La Odisea, un gran viaje en todos los sentidos

 

La Odisea cuenta el viaje de vuelta a casa de Odiseo y su ejército tras su victoria en la batalla de Troya. Por un lado es un viaje lleno de aventuras, donde se deben enfrentar a seres mitológicos, como el cíclope Polifemo o la bruja Circe, por ejemplo. Por otra parte es un viaje interior de Odiseo, de enfrentarse con sus propios fantasmas, a su arrogancia por desafiar a los dioses, a su conciencia por las atrocidades en la batalla de Troya, pero además es la lucha por volver a casa junto a su amada esposa Penélope y su hijo Telémaco.

Además de los viajes que nos cuenta la historia, también está el viaje que Nolan propone al espectador, que como viene siendo habitual en sus películas, convierte el visionado del filme en una experiencia sensorial. La capacidad de Nolan para crear una atmósfera totalmente absorbente con la combinación de la música con los encuadres,  la puesta en escena y la fotografía, dando como resultado un tono hiperrealista y frío. Este estilo lo ha llevado a distintos ámbitos, como el cómic, con la trilogía de Batman, la guerra, con Dunkerque, el cine de espías con Tenet, la ciencia ficción con Interstellar, e incluso con el mundo del ilusionismo del siglo XIX con El truco final. Ahora lleva este estilo tan personal suyo a la Grecia clásica de Homero, dando un resultado curioso, porque si bien tanto hiperrealismo puede chocar a la hora de retratar un mundo de criaturas mitológicas, que no son reales, el caso es que la película funciona. Incluso el retrato de las diosas Atenea o Calipso, son muy terrenales en apariencia, pero la esencia de lo que cuenta se transmite al espectador, ya que las interpretaciones de Zendaya y Charlize Theron, respectivamente, resultan convincentes.

Y hablando ya del elenco, La Odisea cuenta en general con estrellas de primera línea, como las ya nombradas. Un casting encabezado por Matt Damon como Odiseo, impresionante, repartiendo estopa como en la saga Bourne y además dando profundidad al personaje, secundado por Anne Hathaway como Penélope, que este año también está en cartelera con El diablo viste de Prada 2, Tom Holland, el actual Spiderman del universo Marvel, como Telémaco, y Robert Pattinson, el otrora vampiro de la saga Crepúsculo, como el villano de la función.

La Odisea de Nolan es eso, muy de Nolan, dura casi tres horas, pero no se hace larga, es una experiencia, es un viaje a la antigua Grecia, al mundo mitológico y al mundo interior, aquel en el que cada uno debe lidiar con sus propios fantasmas. Es épica, es espectacular y tiene una producción colosal. Además, ha dejado algún plano icónico, de estos que pasarán a la historia, como el del caballo de Troya en la playa. Es una de las mejores películas del año, sin duda.

Avatar: fuego y ceniza, espectacular

 

El gran evento cinematográfico del año: Avatar: fuego y ceniza. James Cameron lo ha vuelto a hacer, nos ha llevado de nuevo a pasear por el planeta Pandora haciendo de la película toda una experiencia, esta vez conociendo a una banda de Na'vi hostiles, saqueadores, el Pueblo de la Ceniza, cuya líder, Varang, interpretada por Oona Chaplin, es un gran fichaje, convirtiéndose en uno de los personajes más carismáticos de la película. Su relevancia en la trama va de más a menos durante el metraje, pero las escenas en las que aparece, acapara toda la atención.

Sin embargo, la acción central de la película vuelve a estar en el arrecife donde se desarrollaba El sentido del agua, aunque tiene incursiones a otros lugares inexplorados hasta ahora del planeta, como el poblado de Varang y sus secuaces o la ciudad de colonos humanos construida en Pandora. La entrega anterior tenía un poder de sorpresa enorme porque nos ampliaba la visión del planeta al trasladar la acción del bosque al mar y descubriéndonos un mundo acuático fascinante. En ese sentido, Avatar: fuego y ceniza no es tan impactante como lo fue su predecesora, pero por otra parte, nos aporta dos nuevos escenarios, aunque poco explotados, y más dramatismo que en las dos anteriores entregas. Concretamente hay dos momentos de gran intensidad dramática, que comentaré en un comentario aparte para no hacer spoiler, y que quien la haya visto pueda comentar si está o no de acuerdo.

Las películas con muchos efectos especiales y tecnicismos propios de la ciencia ficción, suelen gustar a un sector fan de este género cinematográfico, pero cuando una saga se convierte en la más taquillera de la historia, es porque la va a ver mucha gente, un amplio sector de público y no solo los fans de los efectos especiales. Para captar la atención de público general, es necesario que la gente se identifique con los personajes, que encuentren un punto de conexión con lo que se muestre en pantalla y que no todo sea artilugios tecnológicos y pirotecnia. En Avatar teníamos una historia de autosuperación, de segundas oportunidades, de empezar de cero una nueva vida a través de un marine que se quedó paralítico y encuentra un nuevo hogar en la cultura Na'vi. En Avatar: el sentido del agua ya no tenía sentido la historia de autosuperación pero introducía un fuerte alegato a la unión familiar y protección de los seres queridos. En Avatar: fuego y ceniza continúa siendo importante la familia, pero además introduce con cierta relevancia el tema de la culpa.

La primera película fue fascinante por el mundo de Pandora que nos mostraba y además, era una película de invasiones alienígenas donde los invasores eran los humanos. La segunda fue una enorme sorpresa por el entorno acuático de Pandora, un viaje fascinante. La tercera no resulta tan sorprendente ,pero sí más rica en elementos dramáticos y manteniendo su poder de fascinación y ritmo narrativo como las dos anteriores.

En resumen, Avatar. fuego y ceniza es un espectacular cierre de trilogía, una experiencia para ser vivida en pantalla grande y todo un espectáculo. Enhorabuena, señor Cameron.

Frankenstein, ¿quién es el verdadero monstruo?

 

Guillermo del Toro firma la enésima versión de la obra mítica de Mary Shelley, Frankenstein, bajo la producción de Netflix. La película está estructurada en tres actos: prólogo, El cuento de Víctor y el cuento de la criatura. De este modo, nos presenta cómo creador y criatura cuentan cada uno su versión de la historia al capitán de un barco encallado en el hielo. A través de sus relatos encontramos temas de fondo muy interesantes como la ambición desmedida, la obsesión, la falta de escrúpulos o la búsqueda de identidad, de saber cuál es nuestro lugar en el mundo y cómo encajar en él.

La película goza de un espléndido diseño de producción y de vestuario que crea una atmósfera gótica, propia de Del Toro, totalmente absorbente, que envuelve al espectador en esta historia de terror llena de matices. Es una lástima que Netflix haya hecho un estreno limitado en cines, lo suficiente para poder optar a los Óscar, y la llevara directamente a streaming, porque desde luego, esa estética y esa atmósfera son dignas de disfrutarse en pantalla grande.

Aunque lo que predomina es el tono romántico y existencialista, no deja de tener algunos detalles un poco gore, que podrían ser evitables, en algunas escenas. No obstante, es una gran película realizada a la antigua usanza, con efectos prácticos, decorados físicos, maquillaje, y la inclusión de algunos CGI (imágenes generadas por ordenador) que no son lo último en tecnología, pero cumplen eficazmente su función.

El elenco está encabezado por Oscar Isaac, conocido especialmente por su papel de Poe Dameron en los episodios VII, VIII y IX de Star Wars, que ya había destacado antes en Las dos caras de enero o como villano en Robin Hood. Le secunda el gran descubrimiento de Tarantino, Christoph Waltz, en el papel del mecenas que financia la investigación del doctor Frankenstein.  Jacob Elordi, habitual en otras producciones de Netflix, encarna a la criatura y Mia Goth da vida a Elisabeth. También cabe destacar la presencia de Charles Dance, al que muchos recordamos como villano de El chico de oro y de El último gran héroe, en el rol del padre de Víctor.

Frankenstein es, por tanto, una película gótica, existencialista, romántica, filmada con gran devoción por el autor de títulos como Hellboy, La forma del agua, Blade II, o El laberinto del fauno. Posiblemente, la mejor, o de las mejores películas de Guillermo del Toro.

Atención, Columbus y Spielberg preparan Gremlins 3

 

Fotograma de Gremlins (1984)

Se acerca la Navidad y un clásico ochentero de estas fechas da nuevas noticias en estos días: se está poniendo en marcha Gremlins 3, la nueva entrega de la hasta ahora dilogía dirigida por Joe Dante sobre esos seres adorables que se convierten en malvados bichos verdes si comen después de medianoche.

Al igual que en las dos entregas anteriores, vuelve a estar en la producción Steven Spielberg. Sin embargo, la dirección correrá esta vez a cargo de Chris Columbus, que fue guionista de la primera entrega. En aquel entonces, Columbus era solo guionista, no había debutado aún en la dirección, pero ahora, toma las riendas del proyecto tras una larga trayectoria como director jalonada de grandes éxitos comerciales como las dos primeras entregas de Solo en casa, las dos primeras entregas de Harry Potter, Señora Doubtfire, Nueve meses o Un padre en apuros, entre otras.

El estreno está previsto para 2027, y a priori, el proyecto parece que puede llegar a buen puerto. Seguiremos estando al tanto de su evolución. 

Tráiler de Avatar: Fuego y cenizas, se completa la trilogía de Pandora, camino a la pentalogía

 

En Avatar se nos presentaba a los na'vi como unos seres azules que vivían en los bosques de Pandora. En Avatar: El sentido del agua, nos fuimos de viaje al fondo oceánico con otros na'vi de color verdoso. Ahora, en Avatar: Fuego y cenizas, por lo que aparece en el tráiler, veremos nuevos na'vi con otros colores y un nuevo paisaje volcánico. Esta es la tercera de las cinco películas que en su día dijo James Cameron que quería hacer. 

Respecto a sus planes, estos días ha habido novedades. Ya había anunciado que después de esta película quiere cambiar de tercio y hacer una película sobre la bomba nuclear de Hiroshima. Lleva muchos años dedicado solo a la trilogía de Avatar, por lo que parece que es normal que quiera hacer algo diferente. Esto implicaría que cedería las riendas de las dos próximas películas de la franquicia a otro director, pero en estos últimos días ha dicho en los medios que se siente sano y con energía como para seguir al pie del cañón con la saga del planeta Pandora. La vida da muchas vueltas. 

De momento, aquí tenemos el tráiler de la tercera entrega de una de las trilogías de fantasía y ciencia ficción más taquillera de las últimas décadas que se estrenará en diciembre, para terminar el año por todo lo alto.

El secreto del orfebre, realismo mágico romántico

 

El secreto del orfebre es una película muy agradable de ver, de puesta en escena elegante, buena fotografía, cuidadas localizaciones y una historia de amor a través de tiempo y el espacio. Versa sobre cómo un amor de verano ha marcado las vidas de sus dos protagonistas a lo largo del tiempo, pero está contado en un tono de realismo mágico, es decir, cuando se introduce la magia o la fantasía en un entorno de vida cotidiana, lo cual le da un toque original e interesante a la narración.

Protagonizan Mario Casas y Michelle Jenner, secundados por Enzo Oliver y Zoe Bonafonte, que interpretan respectivamente las versiones juveniles de los personajes protagonistas. Dirige Olga Osorio, adaptando al cine la novela homónima de Elia Barceló. Es el segundo largometraje de la directora tras su debut en 2023 con ¡Salta!

Tanto Casas como Jenner resultan carismáticos en sus personajes, especialmente Jenner, y tanto Oliver como Bonafonte están a la altura para dar la réplica con sus interpretaciones de los personajes más jóvenes, aunque quizá en este caso, destaque un poco más Oliver. En definitiva, El secreto del orfebre es una película romántica, poética, bonita y de estilo clásico, lo cual la hace atemporal, así que posiblemente envejezca bien y mantenga el interés durante mucho tiempo.

Cazafantasmas: Imperio helado, de vuelta a Nueva York

 

Este año han vuelto los cazafantasmas al cine como continuación de la anterior entrega, Cazafantasmas: más allá, bajo el título de Cazafantasmas: imperio helado. En la anterior, los actores de las películas originales salían a modo de aparición estelar, cosa que ocurre en esta nueva entrega con Bill Murray, pero no con Dan Aykroyd y Ernie Hudson, que tienen papeles más largos y más integrados en la trama.

La familia de los descendientes de Spengler, tras los acontecimientos vividos en aquel pueblo aislado de la película anterior, están ahora en Nueva York donde ejercen de cazafantasmas en el mismo edificio donde tenían su cuartel general en los años 80. Ray (Dan Aykroyd) tiene una tienda de compraventa de objetos extraños, misteriosos, hechizados etcétera. Un día entra un tipo a su tienda a venderle varios trastos viejos de su abuela fallecida, entre los cuales se encuentra un orbe metálico que parece ser que encierra a un espíritu maligno de la antigüedad, un destructor que tenía el poder de destruir con el hielo.   

Bill Murray sale poco, pero protagoniza una de las escenas más divertidas de la película. En general, el filme tiene buen ritmo, es espectacular y entretenida. Le falta, quizá, aquel toque de singularidad que tenía su precedente al desarrollarse en un escenario completamente distinto. No obstante, la película entretiene, tiene un niña fantasma muy peculiar y carismática, interpretada por la joven actriz y cantante Emily Alyn Lind, conocida especialmente por la serie  de TV Gossip girl y que trabajó hace unos años a las órdenes de Clint Eastwood en J. Edgar, donde intepretaba a Shirley Temple. Los protagonistas son los mismos de la anterior película: Paul Rudd, conocido especialmente por interpretar a Ant-Man en el universo Marvel, Carrie Coon, curtida sobre todo en el teatro, aunque también hace cine y televisión, y los jóvenes McKenna Grace y Finn Wolfhard. Sobre el personaje de McKenna, Phoebe Spengler, recae el peso de la trama familiar dentro de lo que es historia que cuenta la película, ya que siendo muy inteligente y mañosa para cazar fantasmas, el hecho de ser menor de edad supone un problema para que pueda trabajar en Nueva York, y en este conflicto adolescente radica el toque humano de la historia, más allá del orbe encantado que amenaza la ciudad.

La película está dedicada al fallecido Ivan Reitman, artífice de las películas originales y que produjo la anterior entrega siendo el director su hijo, Jason Reitman, que en esta ocasión ha ejercido de productor y ha dado las riendas de la dirección a Gil Kenan, coguionista tanto de esta como de la anterior película, y director de títulos como City of Ember o El niño que salvó la Navidad.

Guardiana de dragones, magia china en el cine español

 

Guardiana de dragones es una coproducción entre España y China dirigida por Salvador Simó, director de Buñuel en el laberinto de las tortugas, y Jianping Li. En la China ancestral, hubo un tiempo en que dragones y hombres unieron sus fuerzas para combatir el mal, pero más tarde la desconfianza hizo que esta unión se rompiera. Quienes poseían este don para establecer esa alianza, eran los guardianes de dragones. A falta de que se extinga el último dragón y bajo la amenaza de que un malvado hechicero se quiera hacer con el poder del último huevo de dragón, una niña huérfana llamada Ping, que sin saberlo, posee el poder para ser guardiana de dragones, se ve envuelta en una gran aventura para salvar el huevo de dragón.

El filme se basa en la novela homónima de la escritora australiana Carole Wilkinson. Técnicamente muy cuidada, la película goza de un ritmo que puede decaer en algún momento, pero que en cambio tiene momentos que meten mucho al espectador en la historia, y definitivamente, la gran estrella de la película es la niña, un personaje muy entrañable. Una película muy agradable de ver, tanto por visualmente como por la empatía que genera la joven protagonista con el espectador.

Del revés 2, el control de las emociones

 

Qué complicado es crecer, ¿verdad? Nos pasamos la infancia diciendo «cuando sea mayor...», pensando que podremos hacer lo que nos dé la gana. Sin embargo, después las cosas no son tan sencillas. Todo es más complejo de lo que parece y en nuestras vidas van apareciendo nuevas emociones, sensaciones, sentimientos, experiencias, que nos hacen cuestionar todo y hay que aprender a controlar todas esas novedades que continuamente van apareciendo en nuestra vida. Sobre esto trata Del revés 2 (Inside out 2).

Riley, la niña protagonista de Del revés, cumple 13 años y salta la alarma de la pubertad. Nuevas emociones se despiertan en su ser. Sus emociones básicas, Alegría, Tristeza, Asco, Ira y Miedo, están orgullosas de la personalidad que han creado en Riley y esa armonía se ve perturbada por la llegada de nuevas emociones que irrumpen en el cuartel general como un elefante en una cacharrería. Estas nuevas emociones son Vergüenza, Aburrimiento, Envidia y Ansiedad, siendo esta última la que lidera al grupo y llega con un ansia desbocada de cambiar las cosas a cualquier precio. La batalla por el control emocional ha comenzado en la cabeza de Riley, que ve cómo sus convicciones se tambalean y se siente confundida y estresada ante las nuevas emociones y las nuevas tentaciones.

Este proceso interno de Riley se manifiesta externamente en su relación con sus amigas durante un campamento de hockey sobre hielo, donde su ambición por caerle bien a las veteranas del equipo entra en conflicto con sus amigas del colegio. Es lo típico de los adolescentes de querer ser guay y codearse con los mayores descuidando a las amistades verdaderas.

La película tiene mucha chispa y  ritmo frenético. No tiene el factor sorpresa como la primera, ya que la originalidad de aquella residía en plasmar en imágenes el mundo de las emociones, y aquí ya lo conocemos. Sin embargo, las nuevas emociones, especialmente Ansiedad, tienen bastante fuerza. También es interesante encuadrar la acción en el ámbito del deporte. Aunque en la vida de la protagonista siguen siendo los pilares  fundamentales la familia y la amistad, en esta película predomina el tema de la amistad, ya que se centra más en mostrar cómo afectan los cambios emocionales a su relación con sus amigas.

Del revés 2 se ha convertido desde el mismo momento de su estreno en la película más taquillera estrenada en España en 2024. De momento lidera la taquilla, pero en el segundo semestre del año nos esperan nuevos estrenos muy potentes, como Gladiator 2, por ejemplo, así que ya veremos cómo acaba el año. Pero está claro que la nueva película de Pixar estará en las posiciones altas del ranking.

La sirenita, buen rollo bajo el mar

 

En la senda de los remakes y reboots de los clásicos de animación 2D de Disney en acción real, lo cual no deja de ser un eufemismo, porque tienen más de animación 3D que de imagen real, le llega el turno  La sirenita. En esta colección de nuevas versiones, las encontramos de dos tipos: las que dan un enfoque nuevo a la historia, como Maléfica o Dumbo, y las que calcan casi plano a plano la película original, con algún añadido, ya que suelen ser más largas que las originales, pero que tienen en mismo guion con los mismos diálogos y canciones. La sirenita pertenece a este segundo grupo, junto con otros como La bella y la bestia, Aladdin o El rey león.

El tema musical de Bajo el mar tiene la misma fuerza que antaño, y es que es una canción que transmite muy buenas vibraciones, y las imágenes que la acompañan son muy vivas y espectaculares. Otro momento que creo que tiene bastante fuerza, es la escena del naufragio, de gran intensidad dramática.

A la protagonista le da vida la joven actriz y cantante Halle Bailey, secundada por veteranos como Javier Bardem, en el papel de Tritón, y Melissa McCarthy como Úrsula. Dirige un experto en musicales, Rob Marshall, responsable de títulos como Chicago, Nine o Into the woods.

Se trata de la historia por todos conocida de la sirena que quiere vivir entre los humanos y para ello, ante la negativa tajante de su padre, el rey Tritón, hace un gran sacrificio dejándose embaucar por la malvada Úrsula, que ansía arrebatarle el trono al rey. Una trama de conspiración por el poder aprovechándose de un conflicto familiar entre padre e hija. Y todo enmarcado en unas imágenes digitales submarinas, a veces hipnóticas. Buen guion, aunque no nuevo, buena estética, pero falta algo de chispa o de carisma en los actores en general, aunque con algunos momentos muy intensos como los anteriormente descritos. En general, muy agradable de ver.

Indiana Jones y el dial del destino, una vida de aventuras

 

Indiana Jones ha vuelto por quinta y última vez a llenar las pantallas de todo el mundo con Indiana Jones y el dial del destino. Harrison Ford a sus 80 años se despide de uno de los personajes más icónicos de su carrera, junto con Han Solo de La guerra de las galaxias y Rick Dekard de Blade runner. Se estrena esta última aventura tras 42 años de ver la luz su primera andadura en las pantallas con En busca del arca perdida. Esta vez ya no está George Lucas en la producción, puesto que Lucasfilm ya pertenece a Disney desde 2012, y Steven Spielberg ha formado parte del equipo de producción cediendo las riendas de la dirección a James Mangold, un director muy interesante responsable de títulos como Le Mans 66, Logan, El tren de las 3:10, o Copland. 

El resultado es una muy entretenida película de aventuras y acción en la más pura tradición de la saga. Se desarrolla en el año 69, cuando el hombre va pisar la luna, y tiene un prólogo en la Segunda Guerra Mundial para el cual Harrison Ford fue rejuvenecido digitalmente. Si bien El reino de la calavera de cristal fue muy denostada por muchos, aunque yo la defendí, sí es verdad que El dial del destino se puede decir que está por encima de aquella, pero aun así, las cinco películas componen una extraordinaria saga de aventuras que se ha pergeñado durante cuatro décadas y que ya es un gran icono de la historia del cine. Posiblemente esta sea la película, junto con La última cruzada, en las que más se profundiza en la psicología del personaje de Indiana Jones. En La última cruzada veíamos su adolescencia y luego la difícil relación con su padre siendo ya adulto, y aquí, en esta última aventura de El dial del destino, vemos a un profesor de universidad que se jubila y a un aventurero retirado que tiene que volver a las andanzas, y también con otro drama familiar que le da un calado más dramático al personaje. El dial del destino está hecha con muchos efectos digitales pero que se ponen al servicio de la continuidad visual de la saga para estar alineados con los efectos especiales utilizados antaño, es decir, que no se vea tan digital y que parezca más artesanal como las primeras películas. En La calavera de cristal se había intentado esto, pero realmente está más conseguido técnicamente en esta nueva aventura.

Además de Harrison Ford, el elenco está formado por actores de gran solvencia como el danés Mads Mikelssen, al que pudimos ver en Otra ronda o de villano de James bond en Casino Royale. En un papel más secundario podemos encontrar también presencia española con Antonio banderas. También se recupera a Karen Allen, aunque su presencia en pantalla es muy limitada. También hay que destacar  a la actriz Phoebe Mary Waller-Bridge, que es la nueva compañera de fatigas de Indiana, que interpreta al personaje de Helena Shaw, una aventurera que resulta ser la ahijada del mítico arqueólogo.

 En definitiva, Indiana Jones y el dial del destino es una gran aventura divertida y trepidante  siguiendo la mejor tradición de la saga y que supone un más que digno y emocionante broche de oro para el cierre de la misma.

Peter Pan y Wendy, aventuras en Nunca Jamás

 

Disney lanza una nueva versión de Peter Pan bajo el título Peter Pan y Wendy bajo la dirección de David Lowery, que ya había realizado en 2016 otra nueva versión de un clásico Disney con Peter y el dragón. Peter es encarnado por el joven actor Alexander Molony, debutando en el largometraje tras varias series de televisión. Por otro lado, Wendy es interpretada por la también joven actriz Ever Anderson, la hija de la actriz Milla Jovovich, la icónica Leeloo de El quinto elemento, y del director Paul W. Anderson, responsable de películas como la saga Resident Evil, con su mujer de protagonista, Pompeya, Horizonte final o Mortal Kombat. Ever Anderson ha ido vista también en Resident Evil: capítulo final, trabajando a las órdenes de su padre e interpretando la versión adolescente del personaje de su madre. También hizo la versión adolescente de Scarlett Johanson en Viuda Negra. Finalmente, el legendario Capitán Garfio es encarnado por el veterano Jude Law, visto últimamente en otras películas de fantasía, la saga Animales fantásticos.

Peter Pan y Wendy arranca con ritmo pero sin sorpresas, con  la historia ya conocida pero sin ningún rasgo distintivo para esta versión respecto a otras versiones. Es a mitad de película, cuando se profundiza en el pasado de Peter Pan y Garfio y de dónde viene su rivalidad, cuando la película gana en tensión dramática y se hace más interesante. El tema central de la historia, la cuestión de no crecer, de hacerse mayor, los pros y contras tanto de la infancia como de la madurez, están muy presentes en esta segunda mitad del metraje.

Peter Pan y Wendy es una nueva versión del clásico muy agradable de ver con buenos efectos digitales, buen rito, correctas interpretaciones, donde quizá la  más destacada es Ever Anderson, aunque quizá esté por debajo de otras versiones como el clásico de animación de la propia Disney o la versión de Steven Spielberg, Hook, que daba otro enfoque a la historia con un Peter Pan que había crecido y olvidado quién habia sido.

Reivindicando El ataque de los clones

 Cuando se estrenó la trilogía de Star Wars que supuso las precuelas de la trilogía primigenia, es decir, los episodios del I al III que nos contaban cómo Anakin Skywalker se convirtió en Darth Vader, la mayoría de la gente, o al menos de los que se han pronunciado, respecto a ello, coinciden en que la mejor de las tres es la última, La venganza de los Sith. En esta película, vemos el paso definitivo de Anakin hacia el lado oscuro, el momento de convertirse en Darh Vader, posiblemente el más esperado por todos los fans desde que se anunció que se harían estos episodios.

Sin embargo, creo que la más completa de las tres es El ataque de los clones  y lo voy a argumentar con algunos datos objetivos:

1. Evolución de la trama: creo que de las tres, es la que más hace evolucionar la historia, ya que La amenaza fantasma era el momento de conocer a Anakin de niño y La venganza de los Sith, la trama en sí misma, era todo guerra. En El ataque de los clones vemos cómo realmente se pasa de la República a la guerra mediante los tejemanejes en la sombra por parte del lado oscuro.

2. Evolución del personaje: sin duda, el Episodio II es en el que podemos ver una evolución más marcada del personaje principal. En el Episodio I era un niño con muy buenas aptitudes y en el III da el paso definitivo al lado oscuro, pero en el II se desgrana todo el proceso de conversión. Por un lado, vemos a un joven aprendiz de jedi con muy buenas aptitudes pero con un problema grave de actitud, y es que peca en exceso de arrogancia. Eso, sumado al enorme sufrimiento por la violenta muerte de su madre y a la tentación por parte del senador Palpatine, que le da alas alabándole su enorme talento y su potencial para ser el jedi más poderoso, acaba llevándole a desviarse del camino de la rectitud, proceso que culminará en el Episodio III.

3. Ritmo de montaje: la película goza de un fluido ritmo narrativo adoptando el mismo esquema que El imperio contraataca, el montaje paralelo de historias. Tras el atentado contra la senadora Padme bajo la custodia de Obi Wan y Anakin, los personajes toman caminos distintos dividiendo la historia en dos subtramas: por un lado, Anakin debe escoltar a Padme a su hogar en el planeta Naboo, mientras que por otra parte, Obi Wan inicia una investigación para encontrar al culpable del atentado, y en este proceso, encuentra un ejército de clones que se ha estado fabricando a espaldas del senado y de la orden Jedi. Ambas subtramas se van contando alternativamente durante el desarrollo de la trama hasta que vuelven a converger en el desenlace de la historia, cuando los tres personajes se vuelven a encontrar.

4. Momento épico para los fans: a nivel fan, es cierto que el momento de la conversión de Anakin en Darth Vader en el Episodio III era el más esperado, pero aun así, el Episodio II tiene también otro gran momento, y es el de ser la primera vez en la saga, teniendo en cuenta que esta era la quinta película de Star Wars que se rodaba, en la que se veían a un montón de jedis luchando con sables láser en la pantalla. Hasta entonces, se habían visto luchas de dos o tres espadas de luz al mismo tiempo, pero en el desenlace de El ataque de los clones, se por primera vez a todo un ejército de guerreros Jedi en acción.

5. Hito en la historia del cine: a nivel industrial, cabe destacar que El ataque de los clones fue la primera superproducción rodada en digital. Hasta entonces se había utilizado el llamado vídeo de alta definición en películas dindependientes de bajo presupuesto, como El proyecto de la bruja de Blair, Bailando en la oscuridad o las películas del movimiento Dogma 95. Pero con los grandes presupuestos nadie se atrevía a dar el paso de arriesgarse a rodar en digital en vez de en celuloide, pero alguien siempre debe ser el primero, el pionero, y ese fue George Lucas con El ataque de los clones.

Todo a la vez en todas partes, la ganadora de los Óscar

 

Un desparrame descomunal de puro entretenimiento

La ganadora de los Óscar este año, Todo a la vez en todas partes, es una locura de película del tándem de directores conocido como Daniels, formado por Daniel Kwan y Daniel Scheinert. Ambos han trabajado juntos en varios cortometrajes, videoclips musicales y alguna serie de televisión. En el largometraje debutaron con Swiss army man, en 2016, y ahora, con su segunda película, Todo a la vez en todas partes, han triunfado en la noche de los Premios de la Academia de Hollywood.

La película es despliegue de imaginación sin parangón donde se mezcla el humor absurdo, las artes marciales, el multiverso, la acción desenfrenada, el surrealismo, todo ello en un cóctel explosivo que serpentea a lo largo de más de dos horas de duración entre lo genial y lo grotesco, consiguiendo mayormente el mágico equilibrio, aunque en ocasiones se les va de las manos. La primera hora de película es genial, ya que mezcla todos estos elementos de forma equilibrada y se puede seguir perfectamente la trama. Luego, en el desenlace, hay un rato en el que la mezcla de imágenes resulta algo confusa y a pesar de que al final se entiende en esencia lo que ha pasado, resulta más complicado seguir la evolución paso a paso en este tramo del metraje.

La trama versa sobre una inmigrante China en Estados Unidos que regenta una lavandería y vive con su marido, su padre y su hija, dándole todos, cada uno en su rol y a su manera, más de un quebradero de cabeza. Un día descubre que existe un multiverso con infinidad de universos alternativos donde todos tienen vidas distintas y que ella es la última oportunidad de salvar el equilibrio entre universos que se ve amenazado por una poderosa villana.

El reparto es todo un homenaje al cine de acción de los años 80 y 90 encabezado por Michelle Yeoh, la otrora chica Bond de El mañana nunca muere y coprotagonista más tarde de la aclamada Tigre y dragón. La acompaña en rol de su marido, Ke Huy Quan, conocido de niño por acompañar a Indiana Jones por la India tras la pista del templo maldito y por sus artilugios caseros en Los Goonies. También están Jamie Lee Curtis, de Mentiras arriesgadas, Un pez llamado Wanda o la saga Halloween, por ejemplo, y el también veterano James Hong, con una dilatadísima carrera como actor de reparto al podemos recordar, entre otras muchas, por El chico de oro, Golpe en la pequeña China o Tango y Cash, por ejemplo.

Sevilla, plató de rodaje para Hollywood

 

Creo que cualquiera que haya estado en Sevilla, se habrá dado cuenta de que posiblemente tenga una de las más bonitas, espectaculares y fotogénicas Plazas de España de nuestro país. La industria de Hollywood también se percató de ello y no solo en un momento dado de la historia, sino que podemos encontrar dos superproducciones de la Meca del Cine estrenadas con 40 años de diferencia, en 1962 y 2002 respectivamente, que han rodado alguna escena de su metraje en este espléndido escenario.

Por un lado, el director David  Lean dirigió la mítica Lawrence de Arabia en varias localizaciones españolas, siendo una de ellas la Plaza de España de Sevilla, cuyo palacio sirvió para recrear el cuartel del ejército británico. En la foto de arriba podemos ver  de izquierda a derecha a Anthony Quayle, Jack Hawkins y Claude Raines paseando entre sus arcos.

Por otra parte, en la foto de abajo, podemos ver paseando por el mismo lugar a Nathalie Portman y Hayden Christensen acompañados de R2-D2 en Star Wars-Episodio II: El ataque de los clones, la primera superproducción de Hollywood rodada en digital. Hasta entonces, el vídeo digital de alta definición se había usado en película independientes de bajo presupuesto, como El proyecto de la bruja de Blair o Bailando en la oscuridad, pero fue George Lucas quien dio el paso de llevar la imagen digital a las producciones de lato presupuesto. La Plaza de España de Sevilla, con varios retoques digitales en postproducción, sirvió de escenario para la escena de la llegada de los protagonistas al planeta Naboo. 

El día de la marmota y otros bucles temporales

El día 2 de febrero se celebra el Día de la Marmota en Punxsutawney, una pequeña localidad estadounidense, en la que una marmota predice cuánto durará el invierno. Una tradición local que se dio a conocer mundialmente en 1993 gracias a la película Atrapado en el tiempo, dirigida por Harold Ramis, uno de los Cazafantasmas, y protagonizada por otro, Bill Murray. Ambos actores trabajan aquí como director y actor respectivamente, igual que habían hecho en 1980 con El club de los chalados, y posteriormente fueron compañeros de reparto a las órdenes de Ivan Reitman en 1981 con El pelotón chiflado, en 1985 con Los Cazafantasmas y en 1989 con Cazafantasmas II.

En Atrapado en el tiempo, un engreído hombre del tiempo de un canal de televisión, se desplaza a Punxsutawney para cubrir el evento del Día de la Marmota, algo que hace con sarcasmo y mal gusto, y se queda atrapado en un bucle temporal reviviendo el mismo día una y otra vez hasta que se digna a hacer las cosas bien. Una fábula moralista en clave de comedia romántica con un Bill Murray muy carismático acompañado de Andie McDowell, que había destacado especialmente tres antes en Matrimonio de conveniencia con Gerard Depardieu.

La idea del bucle temporal reviviendo el mismo día una y otra vez se ha llevado también a la ciencia ficción en títulos como Al filo del mañana. También en el género de fantasía encontramos una trama interesante en torno a los bucles temporales de la mano de Tim Burton en El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares. En esta película, Miss Peregrine, interpretada por Eva Green, regenta una escuela para niños con peculiaridades, como controlar el fuego o el aire, en los años 40. Durante la II Guerra Mundial, una bomba cae en la casa matándolos a todos, pero sobreviven en otra dimensión de manera que esas últimas 24 horas las reviven una y otra vez, reiniciándolas cada día antes de que la bomba caiga sobre la casa. Es como una especie de escuela de los X.Men pero en el universo creativo de Tim Burton. Aunque algo irregular narrativamente, resulta interesante en su conjunto y especialmente en su estética, como suele ser habitual en la filmografía de su director,

El top de taquilla de 2022 en España

Habiendo consultado dos fuentes distintas, Taquilla España y Box Office Mojo, podemos ver que el top 10 de taquilla coincide, aunque los puestos 2, 3 y 4 tienen alguna variación. En cualquier caso, analizando la situación, se puede llegar a las siguientes conclusiones:

1. Arrollador éxito de Avatar: el sentido del agua, que se alza como película más taquillera de 2022 con solo dos semanas en cartel, ya que se estrenó el 16 de diciembre.

2. Las secuelas de cine de los años 80 y 90 sigue interesando al público, que ha metido en el top 10 a Top Gun: Maverick y Jurassic World: Dominion.

3. Parece que Disney y Pixar pierden su hegemonía con el cine de animación 3D, al menos en España, ya que ninguno de sus estrenos en 2022 han entrado entre las diez más taquilleras. Sin embargo, sí encontramos dos títulos de animación, pero de otros estudios: Minions: el origen de Gru, de Illumination Entertainment, y Tadeo Jones 3, de Lightbox Animation Studio.

4. El cine español tiene dos representantes entre las diez más taquilleras, curiosamente dos terceras partes: Tadeo Jones 3, de Enrique Gato, y Padre no hay más que uno 3, de Santiago Segura.

5. De la saturación de estrenos de superhéroes del año, tres títulos consiguen colarse en el top 10, dos de Marvel, Doctor Strange en el multiverso de la locura y Thor: love and thunder, y una de DC Cómics, The Batman.

6. Finalmente, el cine de aventuras y acción sigue siendo del gusto del público y la película Uncharted consigue buena taquilla y un puesto entre las diez más taquilleras del año, siendo la única de las diez que no pertenece a ninguna saga, aunque podría ser el origen de una nueva.

Avatar: el sentido del agua, la playa de Pandora

 

Seguimos explorando el planeta Pandora de la mano de James Cameron

Tras revolucionar la tecnología 3D en las salas de cine convencionales en 2009 con Avatar, James Cameron se puso en marcha con sus secuelas. La primera de ellas se ha hecho esperar, pero finalmente está en los cines Avatar: el sentido del agua, y la espera ha merecido la pena.

Volvemos a los bosques de Pandora, el planeta poblado por los na'vi, en el cual los humanos pretenden explotar nuevas fuentes de recursos naturales. El marine Jake Sully, convertido ya en un na'vi, forma una familia con Neytiri. En un momento dado se ven obligados a abandonar el bosque encontrando su nuevo hogar en el mar, integrándose con otros na'vi adaptados al medio acuático. 

Repite esta vez el elenco principal de la primera parte, Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver y Stephen Lang. Además hay muchas nuevas incorporaciones entre las que destaca Kate Winslet, la protagonista de Titanic, que se ha vuelto a poner a las órdenes de Cameron en otra superproducción acuática.

En Avatar: el sentido del agua, los hijos de la pareja protagonista son adolescentes, lo cual da pie para hablar de los conflictos generacionales y de la adolescencia. La integración de esta familia de los bosques con la gente de la costa ilustra la adaptación al medio y la integración social. Además, como son mestizos, por ser medio humanos y medio na'vi, también está latente el tema del racismo. La espiritualidad sigue estando muy presente en esa conexión de los indígenas con sus ancestros a través de Eywa, la deidad que mantiene el equilibrio en Pandora. Pero sobre todo, el tema más patente es el de la familia, presentando la unidad familiar como la gran fortaleza para vencer las adversidades de la vida.

Y aparte de estos temas de calado, la película es lo que se espera de ella, un enorme espectáculo de aventuras y acción de ritmo trepidante, que además, en sus más de tres horas de duración, deja tiempo también para el deleite de imágenes acuáticas que son pura poesía audiovisual.

Pinocho, el chaval tiene madera

 

Vuelve el tándem Zemeckis-Hanks

El director Robert Zemeckis y el actor Tom Hanks, que han trabajado juntos en Forrest Gump, Polar Express, y Náufrago, vuelven a unir sus fuerzas para sacar adelante el nuevo «remake» de acción real de un clásico de animación de la factoría Disney: Pinocho. Al igual que los anteriores «remakes», como La bella y la bestia o Aladdin, se vuelve, con algunos cambios y algún añadido, a seguir el diseño y la narrativa de la película original, pero recreándolo con actores reales interaccionando con personajes creados con CGI, es decir, por ordenador. En esta de Pinocho  tienen especial predominio los personajes digitales, empezando por el propio Pinocho, a quien da voz el actor Benjamin Evan Ainsworth en la versión original. A Pepito Grillo le ha prestado su voz Joseph Gordon-Levitt.

Tom Hanks, por su parte, encarna a un entrañable Gepetto, que vive sumido en una profunda melancolía añorando a sus difuntos esposa e hijo. Esto se ve especialmente en el inicio de la película, en la que Zemeckis, nos introduce en el universo del famoso carpintero. Un mundo de madera, con todo tipo de juguetes, relojes de cuco y otros artilugios. Es interesante que Hanks, que había interpretado al mismísimo Walt Disney en Al encuentro de Mr. Banks, ahora participe en el «remake» de uno de las consideradas como mejores películas del señor Disney, a pesar de su fracaso inicial en taquilla, al igual que Fantasía, estrenadas ambas el mismo año, 1940. Esto provocó despidos en los estudios Disney y un año después, en 1941, estalló la huelga sindical de sus animadores, un hecho que produjo un cambio en el ambiente de trabajo de la factoría Disney y por tanto, un punto de inflexión en la historia de la compañía.

Este Pinocho de Zemeckis conserva la estética del clásico, así como su mensaje sobre la conciencia; para ser un niño de verdad debe tener conciencia y para ganarla debe ser valiente, sincero y generoso. Así que mientras no consigue su conciencia propia, Pepito Grillo será la voz de su conciencia. Pero además de ensalzar estos valores, también tiene un mensaje sobre los peligros de la tentación de la fama rápida, el éxito de cualquier manera, lo cual me parece interesante para todo el mundo, pero especialmente para las nuevas generaciones.

La interacción de Hanks con su muñeco digital tiene tanta química como la de Bob Hoskins con el conejo de animación tradicional en otro hito de Zemeckis, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Que por cierto, sale en forma de muñeco en uno de los relojes de cuco de Gepetto, así como otros muchos personajes de la factoría Disney y Pixar. Por otro lado, la pared llena de relojes podría interpretarse como un autohomenaje al inicio de la película que le lanzó a la fama a Zemeckis, Regreso al futuro.

En definitiva, creo que esta nueva versión del cuanto de Carlo Collodi y «remake» del clásico Disney de 1940, es una interesante propuesta en cuanto a temas de calado como la viudedad, la paternidad, los principios éticos universales, técnicamente está bien resuelta, y además, goza de unos guiños cinematográficos muy interesantes. He leído varias críticas negativas de este película, pero yo la aplaudo y aunque no sea la película del año, la he disfrutado, me ha gustado y rompo una lanza en su favor.

El regreso de las brujas 2, estreno Disney para Halloween

 

Vuelven las brujas de Salem 29 años después

El retorno de las brujas 2 es la secuela de El regreso de las brujas, de 1993. Las tres hermanas Sanderson, ejecutadas por brujería en Salem en el siglo XVII, son devueltas a la vida durante la noche de Halloween gracias a un ritual que dos adolescentes practican cada año en esta fecha como un juego, como parte de la celebración. El conjuro las debe durar solo durante la noche de Halloween, volviendo a desaparecer al amanecer, pero las tres brujas vuelven en busca de venganza y de encontrar la forma de quedarse para siempre.

Bette Midler, Sarah-Jessica Parker y Kathy Najimy interpretan a las tres hermanas, igual que en la película original. En aquel entonces, Midler ya era una estrella, Parker aún no era muy conocida a pesar de llevar varios años en la industria, y Najimy había destacado especialmente el año anterior en Sister Act. Actualmente, la que más ha cambiado su estatus ha sido Parker, que desde 1998 se convirtió en estrella con la serie de TV Sexo en Nueva York.

Un par de números musicales, humor adolescente propio de las producciones Disney, efectos especiales adecuados y el carisma de las tres actrices protagonistas, especialmente de Bette Midler, son los ingredientes esenciales de esta película estrenada en la plataforma Disney +. Es entretenida, amena, agradable de ver y tiene buen ritmo. No tiene mucho que profundizar, pero tampoco tiene mayores pretensiones más allá del entretenimiento familiar y lo consigue. Ofrece lo que promete.