargo, no es la primera vez que el famoso villano de DC Cómics acapara el protagonismo en la gran pantalla. Hace exactamente treinta años tenía lugar el fenómeno de la «batmanía» desencadenado por el estreno de Batman, dirigida por Tim Burton. Lo curioso es que a pesar del título, el protagonista también era el personaje del Joker encarnado entonces por Jack Nicholson. El nombre de Nicholson encabeza el reparto por delante de Michael Keaton, que daba vida al hombre murciélago. Nicholson aparece antes que Keaton tanto en el cartel de la película como en los títulos de crédito iniciales. Es más, el argumento de la película, la trama principal, nos cuenta la evolución del villano, cómo el mafioso Jack Napier se convierte en Joker tras ser desfigurado al caer en un tanque de ácido durante una pelea con Batman, mientras que el origen de Batman se cuenta en forma de breve «flashback».

Batman se estrenó el 29 de septiembre de 1989 y Joker el 8 de octubre de 2019. Y ambas películas son de Warner Bros. Tanto el mes de octubre actual y el de hace treinta años, tuvieron como protagonista cinematográfico al mítico personaje de DC Cómics. ¿Casualidad, maniobra de Warner, otras explicaciones? ¿Alguien lo sabe?

#Joker
#Batman

sábado, 19 de octubre de 2019

Licencia para matar, película a reivindicar

Licencia para matar ha sido una de las películas de la saga Bond menos valoradas por crítica y público, y sinceramente, me parece injusto. La he visto muchas veces en los últimos años y cada vez que la veo y que pasa más el tiempo, me parece más interesante. Por eso, aprovechando que este año se han cumplido treinta años de su estreno, ya que es de 1989, me parece un buen momento para reivindicarla y exponer los motivos por los que creo que merece mayor consideración de la que a menudo se le ha dado.

En primer lugar hay que decir que el protagonista es Timothy Dalton, que solo hizo dos películas, pero su encarnación de 007 es magnífica. No hizo más filmes por problemas de agenda para continuar en la saga, no porque no quisieran contar con él. En segundo lugar, la película cuenta con dos memorables actores encarnando a los villanos: un sanguinario narcotraficante interpretado sensacionalmente por Robert Davi y su despiadado secuaz al que pone cara un joven Benicio del Toro. La chica Bond esta vez fue Carey Lowell, que no es ni mejor ni peor que otras de la saga, simplemente está a la altura de las circunstancias. En tercer lugar, las escenas de acción están al nivel de espectacularidad y adrenalina que requiere la saga y el tema musical es estupendo, interpretado por la potente voz Gladys Knight.

¿Entonces que falló en Licencia para matar? Pues lo que en principio fue su talón de Aquiles, en mi opinión es lo que con el tiempo se ha convertido en su mayor virtud: su argumento. En esta ocasión, James Bond no se enfrenta a los malos por cumplir una misión del MI6, sino que se trata de una venganza personal. El peligroso narcotraficante Franz Sánchez mata a la esposa de Félix Leiter, agente de la CIA e íntimo amigo de Bond, y a Leiter lo deja mutilado. El Servicio Secreto le revoca la licencia a 007 para apartarlo del caso, pero él emprende por su cuenta la búsqueda de Sánchez para vengar a su amigo.

La película se iba a titular en principio «Licencia revocada», muy en la línea del argumento, pero en el último momento decidieron cambiarle el nombre por Licencia para matar. Que el villano no fuese un sofisticado megalómano que quiere conquistar el mundo y que James Bond se tomase la justicia por su cuenta le resultó chocante a cierto sector del público. Sin embargo, con el paso del tiempo, es precisamente esto lo que hace de Licencia para matar un título especial, diferente e interesante dentro de la extensa saga de uno de los iconos más emblemáticos de la historia del cine.

#JamesBond

lunes, 14 de octubre de 2019

El crack cero, el regreso de Garci

En 2013, tras el estreno de Holmes & Watson: Madrid days, el oscarizado director José Luis Garci anunció su retirada del cine. Desde entonces ha publicado varios libros y ahora reaparece en las carteleras con El crack cero, precuela de una de sus mejores películas, El crack (1981), que había conocido ya una secuela en 1983 con El crack dos.

Sutileza, elegancia o nostalgia son algunas de las características propias del estilo cinematográfico de Garci que nuevamente vuelve a lucir en El crack cero, dando como resultado una película sensacional. Narrativamente muy fluida, con un excelente trabajo de dirección de actores y una soberbia fotografía en blanco y negro. Por otro lado, el guión nos ofrece unos diálogos chispeantes plagados de referencias culturales al cine, la música y la literatura, así como a la España del momento en que transcurre la trama.

La acción se desarrolla en noviembre de 1975, durante los días anteriores y posteriores a la muerte de Franco. Sin embargo, eso es el telón de fondo. Los personajes, como todo ciudadano medio, sigue con su vida, con sus problemas, a pesar de los grandes cambios que se puedan producir en las altas esferas.

Protagoniza Carlos Santos, ganador del Goya a mejor actor revelación por El hombre de las mil caras en 2016, que retoma el papel del detective Germán Areta y realmente hay que reconocer que está a la altura de Alfredo Landa, que había dejado el listón muy alto en las entregas anteriores. Le acompaña Miguel Ángel Silvestre en el papel de Moro, su ayudante, papel que encarnaba Miguel Rellán anteriormente. Patricia Vico, en la piel de una «femme fatale» al más puro estilo del cine negro de los años 40, Macarena Gómez, María Cantuel y Luisa Gavasa componen el elenco femenino principal. En papeles secundarios encontramos caras conocidas como Cayetana Guillén Cuervo, Luis Varela, Andoni Ferreño o Ramón Langa.

Como el propio Garci ha dicho, se trata de una película analógica. Tanto es así que ha prescindido de los ordenadores hasta para la reconstrucción histórica del Madrid de entonces, algo que sería lógico hacer a día de hoy. En vez de eso, en absoluta coherencia consigo mismo y su forma de hacer las cosas, los exteriores de Madrid en los años 70 los ha sacado de sus propias películas de la época, planos rodados entonces, y virados a blanco y negro para la ocasión.

El crack cero es en definitiva, un «thriller» de suspense al más puro estilo de los clásicos de Hollywood, pero a la española, o más concretamente, a lo Garci, es decir, una película contra corriente, elegante, nostálgica, entrañable, realizada por un cinéfilo empedernido y experimentado cineasta como es José Luis Garci, alguien que sabe mucho de cine.

domingo, 29 de septiembre de 2019

Ad Astra, buscando en las estrellas

Al avezado astronauta Roy McBride se le encarga la misión de cruzar el espacio en busca de su padre a quien creía muerto tras desaparecer al participar en un proyecto espacial, pero que ahora se piensa que puede ser responsable de una serie de radiaciones cósmicas que pueden acabar con la vida en la Tierra.

Con este argumento, Ad Astra se convierte en una especie de cruce entre Contact y Apocalypse Now, con una combinación de elementos de «thriller», la ciencia ficción más reflexiva o filosófica y el drama familiar. Viendo el tráiler de la película, parece que predomina el tono de «thriller» con algo de profundidad dramática, pero luego en el filme completo el tono general es más psicológico, quedando las pinceladas de suspense y acción un tanto diluidas.

El director, guionista y productor James Gray, responsable de títulos como La noche es nuestra o Z, la ciudad perdida, nos trae con Ad Astra una epopeya espacial muy interesante de planteamiento aunque de resultado algo irregular. Es innegable el espectacular aspecto visual, un gran diseño de producción y unos protagonistas de lujo como Brad Pitt y Tommy Lee Jones. Sin embargo, la mezcla de géneros entre «thriller» y drama personal del protagonista no acaban de encajar de una forma armónica dando como resultado un relato algo errático que puede confundir al espectador, pues a veces no se ve claro adónde nos quiere llevar el director.

No obstante es una película agradable de ver con una historia interesante, aunque en esta línea de películas tenemos títulos recientes globalmente más conseguidos como Gravity o Interstellar, por ejemplo.

sábado, 21 de septiembre de 2019

Quien a hierro mata, una historia gallega de venganza

Reza el dicho popular: «quien a hierro mata a hierro muere». La primera parte de este refrán ha servido para dar título a la nueva película de Paco Plaza, artífice de la saga Rec junto a Jaume Balagueró. Quien a hierro mata es un intenso «thriller» que versa sobre un veterano narcotraficante gallego que padece una enfermedad degenerativa e ingresa en una residencia de rehabilitación. El enfermero que debe cuidarle tiene un trauma del pasado relacionado con su paciente y ahora el destino le ha servido la oportunidad de venganza en bandeja.

La productora, Vaca Films, sita en La Coruña, se ha consolidado en los últimos como un valor seguro para el género «thriller». Algunas de sus obras como Invasor, El desconocido o esta última, Quien a hierro mata, están rodadas y ambientadas en Galicia.

Luis Tosar encabeza el reparto encarnando al enfermero y secundado por Xan Cejudo, como su paciente, Ismael Martínez y Enric Auquer como los hijos del narco, y María Vázquez en la piel de la esposa del enfermero. Todos trabajan excepcionalmente bien, aunque cabría destacar a Tosar, como casi siempre, y especialmente a Enric Auquer, que transmite una energía tremenda y dota a su personaje de un carisma importante.

La venganza es un sentimiento que instintivamente todos sentimos cuando nos han hecho daño, pero normalmente no suele ser la solución a los problemas. No es lo mismo hacer justicia que tomarse la revancha y este interesante debate es el que pone sobre la mesa el director con esta película llena de tensión, suspense y con un desarrollo de personajes y puesta en escena que hace que sintamos la historia como muy cercana. Es muy fácil para el público conectar con la trama desde el primer minuto de metraje y mantenerse atento a lo que ocurre en la pantalla hasta el final.

domingo, 25 de agosto de 2019

Érase una vez el Hollywood de Tarantino

La novena película de Quentin Tarantino, Érase una vez en Hollywood, es como el «summun» de su cinefilia. Toda su filmografía está jalonada de guiños y homenajes a películas y géneros, pero esta ya es en sí misma, conceptualmente, un gran homenaje a la industria del cine.

La trama se desarrolla en Hollywood durante 1969 y versa sobre el declive de una estrella de «westerns» televisivos que trata de sobrevivir a los cambios que está experimentando en esa época el mercado cinematográfico, acompañado por su inseparable amigo, el especialista que lo dobla en todas sus escenas de riesgo.

Como ya ocurría en Malditos bastardos, Tarantino mezcla realidad y ficción a su manera incluyendo personajes reales en la trama; en este caso nos plantea al protagonista como vecino del matrimonio de Roman Polanski y Sharon Tate. Otras celebridades de la época que son interpretados en el filme son Bruce Lee o Steve McQueen.

Protagonizan con gran carisma y soltura Leonardo di Caprio y Brad Pitt como el actor y su doble respectivamente. Les acompañan Margot Robbie en la piel de Sharon Tate y Al Pacino como el representante del protagonista.

El movimiento «hippy», la matanza de Charles Manson, los «spaghetti westerns», el cine de artes marciales, son elementos clave de aquel año 1969 que sirven a Tarantino para componer el escenario en el que se mueven sus personajes. El filme arranca con un ritmo sorprendentemente ágil que decae hacia el segundo tercio del metraje para volver a remontar en el desenlace de la historia. Que tenga cierta relevancia esa caída de ritmo quizá tenga que ver con la duración de la película, 161 minutos. Creo que no sería complicado reducir el tiempo recortando parte de ese pasaje en el que se ralentiza el ritmo.

Por lo demás, la selección de musical de Tarantino con títulos míticos de la época es sensacional, como cabía esperar, y su uso es brillante, sonando siempre la canción adecuada en el momento oportuno.

viernes, 9 de agosto de 2019

El rey león vuelve a rugir en las pantallas

En esta oleada de «remakes» en acción real de los grandes clásicos de animación de Disney, este verano el toca a El Rey León. Dirige Jon Favreau, responsable de Iron Man y El libro de la selva.

En general, la estrategia de los estudios ha sido calcar la película original plano a plano. Personalmente lo considero poco interesante. En ese sentido, el que me ha parecido el mejor «remake» hasta ahora ha sido el de Dumbo, ya que cuenta la historia desde un ángulo diferente al del original de 1940.

En este caso, en El Rey León, tiene el mismo guión con los mismos diálogos y esquema argumental que su predecesora de 1994, así como las mismas canciones y partitura musical, que además son muy buenas. Siguiendo la máxima de que la base de una buena película es un buen guión y además tiene también un buen soporte musical, la película funciona bastante bien, aunque estos dos aspectos no sean originales de 2019, sino de 1994.

De los aspectos propios del nuevo proyecto cabe citar uno positivo y otro negativo. El negativo es que los animales realistas no tienen la misma expresividad en el rostro que los personajes de dibujos animados. Por otra parte, lo más positivo es que visualmente es poderosa, todo un portento, tanto por la creación digital de los animales como por la recreación de los paisajes africanos y el sugerente uso de la luz y el color. En general, una película muy fresca y atractiva para disfrutar en el cine de verano.

martes, 2 de julio de 2019

El libro no estará solo este verano

Historia de un blog de cine sigue estando a la venta en solitario, por supuesto, pero si alguien quiere algo más, una oferta de verano o una compra de cine especial para estas vacaciones, atención, porque aquí está el pack de cine especial de Ragora Juegos que incluye el juego de cartas El Productor de Cine, la taza de cine y el libro Historia de un blog de cine, todo por 30 € más gastos de envío.

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sábado, 29 de junio de 2019

Toy Story 4, larga vida a los juguetes

Se estrena la cuarta entrega del universo sobre lo que hacen nuestros juguetes cuando no miramos, iniciado en 1995, y lejos de lo que suele ocurrir con otras sagas, que acaban agotando la fórmula, con Toy Story 4 parece que la fórmula se agranda, se renueva y evoluciona explorando nuevos caminos por los que continuar avanzando.

Los juguetes de Andy han cambiado de dueño, ahora es Bonnie su poseedora, pero ella también tiene los suyos propios, así que las cosas no son como antes. Sin embargo, un viaje familiar en autocaravana antes de empezar el cole, cambiará las cosas.

Se mantienen los temas de calado habituales, como la amistad, la lealtad o los conflictos internos de los juguetes. Como de costumbre en las películas de Pixar, y en especial con la saga de Toy Story, el guion manda y en esta secuela se mantienen fieles a su tradición de no sacar una nueva sin un libreto realmente sólido. De hecho, los veteranos de la casa Pixar, John Lasseter y Andrew Stanton, son los responsables de la historia, siendo Stanton finalmente el responsable del guion. La dirección de la película se la han cedido a Josh Cooley, quien debuta en el largometraje tras haber dirigido dos cortos y prestado su voz a varios personajes de la factoría Pixar.

En el apartado técnico, como siempre, Pixar está en la vanguardia de lo último en tecnología 3D. Especialmente destacable la ambientación de las escenas nocturnas. Nos encontramos con los personajes de siempre y con otros nuevos, todos con personalidad propia, que nos llevan a los espectadores a una emocionante aventura cuyo desenlace hace presagiar que la saga tiene potencial para prolongarse dignamente «hasta el infinito y más allá».



Disponibles en DVD y Blue-Ray

domingo, 16 de junio de 2019

Luces y sombras de Fénix oscura

Mucho se ha hablado últimamente de X-Men: Fénix oscura y poco ha sido positivo. Incluso el director, Simon Kinberg, se ha disculpado por el resultado de la taquilla, que no es malo pero es bajo en relación a otras entregas de la saga. Personalmente la he disfrutado, si bien es cierto que tratándose de la décima cinta sobre los mutantes de Marvel, es difícil que sorprenda o que que aporte algo nuevo. Aún así, hay varios puntos que me han parecido interesantes de esta nueva secuela.

Para empezar, me sorprendió para bien la vibrante partitura musical de Hans Zimmer, especialmente en las escenas de acción. Creo que ha sido un gran acierto fichar a este compositor para musicalizar las andanzas de los mutantes. Otro gran fichaje ha sido el de Jessica Chastain, que emana gran carisma en su rol de villana de la función. Sin embargo, el grupo de villanos que ella lidera se queda un poco desdibujado. Se desvela quiénes son y cuál es su propósito pero poco más. Les falta algo más de desarrollo.

Y hablando de carisma, se echa un poco en falta que Magneto se luzca un algo más. Habiendo sido Hugh Jackman en la piel de Lobezno la gran estrella de trilogía primigenia, bien es cierto que en las películas de la primera generación, el mutante interpretado por Michael Fassbender es quizá el más carismático, y en la presente cinta está algo desaprovechado.

La trama se centra en el personaje de la telépata Jean Grey, que tras sufrir un accidente en una misión espacial, acaba siendo poseedora de una poderosa fuente de energía que le resulta difícil de controlar y con la que puede hacer mucho daño a mucha gente. Los métodos del habitualmente ecuánime profesor Charles Xavier se ponen en entredicho.

Interpreta a la protagonista la actriz Sophie Turner, conocida especialmente por la serie Juego de tronos, que debutó con este papel en la anterior entrega de la saga, X-Men: Apocalipsis. Por lo demás, la película goza de buen ritmo, escenas de acción trepidante y visualmente a la altura de lo que se puede esperar de la saga.

miércoles, 12 de junio de 2019

Rocketman versus Bohemian Rhapsody

La comparación de Rocketman con Bohemian Rhapsody es inevitable, especialmente por la cercanía en el tiempo de ambos estrenos y su temática. Además, el director de Rocketman, Dexter Fletcher, participó también en el «biopic» sobre Queen como productor ejecutivo.

La diferencia fundamentalmente está en el enfoque de las historias. Mientras Bohemian Rhapsody es un gran espectáculo, muy potente, con mucha fuerza, Rocketman es una catarsis terapéutica, un intento de redención de su protagonista, una película más psicológica en definitiva.

Tanto Freddie Mercury como Elton John han sido artistas muy extravagantes con serios conflictos internos y una psique llena de aristas, pero aunque ninguna de las dos películas ocultan las vidas de desparrame y excesos que ambos han llevado, una es más sutil y otra más explícita al contarnos las respectivas historias. Una transmite la fuerza del artista, la otra muestra sus miserias.

Aunque ambas me han gustado y ambas son buenas películas, personalmente he disfrutado más con Bohemian Rhapsody, no solo porque es más espectacular y vibrante, sino porque además no pretende ocultar nada. Algunos apuntan que Rocketman es más sincera y menos condescendiente con el personaje, pero yo creo que no se debe confundir la sinceridad con la sutileza. En Bohemian Rhapsody no se omite información sobre lo controvertido del personaje, pero tampoco se recrea en ello. Sin embargo, Rocketman es más explícita en este sentido. Para decir que alguien participa en algo concreto no es necesario rodar el evento en sí mismo, para eso está el recurso de la elipsis narrativa. Si voy a ver un espectáculo musical, me interesa que la música tenga prioridad sobre el resto de elementos de la trama. Obviamente me interesa también conocer la vida del artista. Si solo me interesara la música, escucharía los discos, no iría al cine, pero sí es verdad que dentro los distintos aspectos que marcan la vida de una persona, en una película sobre un músico, me interesa que la protagonista sea la música, y los demás aspectos de su vida, los actores secundarios.

sábado, 8 de junio de 2019

Rocketman, el lado oscuro del estrellato

Rocketman toma el nombre de una de las canciones más populares de Elton John para dar título a esta película sobre la vida del artista. Concretamente se centra en sus inicios y sus primeros años de fama marcados por llevar una vida al límite plagada de excesos y desenfreno hasta que acabó ingresando en un centro de desintoxicación, que así es como empieza la película para contar luego cómo ha llegado hasta ahí.

El propio Elton figura como productor ejecutivo de la película y no es la primera vez. En la cinta de animación Gnomeo y Julieta también ejerció estas funciones, además de aportar varias canciones, y su influencia se hacía notar en ciertos golpes de humor y detalles propios de su universo creativo lleno de colores y extravagancias. Sin embargo, en Rocketman, que se podría esperar algo parecido en el tono de la cinta, no nos encontramos con una visión de la fama lúdica sino más bien sórdida. La película se centra en mostrar los conflictos internos del protagonista, especialmente su complicada relación con sus padres.

Dirige la película Dexter Fletcher, que fusiona aquí los géneros de sus dos películas anteriores: el biopic, con Eddie, el águila, y el musical, con Amanece en Edimburgo.

Protagoniza Taron Egerton, visto en Kingsman y en Eddie, el águila, donde ya trabajó a las órdenes de Fletcher. Le acompaña Jammie Bell, el otrora Billy Elliot, al que también hemos visto recientemente en otro biopic del mundo artístico con Las estrellas de Hollywood no mueren en Liverpool. También es destacable el papel de Bryce Dallas Howard, la protagonista de Jurassic World, en el rol de la madre de Elton. Y finalmente cabría destacar a Richard Madden, quizá con el personaje más siniestro de la película, el cual es conocido por la serie Juego de tronos en el papel de Robb Stark.

martes, 28 de mayo de 2019

El blog en la Feria del Libro

Del 31 de mayo al 16 de junio tendrá lugar la Feria del Libro de Madrid en el Parque del Retiro. Este año Bubok Publishing estará presente en la caseta 349, lo cual significa que Historia de un blog de cine se encontrará allí disponible con el 10% de descuento correspondiente de la feria. ¡Aprovecha la ocasión!

domingo, 26 de mayo de 2019

Diario de producción: el laberinto ve la luz

El laberinto de las almas está terminada. El resultado es una película de una hora de duración. Ayer, 25 de mayo, tuvo lugar el primer pase del filme en la sede de Hermandades del Trabajo en Madrid, en cuyas instalaciones, además, se rodó parte de la película.

Fue una tarde muy agradable en la que los asistentes al evento acogieron con entusiasmo esta historia y participaron mostrando gran interés en el coloquio que mantuvimos tras la proyección. Desde aquí agradezco a todos ellos su presencia en este primer encuentro de El laberinto de las almas con el público. El camino está iniciado. Seguiré informando.

domingo, 12 de mayo de 2019

La favorita de la reina

Siglo XVIII, Inglaterra. Reinado de la reina Ana. Inglaterra y Francia están en guerra. Debido al delicado estado de salud tanto física como mental de la monarca, su amiga y persona de confianza Lady Sarah, manipula a la reina y toma decisiones importantes en su nombre para dirigir el país según sus propios intereses. Un día se presenta la prima de Sarah, Abigail, una joven de familia aristocrática caída en desgracia que entra a trabajar como ayudante de su prima y así conoce a la reina con la que entablará buena amistad.

Este es el argumento de La favorita, película estrenada en enero y que fue nominada a diez Óscar de la Academia y solo recibió uno, el de mejor actriz principal para Olivia Colman por su rol de la reina Ana. Rachel Weisz y Emma Stone interpretan los personajes de Sarah y Abigail respectivamente y también estaban merecidamente nominadas a mejor actriz de reparto.

Dirige con gran solvencia el cineasta griego Yorgos Lanthimos. Visualmente destaca el frecuente uso de planos contrapicados, así como la utilización de objetivos tipo ojo de pez o gran angular para resaltar la amplitud de las espaciosas estancias del palacio. Otro rasgo característico es la ambientación con piezas de música clásica de grandes maestros como Händel, Purcell o Bach. En este sentido trae reminiscencias en ocasiones de Barry Lyndon, de Kubrick. El tema de la enfermedad de la reina puede recordar también en ocasiones a La locura del rey Jorge.

En definitiva se trata de una buena película en clave de drama histórico aderezado con toques de comedia sarcástica. Una interesante propuesta.

lunes, 6 de mayo de 2019

La espía roja, amistades peligrosas universitarias

La espía roja es una producción británica sobre la historia real de una científica inglesa que siendo ya octogenaria fue detenida por el MI5 bajo la acusación de traición al haber cedido información confidencial a los rusos tras la II Guerra Mundial, cuando ella era una brillante estudiante de física en la Universidad de Cambridge, que se rodeaba de compañeros de ideología comunista.

Tiene gracia que la protagonista, acusada de ser espía para los rusos, sea interpretada por Judi Dench, que encarnó a M, la jefa del MI6 en la saga de James Bond. La versión joven del personaje recae sobre Sophie Cooks, que también viene del cine de espías con las dos entregas de Kingsman. Les secundan de manera destacada Stephen Campbell Moore, en el rol del profesor que recluta a la protagonista para su equipo de investigación, y los amigos más allegados a ella interpretados por Tom Hughes y Tereza Srbova.

Trevor Nunn dirige el filme en un tono de corte clásico, con un correcto ritmo narrativo y una pulcra y elegante puesta en escena. La película plantea un interesante análisis, ya que no solo se trata de juzgar sus acciones del momento, sino que sus motivaciones y las consecuencias de sus actos se pueden ver con perspectiva histórica, lo cual abre más frentes para el debate. El hecho de centrar la lucha de la II Guerra Mundial en el terreno de la ciencia y no en el militar, trae reminiscencias de The imitation game, aunque la trama es bien distinta.

lunes, 15 de abril de 2019

Dumbo vuela de la mano de Tim Burton

El mítico elefante volador de la factoría Disney vuelve a la gran pantalla: Dumbo. La primera versión de 1941, fue la película más corta de la productora, de 64 minutos de duración. Era una producción de bajo presupuesto para paliar las pérdidas económicas sufridas con Pinocho y Fantasía. La nueva versión que ahora se estrena llega de la mano de uno de los directores creador de mundos fantásticos más reconocido: Tim Burton, artífice de cuentos en cine como Eduardo Manostijeras, Big Fish, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate o Alicia en el País de las Maravillas.

El circo Medici atraviesa una dura etapa al borde de la quiebra y para tratar de recuperarse compra una elefanta asiática embarazada con la esperanza de que su retoño sea una nueva y estimulante atracción, aunque no resulta ser lo que el director del circo esperaba.

El reparto cuenta varias caras conocidas: Colin Farrell, Danny DeVito, Eva Green, la otrora chica Bond de Casino Royale, y Michael Keaton, con quien Burton había trabajado en Bitelchús y las dos entregas de Batman. La música corre a cargo del habitual colaborador de Burton, Danny Elfman. Por otro lado, basado en el cuento homónimo de Helen Aberson, el guion está firmado por Ehren Kruger, cuya filmografía incluye los libretos de títulos como El secreto de los hermanos Grimm, Ghost in the shell o tres entregas de la saga Transformers.

Dumbo ofrece ternura, drama, comedia y espectáculo en las dosis adecuadas y perfectamente equilibradas lo largo de todo el metraje. Una película que no es solo un «remake» dependiente de su antecesora, sino que tiene entidad propia, la suficiente para ser recordada por sí misma y no como la nueva versión de un clásico, cosa que sí les ha ocurrido a otros «remakes» recientes de la factoría Disney.

viernes, 12 de abril de 2019

Diario de producción: presentación del tráiler

El pasado lunes 8 de abril tuve la oportunidad de presentar el tráiler de El laberinto de las almas en la gala de premios anuales de Cinemanet, de la cual ofreceré próximamente en este blog un vídeo resumen, como en años anteriores. Fue una presentación de la película con una nueva versión del tráiler que ya estaba publicado con algunos planos adicionales.


viernes, 22 de marzo de 2019

Mula: el regreso de Eastwood

En 2009 Clint Eastwood se retiraba de la interpretación con Gran Torino, aunque seguiría dirigiendo como así ha hecho en esta última década. Nada hacía presagiar que diez años después volvería a ponerse ante las cámaras, pero ha ocurrido. A sus 89 años vuelve a hacer doblete detrás y delante de la cámara en Mula (The mule), una historia sobre un horticultor retirado metido a mula de un cártel mexicano de narcotraficantes. Las mulas son los transportistas, para entendernos, de los cárteles de la droga.

Eastwood nos ofrece una reflexión sobre la sociedad actual, sobre cómo en un ambiente tan competitivo, qué ocurre cuando envejeces y te ves indefenso ante la hostilidad del sistema. Una reflexión sobre la familia, sobre la conciliación de la vida profesional y familiar, sobre cumplir las ambiciones profesionales frente a cumplir con las obligaciones de uno con sus seres queridos, sobre el sentimiento de culpa y la búsqueda de enmienda. En definitiva, se trata de una atinada reflexión sobre la vida servida con la maestría y sobriedad narrativa propias de Eastwood en clave de «thriller» policiaco, con la investigación de los agentes de la DEA a un cártel de la droga como marco de la acción.

Acompañan a Eastwood en este regreso varios rostros conocidos. Bradley Cooper, que ya había trabajado a sus órdenes en El francotirador, ha tenido aquí la oportunidad de compartir plano con la leyenda viva. Interpreta a un agente de la DEA junto a Michael Peña, como su compañero, y Laurence Fishburne, el otrora Morfeo de Matrix, como jefe del equipo. Diane Wiest, como la esposa del protagonista, y Andy García, como capo mafioso, completan el reparto de esta nueva muestra de buen cine que nos trae el incombustible Clint Eastwood.

lunes, 18 de marzo de 2019

Alita: Canadá, México y Japón

¿Qué ocurre cuando un canadiense se junta con un mexicano para crear una película con base en la cultura japonesa? El resultado es Alita: ángel de combate.

El manga homónimo llega a la gran pantalla de la mano de James Cameron en la producción y Robert Rodríguez en la dirección. Recordemos que James Cameron es responsable de hitos taquilleros e icónicos del cine como Terminator, Titanic o Avatar, mientras que Rodríguez cuenta en su filmografía con títulos como El mariachi, Desperado, Abierto hasta el amanecer o Spy Kids.

Se trata de una historia futurista en la que un médico cibernético, interpretado por Christoph Waltz, rescata de la chatarra a una androide adolescente con la memoria borrada y buenas aptitudes para el combate. Este punto de partida recuerda en cierto modo a la saga Bourne, pero en versión femenina y cibernética. No obstante, el desarrollo de la historia ya se despega de ello y crea una trama totalmente distinta. La acción tiene lugar en un mundo saturado, devastado por la guerra, que sirve de vertedero a la ciudad flotante de Salem, solo reservada para los privilegiados, algo parecido a lo que veíamos en Elysium; quién sabe si los responsables de esa cinta se inspiraron en el manga de Alita, pero en fin, ese sería otro debate.

La cuestión es que Alita: ángel de combate es una notable película de ciencia ficción, tanto en lo técnico como en el contenido. El aspecto físico de Alita no deja indiferente y podría ser una firme candidata al Óscar a mejores efectos visuales en la próxima edición de los Premios de la Academia. Los personajes están bien perfilados, están bien interpretados y tienen historias interesantes. Las escenas de acción son trepidantes y espectaculares. La búsqueda de la identidad propia, superar los traumas del pasado, adaptarse a los cambios del entorno, son los motores que mueven a los personajes en el caótico mundo en que se mueven.

El reparto cuenta con la actriz Rosa Salazar como Alita, secundada por Christoph Waltz, Jennifer Connelly y Mahershala Ali, a quien podemos ver también en la cartelera actual en Green Book, por la que ha ganado el Óscar a mejor actor de reparto.

domingo, 3 de marzo de 2019

Diario de producción: nuevo tráiler

Ayer por la tarde terminaba la última sesión de grabación con actores. A falta de grabar algunos recursos, estamos ya en fase de montaje y postproducción. Aquí os dejo un tráiler. Que lo disfrutéis.


jueves, 28 de febrero de 2019

Óscar 2019, continúa el poder mexicano

Se han entregado un año más los Óscar de Hollywood y continúa el proceso de consolidación de los cineastas mexicanos en le meca del cine. Tras los dos Óscar de Alejandro González Iñárritu por Birdman y El renacido, y el de Guillermo del Toro por La forma del agua, este año vuelve la estatuilla por segunda vez a manos de Alfonso Cuarón por Roma, la primera había sido por Gravity.

Además del galardón al mejor director, Roma completa su palmarés con los Óscar a mejor película de habla no inglesa y mejor fotografía. De esta manera empata en número de estatuillas con la ganadora de la noche, Green Book, que también recibe tres galardones: mejor película, guión original y actor de reparto para Maheshala Ali.

Otros tres galardones se llevó Black Panther: mejor banda sonora, vestuario y diseño de producción, curiosos premios para una película de superhéroes.

La película que más Óscar se llevó fue Bohemian Rhapsody con cuatro premios, a saber, las dos categorías de sonido, mejor montaje y el previsible premio a mejor actor principal para Rami Malek por su impactante encarnación de Freddie Mercury.

Olivia Colman por La favorita y Regina King por If Beale Street could talk, fueron las actrices premiadas como principal y de reparto respectivamente.

La gala de este año pasará ala historia como la primera que no tuvo maestro de ceremonias. Veremos si lo repiten en lo sucesivo o vuelven al formato clásico o este año ha sido un punto de inflexión. De momento parece que el dato de audiencia ha sido bueno. Supongo que los gurús de la Academia deberán evaluar qué formato les favorece en todos los sentidos. Que le guste al público, que sea más ágil, que dé buena imagen de la Academia, en fin, ya veremos si en lo sucesivo dejarán atrás los tiempos en los que gente como Billy Cristal o Whoopi Goldberg amenizaban la gala con sus chistes o vuelven a ellos y dejan lo de este año como un experimento. Ya veremos.

PALMARÉS COMPLETO

sábado, 23 de febrero de 2019

Creed II, doble secuela

Tras éxito de Creed, las nuevas andanzas del legendario Rocky Balboa como entrenador del hijo de Apollo Creed, llega ahora a las pantallas Creed II, que como su propio título indica, es la secuela de aquella, pero no solo eso, sino que además es secuela de Rocky IV. Han pasado más de treinta años desde que Apollo murió en el ring a manos del ruso Ivan Drago y este fue derrotado después por Balboa en suelo ruso. Drago tiene ahora un hijo, Viktor, al que entrena para ser una bestia en el ring como lo fue él en su día. Por otro lado, Adonis Creed se proclama campeón del mundo de los pesos pesados. El nuevo encuentro entre los Creed y Drago de nueva generación se hace inevitable, así como el reencuentro entre Ivan y Rocky, esta vez como entrenadores.

Tras colaborar juntos en la reciente saga de Los mercenarios, Sylvester Stallone y Dolph Lundgren retoman sus personajes de Rocky IV, y ciertamente, la continuación de esta película pesa más en la trama de Creed II que la propia Creed. Steven Caple Jr toma el relevo en la dirección a Ryan Coogler, que se mantiene en tareas de producción, y consigue mantener el tono, la frescura y el ritmo de su predecesora.

Por lo demás, conserva la esencia de la saga en cuanto al perfil de los personajes. Tienen conflictos y relaciones entre ellos muy familiares, muy cercanas a la gente normal, de ahí el éxito de la saga. Todas las entregas giran en torno al mundo del boxeo, pero ese no es el tema de las películas, sino que sirve como vehículo para contarnos historias de superación personal, de dilemas personales, de conflictos a los que cualquiera puede enfrentarse en un momento dado y que por tanto son extrapolables a otras vidas fuera del mundo pugilístico. Ahí ha residido siempre la clave del éxito de la saga y Creed II se mantiene en la misma línea.

martes, 19 de febrero de 2019

Green book, vámonos de gira

Peter Farrelly, el otrora rey del humor grueso y escatológico, cuya filmografía se encuentra jalonada de clásicos de la comedia gamberra de los 90, como Dos tontos muy tontos, Algo pasa con Mary o Vaya par de idiotas, sorprende ahora con Green book, en la que alcanza un mágico y sutil equilibrio entre drama, comedia, denuncia social y relato biográfico. Sutil es un adjetivo que nunca pensé que usaría en una reseña del cine de Farrelly, pero en fin, ver para creer.

La película cuenta la gira que el compositor y pianista Don Shirley hizo por el sur de Estados Unidos en los años 60, acompañado de su chófer, Tony Lip, contratado para la ocasión. Así contado, quizá no tiene mucho más interés que otras películas de tipo «road movie» o películas de carretera, o incluso tipo «buddy movie», o sea, película de colegas, por la relación de amistad entre el músico y su chófer. Sin embargo, si a este esquema argumental añadimos el hecho de que Shirley era negro y de clase alta, Lip era blanco, de clase media baja y con prejuicios racistas, y que en los años 60 el tema racial en los estado del sur estaba muy candente, entonces el interés de esta historia crece hasta niveles insospechados.

A la equilibrada dirección de Farrelly hay que añadir las dos grandes interpretaciones de sus protagonistas: Mahershala Ali y Viggo Mortensen. El primero ganó el Óscar a mejor actor hace dos años en Moonlight y actualmente podemos verlo también el la cartelera en Alita y en televisión como protagonista de la nueva temporada de True detective. Por Green book está nominado a mejor actor de reparto. Mortensen por su parte, ha realizado una notable transformación física para encarnar a Lip y está nominado al Óscar a mejor actor principal. Cuando vi Bohemian Rhapsody pensé que Remi Malek era un claro ganador del Óscar a mejor actor, pero creo que con Mortensen le ha salido un serio competidor. La película parte con un total de cinco nominaciones. Veremos qué pasa el próximo 24 de febrero en Hollywood.

Esta película se presentó en primicia el pasado 28 de enero en la gala anual de las Medallas del CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos) y llegó a la cartelera el 1 de febrero. Sin duda, uno de los estrenos más interesantes de este año.

jueves, 31 de enero de 2019

Las medallas del CEC y los mensajes

El pasado 28 de enero tuvo lugar en el Palacio de la Prensa de Madrid la 74º edición de las Medallas del CEC (Círculo de Escritores cinematográficos). El reino, la película de Rodrigo Sorogoyen, se alzó como ganadora de la noche con seis galardones. La película más taquillera del año, Campeones, logró una sola medalla a mejor actor revelación para Jesús Vidal.

Llama la atención la nueva forma de comunicar su agradecimiento en la distancia de algunos premiados ausentes en la gala. Cabe recordar, que en varias ocasiones algunos galardonados agradecieron sus respectivos premios a través del móvil de quien recogió la medalla en su nombre. Este año, los móviles volvieron a tener protagonismo pero no con la llamada en directo, sino con mensajes que leyeron quienes recogieron los galardones. Las modas cambian y el uso del móvil también.

Al final de la gala pudimos disfrutar en primicia de la espléndida película Green Book, que llega mañana a la cartelera. Obviamente, el próximo post será la reseña de este este estupendo filme.

PALMARÉS COMPLETO

martes, 8 de enero de 2019

Diario de producción: el «teaser tráiler»

El pasado mes de noviembre publicaba el «teaser» póster de El laberinto de las almas.

Ahora, para comenzar 2019, mientras las producción sigue avanzando, llegó el momento de ver las primeras imágenes de la película. Este es el «teaser» tráiler.


jueves, 3 de enero de 2019

Balance de 2018

Pues sí, se acabó 2018, un año atípico en la actividad de este blog, ya que no ha habido publicación de vídeos cortos nuevos, ni de ficción ni de reportajes. Solamente dos, fieles a su cita de todos los años: el reportaje de la gala de premios de Cinemanet y el reciente vídeo navideño para felicitar a todos en tan entrañables fechas.

El motivo de la falta de producción de otros cortos es sencillamente que lo que esta en marcha ahora mismo es un largometraje, el primero de Galax Pictures: El laberinto de las almas. La progresión del mismo se puede seguir en este blog desde hace pocos meses a través de la etiqueta Diario de producción. En los próximos días se publicará el «teaser trailer» de esta película.

En cuanto al blog, se salda este año con un total de 41 entradas, de las cuales 24 corresponden a reseñas de estrenos. Como en años anteriores, he seleccionado 10 de ellas como lo más representativo del año que se ha reseñado en este blog. Aquí está el top 10 de 2018 en Galax Pictures Cine Blog:

1. Tres anuncios en las afueras.
2. Bohemian Rhapsody.
3. El instante más oscuro.
4. Ralph rompe internet.
5. Misión Imposible: Fallout.
6. Campeones.
7. Venom.
8. Ready player one.
9. El insulto.
10. Una razón brillante.