La Odisea, un gran viaje en todos los sentidos

 

La Odisea cuenta el viaje de vuelta a casa de Odiseo y su ejército tras su victoria en la batalla de Troya. Por un lado es un viaje lleno de aventuras, donde se deben enfrentar a seres mitológicos, como el cíclope Polifemo o la bruja Circe, por ejemplo. Por otra parte es un viaje interior de Odiseo, de enfrentarse con sus propios fantasmas, a su arrogancia por desafiar a los dioses, a su conciencia por las atrocidades en la batalla de Troya, pero además es la lucha por volver a casa junto a su amada esposa Penélope y su hijo Telémaco.

Además de los viajes que nos cuenta la historia, también está el viaje que Nolan propone al espectador, que como viene siendo habitual en sus películas, convierte el visionado del filme en una experiencia sensorial. La capacidad de Nolan para crear una atmósfera totalmente absorbente con la combinación de la música con los encuadres,  la puesta en escena y la fotografía, dando como resultado un tono hiperrealista y frío. Este estilo lo ha llevado a distintos ámbitos, como el cómic, con la trilogía de Batman, la guerra, con Dunkerque, el cine de espías con Tenet, la ciencia ficción con Interstellar, e incluso con el mundo del ilusionismo del siglo XIX con El truco final. Ahora lleva este estilo tan personal suyo a la Grecia clásica de Homero, dando un resultado curioso, porque si bien tanto hiperrealismo puede chocar a la hora de retratar un mundo de criaturas mitológicas, que no son reales, el caso es que la película funciona. Incluso el retrato de las diosas Atenea o Calipso, son muy terrenales en apariencia, pero la esencia de lo que cuenta se transmite al espectador, ya que las interpretaciones de Zendaya y Charlize Theron, respectivamente, resultan convincentes.

Y hablando ya del elenco, La Odisea cuenta en general con estrellas de primera línea, como las ya nombradas. Un casting encabezado por Matt Damon como Odiseo, impresionante, repartiendo estopa como en la saga Bourne y además dando profundidad al personaje, secundado por Anne Hathaway como Penélope, que este año también está en cartelera con El diablo viste de Prada 2, Tom Holland, el actual Spiderman del universo Marvel, como Telémaco, y Robert Pattinson, el otrora vampiro de la saga Crepúsculo, como el villano de la función.

La Odisea de Nolan es eso, muy de Nolan, dura casi tres horas, pero no se hace larga, es una experiencia, es un viaje a la antigua Grecia, al mundo mitológico y al mundo interior, aquel en el que cada uno debe lidiar con sus propios fantasmas. Es épica, es espectacular y tiene una producción colosal. Además, ha dejado algún plano icónico, de estos que pasarán a la historia, como el del caballo de Troya en la playa. Es una de las mejores películas del año, sin duda.

Revisión interesante: Motín a bordo (1984)

 

A veces ocurre, o al menos a mí me pasa, que vemos una película en un momento determinado con unos actores que más o menos son conocidos y otros que no, pero que con el tiempo esos desconocidos se convierten en estrellas, pero uno no los relaciona con aquella película que vio. Y cuando años después la vuelves a ver, dices: anda, pero si está este y el otro, y trabajaron juntos, que no se me había pasado por la cabeza que estos dos trabajaran juntos alguna vez.

Pues esto me ha pasado con Motín a bordo, de Roger Donaldson. La recordaba como la versión moderna del clásico Rebelión a bordo de Lewis Milestone con Marlon Brando de protagonista, que a su vez era remake de otra película de 1935 protagonizada por Clark Gable. A día de hoy, esta versión de los años 80 también se puede considerar clásica, ya que mucho se habla de los clásicos ochenteros, y en honor a la verdad, creo que ha envejecido bastante bien. La música hipnótica de Vangelis, la fuerza en la mirada de sus intérpretes, los contraluces del barco en altamar al atardecer, el ritmo narrativo, en fin, hay muchos elementos que funcionan perfectamente en la actualidad. Creo que hay películas más modernas que han envejecido peor, y sin embargo, no es una película que haya gozado de grandes elogios de la crítica o del público, así como otras que se han convertido en películas de culto. Tampoco ha sido denostada, es cierto, simplemente ha pasado sin pena ni gloria y creo que es un título a reivindicar hoy en día por eso, porque realmente el tiempo pone las cosas en su sitio y considero que ha envejecido bastante bien.

El motín en el barco The Bounty es una historia real aunque ha sido dramatizado en varias versiones tanto en la literatura como en el cine. En esta versión, el núcleo de la trama está en al amotinamiento de la tripulación liderado por el primer oficial, y amigo personal del capitán, ante la conducta tiránica de este, pero ambos personajes tienen luces y sombras. No es uno superbueno y el otro supermalo, los dos tienen sus razones y sus circunstancias, y el director no se posiciona, nos expone los hechos, lo cual invita al debate tras el visionado de la película.

Pero volvamos al punto con el que iniciamos el post, los rostros conocidos, que no lo eran tanto en aquel momento. Protagonizan Anthony Hopkins y Mel Gibson. Hopkins era conocido por títulos como un puente lejano o El hombre elefante, pero no tenía el estatus de gran estrella, que le llegaría en los años 90 a raíz de su Óscar por El silencio de los corderos. Gibson era conocido en ese momento por la saga Mad Max, que le lanzó a la fama, aunque su consagración como estrella hipercotizada le llegaría tres años más tarde, en el 87, gracias a Arma letal. Pero ahora viene lo bueno, los secundarios que en aquel momento no eran conocidos y se convirtieron en estrellas en los años 90: Daniel Day-Lewis y Liam Neeson. Day-Lewis ganó el Óscar a mejor actor por Mi pie izquierdo y a partir de ahí se convirtió en estrella gracias a títulos como En el nombre del padre, El último mohicano o La edad de la inocencia. Por su parte, Neeson, fue aclamado por la crítica en Sospechoso (1987), protagonizó Darkman (1990) y finalmente fue nominado al Óscar a mejor actor por La lista de Schindler. A partir de ahí se convirtió en estrella con títulos como Rob Roy, Michael Collins o Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma. Neeson y Day-Lewis volverían a coincidir en 2002 en Gangs of New York, de Martin Scorsese.

Por otro lado, el director, Roger Donaldson, estaba en sus inicios cuando dirigió Motín a bordo, y visto ahora con la perspectiva del tiempo, aunque no ha llegado a ser un director muy conocido, su nombre está detrás de varios títulos de relevancia comercial como Cocktail, Un pueblo llamado Dante's Peak, Species o La prueba, entre otros.

Nouvelle Vague, curso intensivo de cine en menos de dos horas

 

Nunca he sido muy fan del cine francés de la Nouvelle Vague, la nueva ola de cineastas que cambiaron la industria y salieron de la revista Cahiers du cinema en los años 50 y 60, como Truffaut, Chabrol o Godard. Personalmente me identifico más con otra generación que también cambió la industria, pero en los 70, el dream team formado por Lucas, Spielberg, Coppola, De Palma o Scorsese. No obstante, me encantan las pelis que tratan sobre cómo se hacen las películas, y esta Nouvelle Vague  de Richard Linklater, es toda una lección de cine con pocos medios, de ser innovador con el lenguaje cinematográfico, sin importar demasiado los recursos técnicos.

La trama versa sobre el proceso de producción de Al final de la escapada, el debut en el largometraje de Jean-Luc Godard y una de las películas más emblemáticas de aquel movimiento artístico. Es como un making of dramatizado y además, muy educativo sobre el oficio de cineasta. Las caracterizaciones son muy buenas, especialmente la de Zoey Deutch, que interpreta a Jean Seberg. Y las interpretaciones son todas buenas destacando la de la propia Deutch y la de Guillaume Marbeck en la piel de Godard.

Dirige, como dije antes, Richard Linklater, responsable de la trilogía Antes de... protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, así como de Boyhood. Es un director estadounidense independiente en una producción francesa, lo cual lo hace muy interesante, porque tiene ese espíritu de rebelde en cuanto a los cánones del cine, como tenían los cineastas retratados en la película, pero además, al no ser francés, puede aportar una visión más objetiva.

Hamnet, un viaje al mundo de las emociones

 

Hacía tiempo que una película no me conmovía tan profundamente. Hamnet no es solo una película, es un viaje emocional sobre la familia y la superación de la pérdida a través del arte. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Maggie O'Farrell, que versa sobre el proceso creativo de Hamlet desde el prisma de la esposa de William Shakespeare. Anne Hathaway, también conocida como Agnes Hathaway, fue la esposa de Shakespeare con el que tuvo tres hijos, pero de su vida familiar se sabe muy poco o casi nada. Esto da pie a que para el relato se puedan tomar muchas licencias artísticas sobre cómo pudo ser la intimidad de la familia Shakespeare en su momento y conseguir una equilibrada y emocionante mezcla entre ficción y realidad.

Este relato en imágenes luce con mucha fuerza gracias a la poesía audiovisual de Chloé Zhao, la directora oscarizada por Nomadland, aunque a mí, personalmente, me parece más redonda y más emocional Hamnet, que de hecho tenía ocho nominaciones a los Óscar, pero finalmente se alzó con un solo galardón, el de mejor actriz protagonista para Jessie Buckley, totalmente merecido, desde luego. Se trata de una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos en la que podemos ver el nombre de Steven Spielberg en la producción a través de Amblin Entertainment. Al celebérrimo dramaturgo británico le da vida Paul Mescal, el otrora protagonista de Gladiator II. La química entre Buckley y Mescal funciona a la perfección en esta película llena de silencios elocuentes, ambientación sobrecogedora y miradas y gestos que atraviesan el alma.

Tráiler de La Odisea, de Christopher Nolan

Ya desde que se publicó que Christopher Nolan estaba rodando una adaptación de La Odisea, el interés por el proyecto ha sido enorme. Antes de acabar 2025 nos llegó el tráiler, y efectivamente, se perfila como uno de los grandes estrenos de 2026. El tráiler promete épica, emoción, potencia visual y una historia clásica puesta en escena al gusto del siglo XXI.

Tráiler de El cautivo, lo nuevo de Amenábar

 

Alejandro Amenábar es uno de los grandes directores del cine español, aunque su filmografía no es muy prolífica. Le pasa un poco como a Tarantino, que no hace muchas películas, pero cada vez que estrena una, causa gran expectación. Personalmente, me gustó mucho su opera prima, Tesis, aunque luego me decepcionó un poco Abre los ojos, a pesar de haber dejado para la posteridad la imagen icónica de Eduardo Noriega en la Gran Vía de Madrid totalmente vacía, pero la película en sí me pareció demasiado compleja y ambiciosa sin un resultado redondo. Con Los otros dio el salto al panorama internacional con Nicole Kidman de protagonista y un resultado estupendo. Luego tomó una deriva, en mi opinión, equivocada, hacia la politización de su cine en títulos como Mar adentro o Ágora. Sin embargo, en sus últimas obras, como la película Mientras dure la guerra o la estupenda serie de televisión La Fortuna, parece haber dejado el panfleto político.

Este tráiler de El cautivo  tiene muy buena pinta, y si sigue en la línea de La Fortuna, creo que puede ser una gran película. Es la vida de Cervantes cuando estuvo preso en la cárcel de Argel. La historia en sí es interesante y con un producción del nivel al que nos suele tener acostumbrados Amenábar, puede dar un resultado realmente bueno. No obstante, el título me parece un poco soso, bastante generalista. Podrían haberlo adornado un poco y titularla algo así como Cervantes cautivo, o El cautivo de Argel, pero en fin, este tráiler me ha sorprendido y realmente me hace estar expectante para cuando estrenen la película. No dudo que a nivel de narración y producción va a ser sensacional. Solo me da un poco de reparo que pueda volver a la senda de lo ideológico, que eso en el tráiler no se vislumbra, pero confiemos en que se mantenga como en sus últimos trabajos, fiel a la historia y al arte para ofrecernos un fantástico espectáculo cinematográfico.

¡Viva el thriller español!

 

El otro día se erigió como ganadora de las Medallas del CEC La infiltrada, con seis galardones, y unos días después volvía a ser reconocida como mejor película en los Goya, ex aequo con El 47. Sin embargo, solo se llevó dos estatuillas, a mejor película y mejor actriz principal para Carolina Yuste, mientras que El 47 se llevaba cinco galardones.

¿Qué se puede concluir con esto? Pues que La infiltrada es la mejor película española de 2024, sin duda, y que Carolina Yuste ha hecho el papel de su vida. Ya venía desplegando mucho carisma en papales secundarios destacando especialmente en películas como Saben aquel y Chinas. Ahora, con La infiltrada, ha conseguido una asociación entre actriz y personaje por la que se le recordará siempre, como fueron La chica yeyé para Concha Velasco o Pretty woman para Julia Roberts, por citar algún ejemplo. Cabe destacar también la inquietante interpretación de Diego Anido encarnando a un terrorista.

La película es un thriller con una tensión que va in crecendo hasta un vibrante desenlace. A Yuste la secunda un veterano de este género cinematográfico en España, como es Luis Tosar, recordado por títulos como Celda 211, El niño o El desconocido, siendo uno de los tipos duros del cine español por excelencia, con permiso de José Coronado, que también es un referente de tipo duro en la pantalla con títulos como La caja 507 o No habrá paz para los malvados.

La infiltrada está dirigida por Arantxa Echevarría y cuenta el caso real de una policía nacional que se infiltró en ETA en los años 90. Así se alinea con otras películas sobre el tema del terrorismo en España como El Lobo o GAL, ambas de Miguel Courtois. 

Puntos en común entre Here y Forrest Gump

 

Fotograma de Here (Aquí)

Fotograma de Forrest Gump

Como ya había comentado en la reseña de Here (Aquí), la película tiene en común con Forrest Gump al director, Robert Zemeckis, y a la pareja protagonista, Tom Hanks y Robin Wright. Sin embargo, no solo se parecen en eso. El autor de la música es el mismo, Alan Silvestri, habitual colaborador de Zemeckis, y también coinciden el guionista, Eric Roth, y el director de fotografía, Don Burgess. Por cierto, Here es de 2024  y Forrest Gump de 1994, justo 30 años de diferencia.

Además, en ambas películas se tratan diferentes momentos de la historia de Estados Unidos. En Forrest Gump son los años de vida del protagonista, porque es él quien cuenta la historia, pero en Here (Aquí), el narrador es la cámara, un objetivo puesto en un punto fijo por delante del cual van pasando distintos momentos de la historia desde la era de los dinosaurios hasta la actualidad. Y en ambas ocasiones, Zemeckis ha hecho un gran alarde de manejo de lo último en tecnología digital para las recreaciones históricas, este vez incluso para rejuvenecer o envejecer a los protagonistas digitalmente.

Todo esto es fácil asociarlo con las inquietudes que mueven al director y a que normalmente los directores suelen rodearse de un mismo equipo de trabajo. Sin embargo, hay un aspecto que me gustaría saber si es hecho a propósito por algún motivo o si es mera casualidad, y es el ventanal en forma de galería con tres piezas que forman medio hexágono, que en Forrest Gump salía en la casa de la madre del protagonista y en Here es el centro del salón en el que transcurre toda la película. Es algo que me llama la atención, pero de lo que no he encontrado ninguna información al respecto. Quizá simplemente sea porque en Estados Unidos es habitual este tipo de ventanas o quizá tenga un significado especial para Zemeckis o a lo mejor es sencillamente una cuestión estética. En cualquier caso, me parece un hecho curioso, dos películas unidas por una ventana, y si alguien conoce la historia de esta coincidencia, le agradecería que lo compartiera en comentarios. Muchas gracias.

Gladiator II, pan y circo de ayer y de hoy

 

Han pasado 24 años desde la mítica Gladiator, que se alzó como ganadora de los Óscar y hoy en día es uno de los grandes títulos de referencia del cine de este siglo, y por qué, de la historia del cine en general. Además, inauguró una nueva etapa y una renovación y revitalización del género conocido popularmente como peplum o cine de romanos, con la tecnología digital al servicio de la recreación del mundo antiguo. Muchos títulos posteriores tomaron ejemplo de ello, tales como La legión del águila, Centurión o El rey Arturo, por citar algunos ejemplos. «Lo que hacemos en la vida, tiene su eco en la eternidad», decía Máximo en la piel de Russell Crowe, y desde luego, lo que hizo Gladiator en la gran pantalla, ha dejado su eco en la historia del cine.

Durante años se ha especulado con una secuela y se le ha dado muchas vueltas al tema. Finalmente se ha materializado y el pasado mes de noviembre llegaba a las carteleras Gladiator II, que se ha convertido en el fenómeno social cinematográfico del año. Lógicamente, no está llamada a tener la repercusión de su predecesora, porque aquí no se está reinventando ni descubriendo nada, pero está claro que es una de las películas del año por el gran espectáculo que nos brinda y por su capacidad de arrastrar al público a las salas. En comparación con la anterior, no resulta tan redonda por dos motivos, en mi opinión, bastante claros. En la primera teníamos dos personajes, Máximo y Cómodo, totalmente antagonistas y perfectamente trazados. En Gladiator II  hay más personajes, y no están todos igual de bien trazados, o al menos, no están totalmente aprovechados. Tenemos al sobrino de del emperador Cómodo, Lucio, que era un niño entonces y ahora es un hombre. Por una serie de circunstancias se ve convertido en gladiador y busca venganza. Máximo era parecido, pero era un soldado con un código de honor muy marcado, mientras que Lucio, encarnado por Paul Mescal bastante bien por cierto, es más pura fuerza bruta movida por la ira.

Por otro lado, tenemos al general Acacio, interpretado por Pedro Pascal, un general con ideales, como Máximo, que se ve en una encrucijada al tener que servir a los frívolos y despiadados hermanos emperadores Geta y Caracalla. El personaje de Acacio es interesante, pero no se le da mucha cancha para el lucimiento. El que sí se lleva de calle todo el magnetismo es Denzel Washington, que irradia carisma por doquier en la piel de Macrino, un tratante de gladiadores con altas ambiciones políticas y cero escrúpulos.

El segundo motivo es la trama, a la que le pasa lo mismo que a los personajes, que es interesante por las conspiraciones políticas que plantea, pero en su resolución no resulta tan redonda como en la primera película. Pero en fin, estamos ante un espectáculo de pan y circo impresionante, una de las películas del año, y que hace un retrato de una sociedad decadente en la que los mandatarios solo buscan entretener al pueblo para que les dejen hacer a ellos lo que les da la gana. «Que coman guerra», dice uno de los hermanos en un momento dado. La historia es cíclica, y quizá Gladiator II no trate solo de lo que pasó con el Imperio Romano, sino también de lo que está pasando hoy en día con el imperio de la sociedad del bienestar occidental. Ridley Scott ha vuelto a hacer vibrar la arena del Coliseo en la gran pantalla.

Priscilla, cómo casarse con una estrella y no morir en el intento

 Sophia Coppola, responsable de títulos como Lost in translation, Las vírgenes suicidas o María Antonieta, nos trae Priscilla, la biografía de Priscilla Presley, según el libro de memorias de la propia Priscilla, Elvis and me, la cual está implicada en la película como productora ejecutiva. La película cuenta la complicada relación entre Elvis Presley y su esposa, que se conocieron siendo ella una adolescente y él ya una estrella del rock, durante su estancia en Alemania para cumplir el servicio militar.

Protagoniza Cailee Spaeny, que ganó la Copa Volpi a mejor actriz en Venecia por esta interpretación, y la verdad es que hace un papel memorable. La secunda Jacob Elordie en el rol de Elvis, que cumple bien su cometido, aunque la estrella de la función, y por tanto, el personaje más desarrollado en la trama, es Priscilla. 

La película invita a la reflexión sobre el despertar de la adolescencia, viendo cómo una niña con una vida normal, de padre militar, con una educación basada en valores tradicionales, se convierte en adulta más deprisa que la gente de su edad al entrar en un mundo adulto muy distinto al de sus padres, lleno de abundancia, lujo y glamur, pero también de excesos y extravagancias. Sophia Coppola nos plantea esta vida llena de luces y sombras con una elegante puesta en escena y fotografía, así como con una estupenda selección de canciones de artistas como Ramones, Brenda Lee, The Righterous Brothers o Dolly Parton, por citar algunos ejemplos. Sin embargo, no sale ninguna canción de Elvis, ya que la empresa que gestiona los derechos de su legado, no dio permiso para usarlas en esta película.

La tierra prometida, algo huele mal en Dinamarca

 

Venganza, amor, esfuerzo, compromiso, lealtad, traición, tiranía, todo ello se puede ver en La tierra prometida (The bastard), una película biográfica o «biopic» sobre Ludvig Kahlen. A mediados del siglo XVIII en Dinamarca, el rey Frederik V quiere colonizar un terreno en la zona de Jutlandia, que constituye un páramo incultivable, lleno de bandidos. Por otra parte, un despiadado terrateniente que vive junto al páramo es el amo y señor de la zona, por lo que no le interesa que ese terreno sea colonizado. Nadie se atreve a secundar el proyecto del rey, nadie tiene agallas para intentar ser el primer colono para atraer después a más, hasta que el capitán Kahlen, retirado del ejército, decide intentarlo y enfrentarse a la agreste naturaleza y al tiránico terrateniente.

La tierra prometida es una coproducción entre Dinamarca, Noruega y Alemania dirigida por el danés Nikolaj Arcel, que ha hecho cine en Dinamarca y debutó en Hollywood con La torre oscura. Encabeza el reparto Mads Mikkelsen, que ya había trabajado con el director en Un asunto real. Mikkelsen es siempre una apuesta segura y sigue alternando proyectos entre Dinamarca y Hollywood. De hecho, el año pasado lo pudimos ver como villano de Indiana Jones y el dial del destino, y antes en Otra ronda, Casino Royal, Rogue One, Después de la boda, en fin, que tiene una facilidad pasmosa para  aparecer tanto en el cine europeo como en el estadounidense.

La tierra prometida tiene buena fotografía, ritmo correcto y algunos momento realmente impactantes. Una muy buena película sobre un hombre que desafió a la naturaleza y toda una sociedad por un ideal: su compromiso con el rey para llevar a cabo un proyecto en el que nadie creía. Una película muy completa tanto en envoltorio como en contenido, tanto en lo que se ve como en lo que trasciende.

Fly me to the moon, la teoría conspiranoica explicada

 

Existe el rumor, leyenda urbana, teoría conspiranoica  o como se le quiera llamar, de que el hombre en 1969 no pisó realmente la Luna y que las imágenes que se vieron fueron un montaje cinematográfico, que incluso se decía que podría haberlo dirigido el mismísimo Stanley Kubrick, que un año antes había estrenado 2001: una odisea del espacio. Esta historia sirvió de base para la película española de animación Atrapa la bandera. 

Este verano llega a las pantallas Fly me to the moon, una película dirigida por el director de Con amor, Simon, Greg Berlanti, con un elenco de actores en estado de gracia encabezado por  Scarlett Johansson, realmente excepcional, y Chaning Tatum, bastante mejor que en otros papeles anteriores. A la pareja protagonista les secunda el siempre interesante Woody Harrelson en un papel a su medida. El resto del reparto, aunque son caras desconocidas para el gran público, se les ve muy sueltos y carismáticos, especialmente Donald Elise Watkins, que interpreta a un joven ingeniero de la NASA.

La situación de la NASA a finales de los años 60, en plena competencia con la Unión Soviética por ver quién llegaba primero a la Luna, era desastrosa. Internamente funcionaba de forma bastante caótica y la aburrida imagen que daban a la opinión pública tampoco ayudaba. En esta situación, con la guerra de Vietnam llenando de sangre los noticiarios, el gobierno decide que deben dar un mensaje de esperanza a la sociedad y usar la misión Apolo 11 para ello, además de ganar a los rusos en la carrera espacial. Un misterioso enlace del gobierno contrata a una experta en marketing para dotar a la NASA del glamur y la frescura necesarios para gustar al público y que la gente se interese por la misión a la Luna. Solo hay un punto oscuro en el plan, y es que piden desde las altas esferas que de manera ultrasecreta se monte un plató para simular la retransmisión en directo del alunizaje, por si acaso fallase algo, lo cual, de hacerse, sería una gran estafa para la humanidad.

Hay buena química entre Johanson y Tatum, que encarnan respectivamente a la experta en marketing y al director de la misión Apolo, dos personajes totalmente antagónicos; el embaucamiento frente a la honestidad, la frivolidad frente a la seriedad, el espectáculo frente a la peligrosa realidad. La película es muy divertida, tiene gancho, ritmo, intérpretes carismáticos y una selección de canciones de la época muy buena, como lo habían sido en su momento las de Forrest Gump o Apollo 13.

La mala racha de Ferrari

 

Cartel de la película Ferrari

Todos lo grandes negocios pasan por momento complicados, y del expiloto y empresario Enzo Ferrari, no iba a ser una excepción. Diez años después de fundar su marca de coches junto a su esposa, atraviesa un crisis que a punto estuvo de llevar a la quiebra el negocio. Además, el matrimonio atravesaba un momento personal de distanciamiento por la pérdida de su hijo, mientras que Enzo mantenía en secreto a otro hijo con otra mujer. Este momento crucial de la icónica marca de automovilismo es retratado en el entretenido biopic Ferrari, de Michael Mann.

El director de títulos como Heat, Collateral o El último mohicano, ya había trabajado como productor ejecutivo en otra película sobre la historia del mundo automovilístico relacionado con Ferrari, en Lemans 66, dirigida por James Mangold. Ahora Mann  dirige él directamente este biopic con Adam Driver en la piel del magnate de la automoción, Penélope Cruz como su esposa y socia en la empresa, y Shailene Woodley como la madre de su hijo ilegítimo.

Las escenas de las carreras de coches son vibrantes, como cabía esperar del director, y en cuanto a las escenas más de relaciones humanas entre los personajes, destacan en intensidad aquellas protagonizadas por el matrimonio Ferrari, con el tour de force entre Adam Driver y Penélope Cruz. No es la primera vez que Mann trabaja con actores españoles, ya dirigió a Javier Bardem en Collateral y a Luis Tosar en Corrupción en Miami.

Una película interesante sobre el automovilismo y el mundo de los negocios y los emprendedores, que resulta vibrante en ocasiones, menos intensa en otras, pero que en general, goza de buen ritmo y resulta muy agradable de ver.

Los tres mosqueteros, superproducción francesa

 

La enésima versión del clásico de Alejandro Dumas ha llegado este año a los cines en forma de superproducción europea. Y tendrá su continuación en 2024. Los tres mosqueteros: D'Artagnan se estrenó en España en mayo y su segunda parte, Los tres mosqueteros: Milady, se ha estrenado este mes de diciembre en Francia y llegará a finales de enero de 2024 a nuestro país.

Esta nueva versión es muy interesante a nivel estético y musical. La partitura corre a cargo de Guillaume Roussel, y tiene cierto estilo cercano al de Han Zimmer. De hecho, en algunas escenas de acción, trae reminiscencias de la saga de El caballero oscuro.

Los tres mosqueteros: D'Artagnan goza de buen ritmo, buenas coreografías y un hábil equilibrio entre modernidad y tradición. Dirige Martin Bourboulon, artífice del biopic Eiffel, y el elenco cuenta con dos rostros muy conocidos internacionalmente: Vincent Cassel, visto en películas como Especiales, Cisne negro o Jason Bourne, y Eva Green, la otrora chica Bond de Casino Royale y conocida también por El reino de los cielos o El hogar de Miss Peregrine para niños especiales.

En 2011 hubo otra adaptación de Los tres mosqueteros con vocación de ser una actualización del clásico para el siglo XXI, pero no lograba ese equilibrio entre conservar la esencia y resultar visualmente moderna, sino que a pesar de ser muy espectacular, la esencia más bien se difuminaba. Ahora, con adaptación en forma de dilogía, mantiene mejor la esencia, y aunque visualmente no sea tan espectacular como la de 2011, sí resulta lo suficientemente actual visualmente para dar continuidad al clásico de Dumas en las pantallas del nuevo milenio. Larga vida a los mosqueteros. Uno para todos y todos para uno.

Napoleón, otro espectáculo épico de Ridley Scott

 

Recuerdo un reportaje a finales de los noventa, cuando George Lucas iba a reestrenar la trilogía original de Star wars con nuevas imágenes digitalizadas antes de iniciar la nueva trilogía con los episodios 1, 2 y 3,  en el que varios cineastas consagrados opinaban sobre cómo les influyó en su momento el estreno de La guerra de las galaxias en 1977. Uno de ellos era Ridley Scott, que dijo algo así como que eso no iba con él, porque estaba en otra onda distinta, ya que estaba preparando la que fue su ópera prima, Los duelistas, que se desarrollaba en la época de las guerras napoleónicas, pero curiosamente, sus dos siguientes películas fueron Alien y Blade runner. Ahora vuelve a esa época de sus inicios con el propio protagonista de las guerras napoleónicas, es decir, Napoleón Bonaparte, en una película que lleva su nombre: Napoleón.

Aunque nunca dejó del todo la ciencia ficción, ya que volvió a ella a con Prometheus o Alien covenant, sí es verdad que las historias épicas de otras épocas siempre le han fascinado, como ya ha demostrado en Gladiator o El reino de los cielos. Ahora con Napoleón vuelve a trabajar con Joaquin Phoenix, con quien ya había trabajado en Gladiator, como protagonista absoluto de la película y realmente ha conseguido un nuevo gran espectáculo cinematográfico épico con imágenes muy impactantes. La película transcurre entre 1793 y 1815 y tiene, digamos, como tres partes temáticas de la vida de Napoleón. Por un lado, la parte política, luego la parte personal de su relación con Josefina y por otro lado, las gestas heroicas, las batallas épicas, que son lo que dan el gran espectáculo visual de esta película. Estos tres temas se van alternando a lo largo de dos horas y media de metraje con ciertos vaivenes en el ritmo narrativo, pero en general, se mantiene bastante bien el interés durante las dos horas y media.

Creo recordar que fue Francis Ford Coppola quien dijo una vez que para tener una buena película necesitas dos grandes momentos y colocar uno al principio y otro al final, para arrancar la historia atrapando al espectador y luego, al final, para dejar con buen sabor de boca. Lo que pase entre medias tiene una importancia relativa. Esto fue por lo que en Apocalipsis now empieza, digamos, por el final, con una gran explosión. En el caso de Napoleón tenemos realmente tres grandes batallas que son de un impacto visual importante; una al principio, la de Tolón, en la que los franceses toman un fuerte custodiado por los ingleses, luego hay otra al final, que es la famosa de Waterloo, y entre medias tiene otra batalla, la de Austerlitz, en la que se tiende una emboscada a los enemigos en un lago helado, que es realmente muy impactante.

La parte política de la historia se toca de manera superficial, pero lo suficiente para que el espectador sepa en cada momento quién es el amigo y enemigo de Francia, ya que era una época en la que las alianzas y conflictos entre países europeos eran muy cambiantes, y quien hoy era tu amigo, mañana podía ser tu enemigo y viceversa. Respecto al matrimonio con Josefina, se transmite bien la difícil y complicada relación que tuvieron y al mismo tiempo, la unión emocional que mantuvieron toda la vida. Josefina es interpretada con gran carisma por Vanessa Kirby, a la que pudimos ver este verano en Misión: Imposible, Sentencia mortal. Y finalmente, las batallas son el plato fuerte de la película, donde Scott despliega todo su poderío visual y su veteranía dirigiendo este tipo de escenas.

La película ha generado cierta controversia por las licencias artísticas que se ha tomado faltando al rigor histórico, pero si Scott en Gladiator, fue capaz de hacer que un personaje histórico como el emperador Cómodo, muriese en la arena del Coliseo a manos de un personaje ficticio, el gladiador Máximo, y la película no solo arrasó en su momento, sino que 23 años después de su estreno sigue siendo aclamada como una gran película, ¿qué se espera ver en Napoleón? Es una película de Ridley Scott, disfruten del espectáculo.

Cine de Semana Santa: Resucitado (2016)

En 2016 se estrenaba Resucitado, una película sobre la investigación que un centurión romano lleva a cabo al descubrir la tumba vacía de Jesucristo el tercer día de haber sido crucificado. Es una película de romanos en clave de thriller que a pesar de no ser un peliculón, es efectiva, entretenida y sobre todo, aporta un enfoque diferente e interesante sobre la resurrección de Cristo, aunque no tenga un mayor calado de trascendencia, pero tampoco la película es pretenciosa en ese sentido.

Dirige Kevin Reynolds, director de Robin Hood: príncipe de los ladrones o Waterworld, entre otras. Protagoniza Joseph Fiennes, conocido especialmente por la oscarizada Shakespeare in love.

Resucitado es por tanto, una película interesante para rescatar en estas fechas, especialmente por el enfoque que da de ver el tema de la resurrección de Cristo desde la perspectiva de los romanos. Como ya sabemos, sobre todo el proceso de la vida de Cristo, la pasión o la crucifixión, hay muchas otras películas, como La Pasión, El hombre que hacía milagros o Jesús de Nazaret, entre otras.

Feliz Semana Santa a todos.

El estrangulador de Boston, periodismo de investigación

 

En los años 60, un asesino en serie se dedicaba a estrangular mujeres en la ciudad de Boston. Dos periodistas, Loretta McLaughlin y Jean Cole, se encargaron de investigarlo teniendo todo en contra. La policía no quería que la prensa metiera las narices en sus investigaciones y encima, siendo dos mujeres, ya que ese tipo de casos en esa época solían ser encomendados a hombres, mientras que a las mujeres se les asignaban más las noticias de moda y sociedad.

El Estrangulador de Boston nos cuenta esta investigación con mucha sobriedad, un tono general de cine clásico, una cuidada ambientación de época y  posiblemente una de las mejores interpretaciones de su protagonista, Keira Knightley. También su compañera de reparto, Carrie Coon, está espléndida en su papel, aunque es un rostro menos conocido de la pantalla, ya que a pesar de hacer cine y televisión, su carrera se ha forjado mayormente en el teatro. Entre los secundarios encontramos otro rostro conocido, el veterano Chris Cooper, interpretando al director del periódico, y por tanto, el jefe de las aguerridas periodistas.

La ambientación está muy conseguida con una fotografía en tonos apagados y una partitura musical en la línea de los clásicos del suspense. El ritmo es adecuado y mantiene el interés en todo momento.

Escribe y dirige Matt Ruskin bajo la producción de, entre otros, Ridley Scott. El estrangulador de Boston es una película de suspense que, sin llegar a ser un peliculón, es un más que correcto thriller de corte clásico y elegante con muy buenas interpretaciones de sus actrices principales y un tono en general más que convincente.

Llegaron de noche, basada en hechos reales

 

El caso de los jesuitas asesinados en El Salvador

El aclamado director Imanol Uribe, de familia vasca y criado en el País Vasco pero nacido en El Salvador, nos trae una historia ocurrida en su tierra natal con Llegaron de noche. La trama versa sobre la única testigo de la matanza de seis sacerdotes jesuitas en 1989 en la Universidad Centoamericana (UCA) en El Salvador. Ella trabajaba en el servicio de limpieza de la universidad y pudo ver quiénes fueron realmente los ejecutores de la masacre, algo que no gusta demasiado en las altas esferas.

La narración está correctamente dosificada y mantiene bien la tensión en general, aunque quizá en algún momento se pueda echar en falta un poco más de garra. No obstante, Uribe, que ya es veterano en este género, con películas en su filmografía como Días contados, por la que ganó el Goya a mejor director, La muerte de Mikel o La fuga de Segovia, y sabe mantener el interés sin demasiadas estridencias narrativas. 

Destaca especialmente en la película la interpretación de la protagonista, Juana Acosta, y entre los secundarios podemos encontrar rostros conocidos de grandes nombres del cine español como Karra Elejalde o Carmelo Gómez.

El hombre del norte, la leyenda que inspiró a Shakespeare

 

Espada y brujería escandinava del siglo IX

El director de la peculiar El faro, Robert Eggers, nos ha traído este año El hombre del norte, una película violenta y salvaje sobre una leyenda de la cultura nórdica en la que Shakespeare se basó para escribir Hamlet. Un niño, llamado Amleth, ve cómo su tío mata a su padre, el rey, y se lleva a su madre. El niño huye y se hace adulto con una idea fija en su cabeza: vengar a su padre, salvar a su madre y matar a su tío.

El arranque es muy potente y el desenlace y final también, pero entre medias, durante el desarrollo de la trama, resulta un poco errática en ritmo y en la estructura narrativa. En papeles de hombre salvaje y tosco de pocas palabras en ambientes muy salvajes como Conan, el bárbaro, Noé o El renacido, es muy importante el carisma del actor, y la cuestión es que en este caso, Alexander Skarsgard no tiene el carisma que tuvieron en esos otros títulos Arnold Schwarzenegger, Russell Crowe y Leonardo Di Caprio respectivamente. Sí muestran más empaque los secundarios Nicole Kidman, Ethan Hawke y Anya Taylor-Joy. Sin embargo, su padre, Stellan Skarsgard, sí nos brindó a un vikingo desalmado, salvaje y carismático en El Rey Arturo (2004).

No obstante, la ambientación de El hombre del norte es impresionante, combinando hábilmente la fotografía, música y puesta en escena para recrear un mundo salvaje, tribal, hostil y sanguinario. Lástima esos dos puntos débiles, el carisma del protagonista y la bajada del pulso narrativo del director en el tramo medio de la película, que si fuesen de otra manera, podría ser una película de espada y brujería redonda.

Las ilusiones perdidas, de Balzac

 

El reflejo del presente en un espejo del pasado

La ganadora de los premios César en Francia este año ha sido Las ilusiones perdidas, adaptación de la obra homónima de Balzac, del siglo XIX. Cuenta la historia de un joven poeta de un pueblo francés que se va a París, a la gran urbe, en busca de la fama, en busca de un editor que quiera publicar sus poemas. Pero al llegar, se encuentra con la triste realidad, en la que el talento de poco sirve si no tienes padrinos en la industria. Se encuentra con una industria de la cultura y el entretenimiento en que los periodistas escriben la críticas positivas o negativas de libros y obras de teatro en función de lo que les paguen los editores o los productores teatrales. Expertos opinando al mejor postor. El triunfo o el hundimiento dependen de las relaciones sociales del artista, no de su talento. Un entramado en el que es fundamental para sacar una obra adelante, sea de la calidad que esta sea, tener buenos contactos y además, tener cuidado de no crearse enemigos. Es decir, que en el siglo XIX ya las cosas funcionaban más o menos como hoy en día, nada nuevo bajo el sol.

La reconstrucción histórica por un lado y el tono moderno por otro, para darle la energía necesaria que empatice con el espectador del siglo XXI, están en buena armonía. Hay momentos que pueden traer ecos de El gran Gatsby, de Baz Luhrman, o de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese. Buen ritmo, mucha energía y una fotografía excelente. Cabe también señalar que siendo un elenco plagado de rostros poco o nada conocidos para el gran público, todos los actores están a la altura de las circunstancias y aportan el carisma necesario a sus personajes, destacando especialmente, en mi opinión, la actriz Cécile de France en el papel de Louise de Bargeton y el actor Vincent Lacoste en el rol del periodista Etienne Lousteau. El rostro más conocido para el público internacional es el de Gérard Depardieu, que en un papel secundario da vida a un poderoso editor literario.

Las ilusiones perdidas es una película muy recomendable, primero por ser una buena película, y en segundo lugar, porque es una buena reflexión sobre el mundo que vivimos hoy, dos siglos más tarde., un espejo en el que mirarnos como sociedad. Amigos y enemigos, amantes y matrimonios fallidos, alianzas y traiciones, todo forma parte del enmarañado entramado del mundo del entretenimiento que comercia al mejor postor con la sensibilidad artística sin ningún pudor, en una sociedad llena de falsas apariencias, hipocresía y postureo. Como dije antes, nada nuevo bajo el sol.