Civil war, la humanidad al garete

 

Se han hecho muchas películas antibelicistas que nos muestran la crueldad de la guerra, la sinrazón, la violencia descarnada, la injusticia, en fin, todo lo negativo de una guerra, que es prácticamente todo, ya que nunca hay vencedores y vencidos, sino que en una guerra todos pierden, salvo los que se enriquecen a costa de vidas humanas, porque la guerra es eso, un negocio muy lucrativo para unos pocos.

Pero dentro de todos estos aspectos negativos que tienen los conflictos bélicos, Civil war se centra especialmente en mostrar la deshumanización de la gente corriente. Nos muestra unos personajes que pierden su humanidad ante los horrores de la contienda. La película es muy poderosa visualmente y muy atinada en mostrarnos la oscuridad del alma humana. Sin embargo, en una historia, quien la cuenta, se supone que lo hace para transmitirnos un mensaje, ya sea en un sentido o en otro con lo que podamos estar de acuerdo o no, y en ese aspecto es en el que la película no es redonda, en que el director da varios bandazos y al final, resulta ambiguo, no queda clara cuál es su intención, lo cual deja una sensación incómoda en el espectador.

El marco de la acción es una distopía futurista en un futuro próximo en el que los estados de California y Texas se han declarado en rebelión y han sumido a los Estados Unidos en una guerra civil. Las fuerzas insurrectas pretenden llegar a la Casa Blanca para acabar con el presidente. En medio del caos, un grupo de periodistas tratan de llegar a Washington para entrevistar al presidente antes de que lleguen los sublevados del oeste a acabar con él. El grupo está formado por una fotoperiodista veterana, interpretada por Kirsten Dunst, la otrora novia de Spiderman, un periodista también curtido en estas lides, encarnado por Wagner Moura, especialmente conocido por la serie Narcos, un periodista a punto de jubilarse que fue mentor de ellos, al que da vida Stephen Henderson, visto también en Dune, y una aprendiz de fotógrafa que quiere parecerse al personaje de Kisrten Dunst, interpretada por Cailee Spaeny, protagonista este año también en Priscilla.

Dirige Alex Garland, el director de la aclamada Ex Machina, guionista de películas como Dredd, de Pete Travis, o algunas de Danny Boyle, como La playa o 28 días después. Civil war es su cuarto largometraje como director.

El estrangulador de Boston, periodismo de investigación

 

En los años 60, un asesino en serie se dedicaba a estrangular mujeres en la ciudad de Boston. Dos periodistas, Loretta McLaughlin y Jean Cole, se encargaron de investigarlo teniendo todo en contra. La policía no quería que la prensa metiera las narices en sus investigaciones y encima, siendo dos mujeres, ya que ese tipo de casos en esa época solían ser encomendados a hombres, mientras que a las mujeres se les asignaban más las noticias de moda y sociedad.

El Estrangulador de Boston nos cuenta esta investigación con mucha sobriedad, un tono general de cine clásico, una cuidada ambientación de época y  posiblemente una de las mejores interpretaciones de su protagonista, Keira Knightley. También su compañera de reparto, Carrie Coon, está espléndida en su papel, aunque es un rostro menos conocido de la pantalla, ya que a pesar de hacer cine y televisión, su carrera se ha forjado mayormente en el teatro. Entre los secundarios encontramos otro rostro conocido, el veterano Chris Cooper, interpretando al director del periódico, y por tanto, el jefe de las aguerridas periodistas.

La ambientación está muy conseguida con una fotografía en tonos apagados y una partitura musical en la línea de los clásicos del suspense. El ritmo es adecuado y mantiene el interés en todo momento.

Escribe y dirige Matt Ruskin bajo la producción de, entre otros, Ridley Scott. El estrangulador de Boston es una película de suspense que, sin llegar a ser un peliculón, es un más que correcto thriller de corte clásico y elegante con muy buenas interpretaciones de sus actrices principales y un tono en general más que convincente.

Las ilusiones perdidas, de Balzac

 

El reflejo del presente en un espejo del pasado

La ganadora de los premios César en Francia este año ha sido Las ilusiones perdidas, adaptación de la obra homónima de Balzac, del siglo XIX. Cuenta la historia de un joven poeta de un pueblo francés que se va a París, a la gran urbe, en busca de la fama, en busca de un editor que quiera publicar sus poemas. Pero al llegar, se encuentra con la triste realidad, en la que el talento de poco sirve si no tienes padrinos en la industria. Se encuentra con una industria de la cultura y el entretenimiento en que los periodistas escriben la críticas positivas o negativas de libros y obras de teatro en función de lo que les paguen los editores o los productores teatrales. Expertos opinando al mejor postor. El triunfo o el hundimiento dependen de las relaciones sociales del artista, no de su talento. Un entramado en el que es fundamental para sacar una obra adelante, sea de la calidad que esta sea, tener buenos contactos y además, tener cuidado de no crearse enemigos. Es decir, que en el siglo XIX ya las cosas funcionaban más o menos como hoy en día, nada nuevo bajo el sol.

La reconstrucción histórica por un lado y el tono moderno por otro, para darle la energía necesaria que empatice con el espectador del siglo XXI, están en buena armonía. Hay momentos que pueden traer ecos de El gran Gatsby, de Baz Luhrman, o de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese. Buen ritmo, mucha energía y una fotografía excelente. Cabe también señalar que siendo un elenco plagado de rostros poco o nada conocidos para el gran público, todos los actores están a la altura de las circunstancias y aportan el carisma necesario a sus personajes, destacando especialmente, en mi opinión, la actriz Cécile de France en el papel de Louise de Bargeton y el actor Vincent Lacoste en el rol del periodista Etienne Lousteau. El rostro más conocido para el público internacional es el de Gérard Depardieu, que en un papel secundario da vida a un poderoso editor literario.

Las ilusiones perdidas es una película muy recomendable, primero por ser una buena película, y en segundo lugar, porque es una buena reflexión sobre el mundo que vivimos hoy, dos siglos más tarde., un espejo en el que mirarnos como sociedad. Amigos y enemigos, amantes y matrimonios fallidos, alianzas y traiciones, todo forma parte del enmarañado entramado del mundo del entretenimiento que comercia al mejor postor con la sensibilidad artística sin ningún pudor, en una sociedad llena de falsas apariencias, hipocresía y postureo. Como dije antes, nada nuevo bajo el sol.

Las noticias de cine de esta semana, ya terminando febrero

 Cinemascomics: Tarantino negocia dirigir una serie de televisión.

Decine21: Entrevista con el viudo de Halyna Hutchins tras el accidente de Alec Baldwin.

El Hormiguero: Cómo manejar el ego. Antonio Banderas en la promoción de Competencia oficial.

Cine actual: Los premios que no veremos en los Óscar.

Fotogramas: Primer teaser de Bullet train, con Brad Pitt.

Sueños de una escritora en Nueva York, tras la pista del guardián

 

La figura de la agencia de representación literaria

La literatura suele estar muy presente en el cine, pero lo habitual es que sean escritores o editores los protagonistas. La película Sueños de una escritora en Nueva York nos acerca a otra faceta de la industria literaria; la de las agencias de representación. En este caso, nos cuenta la historia real de la periodista y escritora Joanna Rakoff, que en sus inicios en los años 90, estuvo trabajando en la agencia literaria que representaba a J.D. Salinger, el aclamado autor de El guardián entre el centeno.

La película está dirigida por Phillippe Falardeau, cuyo filme Profesor Lazhar, de 2011, estuvo nominado a los Óscar como mejor película de habla no inglesa. Protagoniza Margaret Qualley, a la que pudimos ver bajo la dirección de Tarantino en Érase una vez en Hollywood, que encarna a Joanna, y aunque lo hace muy bien, el gran carisma de la película lo aporta la gran Sigourney Weaver, que se mete en la piel de la directora de la agencia, con un registro de personaje de mujer madura, soberbia, fría, exigente, en la línea del personaje de Meryl Streep de El diablo viste de Prada o el de Emma Thompson en Cruella, aunque en este caso de un modo más contenido, no tan extremado como los otros dos, ya que se trata de un personaje real y además, un ámbito diferente, pues se trata del mundo de la literatura y no el de la moda.

Sueños de una escritora en Nueva York es una agradable película sobre el mundo literario con un ritmo narrativo muy fluido y una puesta en escena sobria y elegante.

Summer of soul, la otra cara de la luna

 

Documental musical «Summer of soul»

Una explosión de ritmo desde lo más profundo de las entrañas

El 20 de julio de 1969 era domingo y el hombre llegó a la Luna. «Un pequeño paso para el hombre, un gran paso para la humanidad». Pero esa tarde no todo el mundo estaba pendiente de la odisea del espacio. Muchos estaban en las calles de Harlem, Nueva York, disfrutando, sintiendo, la música soul, blues, góspel, del Festival Cultural de Harlem, conocido también como el «Woodstock negro», que duró seis semanas en las cuales cada domingo había concierto a partir de las tres de la tarde. Todos estos conciertos fueron filmados por el productor Hal Tochin, pero esas imágenes no habían visto la luz hasta ahora, en que el productor y director Ahmir "Questlove" Thompson las ha utilizado para llevar a las pantallas el documental Summer of soul.

Artistas como Stevie Wonder, The 5th Dimension, Mahila Jackson, B.B.King, Gladys Knight o Nina Simone, entre otros, pasaron por el escenario de este acontecimiento, pero el documental no se limita a mostrar lo que fue en sí el festival, sino que lo contextualiza perfectamente en el momento histórico en que tuvo lugar, así como en el convulso ambiente social que se respiraba entonces, a través de testimonios de algunos de los artistas participantes y de gente anónima que asistió al evento en su momento, además de contar con imágenes documentales de la época, tanto de noticias relevantes como de escenas costumbristas de las calles de Harlem en aquella época.

En una década marcada por unos problemas de racismo enormes, en la que fueron asesinados dos de los grandes líderes de movimientos pro derechos de los negros, Malcolm X y Martin Luther King, y en que esta comunidad vivía en un barrio marcado por las drogas y la violencia, la música surgía en medio de este caos como la solución a los problemas, como la tabla de salvación. Todo el dolor, la rabia, la ira, la frustración, tenían salida para depurar el alma a través de la música. En un lugar que parecía olvidado de la mano de Dios, la esperanza y las oraciones buscaban al Señor a través de los sonidos instrumentales y vocales, en una explosión de ritmo y unas voces que sacan su fuerza desde lo más hondo de las entrañas. Un grito del alma que en un momento complicado pide desesperadamente que las cosas cambien, porque ya no puede más. Eso es Summer of soul, un puñetazo en la mesa, un «basta ya»; no es solo un concierto, no es solo un documental, es mucho más.

Un amigo extraordinario, sin duda

 

Normalmente se estrenan todas las películas de los Óscar en el primer trimestre del año, o como muy tarde en abril, pero en 2020, con la declaración del estado de alarma, a alguno no le dio tiempo de llegar a la cartelera, como el caso de Un amigo extraordinario, que tenía previsto su estreno en abril y llegó a la cartelera española finalmente el pasado 21 de agosto, por la que Tom Hanks estuvo merecidamente nominado al Óscar a mejor actor de reparto.

Se trata de una película en tono de fábula que nos cuenta la historia real de un famoso educador estadounidense llamado Fred Rogers, que tenía un programa infantil en televisión, con un cínico y sarcástico periodista al cual su amistad le cambió la vida.

Rogers es considerado todo un ejemplo de cómo debe ser una buena persona. Es amable, cordial, generoso, una especie de santo en vida. Al periodista Lloyd Vogel, de la revista Esquire, le encargan entrevistar a Rogers, cometido que él acepta a regañadientes. Es un hombre con el alma herida, que ve la vida y a la humanidad bajo un prisma muy sombrío. Sin embargo, conocer a Rogers hará que su visión cambie totalmente.

La directora, Marielle Heller, dota a la película de un tono de fábula en la que contrastan dos mundos antagónicos: el universo luminoso y bucólico de Rogers frente al lado oscuro y desesperanzado de la vida que representa Vogel. El tratamiento cinematográfico en cuanto a fotografía y puesta en escena retrata muy bien estos dos mundos opuestos. Una película llena de buenos sentimientos que juega con un material muy peligroso en cuanto a que es fácil caer en lo ñoño, pero no lo hace, sino que consigue mantener un correcto equilibrio entre las dos caras de la moneda, de manera que lo naíf no se hace empalagoso y lo sombrío resulta realista pero sin caer en lo morboso.

Un amigo extraordinario es en definitiva una película muy interesante desde un punto de vista humanístico con un mensaje muy positivo, que además cobra mayor relevancia al tratarse de una historia real. Esta película fue presentada en primicia a principios de año en la gala de premios del CEC.

Richard Jewell, cabeza de turco.

En 1996 se produjo un atentado terrorista en un concierto durante los Juegos Olímpicos de Atlanta. Un guardia de seguridad llamado Richard Jewell dio el aviso de haber encontrado un artefacto sospechoso que resultó ser una bomba. Gracias a su acción se salvaron muchas vidas y se convirtió en héroe ante la opinión pública de inmediato. Sin embargo, la falta de pistas sobre el autor del atentado, el periodismo sin escrúpulos y algunos incidentes en el pasado del protagonista, crearon un efecto mediático sobre Richard al ser investigado por el FBI como presunto autor del atentado, pasando así de héroe a villano en un suspiro y mancillando su nombre. Clint Eastwood, que llevaba tres o cuatro años perpetrando llevar esta historia a la pantalla, finalmente nos la ha podido traer con el nombre del protagonista como título; Richard Jewel.

La película se ha estrenado en España el mismo 1 de enero y menuda forma de empezar el año cinematográfico, por todo lo alto. Eastwood se fijado en estos últimos años en varias historias reales de héroes americanos, con El francotirador, Sully, 15:17 Tren a París y ahora con Richard Jewell. Es una historia sobre lo fácil que es mancillar el nombre de una persona desde una posición de poder, sobre la falta de profesionalidad y ética de gente mediocre que es capaz de aferrarse a un clavo ardiendo con tal de salvaguardar su éxito profesional, aunque para ello deban cargarle el muerto al más vulnerable, al más indefenso, buscar un cabeza turco.

Las grandes bazas de la película con las que juega Eastwood son una fluidez narrativa sin fisuras y un acierto de «casting» totalmente efectivo. Los actores están todos sensacionales en sus respectivos papeles, especialmente Sam Rockwell, ganador del Óscar por Tres anuncios en las afueras, que encarna aquí al abogado de Jewell. Por otra parte, Kathy Bates ha sido nominada a los Globos de Oro como mejor actriz de reparto por su rol de madre de Richard. Jon Hamm, conocido por la serie de TV Mad men, como el agente del FBI al mando de la investigación, y Olivia Wilde como la periodista que hizo estallar la polémica inculpando al protagonista, completan el elenco de actores que secundan al protagonista, Paul Walter Hauser, elegido para el papel por Eastwood en cuanto se conocieron. Hauser ha trabajado en varias series de TV y se le pudo ver en la gran pantalla en 2018 en Infiltrados en el KKKlan.

Richard Jewell es una historia real sobre una injusticia atroz narrada por un gran cineasta con actores que brillan en sus interpretaciones, una historia que sin duda vale la pena contar y que llama a una reflexión sobre la sociedad en que vivimos, en lo fácil que es pensar mal de las personas y lo complicado que resulta después deshacer el daño infligido. Una llamada a reflexionar sobre la responsabilidad de cada uno para juzgar a los demás a la ligera sin pensar en las consecuencias que nuestro erróneo juicio pueda acarrear a la persona afectada. En esta sociedad en la que todo va tan rápido que no nos da tiempo de pararnos a pensar, estaría bien que buscar tiempo para reflexionar un poco se convirtiera una prioridad para todos.

Cinco películas de ayer que parecen de hoy

Hay películas por las que no pasa el tiempo, y es que en realidad, por muy modernos que queramos ser, no hay nada nuevo bajo el sol. Cambian las formas, las tecnologías, pero el ser humano sigue siendo el mismo, y más si hablamos de diferencias en décadas, que a ni siquiera un siglo llega. Como muestra, he seleccionado cinco películas en blanco y negro que reflejan distintos ámbitos de la sociedad y que mantienen una vigencia total hoy en día, a pesar de que se hayan estrenado hace más de 50 años. El orden es meramente cronológico, de más antigua a más moderna, no obedece a ninguna valoración de la calidad de las películas.


1. Tiempos modernos (Modern times, Charles Chaplin, 1936)
Un buen título para los años 30 que podría seguir aplicándose en el siglo XXI. El plano de apertura de la película en la que se ve un rebaño de ovejas moviéndose al unísono, que se funde con otro de obreros entrando en una fábrica, podría repetirse perfectamente con una imagen actual de un parque empresarial o industrial en hora punta. La deshumanización del ambiente laboral en favor de las máquinas, es algo aún vigente, con la diferencia de que se han sustituido las palancas y engranajes por los ordenadores. Incluso en esta película ya se esbozaba la videoconferencia, en forma videovigilancia del jefe a los operarios.

2. Luna nueva (His girl friday, Howard Hawks, 1940)
Desternillante y frenética comedia de Howard Hawks ambientada en el mundo del periodismo, que pone de relieve las miserias éticas de los políticos y el periodismo sensacionalista. Al mismo tiempo, la batalla de los sexos viene dada por una pareja sensacional: el editor de un periódico y su ex mujer, también periodista, interpretados por Cary Grant y Rosalind Russell. El papel de ella es el de una mujer moderna más auténtica y genuina que muchos personajes femeninos actuales que se pretenden modernos pero no van más allá de un mero cliché superficial y sin fuerza.

3. Eva al desnudo (All about Eve, Joseph Mankiewicz, 1950)
Los trepas oportunistas sin escrúpulos están a la orden del día, pero no es nada nuevo. Esta película nos muestra sin trampa ni cartón las artimañas de una actriz de teatro para pasar de la nada al estrellato a costa de otra actriz ya consagrada. Sensacionales interpretaciones de Anne Baxter y Bette Davis.

4. Cautivos del mal (The bad and the beautiful, Vincent Minnelli, 1952)
Las relaciones amor/odio de una actriz, un guionista y un director con un productor egoísta y arrogante pero de gran talento. Toda una lección sobre los entresijos del mundo del cine. Aunque hoy Hollywood hace más autocrítica con las miserias de la fábrica de los sueños, en su años dorados, la década de los 50, ya algunos mostraban sin tapujos el lado oscuro de la industria más glamurosa del mundo.

5. El apartamento (The apartment, Billy Wilder, 1960)
Infidelidades, tráfico de favores, oportunismo, ambición por subir en el escalafón, todas las miserias que se dan hoy en día en las oficinas de una gran empresa, ya fueron plasmadas en el 60 por el gran Billy Wilder con esta fantástica tragicomedia, que conserva toda su fuerza hoy en día.

Algo huele mal en el Pentágono

Los archivos del Pentágono (The Post), la nueva película de Steven Spielberg como director, es un excelente thriller periodístico que narra el escándalo destapado por el Washington Post sobre cómo las distintas administraciones mintieron al pueblo estadounidense acerca de la realidad sobre la guerra de Vietnam.

Spielberg demuestra estar en plena forma y ha contado con dos grandes estrellas para encabezar el elenco, que también gozan de estar en estado de gracia. Por un lado, Meryl Streep encarna a la dueña del Washington Post y es la primera vez que trabaja con Spielberg, mientras que su compañero de reparto, Tom Hanks, que encarna al editor jefe del periódico, es ya la quinta colaboración que tiene con el rey Midas de Hollywood, tras Salvar al soldado Ryan, La terminal, Atrápame si puedes y El puente de los espías. Ambos actores trabajan espléndidamente, pero en el caso de Streep, tiene un par de secuencias que me llamaron especialmente la atención por cuánto transmite simplemente con la mirada y los gestos faciales. No en vano, ha recibido su 21ª nominación a los Óscar por este papel.

John Williams sigue encargándose de la música, como en todas las películas de Spielberg, salvo El puente de los espías, de que se hizo cargo Thomas Newman. En la fotografía también ha contado con el habitual Janusz Kaminski, con quien ha trabajado en todas sus películas desde la La lista de Schindler. Curiosamente, ambos han ganado dos Óscar, como director y como director de fotografía, respectivamente, por las mismas películas: La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan.

Los archivos del Pentágono, además de ser una gran película espléndidamente realizada e interpretada, cuenta con un sólido guion de Liz Hannah y Josh Singer, este último ya con experiencia en temas periodísticos, por el libreto de Spotlight, y políticos, como guionista de la serie televisiva El ala oeste de la Casa Blanca. Aparte de su valor cinematográfico, el filme supone un alegato en favor de la libertad de prensa, la libertad de expresión y la figura del cuarto poder como defensores de los intereses de la ciudadanía y no de las altas esferas.

Money monster, el mediático circo bursátil

Un joven desquiciado irrumpe a punta de pistola en el plató del programa televisivo sobre el mundo financiero Money monster, durante una emisión en directo, reclamando a su famoso presentador explicaciones por una operación de inversión bursátil que salió mal, en la que el chico perdió todos sus ahorros al seguir los consejos de la estrella televisiva.

Jodie Foster firma con esta su cuarta película como directora, y para ello cambia totalmente de género. Hasta ahora había dirigido un cine más intimista, dramas con toques de comedia sobre conflictos familiares, con los títulos El pequeño Tate, A casa por vacaciones y El castor. En Money monster se zambulle en el thriller adrenalínico, para contarnos una historia moralizante sobre la avaricia y la banalización de la realidad a través del espectáculo mediático en el marco de la crisis económica de los últimos años. Así pasa a engrosar la lista de películas de denuncia social sobre los desmanes cometidos por los bancos y grandes empresas de inversión, junto a títulos como Wall Street: el dinero nunca duerme, Margin call, o La gran apuesta. También puede formar parte de otra lista formada por películas sobre el mundo de la televisión sensacionalista, como Asesinos natos, 15 minutos, o Showtime.

Protagonizan George Clooney, en la piel del presentador estrella, Julia Roberts, en el rol de la realizadora del programa, y Jack O'Connell como el joven secuestrador. Les secundan Dominic West y Caitriona Balfe encarnando respectivamente a los personajes del CEO y la responsable de comunicaciones de la empresa que ha generado el conflicto por el que se desencadena la trama de la película. Todos aportan sólidas e intensas, a la par que equilibradas, interpretaciones. Jodie Foster demuestra buen pulso tanto para dirigir a los actores como en la faceta técnica de la dirección.

La música de Dominic Lewis se encuentra perfectamente integrada en la acción, tanto que contribuye a crear tensión en el ambiente, pero sin que el espectador apenas se dé cuenta de los acordes que suenan. Suya fue también la partitura de Doble identidad: jaque al MI5.

El resultado global de Money monster es un intenso y frenético thriller de denuncia social, que se presta al debate por los distintos matices que ofrece en su retrato de la sociedad actual de los países occidentales, donde el exceso de tecnología y la carencia de valores humanos, abocan a una deshumanización de la especie caracterizada por la indiferencia y la apatía ante la realidad, una realidad que se antoja efímera, de usar y tirar, de pasar el rato, como una ficción televisiva.

Money Monster
Money Monster Tráiler

Nuevo reportaje: Paseando por las dunas de Aquitania

Reportaje sobre la zona suroeste de Francia. Un paisaje de dunas litorales que suponen una barrera importante para la desembocadura de los ríos pirenaicos, de forma que éstos acaban formando áreas de pantanos y lagos.

Se ha rodado en el bosque de Soustons, la duna de Pyla, o Pilat según se denomine en francés o gascón respectivamente, en el Domain d'Abbadie y la reserva natural de Courant d'Huchet.

Un viaje de senderismo con espectaculares vistas de bosques, lagos, ríos, playas, pantanos, dunas de arena y el océano Atlántico.

Rompiendo el largo silencio

En el año 2002 se destapó un escándalo de pederastia en la diócesis de la ciudad de Boston. Durante décadas se produjeron casos de abusos a menores por varios sacerdotes, pero nunca nadie había indagado en ello. La jerarquía eclesiástica trató de ocultar estos casos a la sociedad con la complicidad de abogados, policías, periodistas y el silencio de toda una comunidad cuya cobardía les llevó a mirar hacia otro lado para eludir la dolorosa realidad.

Las pesquisas para sacar a la luz esta historia fueron llevadas a cabo por un equipo de periodistas de investigación del Boston Globe tras la llegada de un nuevo director que provenía de Florida, y por tanto aborda el tema desde una perspectiva objetiva, ajeno a la comunidad bostoniana. El resultado de este trabajo fue ganador del Premio Pulitzer. Ahora llega a las pantallas cinematográficas una película que cuenta la historia de esta investigación, tomando como título el nombre de la sección del periódico que realizó este trabajo: Spotlight.

El director Tom McCarthy, también responsable del guión junto con Josh Singer, plantea un drama periodístico centrado escrupulosamente en la labor de investigación, sin recurrir al sensacionalismo o al morbo gratuito en el que sería fácil caer cuando se tratan historias de este tipo, consciente de lo delicado que resulta abordar un tema tan espinoso. Realiza un discurso de pulcra objetividad, ciñéndose al trabajo de los protagonistas, y es ahí donde reside la grandeza de la película, además de contar con excelentes interpretaciones de Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams, John Slattery y Liev Schreiber. También destaca entre los secundarios Stanley Tucci en la piel de un abogado que defiende a las víctimas de abusos.

El tono de la película es de corte clásico, con una narración que avanza a un ritmo que mantiene el interés durante todo el metraje y no decae en ningún momento. Asimismo resulta muy adecuada la suave partitura de piano que envuelve las imágenes, obra del veterano compositor Howard Shore.

Hace un par de meses veíamos La verdad, otra polémica periodística llevada al cine con varios rostros de grandes estrellas encarnando a los protagonistas de la historia y con una forma similar de planteamiento cinematográfico. Sin embargo Spotlight resulta una película más redonda, posiblemente por tener un guión más sólido y un director con más experiencia.

Gracias a Sensacine por la invitación al preestreno de esta excelente película.

Spotlight
Spotlight Tráiler

Periodismo vs. política

El ex-presidente de los Estados Unidos George W. Bush protagonizó numerosas polémicas y controversias durante su mandato. Una de ellas fue la destapada por un programa televisivo de periodismo de investigación que emitió un reportaje en que se ponía en tela de juicio el expediente militar del presidente. La historia del equipo de periodistas que realizaron este reportaje y la reacción de políticos y militares ante tal revelación, es lo que nos cuenta La verdad (Truth), el debut como director del guionista James Vanderbilt, responsable de libretos como Zodiac o Basic.

El propio Vanderbilt ha escrito el guión de La verdad, basado en el libro Truth and Duty: the press, the president and the priviledge of power, de la periodista Mary Mapes, la protagonista de la historia. Como director ha optado por una realización de corte clásico, poco arriesgada pero eficaz y bien resuelta. Mantiene el interés en todo momento y dosifica correctamente los giros que va dando la trama. Maneja bien el tempo narrativo, y eso en un debutante es bastante meritorio.

Por otra parte también hay que reconocer que se encuentra amparado por un elenco de actores de primera línea, con Cate Blanchett y Robert Redford al frente. Les secundan Dennis Quaid y Topher Grace.

Quaid y Grace habían trabajado juntos en In good company, y al igual que en aquella ocasión, funcionan muy bien en pantalla interpretando personajes antagónicos. Si en In good company representaban la antigua y la nueva escuela sobre cómo hacer negocios, en esta ocasión se contrapone el estilo de investigación de un militar veterano con el de un periodista escurridizo de nueva generación.

Robert Redford aporta ese aura de figura mítica que con solo su presencia se justifica que salga en la película. Y Cate Blanchett hace gala de una fuerza en pantalla que cautiva al espectador. Su personaje lleva toda la carga emocional del film, y su interpretación hace esa emoción real aportando un valor añadido a la historia de manera que la película no sea una mera reconstrucción de un hecho real sino que tenga algo más.

Gracias a Sensacine por la invitación al preestreno de esta película.

La verdad
La verdad Tráiler

Nuevo reportaje de Galax Pictures: Andorra

La nueva producción de Galax Pictures este verano es un reportaje sobre Andorra, el microestado europeo de los Pirineos. Un lugar muy recomendable para visitar.

El vídeo recoge distintos lugares del territorio, tanto en su vertiente de naturaleza como cultural. Este es el reportaje:



Puedes ver más vídeos de Galax Pictures AQUÍ.

Desparrame occidental en oriente

Ha llegado a las carteleras españolas The interview, la polémica película que provocó un ciberataque, supuestamente de Corea del Norte, a la productora Sony Pictures por la ridiculización que hace el film de la figura del dirigente de este país asiático.

La película es una comedia gamberra perpetrada por los artífices de Juerga hasta el fin, de hecho este es el segundo film como directores del tándem formado por Seth Rogen y Evan Goldberg. El propio Rogen protagoniza junto a James Franco, y la verdad es que la química entre los dos colegas funciona a la perfección.

La historia en sí es delirante: el presentador y productor de un show televisivo nocturno de entrevistas a famosos, se lleva la sorpresa de que su programa es uno de los favoritos de Kin Jong Un, el líder de Corea del Norte, así que deciden contactar con la embajada para decir que les gustaría entrevistarlo, aunque sin demasiadas esperanzas de conseguirlo. Sin embargo la respuesta del gobierno norcoreano es positiva, circunstancia que aprovecha la CIA para convencer a los dos colegas de la tele de que maten al mandatario norcoreano.

La cinta goza de buen ritmo, una trama interesante, mucha chispa, actores convincentes, efectos especiales, una estupenda caracterización de Randall Park para interpretar a Kin Jong Un, y mucho humor gamberro. El desenlace de la película es una traca pirotécnica en medio de tanto delirio cómico que recuerda en cierto modo a Tropic Thunder.

El único lastre que tiene el film en su conjunto es la redundancia de los diálogos. La comicidad imperante es el típico humor burdo y grueso norteamericano basado en continuas metáforas escatológicas y sexuales puestas en boca de personajes frívolos y superficiales. El caso es que en el primer tercio del film esto funciona muy bien, pero llega un momento hacia la mitad del metraje en que este tipo de chistes se hace un poco reiterativo de más rayando en lo grotesco, y los personajes se quedan estancados en su evolución, cuando se podría haber sacado algo más de ellos. Sin embargo llegado el momento cumbre, la entrevista, la película remonta el vuelo y termina por todo lo alto.

Reconozco que me reí mucho, pero me dejó la sensación de que el material que manejan podría haber dado más de sí y se han conformado con ir a lo fácil. En fin, una comedia delirante con elementos de periodismo, política y espías para reírse un rato y pasarlo bien en el cine.

The Interview
The Interview Tráiler

Medallas CEC: premios con solera

El pasado 2 de Febrero se entregaban las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) en el cine Palafox de Madrid, como cada año. Sin embargo esta vez tenían algo especial, y es que se trataba de su 70ª edición, los premios más antiguos del cine español.

El CEC está formado por todos aquellos que escriben en el ámbito del Séptimo Arte: críticos, guionistas, redactores, analistas, estudiosos, en definitiva gente que se dedica al cine sobre el papel y por tanto colabora en la promoción, difusión y preservación de las obras cinematográficas a través de sus escritos.

Se entregan unos días antes de los Goya, y normalmente suelen tener resultados muy similares. Son algo así como Los Globos de Oro y los Oscar, con la salvedad de que en el caso español tienen más solera los CEC que los Goya. Este año concretamente la coincidencia ha sido total. En ambos casos partían como favoritas El niño y La isla mínima, y en ambas galas se ha alzado como gran triunfadora La isla mínima. Los galardones del CEC a esta película en las categorías de Mejor Película, Director, Actor Principal, Actriz Revelación, Guión, Fotografía, Montaje y Música, han coincidido con los correspondientes premios Goya. Del mismo modo en ambas galas se ha premiado a Paco de Lucía: la búsqueda como Mejor Documental y a Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo en los apartados de Mejor Guión Adaptado y Película de Animación.

En cualquier caso parece que este ha sido el año de la consagración del género thriller dentro del panorama del cine español. Se han hecho este tipo de películas antes con buenos resultados, véase Tesis, No habrá paz para los malvados, Celda 211, por citar algunos ejemplos, pero este año el hecho de premiar con tal unanimidad una película de este género, y siendo su gran contrincante otro film de similares características, parece que el thriller madre in Spain se consolida en el panorama cinematográfico español.

Los CEC incluyen también tres premios a las trayectorias profesionales de personas vinculadas al cine. La medalla a la Labor literaria y periodística, que fue para el crítico Boquerini, medalla a la Labor de Promoción del cine para el periodista Juan Zavala, y la medalla de Honor para el actor Arturo Fernández.

Como todos los años la gala del CEC culmina con la proyección de una película en primicia, normalmente de cine independiente. Este año pudimos disfrutar de Nuestro último verano en Escocia, distribuida por A Contracorriente Films, de la que daré cuenta en este blog más adelante, ya que tiene previsto su estreno en cines el próximo mes de Abril. Esta película ganó el Premio del Público en la Seminci de Valladolid.

La isla mínima
La isla mínima Tráiler

Gala 2014 de las Medallas del CEC

El pasado 2 de febrero tuvo lugar en el cine Palafox de Madrid la gala anual de entrega de Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC), los premios de cine español más veteranos. Este año estuvieron muy repartidos, en un evento presentado por la actriz Lydia San José y el dibujante Paco Sáez.

La ganadora ha sido Vivir es fácil con los ojos cerrados, de David Trueba, con 3 galardones: Mejor Actriz Revelación, Guión Original y Película. Empata en número de Medallas Stockholm, que se alzó con los premios a Director Revelación, Actor Revelación y Mejor Actriz.

Sin embargo el máximo número de medallas ha sido para Caníbal, de Manuel Martín Cuenca, vencedora en 4 categorías: Mejor Actor (Antonio de la Torre), Director, Guión Adaptado y Fotografía. Por otra parte Grand piano saldó la noche con 2 premios: Mejor Música y Montaje. Con una sola medalla fueron reconocidas Alacrán enamorado y Las brujas de Zugarramurdi, en las categorías de Mejor Actor Secundario (Carlos Bardem) y Mejor Actriz Secundaria (Terele Pávez) respectivamente. Las películas premiadas en las categorías de Documental, Animación y Película extranjera, han sido respectivamente Guadalquivir, Justin y la espada del Valor, y Gravity.

Finalmente los premios de reconocimiento a una trayectoria profesional, en los que no se compite sino que se otorgan a una persona en concreto por su aportación a la industria cinematográfica, se han concedido este año de la siguiente manera:

- Medalla a la labor literaria y periodística para Carlos F. Heredero, historiador y crítico de cine, director de la revista Caimán. Cuadernos de Cine.

- Medalla a la labor de promoción del cine para Enrique González Macho, actual presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Principal impulsor de la distribución de cine en versión original.

- Medalla de Honor para la actriz y cantante Ana Belén.

Tras la gala se proyectó en primicia la película francesa Guilaume y los chicos ¡a la mesa!, que se estrenará el próximo mes de marzo y de la que daré cuenta en este blog más adelante. El preestreno contó con la presencia de su artífice Guillaume Gallienne para presentar la película.

Este es el vídeo de la gala:

Perseguidos por su pasado

Una ex-activista de un antiguo grupo pacifista, se entrega a las autoridades acusada de asesinato, después de treinta años viviendo en el anonimato, escapando de la justicia. Esta noticia hace que un joven y ambicioso periodista de un diario local investigue el por qué de esta decisión. Al remover el pasado muchas personas, que habían dejado atrás su vida militante, se verán salpicados de una forma u otra por un asunto que continuaba abierto desde hacía tres décadas.

Es el argumento de Pacto de silencio (The company you keep), la nueva película del septuagenario actor y director Robert Redford, que si bien su filmografía tras la cámara no ha sido tan prolífica como la de su también incombustible coetáneo Woody Allen, igualmente demuestra una maestría y un buen hacer del oficio cinematográfico dignos de mención, como fruto de su talento y veteranía en la industria. Sin llegar a ser tan redonda como la estupenda Leones por corderos, Pacto de silencio es un sólido thriller de corte político y periodístico que aborda el tema sobre las consecuencias de los errores del pasado, así como el debate de hasta dónde las acciones se pueden justificar como moralmente correctas o no en función de parámetros subjetivos como los lazos de amistad, el compromiso y la defensa de causas ideológicas.

A Robert Redford lo secundan un buen elenco de veteranos como Susan Sarandon, Julie Christie, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Richard Jenkins, Sam Elliot y Nick Nolte. En un segundo escalón de veteranía encontramos a Stanley Tucci y Terrence Howard, visto hace poco en Prisioneros. Finalmente entre los más jóvenes destacan Shia LaBeouf, el chico de la saga Transformers, Anna Kendrick, de la saga Crepúsculo, y Brit Marling, vista el año pasado en El fraude, junto a Richard Gere.

El resultado final de Pacto de silencio es un solvente thriller de estilo clásico, con alguna leve caída de ritmo, pero con una buena historia y un sólido elenco de actores.

Pacto de silencio
Pacto de silencio Tráiler

Leer critica Pacto de silencio en Muchocine.net

Robert Zemeckis y Denzel Washington en Madrid

El 25 de enero se estrenó en España la película El vuelo (Flight) de Robert Zemeckis con Denzel Washington como protagonista. Director y actor presentaron el film en Madrid unos días antes. Cinemanet estuvo presente en la rueda de prensa, y en mi habitual colaboración con ellos me he encargado de editar el vídeo del evento con las imágenes cedidas por el programa de cine Butaca 13 del canal 13TV.