Nouvelle Vague, curso intensivo de cine en menos de dos horas

 

Nunca he sido muy fan del cine francés de la Nouvelle Vague, la nueva ola de cineastas que cambiaron la industria y salieron de la revista Cahiers du cinema en los años 50 y 60, como Truffaut, Chabrol o Godard. Personalmente me identifico más con otra generación que también cambió la industria, pero en los 70, el dream team formado por Lucas, Spielberg, Coppola, De Palma o Scorsese. No obstante, me encantan las pelis que tratan sobre cómo se hacen las películas, y esta Nouvelle Vague  de Richard Linklater, es toda una lección de cine con pocos medios, de ser innovador con el lenguaje cinematográfico, sin importar demasiado los recursos técnicos.

La trama versa sobre el proceso de producción de Al final de la escapada, el debut en el largometraje de Jean-Luc Godard y una de las películas más emblemáticas de aquel movimiento artístico. Es como un making of dramatizado y además, muy educativo sobre el oficio de cineasta. Las caracterizaciones son muy buenas, especialmente la de Zoey Deutch, que interpreta a Jean Seberg. Y las interpretaciones son todas buenas destacando la de la propia Deutch y la de Guillaume Marbeck en la piel de Godard.

Dirige, como dije antes, Richard Linklater, responsable de la trilogía Antes de... protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, así como de Boyhood. Es un director estadounidense independiente en una producción francesa, lo cual lo hace muy interesante, porque tiene ese espíritu de rebelde en cuanto a los cánones del cine, como tenían los cineastas retratados en la película, pero además, al no ser francés, puede aportar una visión más objetiva.

Michael, el tributo biográfico al rey del pop

 

Michael, el tributo que los herederos del rey del pop rinden a la estrella de la familia, es uno de los títulos más esperados del momento y un biopic que está arrasando en taquilla. Y no es para menos, porque la película, aunque tiene la estructura narrativa clásica de los filmes biográficos y va contando los grandes hitos del protagonista a lo largo de una parte de su vida, el resultado final es un espectáculo musical tan vibrante y potente que se pasan las dos horas volando y sales del cine bailando.

Michael no profundiza mucho en la psique del personaje, pero sí nos lo presenta como alguien único, una persona metida en su mundo, aislada del resto, que solo vive para su música y con una absoluta consciencia de que está llamado a dar luz al mundo y ofrecer el mayor espectáculo jamás visto en cada obra que crea. La evolución que nos ofrece del personaje es la de una persona que busca su propio camino, su lugar en el mundo.

El guion de es de John Logan, responsable de libretos tan relevantes como Gladiator, Skyfall, El último samurái o El aviador, entre otros. Por otro lado, el director es Antoine Fuqua, artífice de títulos como Training day, El rey Arturo, Los amos de Brooklyn, el remake de Los siete magníficos o la saga The Equalizer, entre otros. Se inició en la dirección en 1992 dirigiendo videoclips. Curiosamente no llegó a dirigir ninguno para Michael Jackson, pero sí lo hizo para Prince o Stevie Wonder, y dirigió el mítico Gangsta's paradise de Coolio para la película Mentes peligrosas.

El actor que da vida a Michael Jackson es su propio sobrino, Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson, uno de los componentes de los Jackson Five. Jaafar es cantante y bailarín y esta película supone su debut como actor, un debut por todo lo alto. La transformación en su tío es absolutamente alucinante. Por otra parte, cabe destacar también el papel de Colman Domingo en la piel del padre de los hermanos Jackson. A Colman se le ha visto especialmente el dos remakes recientes de películas de los años 80: The running man y El color púrpura.

Michael Jackson tenía un sentido del espectáculo enorme y la película Michael así lo refleja, todo un espectáculo.

Hamnet, un viaje al mundo de las emociones

 

Hacía tiempo que una película no me conmovía tan profundamente. Hamnet no es solo una película, es un viaje emocional sobre la familia y la superación de la pérdida a través del arte. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Maggie O'Farrell, que versa sobre el proceso creativo de Hamlet desde el prisma de la esposa de William Shakespeare. Anne Hathaway, también conocida como Agnes Hathaway, fue la esposa de Shakespeare con el que tuvo tres hijos, pero de su vida familiar se sabe muy poco o casi nada. Esto da pie a que para el relato se puedan tomar muchas licencias artísticas sobre cómo pudo ser la intimidad de la familia Shakespeare en su momento y conseguir una equilibrada y emocionante mezcla entre ficción y realidad.

Este relato en imágenes luce con mucha fuerza gracias a la poesía audiovisual de Chloé Zhao, la directora oscarizada por Nomadland, aunque a mí, personalmente, me parece más redonda y más emocional Hamnet, que de hecho tenía ocho nominaciones a los Óscar, pero finalmente se alzó con un solo galardón, el de mejor actriz protagonista para Jessie Buckley, totalmente merecido, desde luego. Se trata de una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos en la que podemos ver el nombre de Steven Spielberg en la producción a través de Amblin Entertainment. Al celebérrimo dramaturgo británico le da vida Paul Mescal, el otrora protagonista de Gladiator II. La química entre Buckley y Mescal funciona a la perfección en esta película llena de silencios elocuentes, ambientación sobrecogedora y miradas y gestos que atraviesan el alma.

The Alto Knights, doble lucimiento de De Niro

 

The Alto Knights cuenta la rivalidad entre los gánsteres Frank Costello y Vito Genovese. En cuanto a aportar algo nuevo al cine sobre mafia, no se puede decir que tenga novedades, pero está muy bien hecha por un director veterano y muy versátil, Barry Levinson, ganador del Óscar a mejor director por Rain Man y responsable de películas muy diferentes entre sí como El secreto de la pirámide, La cortina de humo, Good morning, Vietnam, Esfera o Bugsy, esta última, también biopic de  un miembro de la mafia. Comedia, drama, aventuras, ciencia ficción, thriller, ha tocado muy diversos géneros.

Por otro lado, tenemos a uno de los rostros más apegados al cine de mafiosos: Robert de Niro, que aquí hace doblete dando vida a ambos protagonistas, dos amigos de la infancia que crecieron en el mundo de la mafia como socios y acabaron siendo rivales. La historia es interesante, las interpretaciones también y la dirección también. Secundando a Robert de Niro encontramos a Debra Messing, conocida por la serie Los misterios de Laura, en el papel de la esposa de Frank Costello, y a Kathrine Narducci, conocida por la serie Los Soprano, en el rol de la mujer de Vito Genovese.

Mr. Burton, el mentor de la leyenda

 

Richard Burton ha sido uno de los actores más importantes de su generación, protagonista de películas como La túnica sagrada, Cleopatra, La noche de la iguana o ¿Quién teme a Virginia Wolf?. De origen galés, criado en el seno de una familia de mineros, dio el salto al mundo de la interpretación de la mano de su profesor de literatura, Phillip H. Burton, un intelectual de alto nivel, apasionado del teatro, con una calidad humana sin parangón, que fue capaz de ver en el joven Richard Jenkins el potencial de una estrella mundial. 

Esta es la historia que nos cuenta Mr. Burton, una maravillosa producción británica en la que brilla con luz propia Toby Jones encarnado a Phillip Burton en una de esas interpretaciones memorables en las que el actor y el personaje se hacen uno. Le secunda Harry Lawtey en el papel del joven Richard, con una meritoria interpretación, especialmente por la evolución del personaje, desde que era un tímido estudiante hasta convertirse en un actor carismático. Lawtey tiene una filmografía corta, pero incluye una gran producción, Joker: Folie à deux. También cabe destacar el buen hacer de secundarios como Lesley Manville y Steffan Rhodri en los roles de la casera de Phillip y el padre de Richard respectivamente.

La película transcurre con el ritmo y la elegancia propios del cine británico, sin estridencias, pero con una fluidez narrativa que no decae en ningún momento y un trabajo actoral de primer nivel. Es una historia donde se tratan de fondo temas como los prejuicios sociales, la incomprensión, la superación personal, la mentoría, las relaciones paternofiliales, la persecución de un sueño, la disciplina, en fin, una historia rica en temas interesantes y valores humanos a tener en cuenta, especialmente encuadrados en la figura del personaje encarnado por Toby Jones, al que, si dependiera de mí, le daría el Óscar a mejor  actor por esta película.

María Callas, la desgracia de una diva

 

El director chileno Pablo Larraín, artífice de Jackie, nos trae otro «biopic» psicológico de una mujer de que ha hecho historia, María Callas, la gran diva de la ópera. Nos la presenta en los últimos días de su vida, en pleno declive, los momentos más bajos de la gran artista y recomponiendo su vida en «flashbacks». Es un retrato duro, nada edulcorado, de una vida igualmente dura, por lo que la película no es precisamente para ver en cualquier momento. 

Anjelina Jolie encarna de forma insuperable a la gran cantante. La música de la película, casi todo temas operísticos muy conocidos, junto con una cuidada fotografía en tonos cálidos, consigue crear unas imágenes casi hipnóticas llenas de poesía. Todo ello son buenos ingredientes para que la película sea memorable, pero en cambio, no lo es. No le salió redonda al director debido a la narrativa. El esquema de reconstrucción de una vida es bastante recurrente, pero en este caso no está bien llevada, porque resulta algo deslavazada. Nos va llevando a momentos determinados de la vida de la artista, pero no siempre queda clara la continuidad o la coherencia que tienen unas partes con otras. Es como si fuera una colección de retales en forma de escenas de películas, y unas están más conseguidas que otras, lo cual hace que el espectador esté entrando y saliendo de la película a lo largo del metraje, o al menos, es la sensación que a mí me ha producido.

Por lo tanto, María Callas nos deja varias imágenes poéticas y elegantes en la retina con una sublime Anjelina Jolie, y nos deleita los oídos con la ópera, aunque el visionado no resulta fluido debido a los fallos narrativos, pero aun así, vale la pena verla.

Better man, Robbie Williams nos cuenta su vida a su manera

 

La gran estrella de la música Robbie Williams se interpreta a sí mismo en un biopic en el que nos cuenta sin tapujos su meteórica carrera en Better Man, una película que desprende pura energía, y además lo hace de una manera totalmente subjetiva y sorprendente, mostrándose a sí mismo como un simio, ya que se considera una persona poco evolucionada. Esta decisión puede chirriar un poco a priori,  pero realmente está todo tan bien integrado en la trama y en la estética, que posiblemente haya sido el mayor acierto y el gran atractivo que hace de esta película algo único.

El cantante conoció la fama a los 15 años con el grupo Take that y entró en una espiral de alcohol y drogas que le llevó a tocar fondo a la edad de 22. No obstante, resurgió de sus cenizas y siguió trabajando convirtiéndose en uno de los grandes artistas de las últimas décadas. Temas como Feel, Angels, o Rock DJ, forman parte de su repertorio y se pueden disfrutar en la película, así como el mítico My way (A mi manera) de Frank Sinatra, que ha sido muy importante en la vida de Robbie, especialmente en la relación con su padre, y también tiene una presencia importante en esta cinta, y es que Robbie Williams nos cuenta así su vida, a su manera.

Better Man recorre esos años salvajes del salto a la fama de Robbie Williams mostrándonos las distintas facetas del artista, como sus relaciones familiares, sus excesos y sus miedos interiores, sus fantasmas, y cómo se enfrenta a ellos. Dirige Michael Gracey, el director de la aclamada El gran showman, y nos trae relato está plagados de momentos divertidos, frívolos, emocionales, dramáticos, épicos, una montaña rusa de emociones que desprende una energía que atrapa al espectador y lo transporta a un viaje frenético en el que un joven artista británico subió a los cielos y bajó a los infiernos en un breve espacio de tiempo. Se estrenó el 1 de enero en cines y ahora se puede ver en streaming. Totalmente recomendable y, posiblemente, una de las mejores películas del año.

Tráiler de El cautivo, lo nuevo de Amenábar

 

Alejandro Amenábar es uno de los grandes directores del cine español, aunque su filmografía no es muy prolífica. Le pasa un poco como a Tarantino, que no hace muchas películas, pero cada vez que estrena una, causa gran expectación. Personalmente, me gustó mucho su opera prima, Tesis, aunque luego me decepcionó un poco Abre los ojos, a pesar de haber dejado para la posteridad la imagen icónica de Eduardo Noriega en la Gran Vía de Madrid totalmente vacía, pero la película en sí me pareció demasiado compleja y ambiciosa sin un resultado redondo. Con Los otros dio el salto al panorama internacional con Nicole Kidman de protagonista y un resultado estupendo. Luego tomó una deriva, en mi opinión, equivocada, hacia la politización de su cine en títulos como Mar adentro o Ágora. Sin embargo, en sus últimas obras, como la película Mientras dure la guerra o la estupenda serie de televisión La Fortuna, parece haber dejado el panfleto político.

Este tráiler de El cautivo  tiene muy buena pinta, y si sigue en la línea de La Fortuna, creo que puede ser una gran película. Es la vida de Cervantes cuando estuvo preso en la cárcel de Argel. La historia en sí es interesante y con un producción del nivel al que nos suele tener acostumbrados Amenábar, puede dar un resultado realmente bueno. No obstante, el título me parece un poco soso, bastante generalista. Podrían haberlo adornado un poco y titularla algo así como Cervantes cautivo, o El cautivo de Argel, pero en fin, este tráiler me ha sorprendido y realmente me hace estar expectante para cuando estrenen la película. No dudo que a nivel de narración y producción va a ser sensacional. Solo me da un poco de reparo que pueda volver a la senda de lo ideológico, que eso en el tráiler no se vislumbra, pero confiemos en que se mantenga como en sus últimos trabajos, fiel a la historia y al arte para ofrecernos un fantástico espectáculo cinematográfico.

The apprentice, una biografía de rabiosa actualidad

 

El año pasado se estrenaba The apprentice, un biopic sobre Donald Trump, concretamente desde que conoció a Roy Cohn, el que fue su mentor, y cómo ascendió rápidamente en los negocios y se convirtió en el personaje mediático que ha sido y sigue siendo. La película ya tenía interés el año pasado por el protagonismo de Trump en su carrera hacia la reelección como presidente de Estados Unidos, pero este año, tras su victoria en las elecciones y sus primeros días de presidencia con medidas que cambian todo el orden mundial, ya veremos hacia dónde, se ha puesto de más actualidad todavía si cabe.

The apprentice ha tenido dos nominaciones a los Óscar, a mejor actor principal para Sebastian Stan en el papel de Trump y a mejor actor  de reparto para Jeremy Strong por encarnar a Roy Cohn. Y la verdad, ambas nominaciones totalmente merecidas, y aunque no hayan ganado, podían haberlo hecho perfectamente. Además de las sólidas interpretaciones de sus actores, la película cuenta con una ambientación muy lograda de los años 70 y 80 en que se desarrolla la trama y un montaje ágil y con mucha energía.

Es una película sobre el emprendimiento de los tiburones, de los hombres de negocios sin escrúpulos, un poco en la línea de Wall Street, o El lobo de Wall Street, salvo que en esta ocasión, el personaje tratado es el actual presidente de Estados Unidos.

Milli Vanilli, ¿estafa o espectáculo?

 

El fenómeno musical de finales de los 80 y principios de los 90, Milli Vanilli, fue malogrado por un sonoro escándalo cuando se supo que no eran ellos quienes cantaban en realidad. Eran bailarines y su «show» era muy vistoso, pero claro, cantaban siempre en «playback», aunque realmente el escándalo no fue que no cantaran en directo, sino que ni siquiera las voces del «playback» fueran las suyas. El artífice del dúo estelar era el productor musical Frank Farian, quien en aquella época era muy conocido por haber lanzado a Boney M. 

La historia de este dúo alemán ha sido llevada al cine en una producción también alemana dirigida por Simon Verhoeven bajo el título Milli Vanilli: Girl you know it's true, siguiendo la tendencia de otros biopìcs  musicales de usar como título de la película alguna de las canciones más emblemáticas del artista sobre el que trata la película, como son los casos de Bohemian Rhapsody, Bob Marley: One love, o Back to black, por citar algunos ejemplos.

La película se podría catalogar de «feel good movie», es decir, película de buen rollo, que te hace sentir bien. Y es que, aunque se trata de una historia trágica, otro caso de juguetes rotos en el mundo del espectáculo, una industria voraz que comercia sin escrúpulos con las ilusiones de los artistas, la energía positiva de los protagonistas, la música y todo el fenómeno fan que se originó en torno a ellos, hacen que sea Milli Vanilli: Girl you know it's true una película muy agradable de ver, con gancho, con optimismo, una historia sobre sueños e ilusiones, a pesar de que la realidad sea más dura de lo que todos desearíamos. Por otra parte, también es interesante el debate que plantea sobre los límites que hay entre innovar creando un buen espectáculo,  o estafar. ¿Qué fue en realidad este caso? Para eso hay que ver la película.

Priscilla, cómo casarse con una estrella y no morir en el intento

 Sophia Coppola, responsable de títulos como Lost in translation, Las vírgenes suicidas o María Antonieta, nos trae Priscilla, la biografía de Priscilla Presley, según el libro de memorias de la propia Priscilla, Elvis and me, la cual está implicada en la película como productora ejecutiva. La película cuenta la complicada relación entre Elvis Presley y su esposa, que se conocieron siendo ella una adolescente y él ya una estrella del rock, durante su estancia en Alemania para cumplir el servicio militar.

Protagoniza Cailee Spaeny, que ganó la Copa Volpi a mejor actriz en Venecia por esta interpretación, y la verdad es que hace un papel memorable. La secunda Jacob Elordie en el rol de Elvis, que cumple bien su cometido, aunque la estrella de la función, y por tanto, el personaje más desarrollado en la trama, es Priscilla. 

La película invita a la reflexión sobre el despertar de la adolescencia, viendo cómo una niña con una vida normal, de padre militar, con una educación basada en valores tradicionales, se convierte en adulta más deprisa que la gente de su edad al entrar en un mundo adulto muy distinto al de sus padres, lleno de abundancia, lujo y glamur, pero también de excesos y extravagancias. Sophia Coppola nos plantea esta vida llena de luces y sombras con una elegante puesta en escena y fotografía, así como con una estupenda selección de canciones de artistas como Ramones, Brenda Lee, The Righterous Brothers o Dolly Parton, por citar algunos ejemplos. Sin embargo, no sale ninguna canción de Elvis, ya que la empresa que gestiona los derechos de su legado, no dio permiso para usarlas en esta película.

La tierra prometida, algo huele mal en Dinamarca

 

Venganza, amor, esfuerzo, compromiso, lealtad, traición, tiranía, todo ello se puede ver en La tierra prometida (The bastard), una película biográfica o «biopic» sobre Ludvig Kahlen. A mediados del siglo XVIII en Dinamarca, el rey Frederik V quiere colonizar un terreno en la zona de Jutlandia, que constituye un páramo incultivable, lleno de bandidos. Por otra parte, un despiadado terrateniente que vive junto al páramo es el amo y señor de la zona, por lo que no le interesa que ese terreno sea colonizado. Nadie se atreve a secundar el proyecto del rey, nadie tiene agallas para intentar ser el primer colono para atraer después a más, hasta que el capitán Kahlen, retirado del ejército, decide intentarlo y enfrentarse a la agreste naturaleza y al tiránico terrateniente.

La tierra prometida es una coproducción entre Dinamarca, Noruega y Alemania dirigida por el danés Nikolaj Arcel, que ha hecho cine en Dinamarca y debutó en Hollywood con La torre oscura. Encabeza el reparto Mads Mikkelsen, que ya había trabajado con el director en Un asunto real. Mikkelsen es siempre una apuesta segura y sigue alternando proyectos entre Dinamarca y Hollywood. De hecho, el año pasado lo pudimos ver como villano de Indiana Jones y el dial del destino, y antes en Otra ronda, Casino Royal, Rogue One, Después de la boda, en fin, que tiene una facilidad pasmosa para  aparecer tanto en el cine europeo como en el estadounidense.

La tierra prometida tiene buena fotografía, ritmo correcto y algunos momento realmente impactantes. Una muy buena película sobre un hombre que desafió a la naturaleza y toda una sociedad por un ideal: su compromiso con el rey para llevar a cabo un proyecto en el que nadie creía. Una película muy completa tanto en envoltorio como en contenido, tanto en lo que se ve como en lo que trasciende.

Back to black, una cuestión de energía

 

La directora de 50 sombras de Grey, Sam Taylor-Johnson, nos trae ahora, con mejor resultado, la biografía de la malograda estrella de la canción Amy Winehouse en una película que toma su título de una de las más emblemáticas canciones de la artista: Back to black. La meteórica carrera musical de Amy Winehouse que llegó a lo más alto, aquejada por un progresivo deterioro provocado por un creciente alcoholismo que la llevó a fallecer a la temprana edad de 27 años en plena cresta de la ola de su éxito.

La película nos muestra esta evolución desde que Amy empezó a cantar a los 16 años a través de sus relaciones con las tres personas más influyentes en su vida: su abuela, su padre y su marido. La actriz Marisa Abela se transforma en Amy de manera asombrosa. No sería de extrañar que tuviera una nominación al Óscar. La película tiene buen ritmo y en general todo es correcto. Sin embargo, no da la sensación de ser una película redonda, y en mi opinión, se debe a la energía.

Las películas cuentan historias y dependiendo del tipo de historia que sea, le pega ser contada con una energía u otra. Hay películas que desprenden energía positiva, buen rollo, otras que tienen una energía más visceral, más arrebatadora, etcétera. Y ninguna energía es mejor o peor que otra, sencillamente es cuestión de darle a cada historia la energía que pide para ser contada. Por ejemplo, por citar dos musicales muy buenos con energías muy distintas, pero que en cada caso es la adecuada: Mary Poppins y Moulin Rouge. Ambas transmiten mucha energía, tienen mucha garra, pero una nos transporta al mundo de la fantasía, de la infancia, y la otra nos traslada a una intensa pasión arrebatadora y visceral.

En el caso de Back to black, nos encontramos con una energía propia de película testimonial, que nos cuenta de forma dramatizada la vida de una persona, un biopic correcto que puede contar la vida de una persona sin más, pero claro, siendo como era Amy Winehouse y tal y como transcurrió su vida, quizá la película requería, o algún espectador podría esperar, que tuviese una intensidad más cercana a la de Moulin Rouge, por ejemplo, que a la de una biografía convencional. En cualquier caso, la película se deja ver con agrado, entretiene y se puede disfrutar la discografía de Amy Winehouse.

Caviezel y Verástegui aúnan esfuerzos: Sound of freedom

 

Cartel de Sound of Freedom

Eduardo Verástegui es un actor y productor mexicano, también cantante en sus inicios, que en 2004 fundó junto al director Alejandro Monteverde la productora Metanoia Films para la producción de películas de contenido social y valores humanos. Su primera producción en esta línea fue Bella, de 2006.

Jim Caviezel es una estrella de Hollywood que está implicado en varias actividades solidarias junto a su esposa y procura participar en proyectos pequeños de fuerte contenido social, como por ejemplo, La verdad de Soraya M, que alterna con superproducciones de entretenimiento como Plan de escape, Déjà Vu, y que sobre todo es conocido internacionalmente por interpretar a Jesucristo en La Pasión de Cristo, de Mel Gibson.

Estos dos actores tan comprometidos con las historias de interés social y humano, se han unido para traer a los cines el pasado año la película Sound of freedom, dirigida por Alejandro Monteverde, para dar visibilidad a la tragedia que supone el secuestro y tráfico de niños. La trama cuenta el caso real del policía Tim Ballard, un agente que investiga y persigue a pedófilos. Tras varios años viendo pasar ante sus ojos una realidad tan devastadora, sufre una crisis existencial que le lleva a cuestionarse si su trabajo es suficiente o no, ya que ha detenido a muchos pedófilos, pero nunca ha conseguido rescatar a ningún menor víctima de las redes de tráfico de esclavos, por lo que decide intentar buscar y rescatar niños.

Sound of freedom consigue manejar con éxito un material muy complicado. Es capaz de emocionar sin edulcorar la realidad, que muestra cómo es pero sin recrearse en lo sórdido. En ese sentido es muy elegante en su puesta en escena y consigue transmitir el mensaje tan importante que pretende dar, como es el de concienciar sobre una realidad muy dura y dolorosa que algunos prefieren ignorar, pero que está ahí, y es una gran lacra para la sociedad.

La mala racha de Ferrari

 

Cartel de la película Ferrari

Todos lo grandes negocios pasan por momento complicados, y del expiloto y empresario Enzo Ferrari, no iba a ser una excepción. Diez años después de fundar su marca de coches junto a su esposa, atraviesa un crisis que a punto estuvo de llevar a la quiebra el negocio. Además, el matrimonio atravesaba un momento personal de distanciamiento por la pérdida de su hijo, mientras que Enzo mantenía en secreto a otro hijo con otra mujer. Este momento crucial de la icónica marca de automovilismo es retratado en el entretenido biopic Ferrari, de Michael Mann.

El director de títulos como Heat, Collateral o El último mohicano, ya había trabajado como productor ejecutivo en otra película sobre la historia del mundo automovilístico relacionado con Ferrari, en Lemans 66, dirigida por James Mangold. Ahora Mann  dirige él directamente este biopic con Adam Driver en la piel del magnate de la automoción, Penélope Cruz como su esposa y socia en la empresa, y Shailene Woodley como la madre de su hijo ilegítimo.

Las escenas de las carreras de coches son vibrantes, como cabía esperar del director, y en cuanto a las escenas más de relaciones humanas entre los personajes, destacan en intensidad aquellas protagonizadas por el matrimonio Ferrari, con el tour de force entre Adam Driver y Penélope Cruz. No es la primera vez que Mann trabaja con actores españoles, ya dirigió a Javier Bardem en Collateral y a Luis Tosar en Corrupción en Miami.

Una película interesante sobre el automovilismo y el mundo de los negocios y los emprendedores, que resulta vibrante en ocasiones, menos intensa en otras, pero que en general, goza de buen ritmo y resulta muy agradable de ver.

La bomba de los Óscar: Oppenheimer

 

Cartel de Oppenheimer

La ganadora de los Óscar de este año, Oppenheimer, con siete galardones, es la culminación del cine de Christopher Nolan. Las películas de este director se caracterizan por ser experiencias sensoriales. Crean una atmósfera absorbente que mantiene pegado al espectador en la butaca. Una ambientación conseguida por la hábil combinación de la fotografía, la música y el montaje. Curiosamente, estas tres categorías han sido premiadas en los Óscar, junto a los dos actores, principal y secundario para Cillian Murphy y Robert Downey Jr, respectivamente.

La atmósfera inquietante de sus películas suelen ir acompañadas de historias con mucha acción, como Origen, Interstellar, Tenet, Dunkerque o la trilogía de El caballero oscuro. Sin embargo, en Oppenheimer, Nolan consigue esa tensión y ese ritmo con una historia de diálogos, sin acción, introduciendo imágenes oníricas de las visiones que Oppenheimer tenía cuando pensaba en cómo conseguir la fisión nuclear. Una historia en la que se enfrentan las inquietudes puramente  científicas de la investigación y el descubrimiento de algo nuevo, con los intereses siniestros de políticos y militares por ganar la guerra.

Otra de las características del cine nolaniano es la fragmentación temporal de la narración. Aquí también está muy presente con la alternancia de la evolución de Oppenheimer hasta la prueba de la bomba, con la comisión de investigación que se le abrió años después de la guerra desacreditándole debido a las opiniones que tenía cobre ciertos temas que no interesaban a las altas esferas. Esta fragmentación funciona muy bien en los dos primeros tercios de película, pero en el tercio final, quizá se extiende demasiado, innecesariamente, en el desenlace, como ya le ocurría con Origen o Interstellar, por ejemplo.

No obstante, Oppenheimer es una muy digna ganadora de los Óscar, cosa que no todos los años se puede decir. Muy buena película en general. Para Christopher Nolan era su segunda nominación como director y la primera había sido también con el tema de la II Guerra Mundial, con Dunkerque. En aquella ocasión no introdujo de lleno en el campo de batalla y esta vez nos ha mostrado la trastienda, lo que se cocía en los despachos, laboratorios e instalaciones militares.

La filmografía de Christopher Nolan en DVD y Blue Ray

Bob Marley: One love, buen rollo y mucho más

 

One love es un biopic sobre Bob Marley que se centra en los dos años previos al concierto que da título a esta película, que tuvo lugar en 1978, en el que consiguió un acercamiento de posiciones entre los políticos de su país, Jamaica, que se hallaba en plena guerra civil. Es interesante conocer también la base del movimiento Rastafari. No se trata solamente, como a veces se piensa, de gente que lleva rastas, fuma marihuana y escucha reggae, sino que era un movimiento religioso que tenía su propia interpretación de la Biblia, considerando que Dios es negro y que se llama Jah.

Entonces Bob Marley se presenta como un cantante que busca una misión espiritual, que ha sido acogido por los rastafaris desde muy joven y siente la necesidad de utilizar la música reggae como vehículo para transmitir un mensaje de unión y de pacificación en Jamaica, que se haya sumida en un terrible caos

La película tiene buen ritmo, buenas interpretaciones de rostros poco conocidos para el gran público y, por supuesto, la banda sonora está plagada de canciones de Bob Marley con muy buena selección, con lo cual es una película muy disfrutable, muy agradable de ver y de buenos sentimientos, una película que transmite buen rollo, pero que además, nos explica un poco lo que había detrás de esa música y la misión que tenía Bob Marley en el mundo.

Napoleón, otro espectáculo épico de Ridley Scott

 

Recuerdo un reportaje a finales de los noventa, cuando George Lucas iba a reestrenar la trilogía original de Star wars con nuevas imágenes digitalizadas antes de iniciar la nueva trilogía con los episodios 1, 2 y 3,  en el que varios cineastas consagrados opinaban sobre cómo les influyó en su momento el estreno de La guerra de las galaxias en 1977. Uno de ellos era Ridley Scott, que dijo algo así como que eso no iba con él, porque estaba en otra onda distinta, ya que estaba preparando la que fue su ópera prima, Los duelistas, que se desarrollaba en la época de las guerras napoleónicas, pero curiosamente, sus dos siguientes películas fueron Alien y Blade runner. Ahora vuelve a esa época de sus inicios con el propio protagonista de las guerras napoleónicas, es decir, Napoleón Bonaparte, en una película que lleva su nombre: Napoleón.

Aunque nunca dejó del todo la ciencia ficción, ya que volvió a ella a con Prometheus o Alien covenant, sí es verdad que las historias épicas de otras épocas siempre le han fascinado, como ya ha demostrado en Gladiator o El reino de los cielos. Ahora con Napoleón vuelve a trabajar con Joaquin Phoenix, con quien ya había trabajado en Gladiator, como protagonista absoluto de la película y realmente ha conseguido un nuevo gran espectáculo cinematográfico épico con imágenes muy impactantes. La película transcurre entre 1793 y 1815 y tiene, digamos, como tres partes temáticas de la vida de Napoleón. Por un lado, la parte política, luego la parte personal de su relación con Josefina y por otro lado, las gestas heroicas, las batallas épicas, que son lo que dan el gran espectáculo visual de esta película. Estos tres temas se van alternando a lo largo de dos horas y media de metraje con ciertos vaivenes en el ritmo narrativo, pero en general, se mantiene bastante bien el interés durante las dos horas y media.

Creo recordar que fue Francis Ford Coppola quien dijo una vez que para tener una buena película necesitas dos grandes momentos y colocar uno al principio y otro al final, para arrancar la historia atrapando al espectador y luego, al final, para dejar con buen sabor de boca. Lo que pase entre medias tiene una importancia relativa. Esto fue por lo que en Apocalipsis now empieza, digamos, por el final, con una gran explosión. En el caso de Napoleón tenemos realmente tres grandes batallas que son de un impacto visual importante; una al principio, la de Tolón, en la que los franceses toman un fuerte custodiado por los ingleses, luego hay otra al final, que es la famosa de Waterloo, y entre medias tiene otra batalla, la de Austerlitz, en la que se tiende una emboscada a los enemigos en un lago helado, que es realmente muy impactante.

La parte política de la historia se toca de manera superficial, pero lo suficiente para que el espectador sepa en cada momento quién es el amigo y enemigo de Francia, ya que era una época en la que las alianzas y conflictos entre países europeos eran muy cambiantes, y quien hoy era tu amigo, mañana podía ser tu enemigo y viceversa. Respecto al matrimonio con Josefina, se transmite bien la difícil y complicada relación que tuvieron y al mismo tiempo, la unión emocional que mantuvieron toda la vida. Josefina es interpretada con gran carisma por Vanessa Kirby, a la que pudimos ver este verano en Misión: Imposible, Sentencia mortal. Y finalmente, las batallas son el plato fuerte de la película, donde Scott despliega todo su poderío visual y su veteranía dirigiendo este tipo de escenas.

La película ha generado cierta controversia por las licencias artísticas que se ha tomado faltando al rigor histórico, pero si Scott en Gladiator, fue capaz de hacer que un personaje histórico como el emperador Cómodo, muriese en la arena del Coliseo a manos de un personaje ficticio, el gladiador Máximo, y la película no solo arrasó en su momento, sino que 23 años después de su estreno sigue siendo aclamada como una gran película, ¿qué se espera ver en Napoleón? Es una película de Ridley Scott, disfruten del espectáculo.

Los valores del deporte a través del cine

 

La práctica habitual del deporte, en general, nos aporta valores importantes como el esfuerzo, la concentración, el sacrificio, la constancia, el trabajo en equipo, el compañerismo, la superación, la disciplina, el honor, etcétera. Pero además, los profesionales de élite se convierten en referentes para el público, en un ejemplo a seguir, lo cual hace que deban tener, además de lo anteriormente mencionado, un sentido relevante de la responsabilidad.

En 2021 el cine nos trajo dos ejemplos de casos reales que se han convertido en referentes de estos valores por motivos totalmente opuestos. Por un lado se estrenaba El método Williams, por la cual Will Smith ganó el Óscar a mejor actor principal encarnando a Richard Williams, el padre de las hermanas tenistas y campeonas Serena y Venus Williams. Un padre con una obsesión, convertir a sus hijas en campeonas de tenis, y un plan minuciosamente elaborado para lograr tan ambicioso objetivo. Disciplina, fuerza de voluntad, constancia, son algunas de las cualidades que le llevaron al éxito, además de una confianza arrolladora en sí mismo y en su plan, 

En el otro lado del espectro se estrenaba  El gran Maurice, interpretado magníficamente por Mark Rylance, ganador del Óscar por El puente de los espías. Es la historia del conocido como El Fantasma del Open, un operario de grúa británico que en un momento de crisis en el que ve peligrar su trabajo, encuentra en el golf su gran vocación y decide participar en el prestigioso Open Británico de Golf sin tener ni medios ni técnica para este deporte, entrenándose por su cuenta de manera totalmente autodidacta. Ostenta aún hoy en día el récord de peor resultado en la historia de este campeonato, que obtuvo la primera vez que se presentó, pero eso no le frenó para seguir intentándolo. Su pasión y tenacidad le sirvieron para ser inspiración para otros: si él puede, yo también.

No solo son importantes los resultados, sino también el proceso, y en él podemos encontrar historias inspiradoras. Cuando se dice que lo importante es participar, es cierto, porque para que haya un ganador, debe haber varios perdedores y quien gana, lo hace gracias a que hay otros que han competido con él. Se suele dar siempre relevancia a los que ganan, pero son la minoría, porque para que cualquier deporte se mantenga vivo, debe tener mucha gente que lo practique, pero en cada competición solo gana uno. Lo importante para todos los participantes es haberlo hecho lo mejor posible y haber estado concentrado y dando todo lo que puedes dar. Unas veces se gana y otras se pierde, pero lo importante para cada uno es la satisfacción de haber hecho lo correcto. Así es el deporte y así también es la vida.

El estrangulador de Boston, periodismo de investigación

 

En los años 60, un asesino en serie se dedicaba a estrangular mujeres en la ciudad de Boston. Dos periodistas, Loretta McLaughlin y Jean Cole, se encargaron de investigarlo teniendo todo en contra. La policía no quería que la prensa metiera las narices en sus investigaciones y encima, siendo dos mujeres, ya que ese tipo de casos en esa época solían ser encomendados a hombres, mientras que a las mujeres se les asignaban más las noticias de moda y sociedad.

El Estrangulador de Boston nos cuenta esta investigación con mucha sobriedad, un tono general de cine clásico, una cuidada ambientación de época y  posiblemente una de las mejores interpretaciones de su protagonista, Keira Knightley. También su compañera de reparto, Carrie Coon, está espléndida en su papel, aunque es un rostro menos conocido de la pantalla, ya que a pesar de hacer cine y televisión, su carrera se ha forjado mayormente en el teatro. Entre los secundarios encontramos otro rostro conocido, el veterano Chris Cooper, interpretando al director del periódico, y por tanto, el jefe de las aguerridas periodistas.

La ambientación está muy conseguida con una fotografía en tonos apagados y una partitura musical en la línea de los clásicos del suspense. El ritmo es adecuado y mantiene el interés en todo momento.

Escribe y dirige Matt Ruskin bajo la producción de, entre otros, Ridley Scott. El estrangulador de Boston es una película de suspense que, sin llegar a ser un peliculón, es un más que correcto thriller de corte clásico y elegante con muy buenas interpretaciones de sus actrices principales y un tono en general más que convincente.