Avatar: el sentido del agua, la playa de Pandora

 

Seguimos explorando el planeta Pandora de la mano de James Cameron

Tras revolucionar la tecnología 3D en las salas de cine convencionales en 2009 con Avatar, James Cameron se puso en marcha con sus secuelas. La primera de ellas se ha hecho esperar, pero finalmente está en los cines Avatar: el sentido del agua, y la espera ha merecido la pena.

Volvemos a los bosques de Pandora, el planeta poblado por los na'vi, en el cual los humanos pretenden explotar nuevas fuentes de recursos naturales. El marine Jake Sully, convertido ya en un na'vi, forma una familia con Neytiri. En un momento dado se ven obligados a abandonar el bosque encontrando su nuevo hogar en el mar, integrándose con otros na'vi adaptados al medio acuático. 

Repite esta vez el elenco principal de la primera parte, Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver y Stephen Lang. Además hay muchas nuevas incorporaciones entre las que destaca Kate Winslet, la protagonista de Titanic, que se ha vuelto a poner a las órdenes de Cameron en otra superproducción acuática.

En Avatar: el sentido del agua, los hijos de la pareja protagonista son adolescentes, lo cual da pie para hablar de los conflictos generacionales y de la adolescencia. La integración de esta familia de los bosques con la gente de la costa ilustra la adaptación al medio y la integración social. Además, como son mestizos, por ser medio humanos y medio na'vi, también está latente el tema del racismo. La espiritualidad sigue estando muy presente en esa conexión de los indígenas con sus ancestros a través de Eywa, la deidad que mantiene el equilibrio en Pandora. Pero sobre todo, el tema más patente es el de la familia, presentando la unidad familiar como la gran fortaleza para vencer las adversidades de la vida.

Y aparte de estos temas de calado, la película es lo que se espera de ella, un enorme espectáculo de aventuras y acción de ritmo trepidante, que además, en sus más de tres horas de duración, deja tiempo también para el deleite de imágenes acuáticas que son pura poesía audiovisual.

Downton Abbey: una nueva era, algo está cambiando

 

La modernidad inunda la vieja mansión

El 2019 se estrenaba la adaptación a la gran pantalla de la serie televisiva británica Downton Abbey, que venía siendo, al igual que ocurre con muchas otras series, como un capítulo más, solo que más largo y con una producción más ampulosa. Este año se ha estrenado su secuela, Downton Abbey: una nueva era, que si bien conserva la esencia de los personajes, la ambientación y en definitiva, el estilo de la serie original y su predecesora cinematográfica, esta vez resulta más fresca e innovadora, ya que introduce cambios a través de dos tramas entrelazadas, sacando a sus protagonistas de su zona de confort.

Por un lado, la abuela recibe una herencia de una villa en el sur de Francia, lo cual da pie a sacar a parte del elenco de su escenario habitual para trasladarse a la también glamurosa Costa Azul. Por otra parte, la vieja mansión necesita costosas reparaciones y encuentran una oportunidad de financiación con una oferta de un estudio cinematográfico interesado en alquilar la mansión para un rodaje. Además, estamos a finales de los años 20, en el momento del cambio del cine mudo al sonoro, por lo que esta parte de la película guarda cierto paralelismo con títulos como Cantando bajo la lluvia o The artist.

Dirige Simon Curtis, responsable de títulos como La dama de oro o Mi semana con Marilyn. Downton Abbey: una nueva era es una película sobre los cambios de ciclo. Cambia la industria del cine, cambian los hábitos sociales, en fin, como su título indica, se trata de una nueva era.

El sastre de la mafia, las apariencias engañan

 

Es peligroso jugar con fuego

El ganador del Óscar a mejor actor de reparto por El puente de los espías, Mark Rylance, protagoniza El sastre de la mafia, el extraordinario debut como director de Graham Moore, el guionista de The imitation game. Se trata de un «thriller» de suspense ambientado en Chicago en los años 50. Toda la acción se concentra en el transcurso de una noche en un lugar muy concreto, la sastrería del protagonista, un lugar donde él desarrolla su trabajo de cortador, pero además, tiene un buzón a través del cual, algunos de sus principales clientes, pertenecientes a la mafia, intercambian información sobre sus negocios.

La intriga y el ritmo van in crescendo y el guion va dando giros argumentales, cada cual más sorprendente. Es como una película de estas en las que el director juega con el espectador y le va sorprendiendo a medida que avanza la trama. Mark Rylance está soberbio en su papel de cortador y Graham Moore debuta como director con una ópera prima muy lograda, un ejercicio de estilo con aire teatral y cierto clasicismo en la formas.

Mundo extraño, una de aventuras

 

Una familia aventurera

Lo último de Disney, Mundo extraño, es una película de aventuras con una animación 3D técnicamente impresionante y un resultado con luces y sombras. Sobre el tapete pone un debate sobre las diferencias generacionales entre padres e hijos, lo que uno quiere para sus hijos y lo que estos quieren en realidad, que no suele coincidir con los deseos del padre. Un tema desde luego muy interesante y bien tratado en equilibrio con el espíritu aventurero de la trama.

Sin embargo, la película no acaba de ser redonda debido a un exceso de concesiones a distintos grupos de presión social en cuanto a lo que se supone que es políticamente correcto. Estas concesiones hacen que el trazado de algunos personajes y algunas situaciones se vean algo forzados, arquetípicos y fuera de lugar, lo cual resta autenticidad al conjunto.

Mundo extraño es por tanto, una película entretenida en general, pero que podía haber sido mucho más de lo que ha dado de sí el resultado final.

Feliz Navidad, comparte la ilusión

 

Con este vídeo quiero transmitir a todos un mensaje para conservar la ilusión en los tiempo  adversos que vivimos. Compartamos la ilusión con quienes nos rodean, celebremos la Navidad con nuestros seres queridos, y aprovechemos estas fechas para cargar pilas y afrontar el 2023 con energía positiva.

¡Feliz Navidad!

Camera café, de la pequeña a la gran pantalla

 

El mundo empresarial español

La famosa serie de televisión, Camera café, de principios del siglo XXI, ha tenido este año su versión cinematográfica con Camera café, la película, en la que se han dado cita buena parte del elenco original y alguna nueva incorporación. Un reparto coral encabezado por un enorme Arturo Valls que se desenvuelve como pez en el agua y se convierte en el alma de la película.

Para quienes no la conocían, la serie era una cámara fija en la máquina de café de una empresa por la que pasaban todos los empleados y se creaban «sketchs» humorísticos con las conversaciones de estos personajes mientras se tomaban su café. Para la película, obviamente, han tenido que ampliar los escenarios y mostrarnos la empresa al completo y más. Todo el diseño de producción es uno de los puntos fuertes de la película. 

El humor surrealista se hace presente desde el primer minuto de metraje y funciona muy bien, pero a medida que se va desarrollando la trama, el absurdo va creciendo también y en el desenlace, el desparrame es tal que acaba desdibujando un poco el resultado final del filme. Recuerda un poco a lo que pasó con La gran aventura de Mortadelo y Filemón, de Javier Fesser, que arrancaba muy bien pero al final el surrealismo se le iba de las manos y rayaba en lo inverosímil.

No obstante, Camera café, la película, es divertida, entretenida y una prometedora ópera prima, ya que se trata del debut de Ernesto Sevilla como director.

Llegaron de noche, basada en hechos reales

 

El caso de los jesuitas asesinados en El Salvador

El aclamado director Imanol Uribe, de familia vasca y criado en el País Vasco pero nacido en El Salvador, nos trae una historia ocurrida en su tierra natal con Llegaron de noche. La trama versa sobre la única testigo de la matanza de seis sacerdotes jesuitas en 1989 en la Universidad Centoamericana (UCA) en El Salvador. Ella trabajaba en el servicio de limpieza de la universidad y pudo ver quiénes fueron realmente los ejecutores de la masacre, algo que no gusta demasiado en las altas esferas.

La narración está correctamente dosificada y mantiene bien la tensión en general, aunque quizá en algún momento se pueda echar en falta un poco más de garra. No obstante, Uribe, que ya es veterano en este género, con películas en su filmografía como Días contados, por la que ganó el Goya a mejor director, La muerte de Mikel o La fuga de Segovia, y sabe mantener el interés sin demasiadas estridencias narrativas. 

Destaca especialmente en la película la interpretación de la protagonista, Juana Acosta, y entre los secundarios podemos encontrar rostros conocidos de grandes nombres del cine español como Karra Elejalde o Carmelo Gómez.

El hombre del norte, la leyenda que inspiró a Shakespeare

 

Espada y brujería escandinava del siglo IX

El director de la peculiar El faro, Robert Eggers, nos ha traído este año El hombre del norte, una película violenta y salvaje sobre una leyenda de la cultura nórdica en la que Shakespeare se basó para escribir Hamlet. Un niño, llamado Amleth, ve cómo su tío mata a su padre, el rey, y se lleva a su madre. El niño huye y se hace adulto con una idea fija en su cabeza: vengar a su padre, salvar a su madre y matar a su tío.

El arranque es muy potente y el desenlace y final también, pero entre medias, durante el desarrollo de la trama, resulta un poco errática en ritmo y en la estructura narrativa. En papeles de hombre salvaje y tosco de pocas palabras en ambientes muy salvajes como Conan, el bárbaro, Noé o El renacido, es muy importante el carisma del actor, y la cuestión es que en este caso, Alexander Skarsgard no tiene el carisma que tuvieron en esos otros títulos Arnold Schwarzenegger, Russell Crowe y Leonardo Di Caprio respectivamente. Sí muestran más empaque los secundarios Nicole Kidman, Ethan Hawke y Anya Taylor-Joy. Sin embargo, su padre, Stellan Skarsgard, sí nos brindó a un vikingo desalmado, salvaje y carismático en El Rey Arturo (2004).

No obstante, la ambientación de El hombre del norte es impresionante, combinando hábilmente la fotografía, música y puesta en escena para recrear un mundo salvaje, tribal, hostil y sanguinario. Lástima esos dos puntos débiles, el carisma del protagonista y la bajada del pulso narrativo del director en el tramo medio de la película, que si fuesen de otra manera, podría ser una película de espada y brujería redonda.

Ambulance, plan de huida, nuevo pelotazo de Michael Bay

 

Adrenalina, fuego y gasolina

Si Michael Bay ya había introducido alguna persecución aparatosa de coches en plena ciudad, como en la saga Dos policías rebeldes o La Roca, esta vez, la película entera es una persecución, una huida desesperada a bordo de una ambulancia. Ambulance: Plan de huida nos trae a la pantalla al más puro estilo de este director experto en «blockbusters» de acción. Un veterano del ejército, desesperado por conseguir dinero para el tratamiento médico que necesita su mujer, acaba recurriendo a su hermano, un atracador de bancos, para pedirle ayuda. Precisamente, este está a punto de llevar a cabo un nuevo golpe y le ofrece a su hermano darle el dinero a cambio de colaborar en el atraco, un trabajo en principio fácil, de bajo riesgo. Sin embargo, no todo sale como estaba previsto y los dos hermanos acaban huyendo en una ambulancia en la que llevan como rehenes a un policía herido y la sanitaria que lo está atendiendo.

Ambulance: Plan de huida dura algo más de dos horas y se pasa en un suspiro, como suele ser habitual en las películas de Michael Bay. Lo que diferencia a esta de otras, es que el tono es más dramático de lo habitual. A pesar de contar con golpes de humor propios de otras producciones suyas, deja más cabida al drama vivido por los protagonistas. Resulta en general, más seria que otras más desenfadadas como Armaggeddon o las anteriormente citadas. Ya había dado muestras de drama en Dolor y dinero, aunque tenía el tono de la película algo difuso entre el drama y la comedia, no se sabía muy bien por dónde quería ir. En Ambulance ha conseguido darle un tono más homogéneo a todo el metraje, decantándose por el drama, pero salpicando algunos momentos con chistecillos propios de su filmografía.

Protagonizan Jake Gyllenhaal, nominado al Óscar por Brokeback mountain (2005), Yahya Abdul-Mateen II, conocido por Aquaman (2018) y Eiza González, que ya participó en otras películas con persecuciones de coches como Baby Driver (2017) o Fast & Furious: Hobbs and Shaw (2019).

Ambulance es muy entretenida, frenética, intensa y demuestra que Michael Bay sigue en forma, fiel a su estilo, una forma de hacer cine que inició en los años 90 y sigue funcionando como entonces.

El Black Pack de libros, 2 por 25 euros

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Un libro divulgativo sobre cine y una novela de acción, todo por 25 euros, gastos de envío incluidos. Aprovecha la oferta y solicita ya tu Black Pack. Muchas gracias. 

Pinocho, el chaval tiene madera

 

Vuelve el tándem Zemeckis-Hanks

El director Robert Zemeckis y el actor Tom Hanks, que han trabajado juntos en Forrest Gump, Polar Express, y Náufrago, vuelven a unir sus fuerzas para sacar adelante el nuevo «remake» de acción real de un clásico de animación de la factoría Disney: Pinocho. Al igual que los anteriores «remakes», como La bella y la bestia o Aladdin, se vuelve, con algunos cambios y algún añadido, a seguir el diseño y la narrativa de la película original, pero recreándolo con actores reales interaccionando con personajes creados con CGI, es decir, por ordenador. En esta de Pinocho  tienen especial predominio los personajes digitales, empezando por el propio Pinocho, a quien da voz el actor Benjamin Evan Ainsworth en la versión original. A Pepito Grillo le ha prestado su voz Joseph Gordon-Levitt.

Tom Hanks, por su parte, encarna a un entrañable Gepetto, que vive sumido en una profunda melancolía añorando a sus difuntos esposa e hijo. Esto se ve especialmente en el inicio de la película, en la que Zemeckis, nos introduce en el universo del famoso carpintero. Un mundo de madera, con todo tipo de juguetes, relojes de cuco y otros artilugios. Es interesante que Hanks, que había interpretado al mismísimo Walt Disney en Al encuentro de Mr. Banks, ahora participe en el «remake» de uno de las consideradas como mejores películas del señor Disney, a pesar de su fracaso inicial en taquilla, al igual que Fantasía, estrenadas ambas el mismo año, 1940. Esto provocó despidos en los estudios Disney y un año después, en 1941, estalló la huelga sindical de sus animadores, un hecho que produjo un cambio en el ambiente de trabajo de la factoría Disney y por tanto, un punto de inflexión en la historia de la compañía.

Este Pinocho de Zemeckis conserva la estética del clásico, así como su mensaje sobre la conciencia; para ser un niño de verdad debe tener conciencia y para ganarla debe ser valiente, sincero y generoso. Así que mientras no consigue su conciencia propia, Pepito Grillo será la voz de su conciencia. Pero además de ensalzar estos valores, también tiene un mensaje sobre los peligros de la tentación de la fama rápida, el éxito de cualquier manera, lo cual me parece interesante para todo el mundo, pero especialmente para las nuevas generaciones.

La interacción de Hanks con su muñeco digital tiene tanta química como la de Bob Hoskins con el conejo de animación tradicional en otro hito de Zemeckis, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Que por cierto, sale en forma de muñeco en uno de los relojes de cuco de Gepetto, así como otros muchos personajes de la factoría Disney y Pixar. Por otro lado, la pared llena de relojes podría interpretarse como un autohomenaje al inicio de la película que le lanzó a la fama a Zemeckis, Regreso al futuro.

En definitiva, creo que esta nueva versión del cuanto de Carlo Collodi y «remake» del clásico Disney de 1940, es una interesante propuesta en cuanto a temas de calado como la viudedad, la paternidad, los principios éticos universales, técnicamente está bien resuelta, y además, goza de unos guiños cinematográficos muy interesantes. He leído varias críticas negativas de este película, pero yo la aplaudo y aunque no sea la película del año, la he disfrutado, me ha gustado y rompo una lanza en su favor.

El regreso de las brujas 2, estreno Disney para Halloween

 

Vuelven las brujas de Salem 29 años después

El retorno de las brujas 2 es la secuela de El regreso de las brujas, de 1993. Las tres hermanas Sanderson, ejecutadas por brujería en Salem en el siglo XVII, son devueltas a la vida durante la noche de Halloween gracias a un ritual que dos adolescentes practican cada año en esta fecha como un juego, como parte de la celebración. El conjuro las debe durar solo durante la noche de Halloween, volviendo a desaparecer al amanecer, pero las tres brujas vuelven en busca de venganza y de encontrar la forma de quedarse para siempre.

Bette Midler, Sarah-Jessica Parker y Kathy Najimy interpretan a las tres hermanas, igual que en la película original. En aquel entonces, Midler ya era una estrella, Parker aún no era muy conocida a pesar de llevar varios años en la industria, y Najimy había destacado especialmente el año anterior en Sister Act. Actualmente, la que más ha cambiado su estatus ha sido Parker, que desde 1998 se convirtió en estrella con la serie de TV Sexo en Nueva York.

Un par de números musicales, humor adolescente propio de las producciones Disney, efectos especiales adecuados y el carisma de las tres actrices protagonistas, especialmente de Bette Midler, son los ingredientes esenciales de esta película estrenada en la plataforma Disney +. Es entretenida, amena, agradable de ver y tiene buen ritmo. No tiene mucho que profundizar, pero tampoco tiene mayores pretensiones más allá del entretenimiento familiar y lo consigue. Ofrece lo que promete.

La peor persona del mundo, de Noruega

 

Comedia romántica agridulce y existencialista

La peor persona del mundo fue nominada, representando a Noruega en los Óscar, en la categoría de mejor película de habla no inglesa, galardón que finalmente fue a manos de la japonesa Drive my car. También recibió la nominación a mejor guion original, categoría en la que ganó finalmente Kenneth Branagh con Belfast.

La peor persona del mundo cuenta la historia de Julie, una chica que a punto de cumplir los 30, se pierde en un mar de dudas existenciales en cuanto a lo que quiere en la vida, tanto en lo laboral como en lo personal. La actriz protagonista, Renate Reinsve, exhibe el carisma y la fuerza necesarios para llevar ella sola el peso protagonista de la película sin ser conocida para el gran público internacional.

La película tiene buen ritmo narrativo. Es una comedia, pero tratando temas de calado y con el tono frío propio del cine nórdico. No obstante, guarda buen equilibrio entre lo cómico y lo dramático. En general, es una buena película, aunque no redonda del todo. Quizá al final se dispersa un poco el concepto que asienta al principio sobre lo que trata la trama o los temas que pretende tocar, y hay alguna que otra escena que chirría un poco dentro del tono global de la obra.

Las ilusiones perdidas, de Balzac

 

El reflejo del presente en un espejo del pasado

La ganadora de los premios César en Francia este año ha sido Las ilusiones perdidas, adaptación de la obra homónima de Balzac, del siglo XIX. Cuenta la historia de un joven poeta de un pueblo francés que se va a París, a la gran urbe, en busca de la fama, en busca de un editor que quiera publicar sus poemas. Pero al llegar, se encuentra con la triste realidad, en la que el talento de poco sirve si no tienes padrinos en la industria. Se encuentra con una industria de la cultura y el entretenimiento en que los periodistas escriben la críticas positivas o negativas de libros y obras de teatro en función de lo que les paguen los editores o los productores teatrales. Expertos opinando al mejor postor. El triunfo o el hundimiento dependen de las relaciones sociales del artista, no de su talento. Un entramado en el que es fundamental para sacar una obra adelante, sea de la calidad que esta sea, tener buenos contactos y además, tener cuidado de no crearse enemigos. Es decir, que en el siglo XIX ya las cosas funcionaban más o menos como hoy en día, nada nuevo bajo el sol.

La reconstrucción histórica por un lado y el tono moderno por otro, para darle la energía necesaria que empatice con el espectador del siglo XXI, están en buena armonía. Hay momentos que pueden traer ecos de El gran Gatsby, de Baz Luhrman, o de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese. Buen ritmo, mucha energía y una fotografía excelente. Cabe también señalar que siendo un elenco plagado de rostros poco o nada conocidos para el gran público, todos los actores están a la altura de las circunstancias y aportan el carisma necesario a sus personajes, destacando especialmente, en mi opinión, la actriz Cécile de France en el papel de Louise de Bargeton y el actor Vincent Lacoste en el rol del periodista Etienne Lousteau. El rostro más conocido para el público internacional es el de Gérard Depardieu, que en un papel secundario da vida a un poderoso editor literario.

Las ilusiones perdidas es una película muy recomendable, primero por ser una buena película, y en segundo lugar, porque es una buena reflexión sobre el mundo que vivimos hoy, dos siglos más tarde., un espejo en el que mirarnos como sociedad. Amigos y enemigos, amantes y matrimonios fallidos, alianzas y traiciones, todo forma parte del enmarañado entramado del mundo del entretenimiento que comercia al mejor postor con la sensibilidad artística sin ningún pudor, en una sociedad llena de falsas apariencias, hipocresía y postureo. Como dije antes, nada nuevo bajo el sol.

Presentación del nuevo blog de Galax Pictures

 

El pasado 3 de octubre, en la gala de Cinemanet 2022, en Madrid, tuve la oportunidad de presentar el nuevo blog de Galax Pictures. Si eres lector de este blog, ya sabrás que hablo de cine como espectador y como cinéfilo, así que en la web principal galaxpictures.com he iniciado un nuevo blog, pero esta vez enfocado en la parte técnica, en el equipamiento que podemos encontrar en el mercado para realizar vídeos. Artículos sobre cámaras, soportes y accesorios para todo tipo de producción audiovisual, para aficionados y profesionales, basados en mi propia experiencia.

Naturalmente, también se pueden seguir viendo algunos de mis vídeos online y se puede contactar conmigo para contratar servicios de producción. A continuación puedes ver el vídeo de la presentación.

Dentro de la mente Tim Burton

 

Se inaugura en Madrid la exposición inmersiva El laberinto de Tim Burton,  un viaje por el imaginario del aclamado director, artífice de Batman, Bitelchús, Eduardo Manostijeras, Sleepy Hollow, Ed Wood, Mars attacks!, Big fish, Dumbo y unas cuantas más. 

Burton ha estado en Madrid para presentar este proyecto. En el vídeo podemos ver un fragmento de su entrevista en El Hormiguero, donde él mismo nos explica de qué va la exposición.

Nuevo reel de Galax Pictures, la gran aventura

 

La web de galaxpictures.com se ha renovado en los últimos meses con nuevos contenidos. Además de la sección para contratar servicios de vídeo profesionales y poder ver gratis online vídeos de producción propia, ahora también ofrece un blog de producción audiovisual con artículos sobre equipos para grabación de vídeo, tanto cámaras como soportes y otros accesorios, para todos los niveles, aficionados y profesionales.

Y también, en la sección Bienvenido, ha cambiado el reel de presentación. Este nuevo vídeo refleja la naturaleza con espíritu aventurero, porque la producción audiovisual es eso, una gran aventura.

CODA, la ganadora de los Óscar de este año

 

Una familia de pescadores sordos

La ganadora de los Óscar este año ha sido CODA, un «remake» de película francesa La familia Bélier. En este caso, han cambiado el entorno de una familia de granjeros franceses del original por una familia de pescadores estadounidenses. Por lo demás, la historia es la misma. Una chica adolescente es el único miembro de su familia que puede oír y hablar, ya que tanto sus padres como su hermano son sordomudos. Esto la hace convertirse en una pieza clave en la vida de sus parientes al ser la interlocutora de la unidad familiar para todo lo que sea necesario. Sin embargo, la cosa cambia el día en que descubre su talento para cantar gracias a su profesor de coro en el instituto y se le brinda la oportunidad de ir a estudiar a una prestigiosa escuela de música, teniendo que dejar el hogar familiar.

A diferencia de La familia Bélier, en CODA, los padres y hermano de la protagonista, encarnada por la joven actriz Emilia Jones, están interpretados por actores sordos. De hecho, la madre lleva el rostro de Marlee Matlin, primera actriz sorda en ganar un Óscar a mejor actriz en 1986 por Hijos de un dios menor. Ahora, con CODA, Troy Kotsur, en el papel de padre, ha sido el primer actor sordo en ganar un Óscar a mejor mejor actor de reparto. Para la directora Sian Heder, este es su segundo largometraje tras dirigir Tallulah y varios capítulos de distintas series de TV.

CODA toma el título del acrónimo para designar en inglés a los hijos de adultos sordos (Child Of Deaf Adults) y es una película amable, una «feel good movie» de buenos sentimientos, que trata temas como la integración de la discapacidad en la sociedad, la familia, la autosuperación o la cultura del esfuerzo, todo ello en clave de comedia.

CODA ha ganado tres Óscar. El de mejor actor de reparto para Troy Kotsur es indiscutible, para quitarse el sombrero. El de mejor guion adaptado, es simplemente correcto. Sin embargo, el de mejor película, compitiendo con títulos como Belfast o El poder del perro, quizá sea más discutible, aunque la película es buena, pero las otras también lo son y están por encima en cuestión de envergadura de producción. No obstante, como he dicho antes, CODA  es buena película y muy agradable de ver.

Belfast, la infancia de Kenneth Branagh

 

Una sociedad convulsa bajo la mirada de un niño

Ganadora del Óscar y el Globo de Oro a mejor guion, Belfast es la película más personal de Kenneth Branagh, guionista y director del filme. Siempre ha sido un autor, llevando a la pantalla bajo su punto de vista a los autores clásicos de la literatura como Shakespeare, su favorito, en títulos como Hamlet, Mucho ruido y pocas nueces, o Enrique V, su opera prima, por la que fue nominado a los Óscar. También adaptó a Mary Shelley, con su versión de Frankenstein, se introdujo en el mundo de los cómics con Thor, y últimamente está llevando a la gran pantalla a Agatha Christie, con Asesinato en el Orient Express y Muerte en el Nilo.

La película se desarrolla en 1969 en Belfast, el año en que el hombre llegó a la luna y en Irlanda del Norte, la sociedad estaba muy convulsa con violentos altercados por la lucha de derechos civiles y los enfrentamientos entre protestantes y católicos. Una situación caótica en la que muchos irlandeses se ven obligados a emigrar en busca de mejores oportunidades de vida. Una familia de irlandeses protestantes viven en un barrio de Belfast en  medio de toda esta confusión, aunque ellos quieren mantenerse al margen de los enfrentamientos ideológicos. El cabeza de familia es un obrero que trabaja en Inglaterra, por lo que viaja continuamente y apenas tiene tiempo de ver a su esposa e hijos. Uno de sus vástagos, un niño de nueve años llamado Buddy, vive en medio de este caos refugiándose en su mundo de fantasía en el que se enfrenta a dragones con su espada de madera y se evade en el cine con películas como Hace un millón de años o Chitty Chitty Bang Bang, así como con clásicos del oeste a través de la televisión, como El hombre que mató a Liberty Valance o Solo ante el peligro.

La película es en blanco y negro con algunas incursiones del color. Protagoniza el niño Jude Hill en el papel de Buddy, secundado por Jamie Dornan en el papel de su padre, Caitriona Balfe como su madre, Judy Dench como su abuela y Ciarán Hinds como su abuelo. Todos ellos son rostros muy conocidos. Dornan es especialmente conocido por 50 sombras de Grey, a Caitriona Balfe la hemos visto como pareja de Christian Bale en Le Mans 66, Judy Dench fue M en la saga de James Bond y a Ciarán Hinds lo hemos podido ver en Harry potter y las reliquias de la muerte, Munich, o en la popular serie de TV Juego de tronos.

Belfast es uno de los mejores estrenos del año y una película muy equilibrada, muy agradable de ver, con una sólida visión de la familia y lo que es la unión familiar en circunstancias adversas. Y sobre todo, se nota el cariño y la delicadeza con que está realizada, un homenaje de Branagh a sus compatriotas irlandeses que pasaron penurias en aquella época en la que él vivió en medio del caos con la inocencia de un niño.

Día mundial de control de la calidad del agua

 Dos historias reales llevadas a la gran pantalla

El 18 de septiembre se celebran varios días mundiales y uno de ellos es el del control de la calidad del agua, por lo que me parece interesante rescatar aquí dos títulos relacionados con el tema protagonizados por grandes estrellas de Hollywood.

Erin Brockovich, de 2000, es una película dirigida por Steven Soderberg y protagonizada por Julia Roberts, papel por el que ganó el Óscar a mejor actriz principal y el Globo de Oro a mejor actriz de drama. La secundan otros rostros conocidos, como Albert Finney, Aaron Eckhart, Marg Helgenberger o Peter Coyote.

La película cuenta el caso real ocurrido en 1993, de Erin Brockovich, una madre divorciada y sin trabajo que tras perder un juicio por un accidente de coche, comienza a colaborar en el despacho de su abogado para ayudar con el papeleo. Un expediente sobre unos estudios médicos le llama especialmente la atención y decide tirar del hilo, a ver qué más se esconde, descubriendo que varias personas han enfermado por la contaminación del agua del pueblo con cromo hexavalente, utilizado por una compañía eléctrica en sus procesos.

El fotógrafo de Minamata es una película de Andrew Levitas protagonizada por Johnny Depp, secundado por Bill Nighy y Akiko Iwase. Depp hace un papel excelente y la película está dedicada a todas las víctimas de la contaminación industrial.

La película se desarrolla en 1971, cuando el otrora fotógrafo estrella de la revista Life, Eugene Smith, estando arruinado y demacrado, recibe un encargo para ir a Japón, a la población de Minamata, para retratar los efectos producidos en la gente por la contaminación del agua con mercurio como consecuencia de los vertidos de una empresa química local.

 La controvertida personalidad del fotógrafo da mucho juego a la hora de establecer relaciones entre los personajes y su implicación en la tragedia. De entrada no es un héroe, sino más bien un antihéroe, por lo que su evolución resulta muy interesante.

Worth, el valor de una vida humana

 

Otra mirada sobre el 11-S

Se han hecho películas sobre la tragedia del 11-S, como World Trade Center, que contaba varias historias de víctimas del atentado de las Torres Gemelas, o United 93, que cuenta la angustiosa experiencia de los pasajeros que iban a bordo de uno de los aviones que se estrellaron. En 2020 se estrenaba en Estados Unidos, en España en 2021, la película Worth, que nos ofrece un punto de vista diferente de la tragedia, el de gestión de los fondos de compensación para las víctimas.

Me parece interesante porque es un punto de vista que no se suele mostrar. Resulta siempre más cinematográfico recrear la catástrofe con efectos especiales. Pero en Worth las emociones están a flor de piel. Casi nadie está contento con la indemnización que le toca y es muy complicado elaborar un sistema de reparto de las indemnizaciones que sea justo y que ponga de acuerdo a la mayoría de las personas, porque claro, para cada uno, la vida de su ser querido fallecido no tiene precio. Y en caliente, cuando ha ocurrido la tragedia, y además una que ha dejado en «shock» a tanta gente, es muy complicado, por no decir imposible, que le gente pueda afrontar esta situación con objetividad. Una película muy interesante para el debate donde vemos de todo, los tiburones de las líneas aéreas, los bomberos que han actuado para salvar gente, los trabajadores de las Torres Gemelas, todos tienen sus historias, circunstancias, intereses y emociones.

Para lidiar con una situación tan compleja, se contó con el abogado Kenneth Feinberg, interpretado en la película espléndidamente por Michael Keaton. Le secundan Stanley Tucci y Amy Ryan. El filme es de los mismos productores de Spotlight  y es el tercer largometraje de su directora, Sara Colangelo.

Way down, el gran atraco a un banco

 

¿Quién se atreve a atracar el Banco de España y por qué?

En febrero de este año se estrenaba la película de aventuras Uncharted, cuya trama se desarrollaba en parte, en Barcelona. Curiosamente, unos meses antes, en noviembre 2021, se estrenaba Way down, otra película de aventuras desarrollada en España, esta vez, íntegramente en Madrid. En este caso se trata de una coproducción entre, principalmente, Sony Pictures y Telecinco Cinema, junto con otras participaciones.

La trama versa sobre un rescatador de pecios llamado Walter que encuentra un tesoro de un galeón español hundido, pero todo el material es requisado por el gobierno de español y guardado en la cámara acorazada del Banco de España. Sin embargo, hay una pieza que le interesa especialmente a Walter y está decidido a recuperarla como sea, por lo cual traza un plan para asaltar la cámara durante la final del Mundial de Fútbol de Sudáfrica, en que la plaza de Cibeles, el exterior del banco, estará abarrotada de gente frente a pantallas gigantes siguiendo con fervor el gran partido de la selección española. Walter consigue toda la información necesaria sobre la estructura del Banco de España, salvo un detalle: un sistema de seguridad para abrir la cámara que es todo un enigma. Para resolverlo, contrata a un joven, rebelde y brillante estudiante de ingeniería que acepta el reto de descubrir el gran secreto.

Freddie Highmore, el niño de Descubriendo Nunca Jamás, actualmente conocido especialmente por la serie de TV The good doctor, interpreta al joven ingeniero, y Liam Cunningham, de la serie Juego de tronos y una amplia filmografía desde los años 90, encarna a Walter. Les acompañan Luis Tosar, José Coronado, Emilio Gutiérrez Caba y la otrora chica Bond en Gondeneye y mutante en X-Men, Famke Janssen. Dirige Jaume Balagueró, responsable de la saga Rec.

Highmore estuvo en España presentando la película, un proyecto importante para él, porque estuvo viviendo en nuestro país siendo estudiante y por lo que nos tiene un especial afecto.

Uncharted, en busca del oro perdido

 

Tras la pista de Magallanes

Basada en el videojuego homónimo de Play Station, Uncharted es una película de aventuras al más puro estilo de Indiana Jones. De hecho, se hace alguna alusión directa al personaje en los diálogos y concretamente, hay detalles de la trama que recuerdan a Indiana Jones y la última cruzada. 

Nathan Drake es un camarero con habilidades para el latrocinio y gran pasión por la historia, que recibe postales de diferentes lugares del mundo de su hermano mayor, al que no ve hace años porque se dedica a ir de aventuras por todo el planeta. Un día es visitado por un enigmático aventurero llamado Víctor Sullivan, que le propone ir tras la pista del oro perdido de Magallanes. El motivo por el que recurre a él, es porque estaba trabajando con su hermano y ha desaparecido, así que Nathan acepta embarcarse en esta búsqueda.

Drake y Sullivan están interpretados por Tom Holland y Mark Wahlberg respectivamente. Les acompañan Antonio Banderas, Sophia Ali y Tati Gabrielle. Dirige Ruben Fleischer, responsable de títulos como Venom o Bienvenidos a Zombieland. La música corre a cargo de Ramin Djawani, responsable de partituras como la de Iron Man, Furia de titanes, Pacific Rim o La gran muralla, entre otras.

Los detalles de ambientación en la parte que se desarrolla en Barcelona, están  más cuidados que en otras películas de Hollywood con escenas que ocurren en España. Quizá la presencia de Antonio Banderas en el proyecto haya tenido algo que ver.

Uncharted es una buena película de aventuras muy trepidante y entretenida con escenas muy espectaculares, golpes de humor muy bien metidos que funcionan muy bien, unos actores a los que se ve muy a gusto en sus papeles, pasándolo bien, y en general consigue transmitir el espíritu fresco y desenfadado de las películas de este género. A pesar de que tiene todos los ingredientes de un blockbuster veraniego, se estrenó en febrero, época en la que la gente suele estar más atenta a las películas de los Óscar, pero aún así, le ha ido bastante bien en taquilla.

Pequeña reina de la comedia sueca

Entre el drama y la comedia

La directora sueca Sanna Lenken dirige la película Pequeña reina, abordando un tema delicado como es el de pasar el duelo por la muerte de un ser querido. Una mujer se suicida dejando un marido una hija de trece años. La niña decide que no quiere ser como su madre y se marca unos hábitos que no quiere aceptar, aquellos que ella considera que han sido la causa de la muerte de su progenitora, sin pararse a pensar si está equivocada o no. Por otro lado, el padre de la niña está totalmente afligido por la pérdida de su mujer y no lo oculta, pasando a ser una sombra de lo que fue, así que su hija decide que quiere convertirse en una reina de la comedia para hacer que su padre vuelva a sonreír.

La película se mueve en un terreno muy complicado al tratar de llevar con humor una tragedia sin desdramatizar lo duro de la situación, y consigue ese maravilloso equilibrio con momentos muy cómicos y otros muy emocionantes, con unas interpretaciones estupendas de sus actores. En cierto modo recuerda un poco a Juno, en el sentido de cómo aborda un tema serio desde el prima de una adolescente.

Pequeña reina es una película aparentemente sencilla, pero más complicada de lo que parece por lo difícil que es conseguir lo que vemos en pantalla, ese mágico equilibrio entre drama y comedia, además de un ritmo narrativo impecable.

Top Gun: Maverick, menuda forma de disfrutar

 

Un gran espectáculo de altos vuelos

El director Joseph Kosinski trabajó con Tom Cruise en Oblivion, y por otra parte, nos trajo una secuela tardía de una película icónica de los años 80 en Tron:Legacy. Ahora ha aunado estas dos experiencias y nos trae a Tom Cruise protagonizando la secuela de otro icono ochentero en Top Gun: Maverick. Digo «ahora» porque se ha estrenado este año, pero realmente la película debía haber llegado a la cartelera en 2020, pero se retrasó su estreno debido a la pandemia del COVID-19 y Tom Cruise se negó a llevarla a plataformas de «streaming» e incluso no la estrenó en cuanto reabrieron los cines, sino que ha esperado a que se recuperara la asistencia normal a los cines para estrenarla y hacer taquilla con ella en las salas cinematográficas. Y lo ha conseguido, ya que la película despegó en mayo y ahora, en agosto, sigue volando y aún no está claro en qué plataformas de «streaming» acabará aterrizando cuando termine su periplo por los cines.

Top Gun: Maverick nos presenta al capitán Pete Mitchell, que tras más de 30 años de servicio en la Marina, y siendo uno de los mejores pilotos de la historia, no ha conseguido ascender más allá del rango de capitán debido a sus continuos choques con sus superiores por querer hacer siempre las cosas a su manera. Tras suspender un proyecto en el que estaba trabajando, se le encarga la misión de volver a la academia de Top Gun para entrenar a un grupo selecto de pilotos que deben llevar a cabo una peligrosísima misión y entre los que se encuentra el hijo de su viejo amigo Goose. Al volver a la academia, se reencuentra con una antigua novia que regenta un bar frecuentado por los cadetes.

Aventuras, acción y romance con toques de humor, el cóctel perfecto que funcionó en la Top Gun  original se encuentran presentes también en esta secuela, además de un espectáculo de imágenes aéreas que cortan el aliento. Más que una película, es una experiencia, una desconexión total de la rutina para dejarse llevar y disfrutar del cine como antaño. Para unos puede ser el descubrimiento de una nueva de disfrutar de una película, y para otros, una reconexión con su pasado.

Acompañan a Tom Cruise en esta ocasión Jennifer Connelly, Miles Teller y Jon Hamm. En una breve aparición, aunque con mayor presencia, ya que se le nombra varias veces a lo largo de la película, está también el único, además de Cruise, del elenco original; Val Kilmer, en el papel de Iceman. La canción romántica que sustituye al mítico Take my breath away de Berlin, es una potente balada a cargo de Lady Gaga titulada Hold my hand. Por otro lado, repite la canción Danger zone de Kenny Loggins al inicio de la película.

Top Gun: Maverick es en definitiva, un gran entretenimiento, un gran espectáculo, una película para desconectar, volar y disfrutar.

Lightyear, el guardián espacial perdido en el tiempo

 

La película en la que supuestamente se basó el famoso juguete de Toy Story

El planteamiento del proyecto es interesante; tenemos un juguete legendario llamado Buzz Lightyear que ha protagonizado la saga Toy Story desde hace más de 20 años, que resulta que era un personaje sacado de una película de ciencia ficción, y esta es esa película. Bajo esta premisa se presenta Lightyear, la nueva producción de Pixar.

El estreno de la película ha estado marcado por una polémica en torno a una relación lésbica que aparece fugazmente en el filme. Al margen de las consideraciones sobre estar a favor o en contra, creo que concretamente en esta película es un error, ya que se supone que estamos viendo una «space opera» infantil de los años 90 y en el cine para niños de esa época no salían personajes homosexuales, al menos tan explícitamente, por lo que esa escena podría considerarse un anacronismo y un error de documentación de la producción a la hora de recrear los detalles del cine de esa época. Por lo demás, sí parece una película retrofuturista, con naves que recuerdan a las diseñadas para películas como La guerra de las galaxias o E.T. El extraterrestre. También es todo muy mecánico, muy físico, propio de esa década. Y además, el espíritu de aventuras fresco y desenfadado también nos evoca el cine de este género de los años 80 y 90. Además se asocian los conceptos de hipervelocidad y de viajes en el tiempo, que nos remiten a Star wars y Regreso al futuro.

Lightyear tiene un ritmo trepidante con una narración en la que pasan muchas cosas y va de una a otra sin parar. Quizá para el nivel que nos tiene acostumbrados Pixar, la película globalmente no está a la altura de los grandes títulos de la casa, especialmente porque el calado dramático de los personajes, que en este caso no es demasiado profundo, aunque acaba invitando a una reflexión sobre la vida, sobre los errores que cometemos y cómo enmendarlos, ya que a veces, si nos empecinamos en solucionarlos de una manera y no es la más adecuada, podemos cometer otros errores mayores. Y sobre todo, teniendo en cuenta que es un «spin off» de Toy Story, el listón estaba demasiado alto. También resulta curioso que no es un «spin off» al uso, es decir, lo que es coger a un personaje de una película y hacer otra película con él de absoluto protagonista, sino que el original era un juguete y este es el personaje de una película a partir del cual se ha creado el juguete, lo cual también le da un toque de originalidad.

En definitiva, Lightyear es una película de aventuras divertida, entretenida, muy apropiada para disfrutar en verano, que había creado muchas expectativas y en algunos casos no las ha colmado, pero en general es una buena película y tiene un personaje muy entrañable, para mí, de lo mejor de la película, un  gato robot llamado Sox. Curiosamente salen unos insectos gigantes, y digo curiosamente, porque también salía una plaga de langostas gigantes en Jurassic World: Dominion, otro blockbuster de este verano.

Elvis, una película de Baz Luhrman

 

Una intensa carrera marcada por las mentiras

Elvis es el nuevo espectáculo visual y musical de Baz Luhrman, el director australiano  responsable de títulos como Moulin Rouge o El gran Gatsby. Al igual que en aquellas, Luhrman combina los estilos musicales de forma anacrónica para ambientar la película, aunque en este caso, lógicamente, predomina el rock and roll con buena parte del repertorio de Elvis Presley, pero fuera de lo que son las actuaciones del cantante, lo que es la música ambiental, sí que vuelve a jugar y fusionar distintos estilos sin importar la época, con la única finalidad de crear una emoción, un ambiente y un vibrante espectáculo.

La película está contada por el que fue su mánager durante más de 20 años, Tom Parker, interpretado formidablemente por Tom Hanks. No es la primera vez que Hanks interpreta a un mánager musical, ya lo hizo en The Wonders, su debut como director, pero en este caso se mete en la piel de un personaje real que además es muy complejo, muy oscuro, un gran farsante que manejó al cantante a su antojo, pero al mismo tiempo lo convirtió en la estrella que fue. Una relación llena de luces y sombras, de mentiras y éxitos, fue la que mantuvieron Presley y Parker durante tanto tiempo.

A Elvis lo interpreta Austin Butler, visto en un papel secundario a las órdenes de Tarantino en Érase una vez en Hollywood. Richard Roxburgh, el otrora Duque de Moulin Rouge, interpreta aquí al padre de Elvis. Las mujeres más importantes de la vida de Elvis, su madre, Gladys, y su esposa, Priscilla, están interpretadas respectivamente por Helen Thomson y Olivia DeJonge.

La película cuenta toda la vida Elvis Presley, no solo una época,  en eso es «biopic» clásico, pero la forma de contarlo es al estilo Luhrman, es decir, nada de clásico. La música, la fotografía, los movimientos de cámara, el montaje, todo se combina con el peculiar estilo de su director, encaminado a ofrecer al espectador un impactante espectáculo audiovisual.

Jurassic World: Dominion, la convivencia de las especies

 

Dos generaciones de personas preocupadas por los dinosaurios

Si algo tenían en común todas las películas de la saga jurásica iniciada por Steven Spielberg en 1993, es que siempre han sugerido la expansión de los dinosaurios más allá de las fronteras de una isla perdida o un parque temático. Desde la sutileza de la primera película con su mensaje de «la vida se abre camino» y ese plano final de las aves volando libremente, después de concienciarnos durante la película sobre el parentesco entre los dinosaurios y las aves. Luego, en El mundo perdido, llevan al continente a un T-Rex, con un desenlace tipo King Kong, como era de prever. En Jurassic Park III introducen los pterodáctilos, animales prehistóricos voladores, y también sugiere la expansión de estos seres. En la nueva trilogía, veinte años después, se han creado más dinosaurios. El parque, una vez abierto, vuelve a fracasar en seguridad con el desmadre prehistórico subsecuente y en la anterior entrega, Jurassic World 2: el reino caído, sacaban de la isla a un montón de dinosaurios para rescatarlos ante una erupción volcánica que arrasaría la isla. Pues bien, con esta trayectoria, lo lógico es pensar que en un momento dado nos tocaría ver cómo sería un mundo en que los dinosaurios y los humanos coexistan, un mundo en el que los dinosaurios se han expandido por todo el planeta. Ese momento ha llegado, y se titula Jurassic World: Dominion.

La película arranca con un formato de noticiario que nos sitúa inmediatamente en contexto, en un mundo en el que hay traficantes de dinosaurios, empresarios ambiciosos que siguen queriendo exprimir la tecnología sin importarles las consideraciones éticas, personas preocupadas por la preservación de los dinosaurios, etcétera,  y nos aporta dos cuestiones nuevas: pone sobre la mesa el caso de usar la tecnología de clonación genética con humanos y con insectos, de manera que tenemos a una niña que es un clon de su madre y que está siendo cuidada por los protagonistas de Jurassic World, Claire y Owen, y por otra parte tenemos una plaga de langostas gigantes que arrasa los campos de cultivo y que está siendo investigada por Ellie Sattler, de la primera entrega de Jurassic Park, la cual pide ayuda a sus antiguos colegas, Alan Grant e Ian Malcolm. Lógicamente, en una película de esta saga y de estas características, prima el espectáculo, pero los temas están ahí, sobre el tapete, por lo que a pesar de no profundizar mucho en ellos, no deja de ser interesante el exponerlos y que luego eso pueda dar pie al debate.

La película es muy trepidante y cambia mucho de localizaciones. Sí es verdad que hacia el final se desinfla un poco en emoción, pero es muy entretenida y tiene momentos muy interesantes como la parte que se desarrolla en Malta o los planos de los ataques de la plaga de langostas. En cuanto al mensaje de la película, sigue siendo de corte ecologista, como lleva ocurriendo desde la primera secuela, El mundo perdido, ya que la película original trataba más el aspecto ético del uso de la ciencia. Si bien en entregas anteriores se hablaba de la preservación de los dinosaurios, en esta se habla de la coexistencia entre las especies, ya que el escenario ha cambiado bastante al tenerlos entre nosotros en vez de confinados en una isla.

Cazafantasmas: más allá, esencia ochentera

 

Tendiendo puentes generacionales

El pasado mes de febrero fallecía el director, productor y guionista Ivan Reitman, artífice de grandes éxitos de comedias de los años 80 como Peligrosamente juntos, Los incorregibles albóndigas, Los gemelos golpean dos veces o Los cazafantasmas. Un par de meses antes llegaba a la cartelera española Cazafantasmas: más allá, la tercera parte de la saga iniciada en 1984 por Ivan Reitman, producida por él mismo, pero dirigida en esta ocasión por su hijo, Jason Reitman, quien también se ha dedicado, y se dedica actualmente, a la comedia, pero con un tono distinto al de su padre, más bien agridulce, más realista, de crítica social, con títulos como Juno o Up in the air.

Parece ser que al terminar la película, Ivan Reitman fue al estudio a verla y al finalizar, lloró y le dijo a su hijo que se sentía muy orgulloso de ser su padre, momento que conmovió profundamente a Jason. Esta nueva entrega de Cazafantasmas se desarrolla en la época actual, en la que han pasado más de treinta años de los acontecimientos ocurridos en la primera, y nos encontramos con una madre soltera con dos hijos adolescentes, a quien han desahuciado de su casa, y se van a una vieja y destartalada granja aislada en el campo, en un pueblo remoto, que han heredado del padre de esta mujer, abuelo de los niños, y que era uno de los cazafantasmas, que ha fallecido recientemente, pero llevaba alejado de su familia muchos años, aislado en este pueblo en el que ni siquiera hay buena cobertura de telefonía móvil y en el instituto todavía tienen un reproductor de vídeo VHS. En fin, un pueblo muy peculiar y muy ligado a los 80.

En este marco se desarrolla la historia, en la que cuando llegan a la granja, los niños empiezan a descubrir los antiguos artilugios de cazafantasmas de su abuelo y tirando del hilo van descubriendo todo lo que había pasado y por qué su abuelo hizo lo que hizo en su momento. Al desarrollarse en este entorno tan rural, logra crear una atmósfera muy peculiar que le da identidad propia a la película y contrasta con el ambiente urbano de Nueva York, donde tenían lugar las dos entregas anteriores.

Al estar la película protagonizada por adolescentes en un pueblo ochentero con aventuras, con fantasmas, con fantasía, nos remite no solo a Los cazafantasmas, sino también a otro gran éxito juvenil de esa época, Los Goonies, y rezuma esencia ochentera por todas partes. Es nostálgica, pero al mismo tiempo tiende puentes entre generaciones, lo cual es muy positivo.

Por otra parte, la película está dedicada Harold Ramis, que daba vida Egon Spengler, y que falleció en 2014, pero realmente la película es un homenaje de Jason Reitman al legado de su padre, y eso se nota en el cariño y el respeto con que lo ha tratado.

La Guerra de Independencia española en el cine

 El 2 de mayo es el día de la Comunidad de Madrid en conmemoración del histórico levantamiento del 2 de mayo de 1808 del pueblo español contra las tropas napoleónicas. La ocupación francesa en España tuvo lugar entre 1808 y 1814. Estos años han sido retratados en varias ocasiones en el cine y la televisión.

Sancho Gracia se hizo muy popular a finales de los años 70 con la serie de Televisión Española Curro Jiménez, en la que encarnaba a un bandolero que luchaba contra los franceses en la Serranía de Ronda. El propio Sancho Gracia interpretó a otro héroe dela Guerra de Independencia, esta vez enmascarado, en la serie de una sola temporada La máscara negra, que en principio iba a ser una adaptación de El Coyote, pero su autor había vendido ya los derechos, así que perfilaron un nuevo personaje partiendo de la base del héroe enmascarado, que recordaba bastante al Zorro.

En el cine español clásico encontramos ejemplos como Agustina de Aragón, de 1950, protagonizada por Aurora Bautista en la piel de la mítica heroína, o El tambor del Bruch, de 1948, sobre el niño que atemorizó a los franceses haciendo sonar un tambor entre las montañas, cuyo eco hizo creer a las tropas napoleónicas que se trataba de un gran ejército. De esta última se hizo un «remake» en 1982. La leyenda del tambor, protagonizada por Jorge Sanz.

En 2008, con la conmemoración del segundo centenario del levantamiento de Madrid, se estrenó Sangre de mayo, dirigida por José Luis Garci e interpretada por un reparto coral encabezado por Paula Echevarría y Quim Gutiérrez.

Muerte en el Nilo, vuelve el glamur

 

Kenneth Brannagh vuelve a meterse en la piel de Hercule Poirot

Tras el «remake» de Asesinato en el Oriente Express, el director y actor Kenneth Brannagh vuelve a encarnar al mítico detective Hercule Poirot creado por la autora de misterio Agatha Christie en otra nueva versión de una de las obras de la novelista que ya había sido llevada anteriormente al cine: Muerte en el Nilo. La anterior versión fue estrenada en 1978 bajo la dirección de John Guillermin, diretor de El coloso en llamas, con Peter Ustinov de protagonista y secundado por un elenco de lujo con nombres como David Niven, Mia Farrow, Bette Davis o Angela Lansbury. En la misma línea nos trae ahora Brannagh un reparto de caras conocidas encabezado por él mismo y secundado por Gal Gadot, convertida en estrella gracias a Wonder Woman, Armie Hammer, conocido especialmente por encarnar a los gemelos de La red social y acompañar a Di Caprio en J. Edgar, la veterana Annette Benning, famosa por títulos como American beauty, El presidente y Miss Wade, por ejemplo, y vista recientemente en Las estrellas de cine no mueren en Liverpool, y la muy popular actriz televisiva Jennifer Saunders, destacada en cine especialmente por dar voz al hada madrina de Shrek 2. 

La unión entre cine y literatura es algo que siempre ha marcado la carrera de Kenneth Brannagh. Empezó haciendo adaptaciones de Shakespeare; Enrique V, Mucho ruido y pocas nueces, Hamlet. Luego hizo Frankenstein, de Mary Shelley, queriendo hacer una adaptación totalmente fiel al libro original siguiendo la estela del Drácula, de Bram Stoker, dirigida por Coppola. Ahora lleva adaptadas dos obras de Agatha Christie que ya habían sido llevadas al cine en los años 70. En el caso que nos ocupa, Muerte en el Nilo, nos lleva a recorrer el río Nilo a su paso por Egipto en los años 30, utilizando unos escenarios exóticos tratados con una fotografía colorista que evoca la época de las producciones glamurosas de los años 50 en Hollywood. Amor, lujo y asesinatos en el marco de un viaje por el misteriosa tierra de los antiguos faraones. 

Un detective famoso e infalible en sus investigaciones, una rica heredera rodeada de enemigos, un triángulo amoroso marcado por la traición y el rencor. Estos son los ingredientes con los que se cuece la trama de Muerte en el Nilo. Algunos personajes han sufrido algunos cambios en las adaptaciones cinematográficas, pero la esencia de la trama se mantiene en ambas.

El ritmo es adecuado, la atmósfera creada entre la fotografía, la puesta en escena y la música, nos envuelve y nos transporta a ese mundo de glamur y misterio. Cabe destacar también el prólogo de la película rodado en blanco y negro en que se revelan los orígenes militares de Poirot durante la Primera Guerra Mundial así como las claves de su soledad en lo que al amor se refiere.

La novela data de 1937 y en España se ha publicado con título homónimo pero también se pueden encontrar ediciones bajo el título Poirot en Egipto. 

Los ojos de Tammy Faye, una historia de la tele americana

 

El merecidísimo Óscar de Jessica Chastain

Jessica Chastain ha dado muestras de su carisma y talento en muchas ocasiones como La deuda, La noche más oscura, El caso Sloane, Molly's game, con personajes femeninos de carácter muy fuerte, muy duros. Sin embargo, ahora, con Los ojos de Tammy Faye, ha hecho un cambio de registro, ha salido de su zona de confort y lo ha bordado. Sigue emanando tanto carisma como siempre, tanto que le ha valido el Óscar a mejor actriz. También su caracterización para interpretar a Tammy Faye es alucinante, un trabajo que la Academia ha reconocido otorgándole a la película el Óscar a mejor maquillaje.

Hay casos de emprendedores estadounidenses que han triunfado por todo lo alto, pero en Estados Unidos, sin una repercusión a nivel internacional, y que se han llevado al cine, lo cual sí nos da la oportunidad al resto del mundo de conocer estas historias americanas. Estrellas estadounidenses de la teletienda, como en el caso de Joy, o de los programas infantiles, como Un amigo extraordinario, se han hecho visibles para todo el mundo gracias a estos «biopics» (películas biográficas). Ahora le toca el turno a una industria televisiva muy popular en el continente americano, pero que en Europa nunca ha tenido mucho auge: los telepredicadores, la palabra de Dios llevada al «show business».

Los ojos de Tammy Faye nos cuenta la historia de los Bakker, un  matrimonio de telepredicadores evangelistas que tuvieron un enorme éxito en los años 70 y 80: Tammy Faye y Jim Bakker, interpretados en la película por Jessica Chastain y Andrew Garfield. Codicia, intereses ocultos, poder, los entresijos de la industria televisiva, especialmente cuando llega la fama a niveles muy altos, están llenos de este tipo de miserias humanas, sea cual sea el contenido del programa y el nicho de audiencia a quien va dirigido. Cuando se nada entre tiburones, hay personajes que caen en las tentaciones y otros que no quieren caer y sufren al verse envueltos en situaciones que no les resultan nada agradables, como en el caso de Tammy, una soñadora con ánimo de ayudar a los demás, que quiere ser cantante y llevar la palabra de Dios a todo el mundo. Una intención muy noble que a veces resulta difícil llevar a cabo cuando se navega por aguas turbulentas.

Los Óscar 2022, reparto de premios y de leña

 Coda y Dune, ganadoras de la noche

Hemos visto en muchas ocasiones a través de las películas de Hollywood, la costumbre que hay de muchos cómicos estadounidenses de hacer humor a costa de burlarse de los defectos de la gente asistente al show, donde unos se lo toman bien pero otros se sienten ofendidos. Personalmente, es algo a lo que nunca le he visto la gracia, creo que puede resultar cruel en muchas ocasiones y pienso que hay muchas maneras de hacer reír sin tener que ser a costa de nadie. 

En la película El profesor chiflado, de Eddie Murphy, hay una escena en la que el protagonista, siendo exageradamente gordo, es blanco de las bromas de mal gusto de uno de estos cómicos, de manera que cuando adelgaza debido a su increíble fórmula química, vuelve a ese lugar y le paga al cómico con su misma moneda. Quien acompañaba a Eddie Murphy en esta película, y concretamente en esta escena, era Jada Pinkett Smith, que ahora, en la vida real, ha sido ella la que se ha convertido en blanco del humor del cómico Chis Rock, uno de los presentadores de la gala de los Óscar, el cual hizo un chiste a costa de la alopecia de Jada, causada por una enfermedad autoinmune que la actriz padece desde algunos años. Esto hizo enfurecer a Will Smith, marido de Jada, que ni corto ni perezoso se subió al escenario, le propinó una bofetada a Rock y al volver a su sitio, le gritó desde la platea varias veces: «Quita el nombre de mi mujer de tu puta boca».

Aparte de este incidente, que es lo más comentado de la gala y que posiblemente sea recordado durante mucho tiempo, el reparto de premios ha sido muy variado. Ha ganado Coda con tres premios, seguida de Dune, que le supera en numero de estatuillas en los apartados técnicos. La versión de West Side Story de Spielberg ha ganado a mejor actriz de reparto para Ariana DeBose por su papel de Anita, personaje por el que también ganó en esta misma categoría Rita Moreno en la versión de 1961. Jessica Chastain gana como mejor actriz principal por Los ojos de Tammy Faye, película que también ganó en el apartado de mejor maquillaje. Las mejores películas de animación, documental y de habla no inglesa han sido respectivamente Encanto, Summer of soul y Drive my car. El mejor vestuario ha sido para una película que trata, precisamente, sobre el mundo de la  moda: Cruella.

La favorita, El poder del perro, que tenía doce nominaciones, ha ganado un solo galardón, pero de los más importantes, para su directora, Jane Campion, que tenía ya un Óscar en su haber como guionista por El piano. Otra que sonaba mucho entre la favoritas era Belfast, de Kenneth Brannagh, que se ha llevado el Óscar a mejor guion original.

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