Lo que pasó después de Septiembre 5 nos lo contó Spielberg: Munich

 

La semana pasada publicaba la reseña de Septiembre 5 y es inevitable hablar de esa película sin recordar la formidable Munich de Steven Spielberg, la cual he nombrado varias veces en este blog, lo podéis comprobar con el buscador, pero nunca le había dedicado una reseña entera, porque es una peli de 2005 y yo empecé a escribir el blog en febrero de 2007. Así que, vamos allá.

Hacía tiempo que no la veía y la he vuelto a ver para tenerla más fresca. Munich comienza resumiendo en diez minutos lo que cuenta Septiembre 5 en hora y media, y después continúa la película, que dura dos horas y media, con la reacción de Israel al atentado: organizar un comando secreto que localice y mate a los artífices del atentado. Un comando del Mossad que oficialmente opere desvinculado del servicio secreto israelí. Un comando formado por cinco hombres, cada uno con una especialidad.

A la hora de elegir a los actores que interpretaran e este grupo,  Spielberg tenía claro que quería cinco actores muy distintos entre ellos, del mismo modo que los personajes debían ser también muy diferentes y que cada uno tuviese su propia identidad bien definida y diferenciada. Empezó por el líder del grupo. Durante preproducción de la película, estaba viendo Hulk con sus hijos y le llamó la atención la humanidad que transmitía Eric Bana, el cual estaba terminando el rodaje de Troya cuando recibió una llamada para decirle que Spielberg estaba interesado en ficharle para su nueva película.

En los otros cuatro personajes encontramos los rostros de Daniel Craig, un año antes de saltar al estrellato como 007 en Casino Royale, Ciarán Hinds, secundario de lujo que debutó en los 80 en la mítica Excalibur y hemos podido verlo en títulos como Camino a la perdición, El fantasma de la ópera, Pozos de ambición o la última entrega de Harry Potter, por citar algunos ejemplos. Completan el equipo Hans Zischler, actor alemán que lleva haciendo cine desde 1970 hasta la actualidad y tiene una ingente filmografía, y Mathieu Kassovitz, que participó en títulos míticos del cine francés de los 90 como El quinto elemento o Amélie, y es director de títulos como Los ríos de color púrpura o Gothika.

Especial mención merecen las actrices Ayelet Zurer, por su carisma como la esposa del protagonista, y Lynn Cohen por su recreación de la primera ministra israelí Golda Meir.

La película generó controversia. Spielberg trató de humanizarlos a todos, a pesar de ser él judío, israelíes y palestinos, por lo que recibió críticas de ambas partes. Los agentes del Mossad no son presentados como héroes típicos, sino como hombres que deben matar por su país y tienen serios escrúpulos y dudas a la hora de cumplir su misión, además de la paranoia de ponerse ellos como objetivos a medida que se van eliminando terroristas. El eterno dilema del ojo por ojo que no hace sino generar una venganza tras otra por un lado y por otro. Un dilema moral muy interesante para debatir. ¿Venganza o justicia? Quizá la diferencia esté en los métodos empleados. Si alguien nos agrede y nuestra defensa es un respuesta en la misma forma y manera, ¿en qué nos diferenciamos? Este tipo de cuestiones están muy bien expuestas por parte de Spielberg en Munich.

La película recibió cinco nominaciones a los Óscar e injustamente se fue de vacío. Estaba nominada a mejor película, director, guion adaptado, montaje y banda sonora.

Desde el punto de vista del periodismo: Septiembre 5

 

Ya había comentado en el Balance 2025 que se me habían quedado por ver algunos títulos del año de los que tenía muchas ganas, y uno de ellos era este, Septiembre 5. Es un intenso thriller periodístico sobre el atentado en las olimpiadas de Múnich en 1972 contra atletas israelíes. La película arranca en los estudios de la ABC americana en Múnich desde donde están haciendo la cobertura del gran evento deportivo. De pronto se oyen disparos, no se sabe lo que pasa. Los espectadores, que ya sabemos el argumento, sabemos lo que está pasando, pero la narrativa de la película no lleva por la mirada de ese grupo de periodistas deportivos que se encuentran allí haciendo su trabajo, cómo viven aquellos tensos momentos y cómo van descubriendo poco a poco lo que está pasando.

Se trata de una producción alemana y tercer largometraje de su director Tim Fehlbaum. Mantiene un pulso narrativo adecuado a la historia desde el principio hasta el final. Quizá en algún momento convendría haber subido un poco más la intensidad dramática, para crear algún clímax, subrayar alguna situación, pero al menos el ritmo no decae en ningún momento.

Encabezan el reparto, como rostros más reconocibles, Peter Sarsgaard y Ben Chaplin, aunque las actuaciones que más brillan son las del actor John Magaro y la actriz Leonie Benesch.

Septiembre 5 es en definitiva un buen thriller con buen ritmo, buena ambientación y sólidas interpretaciones. Hace un buen tándem para una doble sesión con Munich, de Steven Spielberg, que narra los hechos que supuestamente ocurrieron después del atentado, la operación secreta del Mossad para encontrar a los culpables de la matanza.

Otra Odisea con menos presupuesto y mucho arte: El regreso de Ulises

 

En plena euforia de La Odisea, es interesante recuperar esta película del año pasado, El regreso de Ulises. Mientras la película de Nolan preparaba su llegada a las pantallas ofreciendo información del rodaje y generando expectativas durante el proceso de producción, llegaba a la cartelera esta película con un presupuesto muchísimo más modesto que el de Nolan, pero con resultado artístico muy interesante.

El regreso de Ulises trata sobre el tercio final de La Odisea, es decir lo que es la llegada de Ulises a Ítaca y cómo se encuentra su isla totalmente arruinada. Su mujer, Penélope, se mantiene firme en mantener la esperanza de que su rey volverá, mientras se ve presionada por un montón de pretendientes codiciosos que desean desposarla para sustituir a Ulises, dando por sentado que este ha muerto. Los habitantes de Ítaca sienten que su rey les abandonó, que llevó a la muerte a muchos de sus compatriotas. Se convirtió en el gran héroe de Troya, pero a costa de dejar muchos cadáveres en el camino.

Ulises y Penélope están interpretados respectivamente por Ralph Finnes y Juliette Binoche, en su tercera película juntos, ya que habían coincidido anteriormente en Cumbres borrascosas y El paciente inglés en los años 90. Ambos están espléndidos en sus roles, pero además, la presencia de Ulises se ve potenciada por una fotografía que le da una textura muy física a las cicatrices del personaje, a su cuerpo castigado por las heridas de batalla pero también por las heridas del alma, los traumas, la culpa. Del mismo modo, la incertidumbre y la angustia de Penélope, que vive sumida en un mundo de sombras, asediada por buitres que ansían el trono de Ítaca, también se ve apoyada por la fotografía que centra muchas de sus apariciones en pantalla en medio de la oscuridad iluminada por la luz titilante del fuego.

En un papel secundario encontramos presencia española con la actriz Ángela Molina en el rol de la madre de Ulises. Dirige la película Uberto Pasolini, un cineasta que se inició en los años 80 como ayudante de dirección de la mítica La misión, de Roland Joffé, y que triunfó en los 90 como productor del gran éxito internacional Full monty.

En definitiva, El regreso de Ulises ofrece una visión más reflexiva y menos espectacular sobre el mítico personaje de Homero, con interpretaciones muy sólidas, una buena fotografía que contribuye a la construcción de los personajes, y que encuentra su punto más débil quizás en algunas caídas de ritmo, pero que en general resulta muy interesante.

La Odisea, un gran viaje en todos los sentidos

 

La Odisea cuenta el viaje de vuelta a casa de Odiseo y su ejército tras su victoria en la batalla de Troya. Por un lado es un viaje lleno de aventuras, donde se deben enfrentar a seres mitológicos, como el cíclope Polifemo o la bruja Circe, por ejemplo. Por otra parte es un viaje interior de Odiseo, de enfrentarse con sus propios fantasmas, a su arrogancia por desafiar a los dioses, a su conciencia por las atrocidades en la batalla de Troya, pero además es la lucha por volver a casa junto a su amada esposa Penélope y su hijo Telémaco.

Además de los viajes que nos cuenta la historia, también está el viaje que Nolan propone al espectador, que como viene siendo habitual en sus películas, convierte el visionado del filme en una experiencia sensorial. La capacidad de Nolan para crear una atmósfera totalmente absorbente con la combinación de la música con los encuadres,  la puesta en escena y la fotografía, dando como resultado un tono hiperrealista y frío. Este estilo lo ha llevado a distintos ámbitos, como el cómic, con la trilogía de Batman, la guerra, con Dunkerque, el cine de espías con Tenet, la ciencia ficción con Interstellar, e incluso con el mundo del ilusionismo del siglo XIX con El truco final. Ahora lleva este estilo tan personal suyo a la Grecia clásica de Homero, dando un resultado curioso, porque si bien tanto hiperrealismo puede chocar a la hora de retratar un mundo de criaturas mitológicas, que no son reales, el caso es que la película funciona. Incluso el retrato de las diosas Atenea o Calipso, son muy terrenales en apariencia, pero la esencia de lo que cuenta se transmite al espectador, ya que las interpretaciones de Zendaya y Charlize Theron, respectivamente, resultan convincentes.

Y hablando ya del elenco, La Odisea cuenta en general con estrellas de primera línea, como las ya nombradas. Un casting encabezado por Matt Damon como Odiseo, impresionante, repartiendo estopa como en la saga Bourne y además dando profundidad al personaje, secundado por Anne Hathaway como Penélope, que este año también está en cartelera con El diablo viste de Prada 2, Tom Holland, el actual Spiderman del universo Marvel, como Telémaco, y Robert Pattinson, el otrora vampiro de la saga Crepúsculo, como el villano de la función.

La Odisea de Nolan es eso, muy de Nolan, dura casi tres horas, pero no se hace larga, es una experiencia, es un viaje a la antigua Grecia, al mundo mitológico y al mundo interior, aquel en el que cada uno debe lidiar con sus propios fantasmas. Es épica, es espectacular y tiene una producción colosal. Además, ha dejado algún plano icónico, de estos que pasarán a la historia, como el del caballo de Troya en la playa. Es una de las mejores películas del año, sin duda.

Rondallas, viva la vida

 

Se estrenó el 1 de enero de este año en cines, y es una muy buena forma de empezar el año, porque Rondallas es una película positiva, entrañable, divertida y emocionante.  La trama versa sobre una comunidad de luto, un pueblo pesquero de Galicia en el que un barco naufragó y murieron varios tripulantes, entre ellos, el patrón del barco, que además era el líder de la rondalla del pueblo, un grupo de música tradicional. Dos años después de la tragedia, la rondalla está disuelta y los habitantes del pueblo siguen con sus vidas sumidos en la melancolía. El mejor amigo del patrón del barco, encarnado por Javier Gutiérrez, propone reunir de nuevo a la rondalla para participar en el concurso anual de rondallas y así levantar los ánimos de la comunidad.

Rondallas es una película sobre la superación del duelo a través de la música y el trabajo en equipo, sobre el acercamiento a quienes nos rodean, sobre el reencontrarse con uno mismo y con los demás después de haber perdido un poco el norte, y sobre recuperar la ilusión por disfrutar de las cosas buenas de la vida, que son muchas y muy sencillas, pero a veces perdemos la perspectiva cuando la tragedia nos pasa por encima como una apisonadora.

Como decía antes, encabeza el elenco Javier Gutiérrez con su carisma habitual, protagonista estelar de Campeones, El desconocido o La isla mínima,  pero realmente quien brilla por encima del resto es la actriz María Vázquez, a la que hemos podido ver en títulos como Matria, Quien a hierro mata o Mataharis. Su presencia en la pantalla es notoria en cada escena en la que interviene. En general, todo el elenco trabaja muy bien y todos los personajes rezuman autenticidad, y eso hace que todas las escenas resulten interesantes, sean quienes sean los que salgan en ellas.

Dirige Daniel Sánchez Arévalo y consigue una película con un acabado técnico y un ritmo narrativo sensacionales, pero su mayor virtud, su mayor logro en este filme, es el mágico equilibrio entre drama y comedia. Hay momentos cómicos que funcionan muy bien, que oxigenan el relato, pero sin desdramatizar los hechos. Consigue emocionar, pero sin caer en el sentimentalismo exagerado. A pesar de ser un relato de ficción, es un retrato realista de una comunidad con unas tradiciones, una cultura y un modo de vida muy concretos a los que el director se acerca con todo el respeto y se nota su sensibilidad y empatía hacia ese microcosmos en el que desarrolla su película.

El pasado mes de febrero, Rondallas recibió la medalla Platino Educa de la Solidaridad en gala de medallas del CEC.

Revisión interesante: Motín a bordo (1984)

 

A veces ocurre, o al menos a mí me pasa, que vemos una película en un momento determinado con unos actores que más o menos son conocidos y otros que no, pero que con el tiempo esos desconocidos se convierten en estrellas, pero uno no los relaciona con aquella película que vio. Y cuando años después la vuelves a ver, dices: anda, pero si está este y el otro, y trabajaron juntos, que no se me había pasado por la cabeza que estos dos trabajaran juntos alguna vez.

Pues esto me ha pasado con Motín a bordo, de Roger Donaldson. La recordaba como la versión moderna del clásico Rebelión a bordo de Lewis Milestone con Marlon Brando de protagonista, que a su vez era remake de otra película de 1935 protagonizada por Clark Gable. A día de hoy, esta versión de los años 80 también se puede considerar clásica, ya que mucho se habla de los clásicos ochenteros, y en honor a la verdad, creo que ha envejecido bastante bien. La música hipnótica de Vangelis, la fuerza en la mirada de sus intérpretes, los contraluces del barco en altamar al atardecer, el ritmo narrativo, en fin, hay muchos elementos que funcionan perfectamente en la actualidad. Creo que hay películas más modernas que han envejecido peor, y sin embargo, no es una película que haya gozado de grandes elogios de la crítica o del público, así como otras que se han convertido en películas de culto. Tampoco ha sido denostada, es cierto, simplemente ha pasado sin pena ni gloria y creo que es un título a reivindicar hoy en día por eso, porque realmente el tiempo pone las cosas en su sitio y considero que ha envejecido bastante bien.

El motín en el barco The Bounty es una historia real aunque ha sido dramatizado en varias versiones tanto en la literatura como en el cine. En esta versión, el núcleo de la trama está en al amotinamiento de la tripulación liderado por el primer oficial, y amigo personal del capitán, ante la conducta tiránica de este, pero ambos personajes tienen luces y sombras. No es uno superbueno y el otro supermalo, los dos tienen sus razones y sus circunstancias, y el director no se posiciona, nos expone los hechos, lo cual invita al debate tras el visionado de la película.

Pero volvamos al punto con el que iniciamos el post, los rostros conocidos, que no lo eran tanto en aquel momento. Protagonizan Anthony Hopkins y Mel Gibson. Hopkins era conocido por títulos como un puente lejano o El hombre elefante, pero no tenía el estatus de gran estrella, que le llegaría en los años 90 a raíz de su Óscar por El silencio de los corderos. Gibson era conocido en ese momento por la saga Mad Max, que le lanzó a la fama, aunque su consagración como estrella hipercotizada le llegaría tres años más tarde, en el 87, gracias a Arma letal. Pero ahora viene lo bueno, los secundarios que en aquel momento no eran conocidos y se convirtieron en estrellas en los años 90: Daniel Day-Lewis y Liam Neeson. Day-Lewis ganó el Óscar a mejor actor por Mi pie izquierdo y a partir de ahí se convirtió en estrella gracias a títulos como En el nombre del padre, El último mohicano o La edad de la inocencia. Por su parte, Neeson, fue aclamado por la crítica en Sospechoso (1987), protagonizó Darkman (1990) y finalmente fue nominado al Óscar a mejor actor por La lista de Schindler. A partir de ahí se convirtió en estrella con títulos como Rob Roy, Michael Collins o Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma. Neeson y Day-Lewis volverían a coincidir en 2002 en Gangs of New York, de Martin Scorsese.

Por otro lado, el director, Roger Donaldson, estaba en sus inicios cuando dirigió Motín a bordo, y visto ahora con la perspectiva del tiempo, aunque no ha llegado a ser un director muy conocido, su nombre está detrás de varios títulos de relevancia comercial como Cocktail, Un pueblo llamado Dante's Peak, Species o La prueba, entre otros.

El agente secreto, una gran metáfora cinematográfica

 

El agente secreto fue la representante de Brasil en los Óscar de este año, aunque a pesar de que la producción es principalmente brasileña, ha sido coproducida con Francia, Alemania y Holanda. La acción se desarrolla en Brasil en 1977 durante la dictadura militar en un ambiente de corrupción en todas las esferas de poder, desde los políticos hasta los policías pasando por los empresarios, donde las víctimas son las personas normales y corrientes.

Tras un brillante prólogo en una gasolinera solitaria de carretera que capta la atención del espectador al momento, la película se va desarrollando manteniendo la intriga y el interés de un misterio que se va desvelando poco a poco a lo largo de dos horas y media de metraje. Hay momentos muy brillantes y otros quizá no tanto, alguna caída de ritmo, pero en general es una muy buena película con una ambientación extraordinaria y un elenco de actores que componen personajes muy auténticos. Concretamente, el protagonista, Wagner Moura, carga con todo el peso de la trama y lo hace con un carisma y una presencia imbatibles. No sé lo que hará en el futuro, pero se podría decir que esta será la película de su vida, esa fusión perfecta entre actor y personaje. Moura es conocido especialmente por interpretar a Pablo Escobar en la serie "Narcos".

Todo está cargado de simbolismo, de metáforas, para hablarnos sobre los miedos, los peligros de un sistema corrupto, las injusticias. Y en estos simbolismos juega un papel muy importante la película Tiburón, de Steven Spielberg. Tanto simbolismo da lugar también a momentos algo surrealistas dentro de la narración, que chocan un poco, pero te mantienen igualmente enganchado.

En general, El agente secreto es una gran película con una estética muy particular y atractiva, y mucho trasfondo humanístico, que conviene analizar al terminar de verla.

El día de la revelación, más allá de la gran pregunta

 

TRÁILER

Todas las películas de extraterrestres se venden queriendo dar respuesta a la gran pregunta de si estamos solos en el universo, pero el nuevo estreno de Steven Spielberg, El día de la revelación, va más allá, y lo que plantea ya no es si estamos solos o no, que ya sería lo de menos, sino qué implicaría para la sociedad conocer la verdad. Y la verdad no solo de que existan, sino del juego sucio del gobierno al ocultar la realidad  la población civil durante décadas amparándose en la seguridad nacional.

Hacía tiempo que el cine de ciencia ficción no trataba el tema alienígena como una metáfora de la realidad. En los últimos tiempos se ha podido tratar como un espectáculo bélico o como algo más bien místico. Sin embargo, en los años 50, durante la Guerra Fría, se usaban las historias de invasiones alienígenas como metáfora del miedo generado en la sociedad occidental frente a la amenaza comunista. Del mismo modo, en la sociedad actual, en la que cada día nos encontramos con nuevas incertidumbres en relación a los cambios sociales que está introduciendo la IA a una velocidad de vértigo, que a muchos no les da tiempo de asimilar, Spielberg nos plantea si realmente estamos o no preparados para algo que suponga un cambio tan drástico que nos puede dar la vuelta a nuestras ideas, creencias y esquemas mentales con los que regimos nuestras vidas. ¿Estamos preparados para asumir un cambio de paradigma total? Y lo hace a través del tema ovni y las conspiraciones gubernamentales por esconder la verdad.

Todo esto está rodado en clave de thriller de suspense y acción con agentes superentrenados persiguiendo a los protagonistas, con la maestría visual propia de Spielberg. Protagoniza Emily Blunt, conocida especialmente por El diablo viste de Prada, el remake  de Mary Poppins o también otras películas de ciencia ficción como Looper o Al filo del mañana. Coprotagoniza Josh O'Connor, joven actor británico que ha hecho cine y televisión y ganó en 2021 el Primetime Emmy por su interpretación en la aclamada serie The Crown. Su antagonista, el villano de la función, es otro actor británico, pero más veterano: Colin Firth, ganador del Óscar a mejor actor por El discurso del rey y muy popular por comedias románticas británicas como la saga de Bridget Jones o Love actually. También cabe destacar la presencia de Colman Domingo, el que hace de Joe Jackson en la película Michael, que acapara toda la atención cada vez que sale en escena.

El día de la revelación es una película que tiene como temas argumentales la ufología y las conspiraciones, pero toca de fondo temas humanísticos como la fe, la conciencia, la empatía y la verdad.

Nouvelle Vague, curso intensivo de cine en menos de dos horas

 

Nunca he sido muy fan del cine francés de la Nouvelle Vague, la nueva ola de cineastas que cambiaron la industria y salieron de la revista Cahiers du cinema en los años 50 y 60, como Truffaut, Chabrol o Godard. Personalmente me identifico más con otra generación que también cambió la industria, pero en los 70, el dream team formado por Lucas, Spielberg, Coppola, De Palma o Scorsese. No obstante, me encantan las pelis que tratan sobre cómo se hacen las películas, y esta Nouvelle Vague  de Richard Linklater, es toda una lección de cine con pocos medios, de ser innovador con el lenguaje cinematográfico, sin importar demasiado los recursos técnicos.

La trama versa sobre el proceso de producción de Al final de la escapada, el debut en el largometraje de Jean-Luc Godard y una de las películas más emblemáticas de aquel movimiento artístico. Es como un making of dramatizado y además, muy educativo sobre el oficio de cineasta. Las caracterizaciones son muy buenas, especialmente la de Zoey Deutch, que interpreta a Jean Seberg. Y las interpretaciones son todas buenas destacando la de la propia Deutch y la de Guillaume Marbeck en la piel de Godard.

Dirige, como dije antes, Richard Linklater, responsable de la trilogía Antes de... protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, así como de Boyhood. Es un director estadounidense independiente en una producción francesa, lo cual lo hace muy interesante, porque tiene ese espíritu de rebelde en cuanto a los cánones del cine, como tenían los cineastas retratados en la película, pero además, al no ser francés, puede aportar una visión más objetiva.

Gala Cinemanet Madrid 2026

 

Gala Cinemanet Madrid 2026

Ayer se entregaron los premios Personaje, ¡Qué bello es vivir! y Trayectoria Humanística de Cinemanet en la Universidad San Pablo CEU en Madrid. Las películas Sorda y Los domingos se alzaron con los premios Personaje real y Personaje de ficción respetivamente. Dos personajes femeninos de gran calado en valores humanos que encarnan con autenticidad dos realidades muy distintas, como son la integración de las personas sordomudas y la vocación religiosa.

El premio ¡Qué bello es vivir! España fue para Te protegerán mis alas, de Antonio Cuadri, un emocionante relato basado en hechos reales sobre un niño huérfano de Togo cuya vida cambia al conocer a un misionero salesiano. Y el ¡Qué bello es vivir! Mundial fue para Flow, un mundo que salvar, una producción de animación de Letonia sin diálogos sobre la supervivencia de un gato y otros animales en un mundo inundado en el que la humanidad ha desaparecido.

Finalmente, el homenaje a la trayectoria humanística este año ha recaído en Juan Orellana, profesor universitario y crítico de cine, por una vida laboral vinculada a la defensa de los valores humanos en el ámbito del cine y de la enseñanza.

Un año más, el cine con valores ha tenido su momento de la mano de Cinemanet en una agradable velada donde las historias y los personajes de gran calado, así como las personas que los hacen posible, han sido los protagonistas.

Michael, el tributo biográfico al rey del pop

 

Michael, el tributo que los herederos del rey del pop rinden a la estrella de la familia, es uno de los títulos más esperados del momento y un biopic que está arrasando en taquilla. Y no es para menos, porque la película, aunque tiene la estructura narrativa clásica de los filmes biográficos y va contando los grandes hitos del protagonista a lo largo de una parte de su vida, el resultado final es un espectáculo musical tan vibrante y potente que se pasan las dos horas volando y sales del cine bailando.

Michael no profundiza mucho en la psique del personaje, pero sí nos lo presenta como alguien único, una persona metida en su mundo, aislada del resto, que solo vive para su música y con una absoluta consciencia de que está llamado a dar luz al mundo y ofrecer el mayor espectáculo jamás visto en cada obra que crea. La evolución que nos ofrece del personaje es la de una persona que busca su propio camino, su lugar en el mundo.

El guion de es de John Logan, responsable de libretos tan relevantes como Gladiator, Skyfall, El último samurái o El aviador, entre otros. Por otro lado, el director es Antoine Fuqua, artífice de títulos como Training day, El rey Arturo, Los amos de Brooklyn, el remake de Los siete magníficos o la saga The Equalizer, entre otros. Se inició en la dirección en 1992 dirigiendo videoclips. Curiosamente no llegó a dirigir ninguno para Michael Jackson, pero sí lo hizo para Prince o Stevie Wonder, y dirigió el mítico Gangsta's paradise de Coolio para la película Mentes peligrosas.

El actor que da vida a Michael Jackson es su propio sobrino, Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson, uno de los componentes de los Jackson Five. Jaafar es cantante y bailarín y esta película supone su debut como actor, un debut por todo lo alto. La transformación en su tío es absolutamente alucinante. Por otra parte, cabe destacar también el papel de Colman Domingo en la piel del padre de los hermanos Jackson. A Colman se le ha visto especialmente el dos remakes recientes de películas de los años 80: The running man y El color púrpura.

Michael Jackson tenía un sentido del espectáculo enorme y la película Michael así lo refleja, todo un espectáculo.

Vídeos educativos: Robestro, el robot maestro

Mi nuevo proyecto audiovisual es Robestro, el robot maestro, una serie de vídeos educativos con temas de Lengua y Matemáticas para ayudar a alumnos de 1º de ESO con conceptos básicos que a veces puede costar entenderlos. Las clases de Robestro se encuentran como sección el la web de Ragora Juegos.

Hamnet, un viaje al mundo de las emociones

 

Hacía tiempo que una película no me conmovía tan profundamente. Hamnet no es solo una película, es un viaje emocional sobre la familia y la superación de la pérdida a través del arte. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Maggie O'Farrell, que versa sobre el proceso creativo de Hamlet desde el prisma de la esposa de William Shakespeare. Anne Hathaway, también conocida como Agnes Hathaway, fue la esposa de Shakespeare con el que tuvo tres hijos, pero de su vida familiar se sabe muy poco o casi nada. Esto da pie a que para el relato se puedan tomar muchas licencias artísticas sobre cómo pudo ser la intimidad de la familia Shakespeare en su momento y conseguir una equilibrada y emocionante mezcla entre ficción y realidad.

Este relato en imágenes luce con mucha fuerza gracias a la poesía audiovisual de Chloé Zhao, la directora oscarizada por Nomadland, aunque a mí, personalmente, me parece más redonda y más emocional Hamnet, que de hecho tenía ocho nominaciones a los Óscar, pero finalmente se alzó con un solo galardón, el de mejor actriz protagonista para Jessie Buckley, totalmente merecido, desde luego. Se trata de una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos en la que podemos ver el nombre de Steven Spielberg en la producción a través de Amblin Entertainment. Al celebérrimo dramaturgo británico le da vida Paul Mescal, el otrora protagonista de Gladiator II. La química entre Buckley y Mescal funciona a la perfección en esta película llena de silencios elocuentes, ambientación sobrecogedora y miradas y gestos que atraviesan el alma.

El tándem Trier-Reinsve insiste, y quien la sigue, la consigue

En 2022, el director Joachim Trier representó a Noruega en los Óscar con la película La peor persona del mundo, protagonizada por Renate Reinsve. La película estuvo nominada pero no consiguió el preciado galardón. Sin embargo, el año pasado, director y actriz volvieron a trabajar juntos en Valor sentimental, han vuelto a representar a su país en la meca de cine y este año sí se han llevado la estatuilla a casa.

Valor sentimental es un potente drama familiar sobre la ausencia, el reencuentro, la reconciliación, el rencor, la búsqueda de redención, de enmendar los errores del pasado. Todos estos temas de fondo se ponen en escena a través de una casa con una historia familiar detrás, dos hermanas que acaban de perder a su madre y un padre que lleva varios años ausente y regresa para el funeral de su exmujer reencontrándose con sus hijas. El progenitor es un aclamado director de cine y quiere contar en su próxima película con su hija mayor, que es actriz de teatro.

Renate Reinsve tiene el carisma y la fuerza que ya mostraba en La peor persona del mundo, pero además, en esta ocasión, se ve secundada por la sólida presencia del veterano actor sueco y estrella internacional Stellan Skarsgard, conocido por títulos como El indomable Will Hunting, Ronin, El rey Arturo o la saga Piratas del Caribe. Ambos mantienen un interesante «tour de force» interpretativo con el conflicto entre padre e hija. Completan el reparto principal la actriz noruega Inga Ibsdotter Lilleaas, como la hermana del personaje de Renate, y Elle Fanning en el rol de una actriz que quiere trabajar con el prestigioso director. Elle Fanning tiene una extensa filmografía a pesar de su juventud, donde destacan títulos como Super 8 o Mary Shelley.

Dos parodias para los mugrientos

 

El monumental éxito de Torrente presidente ha traído de vuelta a la primera línea de la actualidad cinematográfica la comedia de humor grueso, gamberro y escatológico que tantos momentos de risas nos trajo en otros tiempos, cuando las comedias de Mel Brooks o las de los hermanos Zucker junto a Jim Abrahams, eran una constante en la cartelera. Por eso creo que es un buen momento para revisitar algunos clásicos de este género. A colación de esto me gustaría rescatar en este post dos títulos de los años 70: Le llamaban Trinidad, de 1970, y Sillas de montar calientes, de 1974. Ambas películas son parodias del cine del oeste donde la mugre, los pedos y los eructos son la base del humor que sustenta la trama.

Le llamaban Trinidad es una producción italiana dirigida por E.B. Clucher que parodiaba el spaghetti-western, género inaugurado por su compatriota Sergio Leone seis años antes en Almería. La protagonizaban Terence Hill y Bud Spencer, que si bien habían trabajado juntos anteriormente, fue realmente con esta película con la que se inició uno de los tándem artísticos más famosos de los años 70 y principios de los 80. Esta película sentó las bases de las comedias de peleas y humor naif que ambos protagonizaron, como por ejemplo, Y si no, nos enfadamos, Quien tiene un amigo tiene un tesoro, Dos superpolicías, y unas cuantas más. Además, esta película dio una canción mítica, que incluso la utilizó Tarantino en Django desencadenado. Y por supuesto, un éxito como este tenía que dar lugar a una secuela: Le seguían llamando Trinidad.

Sillas de montar calientes, por su parte, es una producción estadounidense del rey de la parodia, Mel Brooks, pero curiosamente esta no le salió tan redonda como otras tales como El jovencito Frankenstein, La loca historia del mundo o La loca historia de las galaxias. No obstante, escenas como el sheriff negro tomándose a sí mismo como rehén o el grupo de vaqueros ventoseando mientras cenan alrededor de una hoguera, están muy conseguidas. Es graciosa, es divertida, pero obviamente, no es un título tan mítico como el del tándem Hill-Spencer.

Oscar 2026, revolucionarios y vampiros en la alfombra roja

 

Las que partían como favoritas han sido las más premiadas: Una batalla tras otra, la película sobre revolucionarios de Paul Thomas Anderson, y Los pecadores, el filme sobre vampiros de Ryan Coogler, con seis y cuatro estatuillas respectivamente. Hamnet partía en principio con mucha fuerza, pero a medida que se ha ido acercando el día de los Óscar, las dos anteriores fueron las que sonaban con más fuerza en todas las quinielas, quedándose Hamnet con el Óscar a mejor actriz protagonista para Jessie Buckley.

En la parte técnica, Frankenstein se llevó los permios más físicos, mejor diseño de producción, vestuario y maquillaje, mientras Avatar: fuego y ceniza se alzaba con lo más digital, el Óscar a mejores efectos visuales. Y el mejor sonido ha ido a parar a los rugidos de los motores de F1: la película. Parece que todo es muy lógico y está muy bien encajado.

La mejor película de animación ha sido para Las guerreras Kpop y la mejor canción original para Golden, ese temazo cantado por Huntrix que forma parte de esta película.

En cuanto a anécdotas, destacaría dos momentos. El saludo que hace en español el presentador para la audiencia de España, de Argentina y de Los Ángeles, en alusión a la gran comunidad hispanoparlante de esta ciudad. La otra es el momento Star Wars de la noche, con el estreno de El mandalorian y Grougu pendiente de estreno, con Sigourney Weaver y Pedro Pascal en el escenario presentando el premio a mejor diseño de producción e interactúan con Kate Hudson que acompañaba a Grougu en el público.

PALMARÉS COMPLETO

Tráiler oficial de Toy Story 5, el retorno del héroe

 

Bueno, pues ya está aquí el tráiler oficial de Toy Story 5, y parece que lo que sugería el teaser  se confirma aquí, y las expectativas crecen. Se ve a Woody en un nuevo ámbito, siguiendo el final de Toy Story 4, en el mundo salvaje de los juguetes abandonados, y que regresa, como un héroe crepuscular del «western», junto a sus compañeros para ayudarles a enfrentarse a la amenaza de los juguetes tecnológicos.

Flores para Antonio, y premios también

 

Si Los domingos ha sido el fenómeno del cine español del año pasado en el terreno de la ficción, está claro que Flores para Antonio lo ha sido para el documental. La actriz Alba Flores, hija de Antonio y conocida por series como La casa de papel o Vis a vis, ha sido la impulsora de este proyecto dirigido por Isaki Lacuesta y Elena Molina. La película ha ganado premios a mejor película documental en los Premios Forqué y en los CEC, y a mejor canción original en los Goya.

El documental recorre la trayectoria del genio musical Antonio Flores a través de sus canciones y de mucho material inédito de su vida privada grabado en vídeo doméstico. Otros miembros de la familia han colaborado también con su testimonio, como Rosario, Lolita o Elena Furiase, además de muchos otros artistas.

La película es un torrente de emociones y de buen rollo que rinde un sentido homenaje a uno de los grandes genios de la música española que a pesar de haberse ido de este mundo demasiado joven, ha dejado un legado musical muy importante jalonado de grandes canciones que se han hecho muy populares y se han mantenido a lo largo del tiempo en la memoria colectiva por el gran calado de sus mensajes.

Los domingos, el mágico equilibrio

 

Los domingos, película de la directora Alauda Ruiz de Azúa ha cosechado numerosos premios y también ha hecho buena taquilla, colocándose en el cuarto puesto del "ranking" de las películas españolas más taquilleras de 2025. Y en cuanto a premios, ha sido galardonada como mejor película en el Festival de San Sebastián, en los Premios Signis, en los Forqué, en los Feroz, en los CEC y en los Goya, por citar los principales, pero también ha recibido alguno más.

La trama versa sobre la vocación religiosa de una adolescente en el seno de una familia vasca de clase media en la actualidad. Es un tema complejo de abordar que puede despertar prejuicios a mucha gente desde distintos puntos de vista, pero si ha logrado cosechar tanto éxito y convencer a tantos, es precisamente porque el tratamiento que da al relato la guionista y directora, está tan equilibrado y es tan auténtico, que nadie le puede negar la gran proeza conseguida.

Aborda los distintos puntos de vista que la decisión de la adolescente puede suscitar en su entorno de amigos familiares: incomprensión, incertidumbre, respeto, pragmatismo, inquietud, sentimientos encontrados, etcétera. Todo ello a través de personajes muy bien trazados y todos tratados con respeto, con autenticidad. La directora nos expone una realidad con personajes auténticos, sin caricaturas, con distintas posiciones respecto a la decisión de la protagonista, de manera que cada espectador pueda sacar sus propias conclusiones o elaborar sus propias opiniones. El perfilado de los personajes denota un profundo conocimiento de los ambientes que trata, bien sea por tenerlo de antemano o bien sea por haberse documentado a fondo, eso lo desconozco, pero lo que sí es cierto es que ha tratado a todos los personajes con gran respeto y conocimiento de causa, y eso, como espectador, se nota y se agradece. 

El CEC convierte los lunes en domingos

 

El pasado lunes 23 de febrero se entregaron las Medallas del CEC y la ganadora de la noche fue Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, que se hizo con 6 galardones. La segunda con más nominaciones, Sirat, consiguió 3 medallas, al igual que Sorda.

La mejor película extranjera fue para Frankenstein, el mejor documental para Flores para Antonio y la mejor película de animación, Decorado.

Una gala sencilla y elegante presentada con solvencia por la actriz María Adánez y en la que, de alguna manera, se respiraba un aire de concordia intergeneracional muy agradable con las palabras de varios artistas. Por ejemplo, Eva Libertad, directora de Sorda, hablaba en sus agradecimientos sobre cómo su padre la había enseñado a amar las palabras. O el vídeo que mandó Daniel Sánchez Arévalo desde el rodaje de su nueva película agradeciendo la medalla Platino Educa para su película Rondallas, y al mismo tiempo haciendo alusión a su padre, José Ramón Sánchez, que se encontraba en la sala para recibir la medalla a la labor de promoción del cine. Igualmente emocionante fue escuchar a este gran artista que "dibujaba las películas", al recoger su premio. También el equipo de Los domingos, al recoger la medalla a mejor película hicieron alusión a los mayores que los martes acuden a los cines y dan oportunidad a las películas españolas.

En fin, una velada cinematográfica muy agradable cuyo palmarés se puede ver completo AQUÍ.

Medalla CEC para José Ramón Sánchez

 El próximo 23 de febrero se entregan las Medallas CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos) en la que aparte de los premios a las películas estrenadas el año pasado en distintas categorías, también se ofrecen varias medallas fuera de competición, entre ellas a la labor de promoción del cine, que este año se concede al pintor, ilustrador y animador José Ramón Sánchez, y este premio me hace especial ilusión. El porqué, lo revelo en el siguiente vídeo. Dale al play.

Los Grammy le dan a Spielberg la llave a un club exclusivo: EGOT

John Williams y Steven Spielberg

 EGOT es el acrónimo de Emmy, Grammy, Oscar y Tony, premios de televisión, música, cine y teatro respectivamente. El exclusivo club de los EGOT está formado por artistas que han recibido estos cuatro premios. Solo 22 personas forman parte de este club. Lógicamente, la mayoría suelen ser intérpretes y compositores, pero este año ha entrado el gran Steven Spielberg. ¿Y cómo lo ha hecho?

Pues bien, en los años 90 Spielberg ganó 3 Oscar: a mejor director y mejor película por La lista de Schindler en 1994 y a mejor director por Salvar al soldado Ryan en 1999. En 1997 comenzó su andadura en las producciones teatrales en Broadway, de las que ha producido o coproducido siete obras, de las que la mayoría son musicales. En 2022 recibió el Tony de teatro por el musical A strange loop. Y premios Emmy ha recibido cuantro por las series de TV Pinky y Cerebro, Abducidos, The Pacific y Hermanos de sangre.

Ya solo le faltaba el Grammy para ser miembro de los EGOT y acaba de ocurrir: en la categoría de mejor película musical, el premio este año ha sido para el documental La música de John Williams, del que Spielberg es coproductor. Enhorabuena, maestro Spielberg.

Reflexiones sobre la IA en el cine: los actores

Imagen generada con IA de Adobe Firefly

 Salió en las noticias que varias estrellas de Hollywood han firmado una carta en contra de la IA por la vulneración de los derechos de autor al utilizar recursos de terceros sin permiso. Y cada vez hay más gente en las redes sociales publicando vídeos hechos con IA esforzándose por demostrar que un actor sintético puede transmitir las mismas emociones que uno de verdad. Bueno, en realidad, esto lo llevan haciendo los personajes del cine de animación toda la vida, pero en fin. Muchos tienen miedo de perder su trabajo, otros parecen obsesionados por hacer avanzar la IA como si no hubiera mañana. Muchas prisas por todo, un mundo frenético que avanza sin freno hacia el abismo sin escucharnos unos a otros, cada uno en su batalla, o al menos esa es la sensación que dan los medios.

Pero por mucho que los intérpretes sintéticos puedan transmitir emociones, hay un componente de la industria del espectáculo que la IA no podrá suplantar: la mitomanía. El gran negocio del cine no solo depende de la calidad de la película, sino también de la campaña de promoción, que no solo se trata de difundir imágenes por todos los canales de comunicación, sino que también influyen mucho los eventos en vivo con las estrellas: preestrenos, entrevistas, firmas de autógrafos, hacerse un selfi con su estrella favorita. Si solo puedes disfrutar de tus ídolos a través de la pantalla sin tener la posibilidad en toda la vida de poder verlo aunque sea una vez en vivo, ¿realmente podrá crear esto el mismo interés en el público?

Es más, ya de toda la vida, en el cine de animación, que crean personajes icónicos que solo existen en la pantalla, pero la tendencia ha sido el contratar grandes estrellas de carne hueso para darles voz a los personajes animados, y eso también ayuda a vender. Realmente, crear actores sintéticos con IA, voz incluida, sería como hacer animación sin estrellas de verdad que respalden la promoción. Sí es verdad que realmente la IA es muy útil para los creadores con pocos recursos, que solo puedan contar con un par de actores, poder incrementar el elenco con secundarios y figurantes sintéticos, pero creo que al final, lo que mejor funcionará será lo de siempre, es decir, la combinación de herramientas y no el uso de una sola herramienta, por muy sofisticada que esta sea.

Además, para los creadores, si las películas se hicieran íntegramente con IA, sin un rodaje con equipo, ¿qué tendría de divertido hacer cine? El cine no es solo técnica, es también diversión, trabajo en equipo, mitomanía, anécdotas, una gran aventura.

Richard Burton, pura adrenalina

 

A colación de la anterior reseña de Mr. Burton, el biopic sobre los inicios de Richard Burton, quería repasar algún que otro título de su filmografía. Sería fácil pensar para cualquier cinéfilo en títulos como La noche de la iguana o Cleopatra, pero como este blog es «el cine a mi manera», quiero llamar la atención sobre dos títulos que a mí siempre me han gustado y que no suelen ser de los más aclamados de la célebre estrella de Hollywood. No son grandes películas de la historia del cine, pero son de esas películas que tienen un no sé qué, que me encanta. Se trata de dos cintas de acción con diez años de diferencia entre ambas en las que Burton encarna al líder de un comando militar: El desafío de las águilas, de 1968, y Patos salvajes, de 1978, ambas producciones británicas.

El desafío de las águilas es una película bélica ambientada en la II Guerra Mundial en la que un comando de élite tiene la misión de rescatar a un general norteamericano que sido hecho prisionero por los nazis y lo retienen en un castillo inexpugnable en lo alto de una montaña. El resultado es un emocionante relato de aventuras con giros inesperados de guion y una buena dosis de acción. A Burton le acompaña Clint Eastwood, que se encontraba en pleno despegue de su carrera tras protagonizar la Trilogía del dólar de Sergio Leone en España, y Mary Ure, que había recibido una nominación a los Óscar como mejor actriz de reparto por la película Hijos y amantes en 1961.

Patos salvajes es una película de acción en la que un grupo de mercenarios es contratado por un hombre de negocios para liberar a un líder africano que está preso por un dictador. El comando de mercenarios está encabezado por Burton, al que acompañan Roger Moore, Richard Harris y Hardy Krueger. Cuatro personajes bien perfilados y muy diferenciados. Burton es el jefe, práctico, frío, imparcial. Harris es el idealista, solo le gusta aceptar un trabajo si lo considera justo. Moore es el frívolo del grupo que aporta un punto de humor, en la línea del 007 que encarnaba habitualmente en esa época, y Krueger es el más implicado emocionalmente por tener raíces africanas y tiene sentimientos encontrados a la hora de liberar al prisionero. Además, el hombre de negocios que los contrata es el veterano Stewart Granger.

El médico II, la sanación del alma

 

El médico II, la secuela de El médico, producción alemana de 2013 que adaptaba novela homónima de Noah Gordon ambientada en la Edad Media sobre el joven Rob Cole, que tras perder a su madre por la enfermedad del costado y aprender el oficio de barbero, que era lo más parecido a los médicos que había en la Inglaterra medieval, decide partir hacia Isfahan, en oriente medio, donde está la escuela de  Ibn Sina, el más prestigioso médico de la época. La dinastía de los Cole en la novelas de Noah Gordon forma una trilogía que se complementa con Chamán y La doctora Cole, con los descendientes de Rob Cole en distintas épocas. Sin embargo, El médico II  prescinde de la base literaria y continúa con la aventura medieval a partir de la primera película.

Tras la destrucción de la escuela de medicina de Isfahan, Rob Cole y otros compañeros médicos, que son judíos y musulmanes, viajan a Inglaterra para llevar allí sus avanzados conocimientos científicos, pero se encuentran con una sociedad muy cerrada a estos avances, en la que los enfermos mentales son tratados como si estuvieran poseídos o se les quema en la hoguera por brujería. Además, si en Isfahan el cristiano era vilipendiado por judíos y musulmanes, ahora en Inglaterra son estos quienes no son bienvenidos. En este contexto, Rob se interesa por la curación del alma a través de rituales celtas que son considerados brujería por la Iglesia. Por otro lado, la trama se desarrolla en medio de una red de conspiraciones por el poder en el que están implicados el rey, que ansía la paz entre celtas y cristianos, la primogénita del rey, que es la legítima heredera al trono, la maquiavélica segunda esposa del monarca que ansía el poder a toda costa, y los cómplices tanto de un lado como del otro.

Se ha tachado a la película de falta de rigor histórico, pero sinceramente, creo que tampoco se trata de dar una lección de historia, sino de transmitir un mensaje de unidad entre culturas, sociedades y religiones, que me parece muy positivo. Es una trama de ficción, una película de aventuras medievales que pone de relieve esos enfrentamientos sociales por diferencia de credo y el desprecio a los demás por ignorancia voluntaria, por cerrarse a conocer los nuevos caminos del saber.

Aparte de los temas interesantes de fondo que trata, la película tiene buen ritmo, es entretenida y tiene un diseño de producción y puesta en escena que, sin ser innovadores, son efectivos y la hacen digna de ser vista en pantalla grande. Respecto a la anterior, la producción vuelve a ser alemana y repiten el director Philip Stöltz y el protagonista Tom Payne, así como la actriz Emma Rigby. Como grandes nuevos fichajes cabe destacar a  Liam Cunningham, en el papel del rey, conocido entre otras cosas por la serie Juego de tronos, y a Emiliy Cox en el rol de la malvada reina que se podría decir que es como la versión femenina del príncipe Juan de Robin Hood.

Las nominadas a las Medallas CEC, entre raves y conventos

 

Las Medallas CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos) se entregarán el próximo 23 de febrero a partir de las 19h. Este año parten como favoritas dos películas muy distintas: Los domingos, con 10 nominaciones, y Sirat, con 7 nominaciones. Tienen en común el ser dos de las películas más taquilleras del año del cine español, pero hasta ahí. La primera trata de forma certera y profunda el tema de las vocaciones religiosas y cómo afecta eso a la gente que rodea a la persona que recibe la llamada de Dios, mientras que la segunda es un thriller ambientado en las fiestas rave en el desierto de Marruecos. Por si alguien no está familiarizado con el tema, las rave son fiestas hasta el amanecer con música electrónica en espacios amplios y poco convencionales.

Dos películas muy, pero que muy distintas, lo cual pone de manifiesto lo diverso que es el arte y lo interesante que puede ser una gala de premios con tanta variedad. También me parece muy interesante las temáticas de los documentales nominados a mejor documental: el cine con Eloy de la Iglesia, adicto al cine, la música con Flores para Antonio, la pintura con The sleeper, el Caravaggio perdido, y los toros con Tardes de soledad.

Podéis ver la lista completa de nominaciones AQUÍ.

Tráiler de La Odisea, de Christopher Nolan

Ya desde que se publicó que Christopher Nolan estaba rodando una adaptación de La Odisea, el interés por el proyecto ha sido enorme. Antes de acabar 2025 nos llegó el tráiler, y efectivamente, se perfila como uno de los grandes estrenos de 2026. El tráiler promete épica, emoción, potencia visual y una historia clásica puesta en escena al gusto del siglo XXI.

Balance de 2025, el comienzo de una nueva era

 

Como siempre, el primer post del año, es el balance de la actividad del blog del año que acaba de terminar, en este caso, 2025. Ha  sido un año raro que se ha saldado con 48 entradas, lo cual está dentro de la media habitual, pero lo raro es que he escrito menos reseñas de estrenos que otros años, concretamente 12, cuando normalmente suelen estar entre 20 0 25 aproximadamente. Soy consciente de que me han quedado sin ver varias buenas películas, que estaba interesado en verlas, pero que, lamentablemente, no he tenido oportunidad de ver aún, como La vida de Chuck, September 5, Un completo desconocido o The running man. Normalmente doy mi top 10 del año, pero al haber reseñado 12 películas, me sabe mal dejar solo 2 fuera, así que este es mi ranking de 2025 en orden de las que me han parecido más relevantes o interesantes:

1. Avatar: fuego y ceniza

2. Better Man

3. Mr. Burton

4. Frankenstein

5. Jurassic World: el renacer

6. Misión: Imposible. Sentencia final

7. Elio

8. The Alto Knights

9. Bridget Jones: loca por él

10. El secreto del orfebre

11. María Callas

12. Mercato

Las demás entradas han sido dedicadas a comentar la actualidad cinematográfica, los premios, especialmente los de las entidades con las que colaboro, Cinemanet y el CEC, y por supuesto, mi vídeo navideño, como todos los años, que en esta ocasión repite el personaje del aventurero sin nombre que había estrenado el año pasado, y que durante 2025 fue protagonista de los vídeos promocionales de mi marca de juegos de mesa Ragora Juegos.

Puesto que 2025 llevaba siendo un año distinto, en el último trimestre cambió el lema del mismo. Tras muchos años bajo la frase "El cine es... Magia" ahora se ha cambiado por "El cine a mi manera", lo cual marca el inicio de una nueva era en el contenido del blog, retomando un poco los inicios del mismo. Empezó siendo un blog en el que escribía mi visión sobre distintos aspectos del cine y fue tomando más camino de reseñar películas como otros portales de cine, pero ahora volverá un poco a sus orígenes.

¡Feliz 2026!