Clint Eastwood se retira del cine al cumplir 96 años

 

La primera película que vi de Clint Eastwood en cine fue El jinete pálido. Me causó un gran impacto, no solo por ser un niño entonces y que se trataba de una gran película, sino porque en ese momento, mi concepto del western eran los clásicos de Hollywood que veía por la tele y John Wayne era el vaquero por excelencia. Eastwood me llamó la atención, primero por el apellido, y además fue como un descubrimiento ver que era un vaquero moderno, el sustituto de John Wayne.

A partir de ahí lo he seguido siempre. Empecé a ver sus películas anteriores en vídeo y en la tele, como las que hizo con Sergio Leone o con Don Siegel. 

En los 90 ya iba asiduamente al cine y coincidió con la primera década dorada de Clint Eastwood como cineasta, su primer Óscar con Sin perdón y otro títulos memorables como Un mundo perfecto, Los puentes de Madison o Poder absoluto. En la siguiente década ganó su segundo Óscar por Million dollar baby y destacan otros títulos de su filmografía como Mystic river o Gran Torino.

Y ya en su última época nos ha brindado joyitas como Richard Jewell, Mula o Jurado número 2, su última película. Ha sido un incombustible del séptimo arte, pero aun así hay que parar en algún momento y ha sido ahora, a los 96 años. Muchas gracias por todo, señor Eastwood, y disfrute de una más que merecida jubilación.

Nouvelle Vague, curso intensivo de cine en menos de dos horas

 

Nunca he sido muy fan del cine francés de la Nouvelle Vague, la nueva ola de cineastas que cambiaron la industria y salieron de la revista Cahiers du cinema en los años 50 y 60, como Truffaut, Chabrol o Godard. Personalmente me identifico más con otra generación que también cambió la industria, pero en los 70, el dream team formado por Lucas, Spielberg, Coppola, De Palma o Scorsese. No obstante, me encantan las pelis que tratan sobre cómo se hacen las películas, y esta Nouvelle Vague  de Richard Linklater, es toda una lección de cine con pocos medios, de ser innovador con el lenguaje cinematográfico, sin importar demasiado los recursos técnicos.

La trama versa sobre el proceso de producción de Al final de la escapada, el debut en el largometraje de Jean-Luc Godard y una de las películas más emblemáticas de aquel movimiento artístico. Es como un making of dramatizado y además, muy educativo sobre el oficio de cineasta. Las caracterizaciones son muy buenas, especialmente la de Zoey Deutch, que interpreta a Jean Seberg. Y las interpretaciones son todas buenas destacando la de la propia Deutch y la de Guillaume Marbeck en la piel de Godard.

Dirige, como dije antes, Richard Linklater, responsable de la trilogía Antes de... protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, así como de Boyhood. Es un director estadounidense independiente en una producción francesa, lo cual lo hace muy interesante, porque tiene ese espíritu de rebelde en cuanto a los cánones del cine, como tenían los cineastas retratados en la película, pero además, al no ser francés, puede aportar una visión más objetiva.

Atención, Columbus y Spielberg preparan Gremlins 3

 

Fotograma de Gremlins (1984)

Se acerca la Navidad y un clásico ochentero de estas fechas da nuevas noticias en estos días: se está poniendo en marcha Gremlins 3, la nueva entrega de la hasta ahora dilogía dirigida por Joe Dante sobre esos seres adorables que se convierten en malvados bichos verdes si comen después de medianoche.

Al igual que en las dos entregas anteriores, vuelve a estar en la producción Steven Spielberg. Sin embargo, la dirección correrá esta vez a cargo de Chris Columbus, que fue guionista de la primera entrega. En aquel entonces, Columbus era solo guionista, no había debutado aún en la dirección, pero ahora, toma las riendas del proyecto tras una larga trayectoria como director jalonada de grandes éxitos comerciales como las dos primeras entregas de Solo en casa, las dos primeras entregas de Harry Potter, Señora Doubtfire, Nueve meses o Un padre en apuros, entre otras.

El estreno está previsto para 2027, y a priori, el proyecto parece que puede llegar a buen puerto. Seguiremos estando al tanto de su evolución. 

Denis Villeneuve, el nuevo director de 007

 

Dennis Villeneuve

Es noticia estos días que la próxima película de James Bond ya tiene director: Denis Villeneuve, artífice de títulos como Incendies, Prisioneros, Blade Runner 2049 o la saga Dune. Hay opiniones para todos los gustos, de si será o no el director adecuado para la nueva etapa de 007. Personalmente, creo que eso dependerá del tono que los nuevos responsables de la saga, Amazon Studios, quieran darle a la película.

Desde los años 60 hasta la actualidad, con 25 películas y 6 actores encarnando al mítico personaje, ha habido películas con distintos tonos, y en todos ellos, unas han funcionado mejor que otras. Las de Sean Connery eran serias pero no dramáticas, y con algunas gotas de humor sarcástico. George Lazenby solo hizo una película, y seguía la estela de Connery, pero se veía ya algún elemento más dramático. Roger Moore fue el más frívolo de todo, mezclando acción y comedia, cayendo algunas veces en la autoparodia con mayor o menor fortuna. Timothy Dalton era más serio. Pierce Brosnan ofreció un Bond a medio camino entre Connery y Moore. Finalmente, Daniel Craig encarnó al Bond más dramático, que llegaba a ser incluso un personaje atormentado.

Denis Villeneuve es un director caracterizado por personajes serios, atmósferas densas, personajes atormentados, ambientes sombríos. Encajaría bien en la línea de las películas con Daniel Craig, y especialmente las dirigidas por Sam Mendes, Skyfall y Spectre. Si los productores pretenden seguir esta senda, Villeneuve puede ser una buena apuesta. Sin embargo, si quieren retomar otro tono más fresco de antaño para marcar el inicio de una nueva etapa de la franquicia, quizá no lo sea tanto. En fin, ya veremos en qué queda finalmente todo.

Jason Bourne, otro espía de cine con cambios en el horizonte

 

El otro día hablábamos del cambio de criterio en la saga de 007 en manos de un nuevo estudio, Amazon MGM, pero no es el único espía del cine que está experimentando cambios. Ahora resulta que a Universal le han vencido los derechos de la saga Bourne y son los herederos de Robert Ludlum los propietarios de estos derechos.

El punto está en que, aunque algunos pensaban que estaba cerrada la franquicia, anda pululando el proyecto desde 2023 de realizar una nueva entrega, impulsado por Matt Damon y el director Edward Berger. Este cineasta alemán ganó un Óscar por Sin novedad en el frente  como mejor película internacional, y este año él no ha tenido otra película en los premios de la Academia de Hollywood con Cónclave, que se ha llevado la estatuilla a mejor guion adaptado para el guionista Peter Straughan. Matt Damon ha mostrado interés por trabajar con Berger y este director por la saga de Jason Bourne, así que parece que se dan condiciones propicias para una nueva entrega, la cuestión es bajo el amparo de quién.

Skydance, Netflix y Apple están interesadas en relanzar la franquicia, pero también Universal podría recuperar los derechos. Veremos quién lanza la mejor oferta y gana la batalla por amparar al espía amnésico más famoso del cine.

007, licencia para rodar

 

Uno de mis iconos favoritos del séptimo arte, Bond, James Bond, el agente 007, con permiso de mi arqueólogo favorito, Indiana Jones, está siendo muy mediático últimamente sin estrenar película. Por un lado está el reciente homenaje recibido en los Óscar. Por otro lado, han sonado mucho estos días pasados las declaraciones de Pierce Brosnan sobre el nuevo actor que vaya a interpretar a 007, ya que según él, debe ser británico. Recordemos que Brosnan es Irlandés, Sean Connery escocés, Timothy Dalton galés, George Lazenby australiano y Roger Moore y Daniel Craig, británicos. Mucho se ha especulado sobre quién será el próximo actor que encarnará al personaje, pero sin nada sólido de momento. 

Desde que los productores Barbara Broccoli y Michel G. Wilson cedieron los derechos creativos a Amazon MGM Studios, el futuro de la franquicia se ha llenado de incertidumbres. Por un lado, es obvio que seguirán haciéndose películas del agente británico, ya que Amazon tendrá que amortizar su inversión, aunque de momento sigue monetizando la distribución de la saga. Sin embargo, el hecho de que sean otros quienes estén al mando, está claro que abre muchas posibilidades a cambios en las señas de identidad del personaje y de las películas tal como se habían hecho hasta ahora.

Hace poco también salió la noticia de que Amazon quiere a Christopher Nolan para dirigir la nueva entrega que vayan a rodar. Ya anteriormente Nolan había mostrado interés en entrar en la saga pero no llegaron a un acuerdo, y fue cuando el director decidió hacer su propia película de espías, Tenet, que no estaba mal, pero que tampoco ha sido precisamente de las más aclamadas de su filmografía. Veremos si esta vez hay acuerdo o no con los nuevos criterios creativos de 007.

Parece que el rodaje de una nueva película de Bond está lejos, pero llegará en algún momento y con cambios respecto a  las anteriores, lo que no sabemos si para bien o para mal. Esperemos que sea para bien.

79ª edición de las Medallas del CEC, el año de los vídeos

 

El pasado 5 de febrero en el Palacio de la Prensa de Madrid, tuvo lugar la entrega de los premios cinematográficos más veteranos del cine español, las Medallas CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos). Se alzó como ganadora La sociedad de la nieve, de J.A. Bayona. El director había ganado también en la gala de 2013, Bayona había subido a recoger el premio a mejor actriz en nombre de Naomi Watts por lo Lo imposible y ya que ella no podía estar presente, dio las gracias a través del teléfono móvil de Bayona. En cambio este año él debía recibir el galardón a mejor película como productor, pero no pudo asistir, así que mandó un vídeo de agradecimiento para proyectar en caso de ganar, como ha sido.

Igual que en la pasada década aquella llamada de móvil no fue el único caso, también Luis Tosar en la gala de 2010, por ejemplo, tampoco este año fue Bayona el único premiado que agradeció su galardón por vídeo. También José Coronado, por ejemplo, como mejor actor secundario por Cerrar los ojos, recurrió al vídeo de agradecimiento, así como algunos más. De manera que hemos pasado de los agradecimientos vía móvil a vía vídeo cuando los premiados no han podido asistir a la ceremonia por diversos motivos, y me parece una evolución interesante.

De quien sí pudimos disfrutar en vivo y en directo, entre otros muchos, fue de dos grandes referentes del cines español, como Álex de la Iglesia o Enrique Cerezo, que fueron premiados con la Medalla de Honor por su trayectoria y la Medalla a la labor de promoción del cine respectivamente.

La gala de este año ha sido presentada de forma fluida, amena y eficaz por el actor Carlos Hipólito. Una agradable velada que se puede resumir con una frase que se oyó varias veces durante el evento: "¡Viva el cine!"

PALMARÉS COMPLETO

La clave del éxito

 

El triunfo de la serie B de acción en los años 80

El otro día estuve viendo una película ochentera que no había visto: El tren del infierno, una producción de Cannon Films, la productora que en la década de los 80, bajo la batuta de los primos Menahen Golan y Yoran Globus, encumbró  héroes de acción como Chuck Norris o Jean-Claude Van Damme y consiguió ser muy rentable haciendo películas de acción de serie B, muchas de las cuales iban directas a las estanterías de los videoclubs.

Concretamente, con El tren del infierno, consiguieron estar presentes en los Óscar, ya que esta película tuvo tres nominaciones: mejor montaje, mejor actor de reparto para Eric Roberts y mejor actor principal con Jon Voight.

Esto me lleva a la siguiente reflexión: ¿cuál es la clave del éxito? ¿Es necesario ser muy famoso o recaudar mucho en taquilla? Los responsables de Cannon pudieron vivir de hacer cine con películas de acción de bajo presupuesto, que si bien no tenían el alcance de las grandes productoras como Carolco o Warner Bros., sí tenían el suficiente público como para que las películas fuesen rentables.

Por ejemplo, en 1991 Carolco estrenaba la mítica Terminator 2  con un presupuesto de 102 millones de dólares y Schwarzenegger de protagonista convertido ya en estrella, recaudando a mundialmente unos 520 millones de dólares. Ese mismo año, Cannon estrenaba Kickboxer, la película que lanzó a la fama a Jean Claude Van-Damme, con un presupuesto de 1,5 millones de dólares y una recaudación mundial de 14 millones.

A lo que voy, es que si el éxito en la vida es vivir de lo que a uno le gusta, cuando alguien tiene vocación por el cine, el éxito no significa llegar a lo más alto de industria o ganar un Óscar, sino ser capaz de tener un público lo suficientemente amplio para hacer rentables películas de presupuesto ajustado y poder vivir de ellas. Además de Cannon, otro ejemplo de esto es Woody Allen, que tiene su estilo particular de cine, hace películas también con un presupuesto bajo y tiene una audiencia fiel lo suficientemente amplia para rentabilizar sus películas y ganarse la vida haciendo cine.

Noticias de cine de la primera semana de marzo

 Fotogramas: Las películas más esperadas de 2022.

Acción: Spielberg prepara una película con el personaje de Bullit.

Decine21: Análisis del estreno de la semana: The Batman.

Cinemascomics: Polémicas declaraciones de George Lucas sobre Anakin.

Empieza marzo y cumplen años...

 

Ron Howard, 68 años.

Director, actor, productor.

1 de marzo de 1954 en Estados Unidos.

Llamaradas, Una mente maravillosa, Rush...

Daniel Craig, 53 años.

Actor.

2 de marzo de 1968 en Reino Unido.

Munich, Skyfall, Puñales por la espalda...

Eva Mendes, 48 años.

Actriz.

5 de marzo de 1974 en Estados Unidos.

2 fast 2 furious, Training day, Ghost rider...

Esta semana cumplen años...

Amanda Peet, 50 años.
Actriz.

11 de enero de 1972 en Estados Unidos.
Falsas Apariencias, 2012, Cuando menos te lo esperas...

John Lasseter, 65 años.

Productor, guionista, director.

12 de enero de 1957 en Estados Unidos.

Toy Story, Bichos, Cars... 

Orlando Bloom, 45 años.

Actor.

13 de enero de 1977 en Reino Unido.

Piratas del Caribe, El señor de los anillos, El reino de los cielos...

John Carpenter,  74 años.

Director, productor, guionista.

16 de enero de 1948 en Estados Unidos.

La cosa, Golpe en la pequeña China,  1997: rescate en Nueva York...

Ricardo Darín, 

Actor.

16 de enero de 1957 en Argentina.

El hijo de la novia, Nueve reinas, La cordillera...

George Lucas, el hombre que cambió una industria

 De cineasta independiente a gran empresario cinematográfico

George Lucas con Alec Guinness en el rodaje de La guerra de las galaxias.

Creador de las sagas de Star Wars e Indiana Jones. Siendo fan de los seriales de fantasía espacial, como Flash Gordon,  y aventuras con exploradores en lugares exóticos de los años 30, tenía en mente que quería hacer su propia versión de estas historias.

Lucas fundó American Zoetrope junto con Francis Ford Coppola en 1969 y se asentaron en San Francisco, cerca de la industria cinematográfica pero fuera del núcleo donde se concentraban los grandes estudios. Ellos eran jóvenes, rebeldes e independientes y querían hacer algo nuevo y diferente. 

En los años 70 se hacía un cine más realista y negativo, con antihéroes y ambientes hostiles, pero Lucas quería hacer una película con caballeros, héroes y princesas en un mundo fantástico en una galaxia muy, muy lejana.

Fundó la ILM (Industrial Light and Magic) en 1975 para la creación e los efectos especiales de La guerra de la galaxias. Contrató a maquetistas, diseñadores y otros artistas que no estaban en la industria del cine.

Pixar nació como un departamento de ILM para explorar el potencial de los ordenadores en el campo de los efectos visuales y más tarde se independizó como estudio especializado en animación por ordenador.

Siempre tuvo una visión de pionero, de innovador, tanto en la técnica como en el contenido de sus historias. Acabó creando todo un imperio empresarial al servicio de la industria cinematográfica.

George Lucas tuvo la habilidad también de manejar bien el merchandising, con la venta de juguetes y  acuerdos con empresas e otros gremios, como cadenas de hamburgueserías, para establecer sinergias y promocionar la película en vasos de refresco y cosas por el estilo. Cambió la industria, la forma de hacer cine y la forma de hacer negocio con el cine.

Las otras huellas de James Cameron

  

Es innegable la huella profunda que James Cameron está dejando en la historia del cine, con hitos que van desde la creación de un icono como Terminator hasta la conquista de los Óscar con once estatuillas por Titanic, igualando así a Ben-Hur, o poniendo de moda el 3D en salas convencionales con Avatar. Es uno de los grandes nombres que han influido en la evolución de la producción cinematográfica, especialmente en el área de los efectos visuales generados por ordenador tras la creación del T-1000 interpretado por Robert Patrick en Terminator 2.

Sin embargo, sus ideas no solo se han plasmado en su propia filmografía, sino que también ha estado presente en otras grandes producciones y aquí traigo dos ejemplos. Por un lado, Spiderman (2002), de Sam Raimi. Si buscamos el nombre de Cameron en los créditos no lo encontraremos. Según contaba Raimi en una entrevista, cuando él se hizo cargo de la película, el proyecto no era nuevo, sino que llevaba varios años dando vueltas por el estudio. La primera vez que se empezó a tratar el tema fue en 1993, en pleno auge de los efectos digitales tras los hitos que supusieron en este campo Terminator 2 en 1991 y Parque jurásico en 1993. Uno de los primeros involucrados en el proyecto fue James Cameron, y suya fue la aportación de hacer que la telaraña de Spiderman fuese orgánica, que la generase él mismo, en vez de ser un sofisticado artilugio creado por un adolescente, como se ve en los cómics originales.

Sin llegar a cuajar el proyecto, Cameron se desligó del mismo para ocuparse de otros. Cuando más tarde se retomó esta producción con Sam Raimi como director, a este le gustó la idea de Cameron y decidió mantenerla en el guion definitivo de la película.

El otro gran título con sello de Cameron de forma discreta, es Rambo: Acorralado parte 2, de la que fue coguionista junto con Sylvester Stallone, y en este caso sí que está acreditado, aunque la película no se suela asociar con este cineasta, pero sí forma parte de su filmografía.

Bad boys for life, los polis más «cool»

 

Los polis más colegas y más «cool» de los 90 han estado de vuelta en la cartelera en 2020, Bad Boys for life, tercera entrega de la saga iniciada por Michael Bay en 1994, estrenada en España como Dos policías rebeldes. De hecho, fue su debut en el largometraje tras una larga trayectoria de cortos y videoclips musicales. Esta vez, le toman el relevo los directores Adil El Arbi y Billal Fallah, bajo la producción nuevamente del equipo de Jerry Bruckheimer. En los créditos se puede ver que han incluido la presentación antigua en la que son Don Simpson y Jerry Bruckheimer los productores, que fueron ambos los responsables de la primera parte. Tras la muerte de Simpson durante la producción de La Roca, cuando sacaron la segunda película de Bad Boys, lo incluyeron también como homenaje, y ahora han hecho lo propio en esta tercera entrega.

El humor a costa de la edad de los personajes y del relevo generacional es previsible pero efectivo, y tanto Will Smith como Martin Lawrence siguen emanando carisma y transmitiendo buen rollo, fruto de la buena química entre ambos. Acción a raudales, tiros, explosiones, y una trama que remite al pasado del personaje de Will Smith, pero un pasado anterior incluso a la primera película, que la hace más interesante de lo que cabía esperar y le da un toque emocional al conjunto. Es por tanto, una secuela con cierto aire a precuela.

En fin, muy entretenida, muy fresca, muy trepidante, muy «cool».

Y con el buen rollo de esta reseña os deseo a todos un feliz Año Nuevo, un 2021 cargado de buen cine.

La trilogía sobre Robert Langdon

Otra saga que tenía pendiente por rematar, ya que solo había visto la primera parte, era la trilogía sobre Robert Langdon, personaje creado por el autor Dan Brown, en las películas, El código Da Vinci, Ángeles y demonios e Inferno. Los libros en los que aparece son cinco en total; a los tres que han sido adaptados al cine se le suman El símbolo perdido y Origen. El personaje es un profesor universitario de historia especializado en simbología, en descifrar códigos históricos, por lo que sus servicios suelen ser reclamados por diversas organizaciones y esto le lleva a verse envuelto en complicadas tramas de suspense y acción. Se podría decir que es como una especie de Indiana Jones en el siglo XXI.

En 2006 se estrenaba El código Da Vinci, en la que Robert Langdon va en busca del Santo Grial, como Indiana Jones y la última cruzada, y además, se especula sobre la verdadera naturaleza del mismo. Protagonizada por Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen, Paul Bettany y Jean Reno, todo un reparto de caras conocidas dirigidas por el habitualmente eficaz Ron Howard. El proyecto ya traía tras de sí gran polémica desde la publicación de la novela con críticas por parte de la Iglesia y algunos historiadores por ciertas licencias que se permite el autor y que no deberían ocurrir en una novela histórica.

El éxito del filme propició que en 2009 se estrenara su secuela, Ángeles y demonios, que sin embargo, había sido la primera novela de la serie en publicarse. Repetían Tom Hanks como protagonista, Ron Howard como director y Brian Grazer como productor, al igual que en la saga de Indiana Jones, donde Harrison Ford protagoniza, Steven Spielberg dirige y George Lucas produce. Que el núcleo del equipo sea el mismo en las tres películas dota a la saga una uniformidad de estilo que no siempre se consigue en otras sagas cinematográficas que van cambiando de manos en cada película. Esta vez el profesor es reclamado para ayudar a encontrar a los miembros de la antigua secta de los Illuminati, que amenazan con hacer detonar una potente bomba de antimateria para arrasar El Vaticano. Ciencia, historia y religión se entrecruzan en una trepidante carrera contrarreloj para evitar la catástrofe. Aquí vemos a Hanks acompañado por la actriz israelí Ayelet Zurer y los conocidos Ewan Mcgregor y Stellan Skarsgard.

En 2016 llegaría la tercera entrega de la saga, Inferno. Aunque en principio iban a adaptar El símbolo perdido, finalmente fue Inferno la que llegaría a la gran pantalla. En este caso, Langdon debe descifrar las pistas de encontradas en la obra pictórica de Dante para seguir el rastro de alguien que pretende propagar un virus que podría desencadenar una pandemia mundial. En esta ocasión la trama se aleja del tema religioso y se centra más en la ciencia en la historia del arte. Acompañan a Hanks, Felicity Jones, Irrfan Khan y Omar Sy.

Aunque las tres películas tienen un tono muy parecido y son muy entretenidas, cada una tiene su toque personal. Posiblemente la mejor, la más redonda, sea Ángeles y demonios, ya que tiene un guion más compacto, un ritmo narrativo sin fisuras y un buen equilibrio de contenido entre los temas de ciencia, religión e historia. El código Da Vinci es quizá la que presenta un contenido con más enjundia, más calado, aunque narrativamente sufre algunos altibajos. Inferno se podría decir que quizá sea la más floja de las tres, aunque está casi al mismo nivel que las anteriores, y que su rasgo más distintivo esté en el fascinante ambiente creado para el clímax final de la película.

Terminator: destino oscuro, Cameron ha vuelto.

Pues sí, el padre de la criatura ha vuelto. James Cameron cedió en su momento los derechos sobre su icónico personaje, Terminator, con lo que otros realizaron las secuelas Terminator 3: la rebelión de las máquinas, Terminator Salvation y Terminator Genesis. Ha pasado el tiempo y ha recuperado el control sobre su personaje. Al no estar conforme con esas secuelas, lo cual me parece bastante lógico, ha decidido obviarlas y hacer él mismo la secuela de su mítica Terminator 2: el juicio final (1991). El resultado es Terminator: destino oscuro (Terminator: dark fate), en la que él asume las labores de producción y ha dejado la dirección a Tim Miller, responsable de Dead Pool. Ya a principios de año nos sorprendía con otra producción de ciencia ficción, Alita, dirigida por Robert Rodríguez.

Terminator: destino oscuro se trata de una continuación en toda regla de Terminator 2. El inicio es muy impactante, por lo que no voy a contar nada para no hacer «spoiler», y te mete de lleno en la trama. Hay elementos que se apuntaban en la anterior entrega que se retoman en esta, como el hecho de que los Terminator tienen un sistema de aprendizaje, de manera que cuanto más contacto tienen con los humanos, más aprenden. Volvemos a ver repartir estopa a Sarah Connor y al T-800, es decir, a Linda Hamilton y a Arnold Schwarzenegger en la piel nuevamente de sus míticos personajes. Para el relevo generacional han fichado a Mackenzie Davis, conocida por la serie de TV Halt and catch fire y en cine por Blade Runner 2049, en el personaje protector, así como a Gabriel Luna, en el rol del Terminator malo, y Natalia Reyes como una chica mexicana que es el nuevo objetivo de los Terminator. En papeles muy secundarios podemos encontrar dos rostros conocidos del cine español: Tristán Ulloa y Alicia Borrachero.

Me ha gustado porque juega con conceptos que no se habían visto antes, como por ejemplo, qué pasa si un Terminator cumple su misión y nadie termina con él. Al final de la segunda parte decía el T-800 que debían bajarle a la caldera porque no podía autoterminarse. En esta ocasión, tal como se ve en el tráiler y en el cartel, vemos a Schwarzenegger envejecido. Por dentro es una máquina pero por fuera es tejido vivo, así que es lógico que el aspecto externo envejezca pero pueda seguir repartiendo estopa como siempre. Por otra parte, si en la anterior entrega se cargaban el proyecto que daba lugar a Skynet, es lógico que hayan cambiado el futuro y la línea narrativa tome otra dirección. En fin, son varias cosas que están presentes en Terminator: destino oscuro y que me parecen muy interesantes, a pesar de que también tiene sus detractores. A mí, personalmente me ha gustado.

Mucha acción, ritmo trepidante, secuencias muy bien diseñadas y planificadas, muy entretenida, muy espectacular, una película de James Cameron, aunque no la firme como director. Al igual que en las producciones de Spielberg, en las de Cameron la sombra del productor también es alargada.

#TerminatorDarkFate
#terminatordestinooscuro

El protagonismo del Joker no es novedad.

¿Crees en las casualidades?

Hace unos días salía en las noticias que hay mucha gente visitando en plan turístico las escaleras del Bronx donde se rodó la escena mas icónica de Joker, e incluso hay muchos fans disfrazados emulando dicha secuencia. Está claro que estamos asistiendo a una «jokermanía», en la que la película de Todd Phillips no solo arrasa en taquilla, sino que además genera un fenómeno social, aunque el hecho de que esto ocurra en torno a un personaje que es un sociópata asesino, resulta cuanto menos inquietante.

Sin embargo, no es la primera vez que el famoso villano de DC Cómics acapara el protagonismo en la gran pantalla. Hace exactamente treinta años tenía lugar el fenómeno de la «batmanía» desencadenado por el estreno de Batman, dirigida por Tim Burton. Lo curioso es que a pesar del título, el protagonista también era el personaje del Joker encarnado entonces por Jack Nicholson. El nombre de Nicholson encabeza el reparto por delante de Michael Keaton, que daba vida al hombre murciélago. Nicholson aparece antes que Keaton tanto en el cartel de la película como en los títulos de crédito iniciales. Es más, el argumento de la película, la trama principal, nos cuenta la evolución del villano, cómo el mafioso Jack Napier se convierte en Joker tras ser desfigurado al caer en un tanque de ácido durante una pelea con Batman, mientras que el origen de Batman se cuenta en forma de breve «flashback».

Batman se estrenó el 29 de septiembre de 1989 y Joker el 8 de octubre de 2019. Y ambas películas son de Warner Bros. Tanto el mes de octubre actual y el de hace treinta años, tuvieron como protagonista cinematográfico al mítico personaje de DC Cómics. ¿Casualidad, maniobra de Warner, otras explicaciones? ¿Alguien lo sabe?

#Joker
#Batman

Diario de producción: el gran salto

Tras muchos años de cortometrajes de ficción, documentales y reportajes, llega el momento de dar un salto importante: hacer un largometraje. La producción está en marcha e iré informando en este blog, en este diario de producción, de los avances que se vayan produciendo.

No cuento con más medios de los que contaba para los cortos, que son escasos, pero el gran reto está en conseguir con ellos algo que mantenga el interés durante más de una hora de duración. He recurrido al género «thriller» para pergeñar esta historia. De momento, no desvelaré más. Simplemente, con este post, pretendo informar de que tengo este nuevo proyecto en marcha. Seguiré informando.

Otro enfoque de la producción

Para cualquiera que le guste el cine, tal vez la figura del productor sea la menos atractiva. Parece más divertido actuar o dirigir que profundizar en los aspectos más técnicos. Sin embargo, la producción es fundamental, ya que sin ella no hay película. A quien le interese dedicarse profesionalmente a la producción, van destinados muchos cursos, másters y demás de larga duración.

Por eso, este taller de producción cinematográfica intensivo de tres días de duración, va dirigido, a todo el mundo por supuesto, pero especialmente a aquellos que les interese conocer un poco más cómo se hacen las películas, a conocer un poco mejor lo que supone la figura, para muchos desconocida, de un productor. Es un acercamiento al mundo de la producción de cine de una forma amena, lúdica y apta para todos los públicos.

Nos vemos la última semana de octubre en el Taller de Producción cinematográfica.

Madrid, plató de cine para Hollywood

En los años 60, Almería se convirtió en la meca del cine para la producción de «spaghetti-western» gracias a Sergio Leone, pero por aquel entonces, ya en Madrid llevaban unos diez años rodándose películas de Hollywood. La variedad de paisajes junto a la facilidad para conseguir permisos de rodaje o los bajos costes de producción, fueron factores muy atractivos y determinantes para que los productores de Hollywood pusieran el ojo en la capital de España. Muchas localidades de la comunidad de Madrid sirvieron de escenario para distintas películas, siendo Colmenar Viejo una de las más recurrentes.

Gente como Orson Welles, para rodar Mr. Arkadin, o David Lean con su Dr. Zhivago, encontraron en Madrid el lugar ideal para llevar a cabo estos proyectos. Pero, si entre los distintos productores que fueron atraídos por el encanto del centro de la piel de toro, hay alguno que destaca, es Samuel Bronston. No solo produjo películas, sino que abrió aquí mismo su estudio cinematográfico, del que salieron superproducciones épicas como El Cid, Rey de reyes, 55 días en Pekín o La caída del imperio romano.

Todo este ajetreo de rodajes propició que las grandes estrellas de Hollywood se pasearan por la Gran Vía, por ejemplo, tiñendo de «glamour» las calles del centro madrileño. Audrey Hepburn, Grace Kelly, Charlton Heston, Sophia Loren, Debbie Reynolds, Frank Sinatra o John Wayne son algunos ejemplos de estrellas del celuloide que lucieron palmito por estos lares, pero si hay alguien que realmente dejó huella y fue atrapada por esta tierra, fue Ava Gardner, que permaneció afincada en Madrid durante 14 años, entre 1954 y 1968.

Todo este Hollywood madrileño se puede ver reflejado en la exposición Mad About Hollywood, que ofrece una espléndida colección de 148 fotos de aquella época. Una gozada de exposición, totalmente recomendable.