Buffalo kids, un cuento dickensiano en el oeste con aroma español

 

El guionista y director Pedro Solís, autor del relato corto Cuerdas, que él mismo convirtió en un multipremiado cortometraje de animación homónimo, ha adaptado su relato a un largometraje de animación en Buffalo kids, una película de cierto aire dickensiano sobre niños huérfanos, pero en vez de en Inglaterra victoriana, en el salvaje oeste americano. Cuerdas contaba la historia de amistad entre María, una niña huérfana en la España actual, y Nico, un niño con parálisis cerebral que llega al orfanato. En Buffalo kids, dos hermanos irlandeses, Mary y Tom, viajan a Estados Unidos para reunirse con su tío tras haberse quedarse sin padres. Al no encontrar a su tío en el puerto de Nueva York, deciden ir en su busca en tren a California. En el viaje se unirán a un grupo de huérfanos que van a ser entregados a familias adoptivas en distintas ciudades. En este grupo entablarán amistad con Nick, un niño con parálisis cerebral. Juntos correrán mil aventuras en el salvaje oeste con indios y forajidos.

Codirige con Pedro Solís, Juan Jesús García Galocha, director de Momias, en la que Solís realizó labores de producción. Con base en el guion de Cuerdas, de Solís, escriben el guion de Buffalo kids Javier López Barreira y Jordi Gasull, el cual también ejerce como productor. Todos han trabajado juntos en distintas funciones en Atrapa la bandera y la saga de Tadeo Jones.

Buffalo kids tiene muy buen ritmo, es divertida y nos habla de temas muy interesantes como la orfandad, la fraternidad, la familia, la amistad y las enfermedades crónicas, todo desde un punto de vista vitalista y positivo.

Bad boys: ride or die, los policías rebeldes de Miami, de nuevo juntos

 

Tras Bad boys for life, Will Smith y Martin Lawrence vuelven en Bad boys: ride or die, esta vez con la misión de limpiar el nombre de su fallecido capitán al cual han mancillado relacionándole con una red de  corrupción policial. Tiros, risas, y movimientos vertiginosos de cámara en un nuevo cóctel de acción y humor en el que la química de sus protagonistas sigue intacta.

Destacable el uso de la «snorri cam», una cámara que los propios actores llevan amarrada al cuerpo con un arnés y con la cual pueden cambiar de un primer plano suyo al plano subjetivo de lo que están viendo, simplemente girándola. El propio Smith lo explicó durante su gira de promoción de la película, señalando que ese arnés con la cámara pesa bastante y dificulta la movilidad del actor, pero el resultado vale la pena.

Repiten tras las cámaras los directores de la anterior entrega, Adil El Arbi y Bilall Fallah, y la fórmula sigue funcionando, siendo esta entrega tan entretenida como las anteriores. Lógicamente, ya no es tan original, pero sigue teniendo garra.

Gladiator II, pan y circo de ayer y de hoy

 

Han pasado 24 años desde la mítica Gladiator, que se alzó como ganadora de los Óscar y hoy en día es uno de los grandes títulos de referencia del cine de este siglo, y por qué, de la historia del cine en general. Además, inauguró una nueva etapa y una renovación y revitalización del género conocido popularmente como peplum o cine de romanos, con la tecnología digital al servicio de la recreación del mundo antiguo. Muchos títulos posteriores tomaron ejemplo de ello, tales como La legión del águila, Centurión o El rey Arturo, por citar algunos ejemplos. «Lo que hacemos en la vida, tiene su eco en la eternidad», decía Máximo en la piel de Russell Crowe, y desde luego, lo que hizo Gladiator en la gran pantalla, ha dejado su eco en la historia del cine.

Durante años se ha especulado con una secuela y se le ha dado muchas vueltas al tema. Finalmente se ha materializado y el pasado mes de noviembre llegaba a las carteleras Gladiator II, que se ha convertido en el fenómeno social cinematográfico del año. Lógicamente, no está llamada a tener la repercusión de su predecesora, porque aquí no se está reinventando ni descubriendo nada, pero está claro que es una de las películas del año por el gran espectáculo que nos brinda y por su capacidad de arrastrar al público a las salas. En comparación con la anterior, no resulta tan redonda por dos motivos, en mi opinión, bastante claros. En la primera teníamos dos personajes, Máximo y Cómodo, totalmente antagonistas y perfectamente trazados. En Gladiator II  hay más personajes, y no están todos igual de bien trazados, o al menos, no están totalmente aprovechados. Tenemos al sobrino de del emperador Cómodo, Lucio, que era un niño entonces y ahora es un hombre. Por una serie de circunstancias se ve convertido en gladiador y busca venganza. Máximo era parecido, pero era un soldado con un código de honor muy marcado, mientras que Lucio, encarnado por Paul Mescal bastante bien por cierto, es más pura fuerza bruta movida por la ira.

Por otro lado, tenemos al general Acacio, interpretado por Pedro Pascal, un general con ideales, como Máximo, que se ve en una encrucijada al tener que servir a los frívolos y despiadados hermanos emperadores Geta y Caracalla. El personaje de Acacio es interesante, pero no se le da mucha cancha para el lucimiento. El que sí se lleva de calle todo el magnetismo es Denzel Washington, que irradia carisma por doquier en la piel de Macrino, un tratante de gladiadores con altas ambiciones políticas y cero escrúpulos.

El segundo motivo es la trama, a la que le pasa lo mismo que a los personajes, que es interesante por las conspiraciones políticas que plantea, pero en su resolución no resulta tan redonda como en la primera película. Pero en fin, estamos ante un espectáculo de pan y circo impresionante, una de las películas del año, y que hace un retrato de una sociedad decadente en la que los mandatarios solo buscan entretener al pueblo para que les dejen hacer a ellos lo que les da la gana. «Que coman guerra», dice uno de los hermanos en un momento dado. La historia es cíclica, y quizá Gladiator II no trate solo de lo que pasó con el Imperio Romano, sino también de lo que está pasando hoy en día con el imperio de la sociedad del bienestar occidental. Ridley Scott ha vuelto a hacer vibrar la arena del Coliseo en la gran pantalla.

Godzilla y Kong: el nuevo imperio, titanes repartiendo estopa

Godzilla y Kong: el nuevo imperio ofrece lo que su propio título sugiere: algo más de hora y media de entretenimiento a base de monstruos gigantes digitales luchando y destruyendo a diestro y siniestro. Los personajes humanos están muy poco desarrollados y la trama tiene un planteamiento interesante sobre tribus ancestrales y un titán que escupe hielo, pero también se explica y desarrolla muy parcamente para dar más cancha a las luchas espectaculares entre titanes. No obstante, esta función de entretener, la cumple con creces, ya que la película se deja ver y visualmente resulta muy atractiva.

Es la secuela de Godzilla vs. Kong (2021), que a su vez era el remake de la película homónima japonesa de 1962. Tras los acontecimientos de la anterior entrega, una corporación mantiene a Kong y a Godzilla separados, el primero en la Tierra Hueca y el segundo en nuestro mundo. Sin embargo, una nueva amenaza desde un lugar recóndito de la Tierra Hueca, hará necesario que  ambos unan sus fuerzas para defender a la humanidad.

Tanto Godzilla y Kong: el nuevo imperio como su predecesora, están dirigidas por Adam Wingard, director avezado en películas de terror de bajo presupuesto. También ambas películas cuentan con la misma protagonista, Rebecca Hall, conocida también por sus apariciones en Iron Man 3 o The Town, entre otras. También repite papel Brian Tyree Henry, visto en títulos como Bullet train o Joker.

 

Estas películas forman parte del «monsterverse» creado por Legendary Pictures que comenzó con un remake  de Godzilla en 2014, seguido por Kong: La isla Calavera en 2017 y Godzilla: king of monsters en 2019.

Feliz Navidad

 

Con este vídeo os deseo a todos que paséis una feliz Navidad en compañía de vuestros seres queridos y que 2025 venga cargado de esperanza y oportunidades para todos.

Here (Aquí), la vida en un plano máster

 

Una vez le preguntaron a Woody Allen en una entrevista por qué usaba tanto el plano máster en sus películas, y él respondió algo así como que lo usaba porque no tenía claro dónde poner la cámara. Un plano máster es aquel en que se pone la cámara en un encuadre que recoja toda la escena, la cual se desarrolla entera como si fuera una obra de teatro. De esta manera, los actores hablan, interactúan y entran y salen de escena sin que la cámara se mueva. Más allá de usos estilísticos o de la razón que sea que puedan tener distintos directores, este tipo de plano es un buen recurso para asegurarse de tener, al menos, un encuadre con toda la escena rodada, por si después hay sorpresas a la hora del montaje, de algo que pueda faltar o alguna otra toma que no haya quedado bien, etcétera.

Robert Zemeckis, director de prestigio por la saga Regreso al futuro o la oscarizada Forrest Gump, nos trae este año Here (Aquí), una película rodada como si fuera un plano máster en un punto determinado por el que vemos pasar la vida desde la era de los dinosaurios hasta nuestros días. Las guerras, las pandemias, las crisis económicas y cómo todo esto afecta al ciudadano medio, con la pérdida de empleo, la formación de una familia, la vida en pareja, la enfermedad en la vejez, los sueños frustrados juventud de unos, los sueños realizados de otros, las celebraciones familiares de Acción de Gracias, Navidad, cumpleaños, bodas, en fin, lo que es la vida. Momentos de risas, de lágrimas, de ternura, de amor, de desgracia, todos ellos pasan por delante de esta cámara que está fija en un punto durante siglos y siglos.

Al haber tantos momentos y tantas historias, a veces puede parecer que algún fragmento no dura en pantalla lo suficiente como para emocionar todo lo que podría hacerlo, pero realmente, esos momento de emociones se van acumulando y estallan en la secuencia final, que no voy a revelar, evidentemente. Y a posteriori,  volviendo a pensar la película, como estoy haciendo mientras escribo esta reseña, se disfruta más de esas emociones que encierra este experimento de Zemeckis. Y el hecho de ser una película experimental, arriesgada, ya le da valor, pero además, le ha salido bien, lo cual es una bocanada de aire fresco en esta época plagada de refritos, remakes, reboots, precuelas, secuelas y demás vueltas de tuerca que se le están dando a las fórmulas y personajes de hace más de 50 años. Además, la película se pasa en un suspiro. Es cierto que no es muy larga, 104 minutos, pero cuántas películas hay de esta duración que se hacen soporíferas. Y luego está la parte técnica, el alarde visual que se hace con las distintas versiones de los actores a distintas edades es impresionante, y la forma que tiene de realizar las transiciones entre historias a través de una especie de puzle visual, resulta hipnótico.

Tom Hanks y Robin Wright protagonizan Here (Aquí) secundados por Paul Bettany, Kelly Reilly o Michelle Dockery entre otros. En mi opinión, Here (Aquí) por su originalidad, riesgo y el buen resultado de la propuesta, es la película del año.

Willis y Black, dos nombres de acción en Navidad

 

En 1987 se estrenaba Arma letal, una película de acción que se convirtió en todo un referente de las buddy movies, o películas de colegas, encumbrando definitivamente a Mel Gibson, que ya era popular por la saga Mad Max, y  llevando también al estrellato a Danny Glover, el que sonaba como secundario en películas como Único testigo, Silverado o El color púrpura. El guion de Arma letal iba firmado por Shane Black, un actor, guionista y director al que le gusta ambientar la acción con decoración navideña, como hizo también en el universo Marvel al dirigir Iron Man 3.

Al año siguiente, en 1988, Bruce Willis, popular por la serie televisiva Luz de luna, estrenaba La jungla de cristal, en la que un policía de Nueva York se enfrentaba a un grupo terrorista en un rascacielos de Los Ángeles durante la fiesta de Nochebuena de una empresa japonesa. Gracias al carisma de Willis, nació un icono: John McLane.

Dos años después, en 1990, tras el enorme éxito de la primera entrega, llegó la secuela La jungla 2: Alerta roja, que volvía a situar a McLane enfrentándose a un grupo terrorista en Nochebuena, esta vez en el aeropuerto de Dulles, en Washington D.C.

Y al año siguiente, en 1991, Willis y Black coincidían en otro proyecto navideño de acción como actor y guionista respectivamente: El último boy scout, dirigida por Tony Scott. Fue el guion mejor pagado en su momento. Se trata de una buddy movie en la que un detective privado en plena crisis matrimonial y un jugador estrella de fútbol americano que anda en horas bajas, unen sus fuerzas para desmantelar una red de corrupción en el deporte. Y toda la trama transcurre en fechas navideñas.

Las películas que suelo ver en Navidad

 

En Adviento: las semanas previas a la Navidad, Pesadilla antes de Navidad, ideal como transición de Todos los Santos a la Navidad. Jack Skellington sale de Halloween Town y descubre la Navidad, así que para hacerla a su manera, secuestra a Santa Claus para sustituirlo en el reparto de regalos. Una deliciosa fantasía en animación stop motion producida por Tim Burton.

También Love actually, comedia británica con un reparto coral y varias historias entrecruzadas que ocurren en las semanas previas a la Navidad y retratan la sociedad actual, algunas de manera bastante frívola, quizás, pero que en cualquier caso, transmite positivismo, amor y buenos sentimientos, porque, como dice la canción de la película, «la Navidad está por todas partes».

En Navidad: Los Teleñecos en cuento de Navidad es una divertida, fresca y entrañable versión de clásico cuento de Dickens, con el gran Michael Caine encarnado Mr. Scrooge rodeado por Gonzo, Gustavo, Peggy y los demás Teleñecos.

También Family man, una interesante fábula en la que Nicholas Cage interpreta un solitario, arrogante y egocéntrico bróker de Wall Street que en Nochebuena tiene la posibilidad de ver cómo habría sido su vida si hubiese tomado otra decisión en el pasado, viéndose como un padre de familia, con menos recursos económicos, pero con una vida más plena.

En Fin de Año: El apartamento, el clásico de Billy Wilder con la evolución de varios personajes a encarrilar sus vidas durante las fechas navideñas y que tiene su clímax en la celebración del Año Nuevo.

Lugares con encanto

 

Durante muchos años he ido haciendo vídeos en formato reportaje o cortometraje documental sobre distintos rincones de España y parte del extranjero. Suelen combinar naturaleza y cultura y son lugares con un encanto especial, que he reunido en esta lista de reproducción.

Dune: parte 2, los moradores de las arenas

 El primer Dune me dejó frío. Mucho Óscar técnico, totalmente merecido, y un dominio de la realización por parte de Villeneuve indudable. Sin embargo, no me dejó poso. Me faltó conexión, empatía con algún personaje que destacase, ya que es como si todos fuesen parte del paisaje y no contrastara ninguno. Y la historia de conspiraciones por el poder en una sociedad ficticia y futurista, pues a los fans de la novela que conozcan ese universo, les puede resultar interesante, pero para aquellos ajenos al tema, pues se echaba en falta ese personaje que sirviera de guía al espectador profano en la materia por ese universo imaginario.

Por eso no me llamaba la atención ver Dune: parte 2, a pesar de ser uno de los grandes estrenos del año, además de Gladiator II o Del revés 2. No obstante, he terminado viéndola y me alegra poder decir que me ha sorprendido gratamente. El alarde técnico sigue siendo impresionante, la película sigue tomándose demasiado en serio a sí misma y los personajes siguen siendo muy parecidos entre sí, no como en otras sagas de aventuras épicas y fantasía como El señor de los anillos o Star Wars, en las que los personajes están muy perfilados de manera que haya contraste entre ellos, pero esta segunda entrega tiene un punto distintivo, desde mi punto de vista, respecto a su precedente, y es que la trama es más sencilla de seguir que en la anterior. Vemos a un superviviente de una familia con la que otros habían acabado, exiliado en un planeta inhóspito y acogido por una tribu local para los cuales él es el mesías que debía liberarlos, de manera que vemos el proceso del protagonista de convertirse en el líder de una revuelta.

Dune: parte 2 tiene más de aventuras y menos de politiqueo en una sociedad ficticia, por lo que resulta más comprensible y disfrutable para un público general que su predecesora. Especialmente destacables la escena en plan Gladiator y los momentos en que tanto el protagonista como otros personajes cabalgan gusanos gigantes a través de las interminables dunas de arena.

Jurado número 2, una historia de Pepito Grillo

 

«Soy la voz de tu conciencia», le decía Pepito Grillo a Pinocho en el clásico de Disney, no recuerdo si de manera literal, pero esa era más o menos la idea, y sobre esto versa Jurado número 2, la nueva película de Clint Eastwood, que a sus 94 años estrena con una puesta en escena clásica y elegante como solo los grandes cineastas saben hacer. Además cuenta con dos sensacionales interpretaciones de Nicholas Hoult y Toni Collete, de esas que transmiten más con los silencios que con las palabras. Mención especial también merece J.K. Simons, espléndido como casi siempre, en un papel secundario pero crucial para el desenlace la película.

Justin Kemp es un exalcohólico que ha rehecho su vida y está felizmente casado y a punto de ser padre cuando el juzgado lo cita para ser jurado en un juicio por asesinato. Culpan al novio de una chica que fue encontrada en un despeñadero al borde de una carretera de escasa visibilidad en una noche lluviosa. La fiscal que lleva el caso está en plena campaña para ser  elegida fiscal del distrito y solo piensa en su carrera, por lo que se muestra implacable en el juicio, ya que encerrar a un asesino en un caso que conmocionó a la población local, es apuntarse un gran tanto. Sin embargo, al conocer los hechos, Justin recuerda haber pasado por aquella carretera aquella fatídica noche y haber chocado con lo que él pensó que sería un ciervo, pero ¿y si no era un ciervo? Por otro lado, la fiscal, ve clarísima la culpabilidad del acusado, cegada por ganar el caso, pero ¿y si realmente es inocente?

Hay un momento de la película en la que parece que va a ser un remake de 12 hombres sin piedad, pero pronto la historia se va por otros derroteros. La culpa, la conciencia, todos cometemos errores y es de justicia reconocerlos y tratar de enmendarlos, pero a veces, las circunstancias que nos rodean, las presiones externas, nos pueden llevar a tomar posturas equivocadas, cobardes, injustas, en fin, que nadie es perfecto. Un dilema moral que Eastwood pone sobre el tapete en esta interesante, inpecable y muy recomendable película, Jurado número 2.

Blondi, un debut muy natural

 

Blondi  es una coproducción entre Argentina, Estados Unidos y España que supone el debut como directora de la actriz argentina Dolores Fonzi. Ella misma protagoniza la película junto a Toto Rovito, Carla Peterson, Rita Cortese y Leonardo Sbaraglia. La película cuenta la historia de una madre soltera que fuma porros y le gusta la música ochentera,  que consigo misma es un poco caótica, pero lo da todo por su hijo. Ambos han tenido siempre un vínculo muy fuerte, pero ahora el niño ha crecido y algo está a punto de cambiar en sus vidas.

Se trata de una historia sencilla, intimista, pero cuyo interés en el desarrollo de la trama no decae en ningún momento. Tiene un tono muy fresco y desenfadado con unas interpretaciones muy naturales y con mucha energía. Los personajes son la protagonista junto a sus familiares más cercanos, hijo, madre, hermana, cuñado y sobrinos. Blondi es una película muy agradable de ver, con algunos golpes de humor que funcionan muy bien. Es una comedia agridulce en la que no se oculta el hecho de que nada es bucólico, sino que tienen sus dramas de fondo, pero no se profundiza en ellos. A pesar de los problemas, conflictos y dilemas que se pueden presentar en la vida, lo que prima es el seguir siempre hacia adelante con una sonrisa y el amor de los seres queridos.

El color púrpura, esta vez en clave musical

 En 1985 se publicaba la novela El color púrpura, de Alice Walker, que ganó el Premio Pulitzer en 1983. Es un potente drama sobre el machismo, la pérdida de la inocencia, los abusos de autoridad y el racismo en el sur de Estados Unidos durante la primera mitad del siglo XX. En 1985, Steven Spielberg lo llevó a la gran pantalla lanzando al estrellato a Whoopi Goldberg. Tuvo 11 nominaciones a los Óscar, pero se fue de vacío, incluida la nominación a mejor actriz secundaria para Oprah Winfrey, la cual fundó tras esta experiencia, su propia compañía productora llamada Harpo Productions.

En 2005, se estrenó en Broadway un musical basado en la novela y la película de Spielberg. Este año ha llegado a las carteleras El color púrpura, versión cinematográfica de ese musical. En la producción se han juntado Steven Spielberg, Oprah Winfrey, Quincy Jones, fallecido recientemente, el productor musical de los discos más importantes de Michael Jackson, y Scott Sanders, productor del musical en que se basa esta película. La dirección se le ha dado a Sam Blitz Bazawule, tras dirigir a Beyoncé en Black is king. En el reparto cabe destacar a Halle Bailey, protagonista del remake  de Disney de La sirenita, y a Taraji P. Henson, posiblemente una de las que tiene una filmografía más amplia del elenco, incluyendo títulos como Figuras ocultas o El curioso caso de Benjamin Button.

Esta versión musical de El color púrpura tiene menor calado dramático que la versión de Spielberg, aunque la historia en sí bastante dramática de por sí, pero algunos números musicales tienen una fuerza tremenda, como por ejemplo,  Mysterious ways o Hell no! En general es un gran festival de música góspel, blues y jazz que transmite muchas emociones y deja un bue sabor de boca. Muy recomendable.

Cazafantasmas: Imperio helado, de vuelta a Nueva York

 

Este año han vuelto los cazafantasmas al cine como continuación de la anterior entrega, Cazafantasmas: más allá, bajo el título de Cazafantasmas: imperio helado. En la anterior, los actores de las películas originales salían a modo de aparición estelar, cosa que ocurre en esta nueva entrega con Bill Murray, pero no con Dan Aykroyd y Ernie Hudson, que tienen papeles más largos y más integrados en la trama.

La familia de los descendientes de Spengler, tras los acontecimientos vividos en aquel pueblo aislado de la película anterior, están ahora en Nueva York donde ejercen de cazafantasmas en el mismo edificio donde tenían su cuartel general en los años 80. Ray (Dan Aykroyd) tiene una tienda de compraventa de objetos extraños, misteriosos, hechizados etcétera. Un día entra un tipo a su tienda a venderle varios trastos viejos de su abuela fallecida, entre los cuales se encuentra un orbe metálico que parece ser que encierra a un espíritu maligno de la antigüedad, un destructor que tenía el poder de destruir con el hielo.   

Bill Murray sale poco, pero protagoniza una de las escenas más divertidas de la película. En general, el filme tiene buen ritmo, es espectacular y entretenida. Le falta, quizá, aquel toque de singularidad que tenía su precedente al desarrollarse en un escenario completamente distinto. No obstante, la película entretiene, tiene un niña fantasma muy peculiar y carismática, interpretada por la joven actriz y cantante Emily Alyn Lind, conocida especialmente por la serie  de TV Gossip girl y que trabajó hace unos años a las órdenes de Clint Eastwood en J. Edgar, donde intepretaba a Shirley Temple. Los protagonistas son los mismos de la anterior película: Paul Rudd, conocido especialmente por interpretar a Ant-Man en el universo Marvel, Carrie Coon, curtida sobre todo en el teatro, aunque también hace cine y televisión, y los jóvenes McKenna Grace y Finn Wolfhard. Sobre el personaje de McKenna, Phoebe Spengler, recae el peso de la trama familiar dentro de lo que es historia que cuenta la película, ya que siendo muy inteligente y mañosa para cazar fantasmas, el hecho de ser menor de edad supone un problema para que pueda trabajar en Nueva York, y en este conflicto adolescente radica el toque humano de la historia, más allá del orbe encantado que amenaza la ciudad.

La película está dedicada al fallecido Ivan Reitman, artífice de las películas originales y que produjo la anterior entrega siendo el director su hijo, Jason Reitman, que en esta ocasión ha ejercido de productor y ha dado las riendas de la dirección a Gil Kenan, coguionista tanto de esta como de la anterior película, y director de títulos como City of Ember o El niño que salvó la Navidad.

Sucedió en Roma, reviviendo el pasado

 

Sucedió en Roma es una película danesa que se ha estrenado en España directamente en streaming. Trata sobre una pareja danesa que viaja a Roma para celebrar su 40º aniversario de boda. Él es un cartero retirado que no había estado antes en la ciudad eterna y ella es una pintora que dejó el arte por un trabajo en una editorial, pero que estudió en la capital italiana en su juventud donde había tenido un romance con un profesor.

Es una tragicomedia que invita a la reflexión sobre los sueños frustrados de juventud, los errores del pasado, los secretos, el amor, el matrimonio, y en general, el sentido de la vida al alcanzar cierta edad. La puesta en escena y la ambientación son algo convencionales, pero la película goza de buenos intérpretes y buen ritmo narrativo. También resulta entrañable el homenaje al clásico Vacaciones en Roma (1953), de William Wyler. 

Dirige Niclas Bendixen, director y coreógrafo, de hecho trabajó como coreógrafo en la exitosa Otra ronda. Como director, Sucedió en Roma es su tercera película. Protagoniza la actriz Bodil Jorgensen, que en sus inicios estuvo en el reparto de Los idiotas (1998), de Lars Von Trier, película paradigmática del movimiento Dogma. Comparten cabeza de cartel con ella los actores Kristian Halken y Rolf Lassgard, este último conocido especialmente por interpretar al inspector Wallander en la serie sueca y las películas sobre este personaje, que también tuvo otra adaptación británica en la que era interpretado por Kenneth Branagh.

Misántropo, para hacérselo mirar

 

Misántropo es un thriller de suspense de producción estadounidense dirigida por el cineasta argentino Damián Szifrón, responsable de Relatos salvajes. Asimismo, está protagonizado Shailene Woodley, la otrora protagonista de la saga Divergente, que en este caso también ostenta el cargo de productora ejecutiva. Le secunda el veterano actor Ben Mendelsohn, el otrora villano de Ready player one. Ambos interpretan a una agente de policía y un agente del FBI respectivamente, ambos con un pasado conflictivo dentro de sus correspondientes organizaciones de las fuerzas del orden, que colaboran en una investigación para atrapar a un asesino en serie.

El arranque de la película es toda una declaración de intenciones y hace honor a su título. Un misántropo es aquel que practica la misantropía, es decir, la aversión a la gente, al ser humano en general,  y la historia comienza con un francotirador que asesina indiscriminadamente a 29 personas en la noche de Fin de Año durante los fuegos artificiales, para camuflar el sonido de los disparos.

Estamos en una sociedad con mucho acceso al conocimiento, mucha competitividad que aboca a la gente a formarse, pero se han perdido muchos valores éticos, dando como resultado un sistema frío y deshumanizado, lo cual hace que aparezca gente sin escrúpulos con capacidad para hacer mucho daño cuando siente que el sistema le ha fallado, algo que quizá, como sociedad, deberíamos hacernos mirar. Hay muchas películas que ponen este tema de relieve, como Un día de furia, por ejemplo, o La Roca, El silencio de los corderos, o varios de los villanos de la saga de 007, gente muy inteligente que acaban siendo los juguetes rotos de un sistema implacable, y que si no tienen ciertos principios por sí mismos, o les posee un afán revanchista contra dicho sistema, se vuelven muy peligrosos para la gente corriente. Misántropo trata este tema con firme pulso narrativo, buenos intérpretes y algún giro interesante de guion.

Civil war, la humanidad al garete

 

Se han hecho muchas películas antibelicistas que nos muestran la crueldad de la guerra, la sinrazón, la violencia descarnada, la injusticia, en fin, todo lo negativo de una guerra, que es prácticamente todo, ya que nunca hay vencedores y vencidos, sino que en una guerra todos pierden, salvo los que se enriquecen a costa de vidas humanas, porque la guerra es eso, un negocio muy lucrativo para unos pocos.

Pero dentro de todos estos aspectos negativos que tienen los conflictos bélicos, Civil war se centra especialmente en mostrar la deshumanización de la gente corriente. Nos muestra unos personajes que pierden su humanidad ante los horrores de la contienda. La película es muy poderosa visualmente y muy atinada en mostrarnos la oscuridad del alma humana. Sin embargo, en una historia, quien la cuenta, se supone que lo hace para transmitirnos un mensaje, ya sea en un sentido o en otro con lo que podamos estar de acuerdo o no, y en ese aspecto es en el que la película no es redonda, en que el director da varios bandazos y al final, resulta ambiguo, no queda clara cuál es su intención, lo cual deja una sensación incómoda en el espectador.

El marco de la acción es una distopía futurista en un futuro próximo en el que los estados de California y Texas se han declarado en rebelión y han sumido a los Estados Unidos en una guerra civil. Las fuerzas insurrectas pretenden llegar a la Casa Blanca para acabar con el presidente. En medio del caos, un grupo de periodistas tratan de llegar a Washington para entrevistar al presidente antes de que lleguen los sublevados del oeste a acabar con él. El grupo está formado por una fotoperiodista veterana, interpretada por Kirsten Dunst, la otrora novia de Spiderman, un periodista también curtido en estas lides, encarnado por Wagner Moura, especialmente conocido por la serie Narcos, un periodista a punto de jubilarse que fue mentor de ellos, al que da vida Stephen Henderson, visto también en Dune, y una aprendiz de fotógrafa que quiere parecerse al personaje de Kisrten Dunst, interpretada por Cailee Spaeny, protagonista este año también en Priscilla.

Dirige Alex Garland, el director de la aclamada Ex Machina, guionista de películas como Dredd, de Pete Travis, o algunas de Danny Boyle, como La playa o 28 días después. Civil war es su cuarto largometraje como director.

Milli Vanilli, ¿estafa o espectáculo?

 

El fenómeno musical de finales de los 80 y principios de los 90, Milli Vanilli, fue malogrado por un sonoro escándalo cuando se supo que no eran ellos quienes cantaban en realidad. Eran bailarines y su «show» era muy vistoso, pero claro, cantaban siempre en «playback», aunque realmente el escándalo no fue que no cantaran en directo, sino que ni siquiera las voces del «playback» fueran las suyas. El artífice del dúo estelar era el productor musical Frank Farian, quien en aquella época era muy conocido por haber lanzado a Boney M. 

La historia de este dúo alemán ha sido llevada al cine en una producción también alemana dirigida por Simon Verhoeven bajo el título Milli Vanilli: Girl you know it's true, siguiendo la tendencia de otros biopìcs  musicales de usar como título de la película alguna de las canciones más emblemáticas del artista sobre el que trata la película, como son los casos de Bohemian Rhapsody, Bob Marley: One love, o Back to black, por citar algunos ejemplos.

La película se podría catalogar de «feel good movie», es decir, película de buen rollo, que te hace sentir bien. Y es que, aunque se trata de una historia trágica, otro caso de juguetes rotos en el mundo del espectáculo, una industria voraz que comercia sin escrúpulos con las ilusiones de los artistas, la energía positiva de los protagonistas, la música y todo el fenómeno fan que se originó en torno a ellos, hacen que sea Milli Vanilli: Girl you know it's true una película muy agradable de ver, con gancho, con optimismo, una historia sobre sueños e ilusiones, a pesar de que la realidad sea más dura de lo que todos desearíamos. Por otra parte, también es interesante el debate que plantea sobre los límites que hay entre innovar creando un buen espectáculo,  o estafar. ¿Qué fue en realidad este caso? Para eso hay que ver la película.

Madame Web, visión de futuro

 

Dakota Johnson, hija de Don Johnson y Melanie Griffith, conocida como actriz principalmente por protagonizar la trilogía de 50 sombras de Grey, da el salto al universo Marvel con Madame Web. Se trata de un personaje del universo de Spiderman. Una chica de 30 años que trabaja como conductora de ambulancias y un día, tras una experiencia cercana a la muerte, empieza a experimentar visiones de futuro, de manera que puede cambiar el curso de los acontecimientos. Su poder proviene de unas arañas que su madre investigaba en Perú en los años 70. Ella desconoce esto, ya que su madre murió al dar a luz. En una de sus visiones, ve cómo tres adolescentes son atacadas por una especie de hombre araña siniestro en un vagón del metro, por lo que interviene para sacarlas de allí y protegerlas.

Madame Web no ha tenido el resultado esperado en taquilla, y realmente podemos decir que estamos ante un título menor dentro del universo Marvel. La verdad es que es muy entretenida y Dakota Johnson lleva muy bien el peso de la trama. Sin embargo, no deja la sensación de aportar algo nuevo al universo de superhéroes, sino más bien da la sensación de ser una más. Creo que quizá le fallan dos cosas importantes en este tipo de películas. Por un lado, es una historia de orígenes, y eso es lo que cuenta, el origen de esta heroína de Marvel, y ahí se queda para una segunda parte. Pero normalmente, en este tipo de películas, el origen es la mitad de la película y la otra mitad es ver al héroe de turno ya en acción como tal. Es la fórmula que se usó ya en 1978 con Superman y que se ha seguido usando en títulos como Batman begins, Spiderman, Capitán América, Viuda Negra o Iron Man, por citar algunos ejemplos.

Por otra parte, quizá el punto más débil de la película, es el villano. Tener un malo de altura es fundamental para que el héroe brille enfrentándose a él, y en este caso, el villano es un poco soso, le falta algo más de gancho, de carisma.

Con todas y con esas, Madame Web es una película entretenida, vistosa, agradable de ver.

El conde de Montecristo, ¿justicia o venganza?

 Enésima adaptación del clásico literario de Dumas, El conde de Montecristo, dirigida en esta ocasión por Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patillière, los guionistas de las dos entregas de Los tres mosqueteros, D'Artagnan y Milady. Y no solo ellos, sino que también el director de fotografía Nicolas Bolduc y las productoras Pathè, M6 Films y Chapter 2 están implicados en las tres películas. Una superproducción francesa de tres horas de duración en la que están pasando cosas todo el rato. Tiene un ritmo de montaje magnífico y una puesta en escena espectacular, con un mágico equilibrio de estilo entre clásico y moderno. La fotografía y la música crean una atmósfera única, especialmente en los momentos de mayor tensión dramática.

El marinero Edmundo Dantés es acusado de un delito que no ha cometido y llevado a prisión de por vida siendo inocente a causa de los intereses y envidias de una serie de personajes que le rodeaban. Con la ayuda de otro prisionero, y tras varios años de cautiverio, consigue escapar y hacerse con una inmensa fortuna que le permitirá volver a Marsella bajo una nueva identidad, como el conde de Montecristo, y así perpetrar un elaboradísimo plan para ajustar cuentas con los traidores  que le robaron tantos años de su vida. Para ello recluta a dos jóvenes, que también tienen asuntos pendientes con alguno de los conspiradores. La cuestión es cómo manejar tantas emociones de odios y resentimientos para mantener la cabeza fría y evitar que la búsqueda de justicia pueda derivar en venganza. Ambos conceptos se separan así por una línea muy fina sobre la que navegan las tres almas heridas en busca de encontrar la paz por los agravios sufridos en el pasado.

 En anteriores versiones, se ha tendido siempre a tener rostros conocidos internacionalmente en el elenco. En la versión de Kevin Reynolds de 2002, La venganza del conde de Montecristo, podíamos ver a Jim Caviezel, Guy Pierce o Richard Harris. En la miniserie de TV de 1998, Gerard Depardieu y Ornella Muti. En la TV movie de 1975, Richard Chamberlain y Tony Curtis. Sin embargo, en esta nueva versión no aparecen grandes estrellas reconocidas por el gran público, ni falta que le hace, ya que sus actores hacen un trabajo espléndido y todo el conjunto es tan fascinante, que envuelve al espectador y lo mantiene tres horas pendiente de la pantalla. Un gran elenco en el que destacaría especialmente al protagonista, Pierre Niney, por ser quien lleva todo el peso de la película, y a Pierfrancesco Favino, que interpreta al compañero de celda de Edmundo y compone un personaje memorable con muy poco tiempo en pantalla. También destacar a la actriz Anamaria Vartolomei, en el papel de Haydeé, cuya irrupción en la historia es una de las escenas más mágicas de la película y transmite con solidez el halo de misterio que rodea al personaje.

Justicia, venganza, conspiraciones, amor, pasión, aventuras, épica, cuando todos estos ingredientes están bien mezclados, ¿quién se puede resistir a un cóctel así?  Por eso El conde de Montecristo es uno de los grandes títulos del año.

Priscilla, cómo casarse con una estrella y no morir en el intento

 Sophia Coppola, responsable de títulos como Lost in translation, Las vírgenes suicidas o María Antonieta, nos trae Priscilla, la biografía de Priscilla Presley, según el libro de memorias de la propia Priscilla, Elvis and me, la cual está implicada en la película como productora ejecutiva. La película cuenta la complicada relación entre Elvis Presley y su esposa, que se conocieron siendo ella una adolescente y él ya una estrella del rock, durante su estancia en Alemania para cumplir el servicio militar.

Protagoniza Cailee Spaeny, que ganó la Copa Volpi a mejor actriz en Venecia por esta interpretación, y la verdad es que hace un papel memorable. La secunda Jacob Elordie en el rol de Elvis, que cumple bien su cometido, aunque la estrella de la función, y por tanto, el personaje más desarrollado en la trama, es Priscilla. 

La película invita a la reflexión sobre el despertar de la adolescencia, viendo cómo una niña con una vida normal, de padre militar, con una educación basada en valores tradicionales, se convierte en adulta más deprisa que la gente de su edad al entrar en un mundo adulto muy distinto al de sus padres, lleno de abundancia, lujo y glamur, pero también de excesos y extravagancias. Sophia Coppola nos plantea esta vida llena de luces y sombras con una elegante puesta en escena y fotografía, así como con una estupenda selección de canciones de artistas como Ramones, Brenda Lee, The Righterous Brothers o Dolly Parton, por citar algunos ejemplos. Sin embargo, no sale ninguna canción de Elvis, ya que la empresa que gestiona los derechos de su legado, no dio permiso para usarlas en esta película.

La tierra prometida, algo huele mal en Dinamarca

 

Venganza, amor, esfuerzo, compromiso, lealtad, traición, tiranía, todo ello se puede ver en La tierra prometida (The bastard), una película biográfica o «biopic» sobre Ludvig Kahlen. A mediados del siglo XVIII en Dinamarca, el rey Frederik V quiere colonizar un terreno en la zona de Jutlandia, que constituye un páramo incultivable, lleno de bandidos. Por otra parte, un despiadado terrateniente que vive junto al páramo es el amo y señor de la zona, por lo que no le interesa que ese terreno sea colonizado. Nadie se atreve a secundar el proyecto del rey, nadie tiene agallas para intentar ser el primer colono para atraer después a más, hasta que el capitán Kahlen, retirado del ejército, decide intentarlo y enfrentarse a la agreste naturaleza y al tiránico terrateniente.

La tierra prometida es una coproducción entre Dinamarca, Noruega y Alemania dirigida por el danés Nikolaj Arcel, que ha hecho cine en Dinamarca y debutó en Hollywood con La torre oscura. Encabeza el reparto Mads Mikkelsen, que ya había trabajado con el director en Un asunto real. Mikkelsen es siempre una apuesta segura y sigue alternando proyectos entre Dinamarca y Hollywood. De hecho, el año pasado lo pudimos ver como villano de Indiana Jones y el dial del destino, y antes en Otra ronda, Casino Royal, Rogue One, Después de la boda, en fin, que tiene una facilidad pasmosa para  aparecer tanto en el cine europeo como en el estadounidense.

La tierra prometida tiene buena fotografía, ritmo correcto y algunos momento realmente impactantes. Una muy buena película sobre un hombre que desafió a la naturaleza y toda una sociedad por un ideal: su compromiso con el rey para llevar a cabo un proyecto en el que nadie creía. Una película muy completa tanto en envoltorio como en contenido, tanto en lo que se ve como en lo que trasciende.

Milady, la continuación de D'Artagnan en los tres mosqueteros

 

Igual que en su momento Peter Jackson abordó la adaptación de El señor de los anillos con un único rodaje, pero luego estrenando las tres películas durante tres años consecutivos, entre el pasado año y este, el director francés Martin Bourboulon ha llevado la obra de Alejandro Dumas Los tres mosqueteros a la gran pantalla en forma de superproducción dividida en dos entregas: Los tres mosqueteros: D'Artagnan y Los tres mosqueteros: Milady. 

Puesto que se ha rodado con el mismo equipo al mismo tiempo, la calidad técnica en general es la misma que la de la primera entrega. Sin embargo, en cuanto al contenido de la historia, hay cosas que van a menos y otras que van a más. Por ejemplo, los personajes. En la primera parte se presentan  varios personajes muy bien definidos y diferenciados. En la segunda, el personaje más desarrollado es el de Milady, mientras que los demás apenas añaden más calado del que ya tenían en la primera película.

Por otro lado, la historia continúa y las batallas más espectaculares ocurren en esta segunda entrega. Por tanto,  nos queda una dilogía en cuya primera parte se ofrece más desarrollo de personajes y en la segunda, más espectáculo. Y Eva Green como Milady, sensacional, sin duda. Compone un personaje con fuerza y carisma. Milady es misteriosa, peligrosa, perversa, atractiva, carismática, es un personaje complejo y Eva Green transmite esta esencia al 100%, estando totalmente a la altura de lo que reclama el personaje.

Guardiana de dragones, magia china en el cine español

 

Guardiana de dragones es una coproducción entre España y China dirigida por Salvador Simó, director de Buñuel en el laberinto de las tortugas, y Jianping Li. En la China ancestral, hubo un tiempo en que dragones y hombres unieron sus fuerzas para combatir el mal, pero más tarde la desconfianza hizo que esta unión se rompiera. Quienes poseían este don para establecer esa alianza, eran los guardianes de dragones. A falta de que se extinga el último dragón y bajo la amenaza de que un malvado hechicero se quiera hacer con el poder del último huevo de dragón, una niña huérfana llamada Ping, que sin saberlo, posee el poder para ser guardiana de dragones, se ve envuelta en una gran aventura para salvar el huevo de dragón.

El filme se basa en la novela homónima de la escritora australiana Carole Wilkinson. Técnicamente muy cuidada, la película goza de un ritmo que puede decaer en algún momento, pero que en cambio tiene momentos que meten mucho al espectador en la historia, y definitivamente, la gran estrella de la película es la niña, un personaje muy entrañable. Una película muy agradable de ver, tanto por visualmente como por la empatía que genera la joven protagonista con el espectador.

Twisters, cosas que se pueden hacer con un tornado

 

Han vuelto los cazatornados. En 1996 se estrenaba Twister, en la que un grupo de científicos cazatornados trataban de poner en funcionamiento un nuevo dispositivo de sensores para estudiar el comportamiento de los tornados. Ahora llega Twisters, en la que una estudiante de meteorología está realizando su proyecto científico usando estos sensores en combinación con una sustancia polimérica que puede hacer desaparecer el tornado, es decir, cambiar las condiciones físicas en las que se ha formado para que se disuelva y no siga avanzando y destruyendo todo lo que pille a su paso. Tras un trágico accidente, se retira del trabajo de campo y trabaja en meteorología, pero desde las oficinas. Cinco años más tarde, un antiguo compañero de fatigas le pide ayuda para probar un sofisticado dispositivo de radar con el que pretende escanear en 3D un tornado para estudiar su comportamiento. Tras una primera negativa a volver al campo, acaba accediendo y en su aventura se cruzan con otro grupo de cazatornados, pero con otro perfil, no tan científico y sí algo más friki, que lo que persiguen es hacer vídeos espectaculares de tornados para un canal de YouTube.

El director Lee Isaac Chung, el director de Minari: historia de mi familia, lleva las riendas Twisters y lo hace con gran eficacia. La película se pasa en un suspiro y nos hace sentir la fuerza de la naturaleza. El elenco de intérpretes está encabezado por  Daisy Edgar-Jones, conocida por La chica salvaje, Glen Powell, conocido por Top Gun:Maverick y y la reciente comedia Cualquiera menos tú, y Anthony Ramos, a quien hemos podido ver en Ha nacido una estrella o Transformers: el despertar de las bestias, por ejemplo. También podemos encontrar a la veterana Maura Tierney, recordada por muchos en la serie de televisión Urgencias, y la película Mentiroso compulsivo junto a Jim carrey.

Twisters es espectacular, entretenida y tiene buena química entre los actores. Otros nombres relevantes tras las cámaras son Steven Spielberg como productor ejecutivo o Joseph Kosinsky en el guion, acreditado como «historia de», mientras que la escritura del mismo  está firmada por Mark L. Smith, coguionista de El renacido. Kosinsky por su parte, ha sido guionista y director de Oblivion y director de Tron: Legacy y Top Gun: Maverick.

Fly me to the moon, la teoría conspiranoica explicada

 

Existe el rumor, leyenda urbana, teoría conspiranoica  o como se le quiera llamar, de que el hombre en 1969 no pisó realmente la Luna y que las imágenes que se vieron fueron un montaje cinematográfico, que incluso se decía que podría haberlo dirigido el mismísimo Stanley Kubrick, que un año antes había estrenado 2001: una odisea del espacio. Esta historia sirvió de base para la película española de animación Atrapa la bandera. 

Este verano llega a las pantallas Fly me to the moon, una película dirigida por el director de Con amor, Simon, Greg Berlanti, con un elenco de actores en estado de gracia encabezado por  Scarlett Johansson, realmente excepcional, y Chaning Tatum, bastante mejor que en otros papeles anteriores. A la pareja protagonista les secunda el siempre interesante Woody Harrelson en un papel a su medida. El resto del reparto, aunque son caras desconocidas para el gran público, se les ve muy sueltos y carismáticos, especialmente Donald Elise Watkins, que interpreta a un joven ingeniero de la NASA.

La situación de la NASA a finales de los años 60, en plena competencia con la Unión Soviética por ver quién llegaba primero a la Luna, era desastrosa. Internamente funcionaba de forma bastante caótica y la aburrida imagen que daban a la opinión pública tampoco ayudaba. En esta situación, con la guerra de Vietnam llenando de sangre los noticiarios, el gobierno decide que deben dar un mensaje de esperanza a la sociedad y usar la misión Apolo 11 para ello, además de ganar a los rusos en la carrera espacial. Un misterioso enlace del gobierno contrata a una experta en marketing para dotar a la NASA del glamur y la frescura necesarios para gustar al público y que la gente se interese por la misión a la Luna. Solo hay un punto oscuro en el plan, y es que piden desde las altas esferas que de manera ultrasecreta se monte un plató para simular la retransmisión en directo del alunizaje, por si acaso fallase algo, lo cual, de hacerse, sería una gran estafa para la humanidad.

Hay buena química entre Johanson y Tatum, que encarnan respectivamente a la experta en marketing y al director de la misión Apolo, dos personajes totalmente antagónicos; el embaucamiento frente a la honestidad, la frivolidad frente a la seriedad, el espectáculo frente a la peligrosa realidad. La película es muy divertida, tiene gancho, ritmo, intérpretes carismáticos y una selección de canciones de la época muy buena, como lo habían sido en su momento las de Forrest Gump o Apollo 13.

Superdetective en Hollywood: Axel F., Eddie Murphy en plena forma

 

Uno de los cócteles más refrescantes del verano es la combinación de acción y comedia, y la saga protagonizada por Eddie Murphy como un peculiar policía que aplica sus particulares técnicas de investigación de Detroit en Beverly Hills, es una de las más emblemáticas del género. Este verano llega la cuarta entrega, Superdetective en Hollywood: Axel F., 40 años después de la primera, con Eddie Murphy cargado de energía, a pesar de los años, que no parece que hayan pasado tantos. 

Netflix ha producido esta secuela que ha estrenado directamente en la plataforma de streaming, sin pasar por las salas cinematográficas. Una lástima, porque la verdad es que esta cuarta entrega supera a la tercera con creces, la cual sí se estrenó en su momento en cines.

Han pasado muchos años, pero hay cosas que no cambian, y Axel Foley sigue estando muy cómodo trabajando en las calles de Detroit. Sigue siendo un policía fuera de serie, pero como padre no le ha ido tan bien. Tiene una hija, Jane Saunders, a la que hace años que no ve y que es una abogada de Beverly Hills. Trabajando en un complicado asunto, es coaccionada para que deje el caso, a lo que ella se niega. El viejo amigo de Axel, Rosewood, la está ayudando, y cuando es atacada, a pesar de su negativa, él avisa a Axel, que una vez más vuelve a Beverly Hills, esta vez para ayudar a su hija.

La pelicula es todo un homenaje a la original, incluso rescatando dos canciones de aquella, The heat is on y Neutron dance. Los principales secundarios repiten sus papales, ya que no solo están Judge Reinhold y John Ashton, como Rosewood y Taggart respectivamente, sino que también está Paul Reiser en el rol de Jeffrey, antiguo compañero de Axel, ahora capitán de policía de Detroit, e incluso está brevemente Bronson Princhot como Serge. Entre los nuevos fichajes que secundan a Murphy tenemos al veterano Kevin Bacon, a Joseph Gordon-Levitt y a la actriz Taylour Paige en el papel de Jane.

Superdetective en Hollywood: Axel F es un cóctel veraniego nostálgico que recupera la frescura del origen de la saga y nos devuelve a un carismático Eddie Murphy que sigue en plena forma. Persecuciones, tiroteos, chistes, nostalgia, un punto de ternura, ¿qué más se puede pedir a un cóctel de verano? Quizá que la hubieran estrenado en salas.

Del revés 2, el control de las emociones

 

Qué complicado es crecer, ¿verdad? Nos pasamos la infancia diciendo «cuando sea mayor...», pensando que podremos hacer lo que nos dé la gana. Sin embargo, después las cosas no son tan sencillas. Todo es más complejo de lo que parece y en nuestras vidas van apareciendo nuevas emociones, sensaciones, sentimientos, experiencias, que nos hacen cuestionar todo y hay que aprender a controlar todas esas novedades que continuamente van apareciendo en nuestra vida. Sobre esto trata Del revés 2 (Inside out 2).

Riley, la niña protagonista de Del revés, cumple 13 años y salta la alarma de la pubertad. Nuevas emociones se despiertan en su ser. Sus emociones básicas, Alegría, Tristeza, Asco, Ira y Miedo, están orgullosas de la personalidad que han creado en Riley y esa armonía se ve perturbada por la llegada de nuevas emociones que irrumpen en el cuartel general como un elefante en una cacharrería. Estas nuevas emociones son Vergüenza, Aburrimiento, Envidia y Ansiedad, siendo esta última la que lidera al grupo y llega con un ansia desbocada de cambiar las cosas a cualquier precio. La batalla por el control emocional ha comenzado en la cabeza de Riley, que ve cómo sus convicciones se tambalean y se siente confundida y estresada ante las nuevas emociones y las nuevas tentaciones.

Este proceso interno de Riley se manifiesta externamente en su relación con sus amigas durante un campamento de hockey sobre hielo, donde su ambición por caerle bien a las veteranas del equipo entra en conflicto con sus amigas del colegio. Es lo típico de los adolescentes de querer ser guay y codearse con los mayores descuidando a las amistades verdaderas.

La película tiene mucha chispa y  ritmo frenético. No tiene el factor sorpresa como la primera, ya que la originalidad de aquella residía en plasmar en imágenes el mundo de las emociones, y aquí ya lo conocemos. Sin embargo, las nuevas emociones, especialmente Ansiedad, tienen bastante fuerza. También es interesante encuadrar la acción en el ámbito del deporte. Aunque en la vida de la protagonista siguen siendo los pilares  fundamentales la familia y la amistad, en esta película predomina el tema de la amistad, ya que se centra más en mostrar cómo afectan los cambios emocionales a su relación con sus amigas.

Del revés 2 se ha convertido desde el mismo momento de su estreno en la película más taquillera estrenada en España en 2024. De momento lidera la taquilla, pero en el segundo semestre del año nos esperan nuevos estrenos muy potentes, como Gladiator 2, por ejemplo, así que ya veremos cómo acaba el año. Pero está claro que la nueva película de Pixar estará en las posiciones altas del ranking.

Back to black, una cuestión de energía

 

La directora de 50 sombras de Grey, Sam Taylor-Johnson, nos trae ahora, con mejor resultado, la biografía de la malograda estrella de la canción Amy Winehouse en una película que toma su título de una de las más emblemáticas canciones de la artista: Back to black. La meteórica carrera musical de Amy Winehouse que llegó a lo más alto, aquejada por un progresivo deterioro provocado por un creciente alcoholismo que la llevó a fallecer a la temprana edad de 27 años en plena cresta de la ola de su éxito.

La película nos muestra esta evolución desde que Amy empezó a cantar a los 16 años a través de sus relaciones con las tres personas más influyentes en su vida: su abuela, su padre y su marido. La actriz Marisa Abela se transforma en Amy de manera asombrosa. No sería de extrañar que tuviera una nominación al Óscar. La película tiene buen ritmo y en general todo es correcto. Sin embargo, no da la sensación de ser una película redonda, y en mi opinión, se debe a la energía.

Las películas cuentan historias y dependiendo del tipo de historia que sea, le pega ser contada con una energía u otra. Hay películas que desprenden energía positiva, buen rollo, otras que tienen una energía más visceral, más arrebatadora, etcétera. Y ninguna energía es mejor o peor que otra, sencillamente es cuestión de darle a cada historia la energía que pide para ser contada. Por ejemplo, por citar dos musicales muy buenos con energías muy distintas, pero que en cada caso es la adecuada: Mary Poppins y Moulin Rouge. Ambas transmiten mucha energía, tienen mucha garra, pero una nos transporta al mundo de la fantasía, de la infancia, y la otra nos traslada a una intensa pasión arrebatadora y visceral.

En el caso de Back to black, nos encontramos con una energía propia de película testimonial, que nos cuenta de forma dramatizada la vida de una persona, un biopic correcto que puede contar la vida de una persona sin más, pero claro, siendo como era Amy Winehouse y tal y como transcurrió su vida, quizá la película requería, o algún espectador podría esperar, que tuviese una intensidad más cercana a la de Moulin Rouge, por ejemplo, que a la de una biografía convencional. En cualquier caso, la película se deja ver con agrado, entretiene y se puede disfrutar la discografía de Amy Winehouse.

El reino del planeta de los simios, el legado de César

 

La cuarta entrega de la saga precuela del clásico de ciencia ficción El planeta de los simios. Tras El origen del planeta de los simios, El amanecer del planeta de los simios y La guerra del planeta de los simios, llega El reino del planeta de los simios, con un planteamiento muy interesante. La película arranca con la muerte de César y salta en el tiempo varias generaciones después, donde ya nos presentan una sociedad simiesca en la que los humanos han sido sometidos a los simios, con algunas referencias visuales al clásico de 1968, pero todavía no es ese momento, ya que los personajes aún no son los de la película primigenia.

La trama es sencilla: nos cuenta la historia de Noa, un simio perteneciente a un clan que vive en sintonía con las águilas, y del cual su padre es el líder. Al cumplir la mayoría de edad, debe pasar por un ritual y justo en vísperas de hacerlo, la aldea es atacada por otro clan simio liderado por Proximus, un tirano que utiliza el recuerdo y el culto a César para someter a sus súbditos. Noa sobrevive al ataque de su aldea y va tras la pista de Proximus, que ha secuestrado a su madre y a su hermana. En el camino se cruza con Nova, una humana que también va tras Proximus y con Raka, un orangután que enseña a Noa las auténticas enseñanzas de César, que no son un mensaje de miedo y de enfrentamientos, sino de buscar la conciliación para vivir en armonía simios y humanos. Eso añadido a unos fuertes lazos familiares, hacen de Noa un nuevo héroe y líder carismático, un personaje con garra para sustituir a César en la saga.

Es interesante ver cómo un legado que promueve la paz y la concordia puede ser tergiversado por unos para hacer el mal y preservado por otros para hacer el bien. Otro aspecto relevante es el hecho de que todos los personajes son nuevos. Es una época en la que aún no aparecen los de la película clásica y ya han muerto hace tiempo los de las películas anteriores. Eso les hace a los productores tomar un riesgo que se ve poco en las sagas de blockbusters actuales, optar por crear personajes nuevos sin el apoyo de ninguno secundario de las películas anteriores. Y lo cierto es que con Noa y Proximus consiguen dos buenos protagonista y antagonista, con carisma suficiente para captar la atención del público.

Además, la película visualmente es muy potente y muy bonita estéticamente. La dirige Wes Ball, el director de la saga El corredor del laberinto.

Premios Cinemanet Madrid 2024

 

El pasado 27 de mayo se entregaron los premios Cinemanet de Madrid, los premios Personaje y ¡Qué bello es vivir! El acto tuvo lugar en la Universidad San Pablo CEU. Varios medios se han hecho eco de este evento. Los podéis ver a continuación:

religionenlibertad.com

lacomarcadepuertollano.com

miciudadreal.es

Buscando a Coque en Miami y con muchas risas

 

Tras haber trabajado juntos en varios cortometrajes, los guionistas y directores Teresa Bellón y César F. Calviño, debutan en el largometraje con Buscando a Coque, que es la versión larga de uno de sus cortos, Cariño, me he follado a Bunbury. Aunque estirar la trama de un corto de 3 minutos a un largo de 87 pueda parecer algo difícil de llevar a cabo sin resultar reiterativo, en Buscando a Coque se consigue gracias especialmente a unos buenos diálogos y sus dos protagonistas, Hugo Silva y Alexandra Jiménez, que brillan con luz propia. También las localizaciones de Miami y Madrid ayudan a dar empaque al conjunto.

Los personajes se llaman como sus directores, César y Teresa, y la trama arranca cuando en esta pareja, que llevan 17 años juntos, ella le confiesa a él que se ha acostado con Coque Malla, que además es el ídolo de César desde la adolescencia. A partir de aquí comienza la búsqueda de la estrella de la música para pedirle explicaciones y hablar de lo ocurrido. Una búsqueda que les lleva hasta Miami.

El primer cuarto de hora de película es de carcajada continua y el resto se pasa en un suspiro entre unas cuantas risas más, las canciones de Coque Malla y las peripecias de la pareja de madrileños en Miami buscando al cantante en un Mustang de alquiler. El propio Coque sale en la película interpretándose a sí mismo.

En general, Buscando a Coque es una comedia romántica fresca y divertida  para público adulto con dos actores protagonistas en estado de gracia.