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Tiempo de victoria: el hombre del tiempo en Normandía

  Tiempo de victoria es una producción británica de los productores de El instante más oscuro , que nos cuenta la trastienda del desembarco ...

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lunes, 5 de octubre de 2026

Mallorca confidencial, entre el cine social y thriller

 



Mallorca confidencial trata sobre un asentamiento chabolista en Mallorca donde la Chusa ejerce un gran poder como matriarca, que además se financia con el narcotráfico y lleva el negocio en familia, como los Corleone, pero en versión gitana. El asentamiento se ve amenazado por la presión de un grupo inmobiliario que quiere construir en la zona ofreciendo a los habitantes pisos de realojo en otro barrio.

Protagoniza Lolita Flores, desplegando un  gran carisma en la pantalla. Está secundada por Asia Ortega, vista en películas como Tu hijo o Hasta el cielo, que aquí encarna a la sobrina de la matriarca y no palidece en absoluto ante la imponente presencia de Lolita, lo cual dice mucho a favor de esta joven actriz. En un papel secundario encontramos a la hija de Lolita, Elena Furiase.

El planteamiento de Mallorca confidencial es interesante, con el tema de la lealtad de fondo, y combinando el drama social con el thriller policiaco. Sin embargo, hay una sensación de que al drama le falta profundidad y al thriller le falta vibración. Normalmente las películas no son redondas por sobrarle metraje, pero en este caso, quizá le falta, porque la película es corta, hora y media escasa, lo cual se agradece, pero aunque no llegase a las dos horas, sí creo que le convendría desarrollar un poco más las tramas para que el drama toque fibra y el suspense en torno al narcotráfico vibre más. No obstante, es una película agradable de ver, con planteamientos interesantes de fondo y dos actrices de diferentes generaciones que ofrecen sendas potentes interpretaciones.

miércoles, 30 de septiembre de 2026

El mago del Kremlin, al auge de Putin

 


El director francés Olivier Assayas nos cuenta a través de El mago del Kremlin, cómo un estudiante de arte dramático ruso en plena apertura a la democracia en los años 90, pasa a ser productor de televisión y de ahí a convertir en presidente de Rusia a un funcionario del FSB especializado en contraespionaje, que no tiene ni un ápice de carisma ni empatía con el pueblo. Un tipo ambicioso sin medida y más frío que el hielo de Siberia. Es una historia fascinante de marketing político sobre la llegada al poder de Vladimir Putin, aunque el protagonista, este joven experto en comunicación política, es un personaje ficticio, por lo que podemos hablar de historia pero no de biografía.

La película adapta a la pantalla la novela homónima de Giuliano Da Empoli, que se basa en un personaje real que fue mano derecha de Putin para construir a Vadim Baranov, al que encarna magníficamente Paul Dano en la película. Dano es un gran actor al que hemos podido ver en Los Fabelman, Pequeña miss Sunshine o Prisioneros, entre otros títulos. Le secundan Alicia Vikander en el rol del amor de juventud de Baranov, y Jude Law encarnando de manera totalmente convincente a Putin.

La narración de El mago del Kremlin se construye a través de una entrevista que le hacen a Baranov una vez retirado de la política y va contando toda su trayectoria. El ritmo narrativo es muy constante, que si la película fuese más corta, quizá no se notaría tanto, pero al durar más de dos horas, se echa en falta algún juego de cambio de ritmo en algún momento. Además, al contar muchos eventos de diferente índole a lo largo del ascenso de Putin al poder, la verdad es que se presta bastante a que cada momento tengo su ritmo más adecuado, más trepidante unas veces, más reflexivo otras, así que el ritmo constante puede lastrar el resultado final de una película cuyo planteamiento es muy interesante. También si se ha visto el tráiler, como es mi caso, parece en principio que el ritmo va a ser distinto al que es en realidad.

Con todas y con esas, El mago del Kremlin es muy interesante en su planteamiento de mostrar por qué hoy en día está el mundo como está, de dónde venimos cuando en los años 90 el mundo cambió de paradigma con el final de la Guerra Fría, que mantuvo congeladas las reglas del juego geopolítico durante más de 40 años, y de repente, nuevas alianzas internacionales, la revolución digital, nuevas clases sociales, y como dice el refrán, " a río revuelto, ganancia de pescadores".

lunes, 28 de septiembre de 2026

Los miserables. El origen, la redención de Jean Valjean

 


La popular obra de Víctor Hugo, Los miserables, ha tenido diversas adaptaciones cinematográficas a lo largo de los años. La más recordada actualmente seguramente es la versión de 2012, una superproducción musical con un reparto lleno de estrellas de la gran pantalla. Los miserables. El origen es una modesta producción francesa centrada en la historia de Jean Valjean antes de su llegada a París. El planteamiento recuerda un poco al de El regreso de Ulises, en cuanto a coger un pasaje de una obra enorme y construir un relato más íntimo, más pequeño, centrado en un parte del texto original.

Los miserables. El origen goza de un trabajo actoral estupendo, fundamentalmente con cuatro personajes: Jean Valjean, el obispo que lo acoge y las dos mujeres que viven con el obispo, su hermana y su criada. Los cuatro hacen interpretaciones muy convincentes y encarnan muy bien a sus personajes, pero Grégory Gadebois, además, en la piel de Valjean, aporta una presencia física muy imponente que refuerza el carácter peligroso del personaje y resulta siempre inquietante. La trama arranca con la llegada de Valjean, tras salir de la cárcel, vaga sin rumbo y llega a un pueblo donde todo el mundo le da la espalda, excepto el obispo, que lo acoge en su casa.

Se trata de una historia de redención enmarcada en una época muy dura y oscura. Esta dureza está muy bien plasmada visualmente por una presencia casi constante de elementos de piedra en la escenografía, fotografiada con tonos fríos en escala de grises. Además, la inquietante presencia del protagonista contrasta con el tono sosegado de la narración y el ritmo pausado, pero adecuado, del desarrollo de la trama. Por tanto, resultan muy acertadas tanto la ambientación como las interpretaciones. Dirige con muy buen criterio el director y guionista Éric Besnard.

La película se proyectó en primicia en la gala del CEC, se estrenó en cines de España en febrero y llega ahora a las plataformas de streaming.

miércoles, 23 de septiembre de 2026

Revisión necesaria: Salvar a soldado Ryan (1998)

 

Nunca había escrito en el blog sobre Salvar al soldado Ryan, y el hecho de que el desembarco de Normandía esté ahora en la actualidad cinematográfica con Tiempo de victoria, creo que es una buena ocasión para la revisión de esta gran película de Steven Spielberg. Es un largometraje que vale mucho la pena revisitar de vez en cuando por varios motivos.

Para empezar, es una película que creó escuela. El estilo visual con el que se han rodado las escenas bélicas de infinidad de películas de guerra, deben mucho a la primera media hora de Salvar al soldado Ryan, que desarrolla el desembarco de Normandía con un realismo nunca visto hasta entonces, pero muy imitado posteriormente.

Recibió cinco premios Óscar, entre ellos a mejor director para Spielberg, el segundo después de La lista de Schindler. Las otras categorías premiadas fueron mejor fotografía, montaje, sonido y edición de sonido.

Fue la primera vez que Tom Hanks se ponía a las órdenes de Spielberg, y después de esto volvieron a trabajar juntos en La terminal, Atrápame si puedes, El puente de los espías y Los archivos del Pentágono. En el reparto también nos encontramos con Matt Damon, que ese año ganaba el Óscar a mejor guion junto con Ben Affleck por El indomable Will Hunting. También nos encontramos con un joven Vin Diesel antes de convertirse en estrella de acción con la saga Fast and furious. Otro miembro curioso del comando de rescate es Edward Burns, actor y director de cine independiente que en aquel momento estaba empezando y llevaba dos películas a sus espaldas: Los hermanos McMullen y Ella es única.

Una curiosidad sobre el reparto: Andrew Scott, protagonista de Tiempo de victoria, sale en Salvar al soldado Ryan acreditado como "soldado en la playa".

La trama versa sobre una misión moral: una mujer ha perdido a tres de sus cuatro hijos en la guerra al mismo tiempo. Solo queda uno, James Ryan, por lo que el alto mando, conmovido por esta situación, pone en marcha una operación para buscarlo entre las líneas enemigas y mandarlo a casa. Tal misión es encomendada a un grupo de hombres que acaban de participar en el desembarco de Normandía. Una historia de coraje y humanidad, cuyos personajes son profundos, calado dramático, interpretados por excelentes actores dirigidos con la maestría y la habilidad técnica y narrativa que solo los grandes como Spielberg pueden ofrecernos. Una gran historia servida con el empaque de un gran espectáculo.

lunes, 21 de septiembre de 2026

Tiempo de victoria: el hombre del tiempo en Normandía

 

Tiempo de victoria es una producción británica de los productores de El instante más oscuro, que nos cuenta la trastienda del desembarco de Normandía desde un punto de vista muy original: el de la meteorología. Tras el desastre que supuso la Operación Tigre, un ensayo realizado para el desembarco de Normandía, el general Eisenhower necesita tener todas las garantías de que la operación vaya a salir bien. Para la ocasión, por recomendación de Churchill, le envían al capitán Stagg, considerado como uno de los mejores meteorólogos, para realizar un pronóstico del tiempo que hará el día del desembarco. Sus métodos y pronóstico chocan totalmente con Krick, el meteorólogo habitual de Eisenhower que le ha acompañado en sus campañas anteriores.

El título de la película hace un juego de palabras, pero es distinto en el traducido respecto al original. En inglés se titula Pressure, en alusión a la presión a la que se ve sometido Stagg y la presión atmosférica, mientras que en castellano, Tiempo de victoria, juega entre el tiempo del momento y el tiempo atmosférico. Bajo presión se encuentran todos los implicados en la operación del desembarco, obviamente, pero en concreto el protagonista, que se presenta como un hombre íntegro, comprometido con la responsabilidad que su decisión conlleva aunque vaya en contra de todos los intereses del alto mando. Una actitud que le honra y que contrasta con la de Krick, que adapta su trabajo a lo que sus superiores quieren oír. Por lo tanto, es muy interesante a nivel de debate sobre los grandes profesionales que hacen su trabajo como debe hacerse, guste o no a lo demás, y aquellos que hacen las cosas para agradar a otros y no tener que enfrentarse a nadie ni meterse en líos.

Se trata del segundo largometraje del director australiano Anthony Maras, que debutó en 2018 con Hotel Bombay. Protagoniza Andrew Scott en el rol de Stagg, actor visto anteriormente en Spectre, 1917, o en series de TV como Black mirror o Sherlock. Le acompaña, en el papel de Eisenhower, Brendan Fraser, ganador del Óscar a mejor actor por La ballena e inolvidable para el público de los 90 por protagonizar George de la jungla y La momia. A destacar también la interpretación de Kerry Condon como la secretaria de Eisenhower, que goza de gran carisma en pantalla, y a quien hemos podido ver en Tres anuncios en las afueras o F1: la película, por ejemplo, y que fue nominada a mejor actriz de reparto por Almas en pena en Insherin. 

La película en una carrera contrarreloj y goza de un ritmo narrativo frenético acompañado de una vibrante partitura musical de Volker Bertelmann, responsable también de la música de títulos como Cónclave o Los niños de Winton.

miércoles, 16 de septiembre de 2026

Revisión interesante: Hoosiers, más que ídolos (1986)

 

A colación de la reseña de Como cabras, recién llegada a streaming tras estrenarse en cines en febrero, creo que resulta interesante revisitar alguna película de baloncesto. La primera que se me vino a la cabeza y que he encontrado disponible para volver a ver es Hoosiers, más que ídolos.

El término hoosier hace alusión al gentilicio informal de los habitantes del estado de Indiana. La película se inspira en una historia real en la que el equipo de baloncesto de un pequeño pueblo rural de Indiana ganó el campeonato estatal en los años 50. En la película nos encontramos con un entrenador de mediana edad que lleva varios años sin entrenar y que guarda un secreto de su pasado. Un amigo suyo, director del instituto de un pueblo de Indiana llamado Hickory, lo contrata como nuevo entrenador del equipo de baloncesto. El entrenador tiene su propia metodología de trabajo que choca con la idiosincrasia de  los habitantes del pueblo, gente muy cerrada y reaccionaria a quienes no les gustan los cambios, aunque sean para mejorar. Esto le hace muy complicada su integración en el lugar al recién llegado.

Protagoniza la película un sensacional Gene Hackman secundado por Barbara Hershey y Dennis Hopper, este último nominado al Óscar a mejor actor secundario por su papel de borracho del pueblo. Hoosiers, más que ídolos, vista hoy, posiblemente se pueda valorar como mejor de lo que se consideró en su momento, porque la verdad es que ha envejecido bastante bien. Conserva intacta su energía y emoción. Es una historia inspiradora ambientada en el mundo del deporte con valores muy arraigados como la disciplina, el esfuerzo y el trabajo en equipo.

Como cabras tiene varios puntos en común con Hoosiers: esa evolución de menos a más, llegar lejos siendo pequeños, la presencia de un bajito del que todos se ríen, aunque en una es protagonista y en otra es secundario, el desarrollo de la acción en un pueblo pequeño.

lunes, 14 de septiembre de 2026

Como cabras: baloncesto salvaje

 

De los creadores de Las guerreras K-pop, ganadora del Óscar a mejor película de animación, llega Como cabras, de Sony Animation Studios. Todo gira en torno al rugebol, un deporte de contacto que es como una especie de baloncesto con obstáculos en la cancha como rocas, fuego, hielo, y que lo juegan los animales más grandes, duros y salvajes del mundo. Una pequeña cabra, del grupo animal al que llaman los bajitos, sueña con ser una estrella de rugebol, y tiene como ídolo a una pantera que es la estrella del equipo de su pueblo, Villaliana. Al hacerse mayor, por una serie de circunstancias, acaba fichado en el equipo, pero nadie cree en él. Han pasado unos años y la famosa pantera ve su carrera en declive.

Nos encontramos, por tanto, con dos tramas principales: el aspirante a estrella que ansía triunfar en un deporte para el cual su físico no acompaña, y la veterana estrella llegando al ocaso de su carrera deportiva. Aunque los personajes están construidos con clichés ya vistos, no aportan nada nuevo, pero están muy medidos para que tengan el carisma suficiente para mantener la atención del espectador, y son dos historias que, a pesar de no ser nuevas, funcionan bastante bien. Por otro lado, el ritmo es frenético y la animación muy dinámica. Las escenas de los partidos son espectaculares y la estética de la película es muy colorista. A pesar de no sorprender, es una película muy entretenida con mensaje positivo que deja buen sabor de boca y se puede disfrutar en familia.


miércoles, 9 de septiembre de 2026

De menonitas, amish y cine

Como decía en el post anterior sobre La constelación del perro, en esa película sale una comunidad menonita, aunque no explican en qué consiste su modo de vida, sino que se da por supuesto que todos lo sabemos. Es posible que así sea en Estados Unidos y en algunos países europeos, pero no en todas partes. Sin embargo, a cualquier profano en la materia, pero que más o menos le guste el cine, la imagen que le viene a la cabeza es la de los Amish, que han tenido más protagonismo en el cine. ¿Quiénes son unos y otros?

Ambos son grupos surgidos del movimiento anabaptista del siglo XVI, el cual cree en el bautismo adulto, consciente, en vez del bautismo de los bebés. Todo su modo de vida gira en torno a las enseñanzas de la Biblia. De aquí surgieron las comunidades menonitas en el norte de Europa y los amish en Suiza. De ambos grupos hubo emigraciones a Estados Unidos en el siglo XVIII donde se asentaron en diversos lugares con su modo de vida basado en su rechazo a la tecnología, de manera que viven como en los siglos anteriores a la Revolución Industrial, es decir, sin luz eléctrica, sin teléfono, sin vehículos de motor, y con la vestimenta propia de los siglos XVI o XVII, de cuando se originaron. La diferencia, básicamente, entre menonitas y amish, es que los primeros son más flexibles en las normas de vida que rigen su comunidad.

En formatos televisivos, se pueden encontrar varias películas y documentales que retratan, sobre todo, a los amish. La presencia de los menonitas en producciones audiovisuales es menor. Pero en gran formato, es decir, en cine, si hay una película paradigmática sobre el modo de vida amish, es Único testigo, un thriller de 1985 dirigido por Peter Weir y protagonizado por Harrison Ford en pleno apogeo de su carrera recién consagrado como estrella por sus papeles de Han Solo e Indiana Jones. En esta película interpreta a un escéptico y pragmático inspector de policía que debe proteger al único testigo de un asesinato, un niño amish que ha visto un homicidio en un baño público durante una visita a la ciudad con su madre. En su huida, el policía resulta herido y permanece escondido en la comunidad amish para recuperarse. A Harrison Ford le secundan Kelly McGillis, un año antes de triunfar con Top Gun, y Danny Glover como villano de la función antes de convertirse en estrella con Arma letal (1987)


Otra película que contrapone a los urbanitas modernos con la cultura amish, pero esta vez en clave de comedia, es A las duras y a las maduras, una producción de 1997 protagonizada por Tim Allen, la voz de Buzz Lightyear en la saga Toy Story, también conocido por sus comedias navideñas haciendo de Santa Claus, y por Kirstie Alley, conocida por la mítica serie de TV Cheers y por la saga Mira quién habla. Ambos interpretan a un matrimonio de millonarios que huyen por problemas con el fisco y se refugian en una comunidad amish.

lunes, 7 de septiembre de 2026

La constelación del perro: en busca del mundo perdido

 


La nueva película de Ridley Scott, La constelación del perro, es una historia futurista, pero de un futuro cercano, que nos presenta un mundo devastado por una pandemia. Un virus ha acabado con la civilización actual y ha dado paso a un mundo distópico en el que los supervivientes viven aislados, con miedo, protegiéndose como pueden, y tribus salvajes errantes que se dedican al saqueo despiadado de lo que encuentran a su paso. En este panorama desolador, un piloto que convive con su perro y con un exmarine, mantiene viva la esperanza de encontrar más gente con la que intentar recuperar la civilización perdida y una vida mejor que la mera situación de supervivencia en la que se encuentran. Sin embargo, su compañero, es mucho más escéptico y se ha acomodado a esa vida de limitarse a sobrevivir, matar o morir. En sus exploraciones, el piloto se encuentra con una familia de granjeros, formada por un padre y su hija, y una comunidad de menonitas. Además, ha oído hablar sobre un núcleo urbano llamado Grand Junction, como el último resquicio de la civilización, y su objetivo es encontrarlo.

La constelación del perro es la adaptación de la novela homónima de Peter Heller. El elenco está encabezado por Jacob Elordi, nominado a los Óscar por Frankenstein, en el papel del piloto, y Josh Brolin, el otrora hermano mayor de Los Goonies, que ya había trabajado a las órdenes de Ridley Scott en American gangster, en el rol del exmarine Les secundan Margaret Qualley, la hija de Andie McDowell, vista en Érase una vez en Hollywood o La sustancia, en el papel de la granjera, y dando vida a su padre tenemos al veterano Guy Pierce, conocido por títulos como Memento o LA Confidential, entre otros, y que había trabajado antes con Ridley Scott en Prometheus y Alien: covenant.

La película no es la típica distopía que te expone en cuatro frases el escenario desolador de turno para pasar a la acción trepidante sin dar un respiro, sino que es más bien contemplativa y melancólica. Se toma su tiempo para describir a los personajes, el mundo en el que viven, sus respectivos pasados, sus traumas. Tiene acción, obviamente, y esas escenas son brutales e intensas, pero entre tiroteo y tiroteo, adopta un tono más calmado con el que deja respirar las emociones de los protagonistas y permite así un mayor desarrollo de los personajes. Y sobre todo, lo más interesante es que siendo una historia sobre un futuro devastador, es mu positiva, porque nos deja un mensaje de esperanza, de resistencia, de no rendirse ante la adversidad.

miércoles, 2 de septiembre de 2026

Atención, se rueda la secuela de Días de trueno, prevista para 2028

 

Pues sí, el proyecto estaba dando vueltas desde hace tiempo, pero ahora es una realidad. La semana pasada se anunció oficialmente la puesta en marcha de la producción que tendrá de protagonista a Tom Cruise, naturalmente, acompañado de Anne Hathaway y dirigidos por Jonathan Levine, director de comedias como Casi imposible o 50/50.

Por eso es una ocasión fantástica para escribir algo sobre Días de trueno. Fue la película en la que Tom Cruise y Nicole Kidman se conocieron. Luego se casaron, tuvieron dos hijos adoptivos y el matrimonio duró 11 años. Durante ese tiempo volvieron a trabajar juntos dos veces: a las órdenes de Ron Howard en Un horizonte muy lejano, y bajo la batuta de Stanley Kubrick en Eyes wide shut.

El éxito de Top Gun convirtió a Tom Cruise en superestrella y él mismo propuso una historia, aunque el guion lo firma Robert Towne, siguiendo la misma línea. Se reunieron de nuevo los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer, el director Tony Scott, el músico Hans Zimmer y el protagonista, Tom Cruise, para dar vida de nuevo a un piloto instintivo y temerario, pero en vez de en aviones, en coches de carreras de la NASCAR. También hay un romance, una balada pop romántica, Show me heaven, velocidad, adrenalina, y la fórmula funciona. No tuvo tanta taquilla ni tanta repercusión social como Top Gun, pero tuvo igualmente buenos beneficios. Y en el elenco, además de Cruise y Kidman, también cuenta con la carismática presencia de Robert Duvall, el otrora abogado de la familia Corleone en la saga de El padrino. También cuenta con Cary Elwes, popular en aquella época por La princesa prometida.

Ahora ya sabemos que en 2028 podremos ver de nuevo Tom Cruise pilotando a toda velocidad en los circuitos de la NASCAR.

lunes, 31 de agosto de 2026

Lapönia: comedia familiar para adultos

 


Normalmente, las comedias familiares son para todos los públicos. Se denominan familiares porque son para ver toda la familia, niños y adultos. Sin embargo, Lapönia  tiene el formato de comedia familiar, pero por su contenido, no es para niños. Se trata de dos matrimonios en Navidad hablando sobre las diferencias culturales entre Finlandia y España, sobre las diferentes formas de educar a los hijos, si con la ilusión o con el racionalismo, sobre la verdad y la mentira, en fin, conversaciones de adultos muy interesantes tratadas en clave de comedia y con un elenco estupendo de cuatro intérpretes, que tienen mucha química entre ellos, y funcionan a la perfección desde el principio hasta el final del metraje: Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjom Enger.

Lapönia es la adaptación al cine de la obra de teatro homónima, llevada a cabo por David Serrano, director de Días de fútbol o Voy a pasármelo bien, entre otras. El planteamiento de la trama es muy similar a otra obra llevada al cine, Un dios salvaje: un conflicto entre dos niños desencadena la trama que consiste en los diálogos a cuatro bandas entre los dos matrimonios, padres de ambos niños. Lo que cambia totalmente entre una y otra obra, es el contexto, la relación entre los matrimonios y los temas tratados en estas conversaciones.

Lapönia goza de un genial diseño de producción, en una casa nórdica de madera y llena de ventanales, que juega también como metáfora visual por los temas tratados en cuanto a transparencia, laberintos, lugares secretos de nuestro ser. Curiosamente no se rodó en Finlandia, sino que esa casa se encuentra el País Vasco. Entre este marco físico, la calidad del texto literario, el marcado perfil de cada personaje y las actuaciones de los cuatro intérpretes, el resultado final es una película entretenida, divertida, con trasfondo y que deja poso, que algo nos remueve por dentro.

lunes, 24 de agosto de 2026

Calle Málaga: película buena pero no redonda

 

Calle Málaga es la nueva película de la directora de El caftán azul, Maryan Touzani, que tiene planteamientos muy interesantes, pero que no acaba de  profundizar en ellos ni a darles una salida. La película empieza presentando al personaje de María Ángeles, una tangerina octogenaria espléndidamente interpretada por Carmen Maura y maravillosamente fotografiada, ya que por los tonos alegres y la paleta de colores con que se retrata Tánger en la película, dan ganas de irse a vivir allí. Y el enorme carisma de Carmen Maura capta la atención del espectador desde el primer fotograma y mantiene el interés hasta el final. Sin embargo, las situaciones sugeridas por el guion también resultan sugerentes durante la primera mitad de la película, pero luego van perdiendo fuerza porco hasta llegar a un final algo inconcluso.

Las relaciones familiares, la tercera edad, cómo envejecer con dignidad, estos temas tan interesantes son los que sugiere la película, pero sin acabar de profundizar en ellos. También parece que la directora nos quiere exponer ciertas cuestiones para que cada uno tenga su opinión pero ella no se moja en dar la suya. Acompañan a Carmen Maura, principalmente, Marta Etura en el rol de su hija y el actor y director marroquí Ahmed Boulane encarnando a un anticuario con el que el personaje de Maura entabla un romance.

En resumen, los dos puntos fuertes de Calle Málaga son la magistral interpretación de Carmen Maura y la magnífica fotografía. Es correcta en cuestión de ritmo y las interpretaciones del resto del elenco. Pero en mi opinión, falla en el desenlace del guion, que de entrada pone sobre el tapete temas muy interesantes en los que no acaba de profundizar.

lunes, 17 de agosto de 2026

Lo que pasó después de Septiembre 5 nos lo contó Spielberg: Munich

 

La semana pasada publicaba la reseña de Septiembre 5 y es inevitable hablar de esa película sin recordar la formidable Munich de Steven Spielberg, la cual he nombrado varias veces en este blog, lo podéis comprobar con el buscador, pero nunca le había dedicado una reseña entera, porque es una peli de 2005 y yo empecé a escribir el blog en febrero de 2007. Así que, vamos allá.

Hacía tiempo que no la veía y la he vuelto a ver para tenerla más fresca. Munich comienza resumiendo en diez minutos lo que cuenta Septiembre 5 en hora y media, y después continúa la película, que dura dos horas y media, con la reacción de Israel al atentado: organizar un comando secreto que localice y mate a los artífices del atentado. Un comando del Mossad que oficialmente opere desvinculado del servicio secreto israelí. Un comando formado por cinco hombres, cada uno con una especialidad.

A la hora de elegir a los actores que interpretaran e este grupo,  Spielberg tenía claro que quería cinco actores muy distintos entre ellos, del mismo modo que los personajes debían ser también muy diferentes y que cada uno tuviese su propia identidad bien definida y diferenciada. Empezó por el líder del grupo. Durante preproducción de la película, estaba viendo Hulk con sus hijos y le llamó la atención la humanidad que transmitía Eric Bana, el cual estaba terminando el rodaje de Troya cuando recibió una llamada para decirle que Spielberg estaba interesado en ficharle para su nueva película.

En los otros cuatro personajes encontramos los rostros de Daniel Craig, un año antes de saltar al estrellato como 007 en Casino Royale, Ciarán Hinds, secundario de lujo que debutó en los 80 en la mítica Excalibur y hemos podido verlo en títulos como Camino a la perdición, El fantasma de la ópera, Pozos de ambición o la última entrega de Harry Potter, por citar algunos ejemplos. Completan el equipo Hans Zischler, actor alemán que lleva haciendo cine desde 1970 hasta la actualidad y tiene una ingente filmografía, y Mathieu Kassovitz, que participó en títulos míticos del cine francés de los 90 como El quinto elemento o Amélie, y es director de títulos como Los ríos de color púrpura o Gothika.

Especial mención merecen las actrices Ayelet Zurer, por su carisma como la esposa del protagonista, y Lynn Cohen por su recreación de la primera ministra israelí Golda Meir.

La película generó controversia. Spielberg trató de humanizarlos a todos, a pesar de ser él judío, israelíes y palestinos, por lo que recibió críticas de ambas partes. Los agentes del Mossad no son presentados como héroes típicos, sino como hombres que deben matar por su país y tienen serios escrúpulos y dudas a la hora de cumplir su misión, además de la paranoia de ponerse ellos como objetivos a medida que se van eliminando terroristas. El eterno dilema del ojo por ojo que no hace sino generar una venganza tras otra por un lado y por otro. Un dilema moral muy interesante para debatir. ¿Venganza o justicia? Quizá la diferencia esté en los métodos empleados. Si alguien nos agrede y nuestra defensa es un respuesta en la misma forma y manera, ¿en qué nos diferenciamos? Este tipo de cuestiones están muy bien expuestas por parte de Spielberg en Munich.

La película recibió cinco nominaciones a los Óscar e injustamente se fue de vacío. Estaba nominada a mejor película, director, guion adaptado, montaje y banda sonora.

lunes, 10 de agosto de 2026

Desde el punto de vista del periodismo: Septiembre 5

 

Ya había comentado en el Balance 2025 que se me habían quedado por ver algunos títulos del año de los que tenía muchas ganas, y uno de ellos era este, Septiembre 5. Es un intenso thriller periodístico sobre el atentado en las olimpiadas de Múnich en 1972 contra atletas israelíes. La película arranca en los estudios de la ABC americana en Múnich desde donde están haciendo la cobertura del gran evento deportivo. De pronto se oyen disparos, no se sabe lo que pasa. Los espectadores, que ya sabemos el argumento, sabemos lo que está pasando, pero la narrativa de la película no lleva por la mirada de ese grupo de periodistas deportivos que se encuentran allí haciendo su trabajo, cómo viven aquellos tensos momentos y cómo van descubriendo poco a poco lo que está pasando.

Se trata de una producción alemana y tercer largometraje de su director Tim Fehlbaum. Mantiene un pulso narrativo adecuado a la historia desde el principio hasta el final. Quizá en algún momento convendría haber subido un poco más la intensidad dramática, para crear algún clímax, subrayar alguna situación, pero al menos el ritmo no decae en ningún momento.

Encabezan el reparto, como rostros más reconocibles, Peter Sarsgaard y Ben Chaplin, aunque las actuaciones que más brillan son las del actor John Magaro y la actriz Leonie Benesch.

Septiembre 5 es en definitiva un buen thriller con buen ritmo, buena ambientación y sólidas interpretaciones. Hace un buen tándem para una doble sesión con Munich, de Steven Spielberg, que narra los hechos que supuestamente ocurrieron después del atentado, la operación secreta del Mossad para encontrar a los culpables de la matanza.

lunes, 3 de agosto de 2026

Otra Odisea con menos presupuesto y mucho arte: El regreso de Ulises

 

En plena euforia de La Odisea, es interesante recuperar esta película del año pasado, El regreso de Ulises. Mientras la película de Nolan preparaba su llegada a las pantallas ofreciendo información del rodaje y generando expectativas durante el proceso de producción, llegaba a la cartelera esta película con un presupuesto muchísimo más modesto que el de Nolan, pero con resultado artístico muy interesante.

El regreso de Ulises trata sobre el tercio final de La Odisea, es decir lo que es la llegada de Ulises a Ítaca y cómo se encuentra su isla totalmente arruinada. Su mujer, Penélope, se mantiene firme en mantener la esperanza de que su rey volverá, mientras se ve presionada por un montón de pretendientes codiciosos que desean desposarla para sustituir a Ulises, dando por sentado que este ha muerto. Los habitantes de Ítaca sienten que su rey les abandonó, que llevó a la muerte a muchos de sus compatriotas. Se convirtió en el gran héroe de Troya, pero a costa de dejar muchos cadáveres en el camino.

Ulises y Penélope están interpretados respectivamente por Ralph Finnes y Juliette Binoche, en su tercera película juntos, ya que habían coincidido anteriormente en Cumbres borrascosas y El paciente inglés en los años 90. Ambos están espléndidos en sus roles, pero además, la presencia de Ulises se ve potenciada por una fotografía que le da una textura muy física a las cicatrices del personaje, a su cuerpo castigado por las heridas de batalla pero también por las heridas del alma, los traumas, la culpa. Del mismo modo, la incertidumbre y la angustia de Penélope, que vive sumida en un mundo de sombras, asediada por buitres que ansían el trono de Ítaca, también se ve apoyada por la fotografía que centra muchas de sus apariciones en pantalla en medio de la oscuridad iluminada por la luz titilante del fuego.

En un papel secundario encontramos presencia española con la actriz Ángela Molina en el rol de la madre de Ulises. Dirige la película Uberto Pasolini, un cineasta que se inició en los años 80 como ayudante de dirección de la mítica La misión, de Roland Joffé, y que triunfó en los 90 como productor del gran éxito internacional Full monty.

En definitiva, El regreso de Ulises ofrece una visión más reflexiva y menos espectacular sobre el mítico personaje de Homero, con interpretaciones muy sólidas, una buena fotografía que contribuye a la construcción de los personajes, y que encuentra su punto más débil quizás en algunas caídas de ritmo, pero que en general resulta muy interesante.

lunes, 27 de julio de 2026

La Odisea, un gran viaje en todos los sentidos

 


La Odisea cuenta el viaje de vuelta a casa de Odiseo y su ejército tras su victoria en la batalla de Troya. Por un lado es un viaje lleno de aventuras, donde se deben enfrentar a seres mitológicos, como el cíclope Polifemo o la bruja Circe, por ejemplo. Por otra parte es un viaje interior de Odiseo, de enfrentarse con sus propios fantasmas, a su arrogancia por desafiar a los dioses, a su conciencia por las atrocidades en la batalla de Troya, pero además es la lucha por volver a casa junto a su amada esposa Penélope y su hijo Telémaco.

Además de los viajes que nos cuenta la historia, también está el viaje que Nolan propone al espectador, que como viene siendo habitual en sus películas, convierte el visionado del filme en una experiencia sensorial. La capacidad de Nolan para crear una atmósfera totalmente absorbente con la combinación de la música con los encuadres,  la puesta en escena y la fotografía, dando como resultado un tono hiperrealista y frío. Este estilo lo ha llevado a distintos ámbitos, como el cómic, con la trilogía de Batman, la guerra, con Dunkerque, el cine de espías con Tenet, la ciencia ficción con Interstellar, e incluso con el mundo del ilusionismo del siglo XIX con El truco final. Ahora lleva este estilo tan personal suyo a la Grecia clásica de Homero, dando un resultado curioso, porque si bien tanto hiperrealismo puede chocar a la hora de retratar un mundo de criaturas mitológicas, que no son reales, el caso es que la película funciona. Incluso el retrato de las diosas Atenea o Calipso, son muy terrenales en apariencia, pero la esencia de lo que cuenta se transmite al espectador, ya que las interpretaciones de Zendaya y Charlize Theron, respectivamente, resultan convincentes.

Y hablando ya del elenco, La Odisea cuenta en general con estrellas de primera línea, como las ya nombradas. Un casting encabezado por Matt Damon como Odiseo, impresionante, repartiendo estopa como en la saga Bourne y además dando profundidad al personaje, secundado por Anne Hathaway como Penélope, que este año también está en cartelera con El diablo viste de Prada 2, Tom Holland, el actual Spiderman del universo Marvel, como Telémaco, y Robert Pattinson, el otrora vampiro de la saga Crepúsculo, como el villano de la función.

La Odisea de Nolan es eso, muy de Nolan, dura casi tres horas, pero no se hace larga, es una experiencia, es un viaje a la antigua Grecia, al mundo mitológico y al mundo interior, aquel en el que cada uno debe lidiar con sus propios fantasmas. Es épica, es espectacular y tiene una producción colosal. Además, ha dejado algún plano icónico, de estos que pasarán a la historia, como el del caballo de Troya en la playa. Es una de las mejores películas del año, sin duda.

miércoles, 15 de julio de 2026

Rondallas, viva la vida

 


Se estrenó el 1 de enero de este año en cines, y es una muy buena forma de empezar el año, porque Rondallas es una película positiva, entrañable, divertida y emocionante.  La trama versa sobre una comunidad de luto, un pueblo pesquero de Galicia en el que un barco naufragó y murieron varios tripulantes, entre ellos, el patrón del barco, que además era el líder de la rondalla del pueblo, un grupo de música tradicional. Dos años después de la tragedia, la rondalla está disuelta y los habitantes del pueblo siguen con sus vidas sumidos en la melancolía. El mejor amigo del patrón del barco, encarnado por Javier Gutiérrez, propone reunir de nuevo a la rondalla para participar en el concurso anual de rondallas y así levantar los ánimos de la comunidad.

Rondallas es una película sobre la superación del duelo a través de la música y el trabajo en equipo, sobre el acercamiento a quienes nos rodean, sobre el reencontrarse con uno mismo y con los demás después de haber perdido un poco el norte, y sobre recuperar la ilusión por disfrutar de las cosas buenas de la vida, que son muchas y muy sencillas, pero a veces perdemos la perspectiva cuando la tragedia nos pasa por encima como una apisonadora.

Como decía antes, encabeza el elenco Javier Gutiérrez con su carisma habitual, protagonista estelar de Campeones, El desconocido o La isla mínima,  pero realmente quien brilla por encima del resto es la actriz María Vázquez, a la que hemos podido ver en títulos como Matria, Quien a hierro mata o Mataharis. Su presencia en la pantalla es notoria en cada escena en la que interviene. En general, todo el elenco trabaja muy bien y todos los personajes rezuman autenticidad, y eso hace que todas las escenas resulten interesantes, sean quienes sean los que salgan en ellas.

Dirige Daniel Sánchez Arévalo y consigue una película con un acabado técnico y un ritmo narrativo sensacionales, pero su mayor virtud, su mayor logro en este filme, es el mágico equilibrio entre drama y comedia. Hay momentos cómicos que funcionan muy bien, que oxigenan el relato, pero sin desdramatizar los hechos. Consigue emocionar, pero sin caer en el sentimentalismo exagerado. A pesar de ser un relato de ficción, es un retrato realista de una comunidad con unas tradiciones, una cultura y un modo de vida muy concretos a los que el director se acerca con todo el respeto y se nota su sensibilidad y empatía hacia ese microcosmos en el que desarrolla su película.

El pasado mes de febrero, Rondallas recibió la medalla Platino Educa de la Solidaridad en gala de medallas del CEC.

lunes, 6 de julio de 2026

Revisión interesante: Motín a bordo (1984)

 

A veces ocurre, o al menos a mí me pasa, que vemos una película en un momento determinado con unos actores que más o menos son conocidos y otros que no, pero que con el tiempo esos desconocidos se convierten en estrellas, pero uno no los relaciona con aquella película que vio. Y cuando años después la vuelves a ver, dices: anda, pero si está este y el otro, y trabajaron juntos, que no se me había pasado por la cabeza que estos dos trabajaran juntos alguna vez.

Pues esto me ha pasado con Motín a bordo, de Roger Donaldson. La recordaba como la versión moderna del clásico Rebelión a bordo de Lewis Milestone con Marlon Brando de protagonista, que a su vez era remake de otra película de 1935 protagonizada por Clark Gable. A día de hoy, esta versión de los años 80 también se puede considerar clásica, ya que mucho se habla de los clásicos ochenteros, y en honor a la verdad, creo que ha envejecido bastante bien. La música hipnótica de Vangelis, la fuerza en la mirada de sus intérpretes, los contraluces del barco en altamar al atardecer, el ritmo narrativo, en fin, hay muchos elementos que funcionan perfectamente en la actualidad. Creo que hay películas más modernas que han envejecido peor, y sin embargo, no es una película que haya gozado de grandes elogios de la crítica o del público, así como otras que se han convertido en películas de culto. Tampoco ha sido denostada, es cierto, simplemente ha pasado sin pena ni gloria y creo que es un título a reivindicar hoy en día por eso, porque realmente el tiempo pone las cosas en su sitio y considero que ha envejecido bastante bien.

El motín en el barco The Bounty es una historia real aunque ha sido dramatizado en varias versiones tanto en la literatura como en el cine. En esta versión, el núcleo de la trama está en al amotinamiento de la tripulación liderado por el primer oficial, y amigo personal del capitán, ante la conducta tiránica de este, pero ambos personajes tienen luces y sombras. No es uno superbueno y el otro supermalo, los dos tienen sus razones y sus circunstancias, y el director no se posiciona, nos expone los hechos, lo cual invita al debate tras el visionado de la película.

Pero volvamos al punto con el que iniciamos el post, los rostros conocidos, que no lo eran tanto en aquel momento. Protagonizan Anthony Hopkins y Mel Gibson. Hopkins era conocido por títulos como un puente lejano o El hombre elefante, pero no tenía el estatus de gran estrella, que le llegaría en los años 90 a raíz de su Óscar por El silencio de los corderos. Gibson era conocido en ese momento por la saga Mad Max, que le lanzó a la fama, aunque su consagración como estrella hipercotizada le llegaría tres años más tarde, en el 87, gracias a Arma letal. Pero ahora viene lo bueno, los secundarios que en aquel momento no eran conocidos y se convirtieron en estrellas en los años 90: Daniel Day-Lewis y Liam Neeson. Day-Lewis ganó el Óscar a mejor actor por Mi pie izquierdo y a partir de ahí se convirtió en estrella gracias a títulos como En el nombre del padre, El último mohicano o La edad de la inocencia. Por su parte, Neeson, fue aclamado por la crítica en Sospechoso (1987), protagonizó Darkman (1990) y finalmente fue nominado al Óscar a mejor actor por La lista de Schindler. A partir de ahí se convirtió en estrella con títulos como Rob Roy, Michael Collins o Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma. Neeson y Day-Lewis volverían a coincidir en 2002 en Gangs of New York, de Martin Scorsese.

Por otro lado, el director, Roger Donaldson, estaba en sus inicios cuando dirigió Motín a bordo, y visto ahora con la perspectiva del tiempo, aunque no ha llegado a ser un director muy conocido, su nombre está detrás de varios títulos de relevancia comercial como Cocktail, Un pueblo llamado Dante's Peak, Species o La prueba, entre otros.

jueves, 2 de julio de 2026

El agente secreto, una gran metáfora cinematográfica

 


El agente secreto fue la representante de Brasil en los Óscar de este año, aunque a pesar de que la producción es principalmente brasileña, ha sido coproducida con Francia, Alemania y Holanda. La acción se desarrolla en Brasil en 1977 durante la dictadura militar en un ambiente de corrupción en todas las esferas de poder, desde los políticos hasta los policías pasando por los empresarios, donde las víctimas son las personas normales y corrientes.

Tras un brillante prólogo en una gasolinera solitaria de carretera que capta la atención del espectador al momento, la película se va desarrollando manteniendo la intriga y el interés de un misterio que se va desvelando poco a poco a lo largo de dos horas y media de metraje. Hay momentos muy brillantes y otros quizá no tanto, alguna caída de ritmo, pero en general es una muy buena película con una ambientación extraordinaria y un elenco de actores que componen personajes muy auténticos. Concretamente, el protagonista, Wagner Moura, carga con todo el peso de la trama y lo hace con un carisma y una presencia imbatibles. No sé lo que hará en el futuro, pero se podría decir que esta será la película de su vida, esa fusión perfecta entre actor y personaje. Moura es conocido especialmente por interpretar a Pablo Escobar en la serie "Narcos".

Todo está cargado de simbolismo, de metáforas, para hablarnos sobre los miedos, los peligros de un sistema corrupto, las injusticias. Y en estos simbolismos juega un papel muy importante la película Tiburón, de Steven Spielberg. Tanto simbolismo da lugar también a momentos algo surrealistas dentro de la narración, que chocan un poco, pero te mantienen igualmente enganchado.

En general, El agente secreto es una gran película con una estética muy particular y atractiva, y mucho trasfondo humanístico, que conviene analizar al terminar de verla.

lunes, 15 de junio de 2026

El día de la revelación, más allá de la gran pregunta

 

TRÁILER

Todas las películas de extraterrestres se venden queriendo dar respuesta a la gran pregunta de si estamos solos en el universo, pero el nuevo estreno de Steven Spielberg, El día de la revelación, va más allá, y lo que plantea ya no es si estamos solos o no, que ya sería lo de menos, sino qué implicaría para la sociedad conocer la verdad. Y la verdad no solo de que existan, sino del juego sucio del gobierno al ocultar la realidad  la población civil durante décadas amparándose en la seguridad nacional.

Hacía tiempo que el cine de ciencia ficción no trataba el tema alienígena como una metáfora de la realidad. En los últimos tiempos se ha podido tratar como un espectáculo bélico o como algo más bien místico. Sin embargo, en los años 50, durante la Guerra Fría, se usaban las historias de invasiones alienígenas como metáfora del miedo generado en la sociedad occidental frente a la amenaza comunista. Del mismo modo, en la sociedad actual, en la que cada día nos encontramos con nuevas incertidumbres en relación a los cambios sociales que está introduciendo la IA a una velocidad de vértigo, que a muchos no les da tiempo de asimilar, Spielberg nos plantea si realmente estamos o no preparados para algo que suponga un cambio tan drástico que nos puede dar la vuelta a nuestras ideas, creencias y esquemas mentales con los que regimos nuestras vidas. ¿Estamos preparados para asumir un cambio de paradigma total? Y lo hace a través del tema ovni y las conspiraciones gubernamentales por esconder la verdad.

Todo esto está rodado en clave de thriller de suspense y acción con agentes superentrenados persiguiendo a los protagonistas, con la maestría visual propia de Spielberg. Protagoniza Emily Blunt, conocida especialmente por El diablo viste de Prada, el remake  de Mary Poppins o también otras películas de ciencia ficción como Looper o Al filo del mañana. Coprotagoniza Josh O'Connor, joven actor británico que ha hecho cine y televisión y ganó en 2021 el Primetime Emmy por su interpretación en la aclamada serie The Crown. Su antagonista, el villano de la función, es otro actor británico, pero más veterano: Colin Firth, ganador del Óscar a mejor actor por El discurso del rey y muy popular por comedias románticas británicas como la saga de Bridget Jones o Love actually. También cabe destacar la presencia de Colman Domingo, el que hace de Joe Jackson en la película Michael, que acapara toda la atención cada vez que sale en escena.

El día de la revelación es una película que tiene como temas argumentales la ufología y las conspiraciones, pero toca de fondo temas humanísticos como la fe, la conciencia, la empatía y la verdad.

lunes, 8 de junio de 2026

Clint Eastwood se retira del cine al cumplir 96 años

 

La primera película que vi de Clint Eastwood en cine fue El jinete pálido. Me causó un gran impacto, no solo por ser un niño entonces y que se trataba de una gran película, sino porque en ese momento, mi concepto del western eran los clásicos de Hollywood que veía por la tele y John Wayne era el vaquero por excelencia. Eastwood me llamó la atención, primero por el apellido, y además fue como un descubrimiento ver que era un vaquero moderno, el sustituto de John Wayne.

A partir de ahí lo he seguido siempre. Empecé a ver sus películas anteriores en vídeo y en la tele, como las que hizo con Sergio Leone o con Don Siegel. 

En los 90 ya iba asiduamente al cine y coincidió con la primera década dorada de Clint Eastwood como cineasta, su primer Óscar con Sin perdón y otro títulos memorables como Un mundo perfecto, Los puentes de Madison o Poder absoluto. En la siguiente década ganó su segundo Óscar por Million dollar baby y destacan otros títulos de su filmografía como Mystic river o Gran Torino.

Y ya en su última época nos ha brindado joyitas como Richard Jewell, Mula o Jurado número 2, su última película. Ha sido un incombustible del séptimo arte, pero aun así hay que parar en algún momento y ha sido ahora, a los 96 años. Muchas gracias por todo, señor Eastwood, y disfrute de una más que merecida jubilación.

martes, 2 de junio de 2026

Nouvelle Vague, curso intensivo de cine en menos de dos horas

 


Nunca he sido muy fan del cine francés de la Nouvelle Vague, la nueva ola de cineastas que cambiaron la industria y salieron de la revista Cahiers du cinema en los años 50 y 60, como Truffaut, Chabrol o Godard. Personalmente me identifico más con otra generación que también cambió la industria, pero en los 70, el dream team formado por Lucas, Spielberg, Coppola, De Palma o Scorsese. No obstante, me encantan las pelis que tratan sobre cómo se hacen las películas, y esta Nouvelle Vague  de Richard Linklater, es toda una lección de cine con pocos medios, de ser innovador con el lenguaje cinematográfico, sin importar demasiado los recursos técnicos.

La trama versa sobre el proceso de producción de Al final de la escapada, el debut en el largometraje de Jean-Luc Godard y una de las películas más emblemáticas de aquel movimiento artístico. Es como un making of dramatizado y además, muy educativo sobre el oficio de cineasta. Las caracterizaciones son muy buenas, especialmente la de Zoey Deutch, que interpreta a Jean Seberg. Y las interpretaciones son todas buenas destacando la de la propia Deutch y la de Guillaume Marbeck en la piel de Godard.

Dirige, como dije antes, Richard Linklater, responsable de la trilogía Antes de... protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, así como de Boyhood. Es un director estadounidense independiente en una producción francesa, lo cual lo hace muy interesante, porque tiene ese espíritu de rebelde en cuanto a los cánones del cine, como tenían los cineastas retratados en la película, pero además, al no ser francés, puede aportar una visión más objetiva.

martes, 19 de mayo de 2026

Gala Cinemanet Madrid 2026

 

Gala Cinemanet Madrid 2026

Ayer se entregaron los premios Personaje, ¡Qué bello es vivir! y Trayectoria Humanística de Cinemanet en la Universidad San Pablo CEU en Madrid. Las películas Sorda y Los domingos se alzaron con los premios Personaje real y Personaje de ficción respetivamente. Dos personajes femeninos de gran calado en valores humanos que encarnan con autenticidad dos realidades muy distintas, como son la integración de las personas sordomudas y la vocación religiosa.

El premio ¡Qué bello es vivir! España fue para Te protegerán mis alas, de Antonio Cuadri, un emocionante relato basado en hechos reales sobre un niño huérfano de Togo cuya vida cambia al conocer a un misionero salesiano. Y el ¡Qué bello es vivir! Mundial fue para Flow, un mundo que salvar, una producción de animación de Letonia sin diálogos sobre la supervivencia de un gato y otros animales en un mundo inundado en el que la humanidad ha desaparecido.

Finalmente, el homenaje a la trayectoria humanística este año ha recaído en Juan Orellana, profesor universitario y crítico de cine, por una vida laboral vinculada a la defensa de los valores humanos en el ámbito del cine y de la enseñanza.

Un año más, el cine con valores ha tenido su momento de la mano de Cinemanet en una agradable velada donde las historias y los personajes de gran calado, así como las personas que los hacen posible, han sido los protagonistas.

lunes, 4 de mayo de 2026

Michael, el tributo biográfico al rey del pop

 


Michael, el tributo que los herederos del rey del pop rinden a la estrella de la familia, es uno de los títulos más esperados del momento y un biopic que está arrasando en taquilla. Y no es para menos, porque la película, aunque tiene la estructura narrativa clásica de los filmes biográficos y va contando los grandes hitos del protagonista a lo largo de una parte de su vida, el resultado final es un espectáculo musical tan vibrante y potente que se pasan las dos horas volando y sales del cine bailando.

Michael no profundiza mucho en la psique del personaje, pero sí nos lo presenta como alguien único, una persona metida en su mundo, aislada del resto, que solo vive para su música y con una absoluta consciencia de que está llamado a dar luz al mundo y ofrecer el mayor espectáculo jamás visto en cada obra que crea. La evolución que nos ofrece del personaje es la de una persona que busca su propio camino, su lugar en el mundo.

El guion de es de John Logan, responsable de libretos tan relevantes como Gladiator, Skyfall, El último samurái o El aviador, entre otros. Por otro lado, el director es Antoine Fuqua, artífice de títulos como Training day, El rey Arturo, Los amos de Brooklyn, el remake de Los siete magníficos o la saga The Equalizer, entre otros. Se inició en la dirección en 1992 dirigiendo videoclips. Curiosamente no llegó a dirigir ninguno para Michael Jackson, pero sí lo hizo para Prince o Stevie Wonder, y dirigió el mítico Gangsta's paradise de Coolio para la película Mentes peligrosas.

El actor que da vida a Michael Jackson es su propio sobrino, Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson, uno de los componentes de los Jackson Five. Jaafar es cantante y bailarín y esta película supone su debut como actor, un debut por todo lo alto. La transformación en su tío es absolutamente alucinante. Por otra parte, cabe destacar también el papel de Colman Domingo en la piel del padre de los hermanos Jackson. A Colman se le ha visto especialmente el dos remakes recientes de películas de los años 80: The running man y El color púrpura.

Michael Jackson tenía un sentido del espectáculo enorme y la película Michael así lo refleja, todo un espectáculo.

martes, 21 de abril de 2026

Vídeos educativos: Robestro, el robot maestro

Mi nuevo proyecto audiovisual es Robestro, el robot maestro, una serie de vídeos educativos con temas de Lengua y Matemáticas para ayudar a alumnos de 1º de ESO con conceptos básicos que a veces puede costar entenderlos. Las clases de Robestro se encuentran como sección el la web de Ragora Juegos.



jueves, 16 de abril de 2026

Hamnet, un viaje al mundo de las emociones

 


Hacía tiempo que una película no me conmovía tan profundamente. Hamnet no es solo una película, es un viaje emocional sobre la familia y la superación de la pérdida a través del arte. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Maggie O'Farrell, que versa sobre el proceso creativo de Hamlet desde el prisma de la esposa de William Shakespeare. Anne Hathaway, también conocida como Agnes Hathaway, fue la esposa de Shakespeare con el que tuvo tres hijos, pero de su vida familiar se sabe muy poco o casi nada. Esto da pie a que para el relato se puedan tomar muchas licencias artísticas sobre cómo pudo ser la intimidad de la familia Shakespeare en su momento y conseguir una equilibrada y emocionante mezcla entre ficción y realidad.

Este relato en imágenes luce con mucha fuerza gracias a la poesía audiovisual de Chloé Zhao, la directora oscarizada por Nomadland, aunque a mí, personalmente, me parece más redonda y más emocional Hamnet, que de hecho tenía ocho nominaciones a los Óscar, pero finalmente se alzó con un solo galardón, el de mejor actriz protagonista para Jessie Buckley, totalmente merecido, desde luego. Se trata de una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos en la que podemos ver el nombre de Steven Spielberg en la producción a través de Amblin Entertainment. Al celebérrimo dramaturgo británico le da vida Paul Mescal, el otrora protagonista de Gladiator II. La química entre Buckley y Mescal funciona a la perfección en esta película llena de silencios elocuentes, ambientación sobrecogedora y miradas y gestos que atraviesan el alma.

martes, 7 de abril de 2026

El tándem Trier-Reinsve insiste, y quien la sigue, la consigue

En 2022, el director Joachim Trier representó a Noruega en los Óscar con la película La peor persona del mundo, protagonizada por Renate Reinsve. La película estuvo nominada pero no consiguió el preciado galardón. Sin embargo, el año pasado, director y actriz volvieron a trabajar juntos en Valor sentimental, han vuelto a representar a su país en la meca de cine y este año sí se han llevado la estatuilla a casa.

Valor sentimental es un potente drama familiar sobre la ausencia, el reencuentro, la reconciliación, el rencor, la búsqueda de redención, de enmendar los errores del pasado. Todos estos temas de fondo se ponen en escena a través de una casa con una historia familiar detrás, dos hermanas que acaban de perder a su madre y un padre que lleva varios años ausente y regresa para el funeral de su exmujer reencontrándose con sus hijas. El progenitor es un aclamado director de cine y quiere contar en su próxima película con su hija mayor, que es actriz de teatro.

Renate Reinsve tiene el carisma y la fuerza que ya mostraba en La peor persona del mundo, pero además, en esta ocasión, se ve secundada por la sólida presencia del veterano actor sueco y estrella internacional Stellan Skarsgard, conocido por títulos como El indomable Will Hunting, Ronin, El rey Arturo o la saga Piratas del Caribe. Ambos mantienen un interesante «tour de force» interpretativo con el conflicto entre padre e hija. Completan el reparto principal la actriz noruega Inga Ibsdotter Lilleaas, como la hermana del personaje de Renate, y Elle Fanning en el rol de una actriz que quiere trabajar con el prestigioso director. Elle Fanning tiene una extensa filmografía a pesar de su juventud, donde destacan títulos como Super 8 o Mary Shelley.

jueves, 26 de marzo de 2026

Dos parodias para los mugrientos

 


El monumental éxito de Torrente presidente ha traído de vuelta a la primera línea de la actualidad cinematográfica la comedia de humor grueso, gamberro y escatológico que tantos momentos de risas nos trajo en otros tiempos, cuando las comedias de Mel Brooks o las de los hermanos Zucker junto a Jim Abrahams, eran una constante en la cartelera. Por eso creo que es un buen momento para revisitar algunos clásicos de este género. A colación de esto me gustaría rescatar en este post dos títulos de los años 70: Le llamaban Trinidad, de 1970, y Sillas de montar calientes, de 1974. Ambas películas son parodias del cine del oeste donde la mugre, los pedos y los eructos son la base del humor que sustenta la trama.

Le llamaban Trinidad es una producción italiana dirigida por E.B. Clucher que parodiaba el spaghetti-western, género inaugurado por su compatriota Sergio Leone seis años antes en Almería. La protagonizaban Terence Hill y Bud Spencer, que si bien habían trabajado juntos anteriormente, fue realmente con esta película con la que se inició uno de los tándem artísticos más famosos de los años 70 y principios de los 80. Esta película sentó las bases de las comedias de peleas y humor naif que ambos protagonizaron, como por ejemplo, Y si no, nos enfadamos, Quien tiene un amigo tiene un tesoro, Dos superpolicías, y unas cuantas más. Además, esta película dio una canción mítica, que incluso la utilizó Tarantino en Django desencadenado. Y por supuesto, un éxito como este tenía que dar lugar a una secuela: Le seguían llamando Trinidad.

Sillas de montar calientes, por su parte, es una producción estadounidense del rey de la parodia, Mel Brooks, pero curiosamente esta no le salió tan redonda como otras tales como El jovencito Frankenstein, La loca historia del mundo o La loca historia de las galaxias. No obstante, escenas como el sheriff negro tomándose a sí mismo como rehén o el grupo de vaqueros ventoseando mientras cenan alrededor de una hoguera, están muy conseguidas. Es graciosa, es divertida, pero obviamente, no es un título tan mítico como el del tándem Hill-Spencer.

lunes, 16 de marzo de 2026

Oscar 2026, revolucionarios y vampiros en la alfombra roja

 


Las que partían como favoritas han sido las más premiadas: Una batalla tras otra, la película sobre revolucionarios de Paul Thomas Anderson, y Los pecadores, el filme sobre vampiros de Ryan Coogler, con seis y cuatro estatuillas respectivamente. Hamnet partía en principio con mucha fuerza, pero a medida que se ha ido acercando el día de los Óscar, las dos anteriores fueron las que sonaban con más fuerza en todas las quinielas, quedándose Hamnet con el Óscar a mejor actriz protagonista para Jessie Buckley.

En la parte técnica, Frankenstein se llevó los permios más físicos, mejor diseño de producción, vestuario y maquillaje, mientras Avatar: fuego y ceniza se alzaba con lo más digital, el Óscar a mejores efectos visuales. Y el mejor sonido ha ido a parar a los rugidos de los motores de F1: la película. Parece que todo es muy lógico y está muy bien encajado.

La mejor película de animación ha sido para Las guerreras Kpop y la mejor canción original para Golden, ese temazo cantado por Huntrix que forma parte de esta película.

En cuanto a anécdotas, destacaría dos momentos. El saludo que hace en español el presentador para la audiencia de España, de Argentina y de Los Ángeles, en alusión a la gran comunidad hispanoparlante de esta ciudad. La otra es el momento Star Wars de la noche, con el estreno de El mandalorian y Grougu pendiente de estreno, con Sigourney Weaver y Pedro Pascal en el escenario presentando el premio a mejor diseño de producción e interactúan con Kate Hudson que acompañaba a Grougu en el público.

viernes, 13 de marzo de 2026

Tráiler oficial de Toy Story 5, el retorno del héroe

 


Bueno, pues ya está aquí el tráiler oficial de Toy Story 5, y parece que lo que sugería el teaser  se confirma aquí, y las expectativas crecen. Se ve a Woody en un nuevo ámbito, siguiendo el final de Toy Story 4, en el mundo salvaje de los juguetes abandonados, y que regresa, como un héroe crepuscular del «western», junto a sus compañeros para ayudarles a enfrentarse a la amenaza de los juguetes tecnológicos.

miércoles, 11 de marzo de 2026

Flores para Antonio, y premios también

 

Si Los domingos ha sido el fenómeno del cine español del año pasado en el terreno de la ficción, está claro que Flores para Antonio lo ha sido para el documental. La actriz Alba Flores, hija de Antonio y conocida por series como La casa de papel o Vis a vis, ha sido la impulsora de este proyecto dirigido por Isaki Lacuesta y Elena Molina. La película ha ganado premios a mejor película documental en los Premios Forqué y en los CEC, y a mejor canción original en los Goya.

El documental recorre la trayectoria del genio musical Antonio Flores a través de sus canciones y de mucho material inédito de su vida privada grabado en vídeo doméstico. Otros miembros de la familia han colaborado también con su testimonio, como Rosario, Lolita o Elena Furiase, además de muchos otros artistas.

La película es un torrente de emociones y de buen rollo que rinde un sentido homenaje a uno de los grandes genios de la música española que a pesar de haberse ido de este mundo demasiado joven, ha dejado un legado musical muy importante jalonado de grandes canciones que se han hecho muy populares y se han mantenido a lo largo del tiempo en la memoria colectiva por el gran calado de sus mensajes.