Balance de 2009

Se acaba el año y toca repasar lo mejor que se ha proyectado en la gran pantalla. De los estrenos que han pasado por la cartelera española a lo largo de 2009, en este blog se han reseñado 29 títulos, de los cuales he tratado de rescatar los que he considerado más representativos y abarcando lo más posible: drama, comedia, acción, cine de distintas nacionalidades, animación, comercial, de autor, etc. Este es el top 10 de Galax Pictures Cine Blog:

1. Up
2. Gran Torino
3. Avatar
4. El curioso caso de Benjamin Button
5. Slumdog millionaire
6. Enemigos públicos
7. El secreto de sus ojos
8. Malditos bastardos
9. Katyn
10. Celda 211

Otro repaso es el de los profesionales del medio que nos han dejado este año. Este es el enlace al dossier In memoriam de Sensacine.

¡¡¡FELIZ 2010!!!


Vídeo Navidad madrileña 2009

Un lugar mágico llamado Pandora

James Cameron lo ha vuelto a hacer. Marcó una nueva era en los efectos especiales con las increíbles transformaciones por ordenador del T1000 en Terminator 2: El juicio final (Terminator 2: Judgement day, 1991), luego propició un fenómeno social con Titanic (1997), donde utilizó todas las técnicas de efectos especiales existentes en la industria de ese momento, desde maquetas a especialistas generados por ordenador y réplicas de escenarios a escala real. Ahora es la tecnología 3D con la que de nuevo vuelve a deslumbrar al mundo en Avatar (2009). En el planeta Pandora una gran corporación terrestre ambiciona la explotación de una mina sobre la que habita un clan de indígenas Na'Vi. Para echarlos del lugar cuenta con un ejército de mercenarios, por si hay que usar la fuerza, pero primero intentan la vía diplomática mediante un proyecto científico denominado Avatar, que consiste en generar seres genéticamente híbridos entre humanos y alienígenas, de forma que cada científico controla su propio avatar a distancia y los utilizan para acercarse amistosamente a la tribu y ganarse su confianza.

La idea de un doble controlado con la mente se ha visto hace unos meses en Los sustitutos, en la que las réplicas eran androides en vez de seres orgánicos. La relación del extrajero con los aborígenes recuerda a Bailando con lobos (Dances with wolves, Kevin Costner 1990) y el look militar futurista de los mercenarios a Aliens: El regreso (Aliens, James Cameron 1986), referencia que además se acentúa con la presencia de Sigourney Weaver en el reparto, encarnado a una dura científica. El retrato del clan tribal bebe de los distintos pueblos de diferentes partes del mundo. Por ejemplo el entorno es como el de una tribu amazónica, mientras que los rituales recuerdan más a los africanos, e incluso hay reminiscencias a indios norteamericanos, como la forma de bendecir la muerte de un animal cuando cazan que recuerda a El último mohicano (The last of the mohicans, Michael Mann 1992). El diseño del planeta tiene una clara inspiración en el mundo acuático pero llevado a tierra firme, fruto de las investigaciones que del medio submarino ha venido realizando Cameron para sus distintos proyectos, desde Abyss (1989), pasando por Titanic (1997) hasta los documentales para Imax y televisión que ha realizado en los últimos años.

Todos estos elementos son hábilmente combinados para ofrecer al espectador una experiencia cinematográfica en 3D increíble, en un mundo alucinante que absorbe la atención del espectador desde el primer fotograma. El protagonista Sam Worthington está correcto en su papel, al cual ya vimos este año en la piel del nuevo cyborg de Terminator salvation. También Zoe Saldana, que interpreta a la nativa coprotagonista de la historia, fue vista en este 2009 en otra aventura de ciencia ficción con la nueva entrega de Star Trek. Dos secundarios, Stephen Lang y Giovanni Ribisi, trabajaron ambos este año en Enemigos públicos. Todos los actores en Avatar cumplen con eficacia en sus respectivos papeles.

En definitiva Avatar es una película de aventuras a la antigua usanza con un envoltorio tecnológico de última generación tan aparatoso como fascinante, que transporta al espectador a un nuevo mundo fantástico haciendo creíble lo irreal. Así es la magia del cine.

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Sálvese quien pueda

Un nuevo funcionario de prisiones, que acude su lugar de trabajo la víspera de incorporarse al puesto para ponerse al día, se ve envuelto en un motín de los reclusos durante la visita, viéndose obligado a hacerse pasar por uno de ellos para poder sobrevivir. Esta es la historia que nos cuenta Celda 211, un intenso drama carcelario de acción dirigido por Daniel Monzón, autor de El corazón del guerrero (2000), El robo más grande jamás contado (2002)y La Caja Kovak (2006). El ritmo es vertiginoso y la tensión se palpa en cada minuto de metraje. Lo único que en mi opinión le sobra, es la escena del prólogo por resultar demasiado desagradable y gratuita.

En el elenco de actores nos encontramos con un correcto Alberto Ammann, en el papel del novato funcionario, Antonio Resines aportando el buen hacer de su veteranía en la piel a un brutal policía de la prisión, y un enorme Luis Tosar como líder de la rebelión en la cárcel, que llena la pantalla y se convierte en la estrella de la función desde el primer fotograma en que aparece.


Película impactante y visualmente muy potente, con escasos efectos especiales donde el trabajo actoral, el ritmo de montaje y unos diálogos tan naturales como ingeniosos hacen de esta película algo inusual y sorprendente en el panorama del cine español de los últimos tiempos.

El género carcelario ha dado muchas películas en la poderosa industria de Hollywood. Algunos mantienen un tono sosegado, bien centrándose en el drama personal de los presos, como Cadena perpetua (The Shawshank redemption, Frank Darabont 1994), o bien con un un plan de fuga pero con la tensión contenida, como Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz, Don Siegel 1979), pero Celda 211 estaría más cerca de otras que adquieren un carácter más adrenalítico y expeditivo, con más dosis de acción, como por ejemplo Encerrado (Lock up, John Flynn 1989), con Stallone acosado por un vengativo alcaide, o La última fortaleza (The last castle, Rod Lurie 2001), que también narra la historia de un motín pero en una prisión militar.

Navidad 2009

Vídeo Navidad madrileña 2009

Cine navideño 1 (post 2008)
Cine navideño 2 (post 2007)

Mejor de lo que parece

Un productor de Hollywood tiene que lidiar en una semana, y contrarreloj, con una gran estrella sobre su aspecto físico para comenzar un nuevo rodaje, con el estrambótico director de la película que acaban de terminar para que cambie el montaje de cara a presentar la cinta en Cannes, y con su vida privada que pasa por tener dos ex-esposas y tres hijos. Esto nos cuenta el director Barry Levinson en Algo pasa en Hollywood (What just happened), una sarcástica comedia sobre el estresante, competitivo y frívolo mundo de la fábrica de sueños hollywoodense. El autor de Rain man (1988), El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, 1986) y La cortina de humo (Wag the dog, 1997), entre otras, pone al descubierto los vicios, caprichos, devaneos y excentricidades de las personas que pululan por la poderosa maquinaria de la meca del cine.

El reparto es de primera: Robert de Niro encarna con gran contención y convicción al productor protagonista. Bruce Willis hace de sí mismo en una estupenda versión de megaestrella estrafalaria, brutal cuando se enfada, y egocéntrica. Sean Penn también hace de sí mismo pero más comedido. John Turturro interpreta de forma magistral a un patético representante de actores consumido por el estrés. Robin Wright-Penn hace correctamente el papel de segunda ex-esposa. Michael Wincott, el Guy de Gisborne de Robin Hood: Príncipe de los ladrones, está genial aquí, metido en la piel de un director extravagante pasado de vueltas. Catherine Keener es la perfecta, fría e implacable ejecutiva de los grandes estudios y Stanley Tucci un guionista en busca de alguien que produzca su libreto.

El único lastre que presenta la película es alguna caída de ritmo durante el metraje y algún chiste con poca chispa. Cuando termina la proyección se sale con la sensación de "podría estar mejor" o "me esperaba algo más", sin embargo empiezas a comentarla con los amigos y empiezan a verse muchos matices e interpretaciones. Entonces uno se da cuenta de que tiene más contenido de lo que parece. Es de esas películas que de entrada no hacen vibrar en la butaca pero que un par de días después aun la recuerdas y le sigues dando vueltas a los pequeños detalles.

Marcado por el pasado

Un funcionario judicial recién jubilado decide utilizar el tiempo que le brinda su nuevo status de retiro para escribir una novela basada en un caso de violación y homicidio, en el que trabajó 25 años atrás y que marcó tanto su carrera profesional como su vida en general. Esta es la historia que nos cuenta El secreto de sus ojos, una coproducción hispano-argentina de Juan José Campanella con Ricardo Darín de protagonista. Director y actor de El hijo de la novia, entre otras, vuelven a trabajar juntos una vez más en una memorable cinta que aúna elementos de drama y cine negro aderezados con ingeniosos golpes de humor verbal surgidos de un sólido guión del que surgen diálogos con mucha chispa.

Fotografiada en tonos cálidos, con predominio del amarillo, con un ritmo de montaje sosegado que hace avanzar la acción sin pausa pero sin prisa, rezuma aroma a cine clásico. Narrativamente la historia está bien dosificada desvelando cada detalle importante de la misma en el momento oportuno.

El trabajo actoral es de primera línea, con una naturalidad interpretativa asombrosa, especialmente los protagonistas Ricardo Darín y Soledad Villamil, pero además cabe destacar entre los secundarios a Guillermo Francella, que brilla con luz propia en el rol de amigo y compañero de trabajo del personaje de Darín.

En definitiva se trata de una estupenda película que habla sobre las pasiones, la justicia, el amor y el pasado, con un acabado técnico impecable en la línea de la mejor tradición cinematográfica.

Presentación de "Damasco"

Cinemanet ha presentado en la Universidad San Pablo CEU de Madrid el docudrama Damasco, una producción de Ágape Media realizada en Siria sobre la conversión de Saulo de Tarso. Todo el elenco de actores y técnicos son sirios, por lo que el acto se convierte en un encuentro multicultural entre católicos, protestantes y musulmanes.

Como en anteriores ocasiones, Galax Pictures ha cubierto el evento con un vídeo-resumen de la presentación.

Cuentos chinos

El género wuxia tiene su origen en Taiwan y Hong Kong. Son historias épicas de caballería y artes marciales muy populares en China. En el año 2000 el director Ang Lee puso de moda el género en todo el mundo con Tigre y dragón (Wo hu cang long) que recibió 4 Oscar de 10 nominaciones. La música, la fotografía y las depuradas coreografías de las luchas con espada hacen de esta película pura poesía visual. Temas universales como la venganza, el honor y el amor dotan al film de un contenido interesante y emocionante. Especialmente conmovedora la relación de amor imposible por honor entre los protagonistas encarnados por Chow Yun Fat y Michelle Yeoh, y muy intensa y visceral resulta el enfrentamiento entre el maestro Fat y la rebelde discípula Zhang Ziyi, en el aprendizaje del arte de la espada.
Dos años depués Zhang Yimou estrena Hero con un gran éxito internacional. Un guerrero que narra a su rey como venció a tres enemigos del monarca. Con diálogos un tanto ingenuos y narrado como si de un cuento se tratara, este título cautivó a millones de espectadores en todo el mundo.


El propio Yimou estrenó dos películas más del género: La casa de las dagas voladoras y La maldición de la flor dorada en 2004 y 2006 respectivamente. La primera tiene un tono de fábula parecida a Hero pero con una narrativa más lineal y una historia de amor de por medio. Sin embargo en La maldición de la flor dorada cambia de tercio para ofrecer una película muy trágica de pasiones desatadas con una estética más recargada que sus antecesoras. Impresionante tanto en su puesta en escena como en la carga dramática de todos sus personajes, cuenta una historia de conspiraciones y traiciones palaciegas en la China imperial.

En unos años marcados por la búsqueda de un hiperrealismo confuso y un tanto absurdo en las coreografías con espada del cine épico occidental, con títulos como Troya o la trilogía de El Señor de los Anillos, en las que la acción se intuye más que verse, es curioso como han conseguido triunfar las fantasías orientales irreales de chinos que vuelan con luchas estéticamente elegantes. Y es que por mucho realismo que se pretenda en la gran pantalla, la sublimación, la imaginación y la fantasía en el cine siempre tendrán mucho peso.

Esto se acaba

Tras el patinazo que supuso 10000, Roland Emmerich insiste con otro título numérico: 2012, y esta vez con mejores resultados. En Independence day fue la invasión alienígena, en El día de mañana una nueva glaciación, y ahora una desestabilización de la corteza terrestre, coincidiendo con las predicciones apocalípticas del calendario Maya, sirve de excusa para que el director germano nos muestre una vez más como nuestro mundo se va a pique.

Por un lado se puede decir que estamos ante una película más de catástrofes por una serie de tópicos en situaciones y diálogos que son una constante del género desde los años 70. Si algo lleva funcionando 30 años, para qué cambiarlo, ¿no? Por otra parte la galería de personajes es un tanto curiosa: un escritor sin éxito y divorciado que trata de recuperar el cariño de sus hijos y se gana la vida como chófer de limousines, en la piel del siempre interesante John Cusack, un locutor de radio visionario y pasado de vueltas, papel que le sienta como un guante a Woody Harrelson, que sabe más que nadie pero nadie le hace caso, y un boxeador ruso multimillonario con dos hijos gemelos, gordos, feos y repelentes. Además están otros que ya son imprescindibles en estos entuertos como el científico idealista que descubre el problema, al que da vida con convicción el actor Chiwetel Ejiofor y, por supuesto, no podía faltar el presidente de los Estados Unidos lleno de buenas intenciones, encarnado por Danny Glover, el compañero de fatigas de Mel Gibson en la saga Arma letal (Lethal weapon). Entre las actrices cabe destacar a Amanda Peet, compañera de Bruce Willis en Falsas apariencias , en el rol de la ex-mujer del escritor fracasado que ha rehecho su vida con un cirujano plástico, y a Thandie Newton, la chica espía de la acrobática Mission: Imposible 2, como la hija del presidente.

Aparte de esta mezcla de tópicos y ciertos retazos originales, la película cumple su función con creces; nos muestra el gran cataclismo mundial con una potencia visual impresionante y un ritmo narrativo que no decae. Los efectos especiales son increíbles, especialmente la huída de Los Angeles, primero en coche y luego en avión. Sólo por disfrutar de las imágenes de destrucción masiva en pantalla grande, ya vale la pena pagar la entrada. Además dura 158 minutos y mantiene el interés, lo cual no es fácil en una película que no ofrece sorpresas de guión. Espectacular entretenimiento de hecatombe mundial con las consiguientes reflexiones de fondo sobre la vida, la supervivencia y las reacciones humanas en situaciones límite.

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24 quilates

Muchas veces se oye la expresión "es cine en estado puro" cuando una película es muy buena o cuando recuerda a cierta forma de hacer cine en otros tiempos. Por otra parte se dice con frecuencia que el cine de hoy no es como el de antes y cada vez es peor, por su parecido con otros productos audiovisuales como la televisión o los videojuegos. ¿Cómo definir la pureza del cine? Desde luego se puede enfocar desde muchos puntos de vista. Expondré a continuación un enfoque desde la perspectiva del lenguaje audiovisual.

Está claro que el cine fue la primera industria en crear productos audiovisuales, y quien da primero da dos veces, así que vaya bien o mal es innegable que siempre va a ser la madre de todos. Más tarde apareció la televisión, con un lenguaje propio en cuanto a duración de programa, ritmo narrativo e incluso tipo de planos a utilizar. Es obvio que en un principio la base fue el cine, pues era la única referencia existente, pero pronto desarrolló nuevas formas de comunicación por la aparición de géneros puramente televisivos, como los concursos, los programas de variedades o el periodismo audiovisual, siendo la ficción hecha para la pequeña pantalla lo más parecido al Séptimo Arte. Hoy en día existen también industrias de videoclips musicales, spots publicitarios y videojuegos que beben de la fuente del cine pero al mismo tiempo también las películas adoptan recursos e imitan o buscan fuentes de inspiración en la televisión, los videoclips, los anuncios y los videojuegos. Existe una simbiosis entre los medios de forma que se hacen series de TV, juegos, vídeos y publicidad basados en películas, pero al mismo tiempo también se crean productos para la gran pantalla basados en originales de los otros medios. Y no sólo ideas o argumentos sino también recursos visuales, como el montaje frenético de los videoclips, la iluminación publicitaria o el realismo de la cámara en mano propia de los reportajes periodísticos.

En las aleaciones de oro se establece la pureza en quilates. Se define un quilate como la veinticuatroava parte en peso de oro puro que contiene dicha mezcla. Si extrapolamos esta idea al lenguaje audiovisual podríamos decir que una película es cine puro en función de los recursos audiovisuales empleados, si pertenecen al cine o a otro medio. A partir de los años 60 directores formados en la televisión, como Sydney Pollack o el gran Steven Spielberg en los 70, empezaron a hacer cine y por tanto comenzó ya a haber influencias de la televisión en las películas. De hecho el gran éxito de Spielberg El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) fue un telefilm que llegó a estrenarse en pantalla grande. También en los 70 Ridley Scott introdujo la estética publicitaria en el cine, y ya en los 90 de la cantera de los videoclips han salido gente como Michael Bay que han aportado el montaje frenético de varios planos por segundo.

Por tanto se puede concluir que el cine puro desde el punto de vista del lenguaje cinematográfico es aquel que no ha tenido influencia de otros medios, y que sus directores han cultivado sin pasar antes por la cantera de otros productos audiovisuales. Así pues se podría afirmar que lo puramente cinematográfico es aquello que se ha producido en los primeros 50 años de historia del Séptimo Arte, antes de que apareciera la televisión, cuando el único producto audiovisual era el cine. Son por tanto películas de 24 quilates aquellas que van desde los inicios del cine hasta los años 50, es decir lo que habitualmente llamamos clásicos.

No obstante esto no es ningún estudio en profundidad, sino simplemente una reflexión de alguien que lleva toda la vida interesado, preocupado e ilusionado por el cine.

Arqueología en el desierto

El reportaje de Galax Pictures para este mes de noviembre trata sobre un yacimiento arqueológico en el desierto de Atacama, al norte de Chile: la aldea milenaria de Tulor.

Se puede ver pinchando AQUÍ.

Apostando fuerte

Jugarse el alma de un hijo a cambio de ganar la vida eterna es una apuesta seria. Este es el tema de El imaginario del Dr. Parnassus (The imaginarium of Dr. Parnassus, 2009), el último delirio visual de Terry Gilliam, autor de entre otras Brazil (1985), El rey pescador (The fisher king, 1991) o Doce monos (Twelve monkeys,1995). La tentación, el amor o las relaciones paterno filiales se dan cita en un mundo surrealista.

Presentada en mayo en el pasado festival de Cannes, llega ahora a nuestras pantallas y no ha dejado indiferente a nadie; unos opinan que es sólo apta para fans de su director y otros afirman que es sensacional. Personalmente creo que es un película bastante notable, muy impresionante visualmente, tanto a nivel conceptual por el despliegue de imaginación demostrado como por el acabado técnico realizado para plasmar tales imágenes. Con un estupendo comienzo, quizá adolece en su parte central de alguna caída de ritmo y de cierta dispersión de objetivos durante la narración, defectos que consigue remontar sin problemas en el tercio final del film.

Los actores están correctos, tanto el veterano Christopher Plummer, inolvidable capitán von Trapp de Sonrisas y lágrimas (The sound of music, Robert Wise 1965) encarnando ahora al místico Dr. Parnassus, como los más jóvenes Andrew Garfield, visto en el papel de alumno rebelde en Leones por corderos (Lions for lambs, Robert Redford 2007) y Lily Cole en el rol de la hija del Doctor. Heath Ledger cumple su función con oficio, aunque no llega a ser brillante como su Joker en El caballero oscuro (The dark knight, Christopher Nolan 2008) por el que le concedieron el Oscar a título póstumo en la categoría de Mejor Actor de Reparto.

Gilliam apostó muy fuerte con este proyecto, especialmente al sacarlo adelante tras la muerte de Ledger que ocurrió a mitad de rodaje. Con una hábil maniobra de guión y la ayuda de los amigos del finado actor, se consiguió rematar la película. Existe en la historia un espejo mágico a través del cual se entra en la mente de Parnassus, un mundo fantástico en el que todo es posible. Este cambio de dimensión justifica una nueva caracterización del personaje, por lo que en las distintas transformaciones el fue interpretado por Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell. La película se convierte así en homenaje colectivo a Heath Ledger.

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Sencillez de titanes

Así es Nunca es tarde para enamorarse (Last chance Harvey, Joel Hopkins 2008), una película sencilla, pequeña, pero encabezada por dos titanes de la interpretación como son Dustin Hoffman y Emma Thompson. Un músico frustrado estadounidense, que se gana la vida componiendo sintonías para anuncios publicitarios, debe volar a Londres para asistir a la boda de su hija, que vive con su madre y su padrastro, enfrentándose a un ambiente de triunfadores tan frívolo como estirado. Su camino se cruzará con el de una decepcionada solterona británica que vive continuamente pendiente de su madre y trabaja en el aeropuerto de Heathrow. Dos almas castigadas por la vida se encuentran sin darse cuenta.

Podría hablarse de una comedia dramática o de un drama cómico. Rodada con estilo clásico en plan Frank Capra, es un film muy agradable de ver, con toques de humor sutil muy agudos y algún que otro momento emocional intenso. Sin embargo el tono global es suave, sin sobresaltos pero con un ritmo narrativo que engancha y no aburre, especialmente al principio cuando va presentando poco a poco en paralelo a los dos protagonistas antes de conocerse. A pesar de la corrección de su director es justo reconocer que es una película de actores, y que no habría sido la misma sin su pareja de protagonistas, que rezuman carisma y veteranía ante las cámaras.

La cinta se estrenó en Estados Unidos a finales de 2008 pero no llegó a las pantallas españolas hasta mayo de este año. El título original hace alusión a que el protagonista se enfrenta a su última oportunidad de enderezar su vida, y luego vemos que lo hace tanto en lo laboral como en lo personal, y este sentido se pierde con la "traducción" que se ha hecho en castellano.

Una película en definitiva amena, divertida, entrañable y positiva.

Un castillo del s.XV

El vídeo de Galax Pictures este mes es un reportaje sobre el castillo de Manzanares el Real. Data del siglo XV y es uno de los mejor conservados de la comunidad de Madrid. Fue residencia de la dinastía de los Mendoza y actualmente es un museo de castillos españoles.

Se puede ver pinchando AQUÍ.

Historia de una mentira

En 1943 se encontraron en los bosques de Katyn los cuerpos de miles de oficiales polacos que fueron ejecutados por los soviéticos en la primavera de 1940. El gobierno ruso culpó de ello a los nazis y mantuvo la mentira durante cincuenta años. Uno de estos oficiales era el padre del director de cine Andrzej Wajda, el cual nos trae a las pantallas la película Katyn (2007), como testimonio de aquella masacre.

La narración está tejida en torno a historias entrelazadas sobre los familiares de algunos de los militares ejecutados. Conocedores de la verdad, unos optan por la ley del silencio ante la infamia propagandística del gobierno y se adaptan a la nueva Polonia, mientras que otros se niegan a aceptar la falsedad de la versión oficial de los hechos. Un interesante planteamiento sociológico de como la gente tiene distintas reacciones ante una injusticia por diferentes razones.

El tono del film es frío y directo. Sabe exactamente lo que nos quiere contar y lo hace sin tapujos. A ello contribuye con eficacia la música de Krysztof Penderecki.

El elenco de actores funciona estupendamente. Cabe destacar en concreto la especial presencia que transmiten en pantalla Andrzej Chyra y Magdalena Cielecka, en los respectivos papeles de un teniente que sobrevive a la matanza y se pasa al ejército soviético, con grandes problemas de conciencia, y la hermana de uno de los ejecutados que se niega a que la mentira prevalezca y lucha por honrar la memoria de su hermano.

Nominada a los Oscar en la categoría Mejor Película de Habla no Inglesa, llega a los cines españoles con dos años de retraso por problemas de distribución. Finalmente las compañías distribuidoras Karma Films y European Dreams Factory han aunado esfuerzos para traernos esta producción polaca que supone una obra testimonial de un salvaje y doloroso episodio histórico poco conocido por el gran público.

Leer critica Katyn en Muchocine.net

3 años on-line

En octubre de 2006 se inauguró galaxpictures.com con la difusión on-line de 2 cortometrajes de ficción en vídeo. Tres años después ya son 4 los que se pueden ver además de otros 7 cortos de tipo documental, y desde el mes pasado es posible disfrutar también de una nueva sección de reportajes.

Quisiera agradecer desde estas líneas a todos los familiares y amigos que de una forma u otra han colaborado en la elaboración de estas pequeñas obras, así como también a las personas que, por un medio u otro, han llegado a esta página y se han tomado un momento para ver los cortos.

Creo que el balance hasta ahora es positivo y espero continuar mejorando día a día para seguir ofreciendo entretenimiento gratuito de producción propia, con pocos medios, al menos de momento, pero con vocación de ser original.

Del mismo modo también espero poder ir ampliando el radio de acción con colaboraciones o coproducciones. De momento colaboro con Cinemanet, realizando vídeo-resúmenes de los actos que organizan, y con Sensacine como blogger de cine.

La producción de cortometrajes amateur la llevo haciendo desde hace ya más de 10 años pero realmente la oportunidad que dan las nuevas tecnologías en materia de difusión ha sido clave para dar un paso más, el de compartir con todo el mundo lo que antes sólo se podía mostrar a un grupo reducido de personas. Ya han pasado 3 años desde que empecé a publicar en la red y espero seguir on-line durante unos cuantos más.

Control remoto

¿Qué pasaría si en vez de tener que acicalarnos para salir de casa todos los días pudiésemos conectarnos a un sillón de realidad virtual, como si fuera Matrix, y desde ahí dirigir a un robot que hiciese las cosas por nosotros y además ofreciese a la sociedad una imagen perfecta de nosotros mismos? Este es el tema que trata Los sustitutos (Surrogates, Jonathan Mostow, 2009). La comodidad de estar en zapatillas actuando con la mente, sin preocuparse de hacer el más mínimo esfuerzo físico, puede crear adicción, y eso llevado al extremo nos puede conducir a la deshumanización de la especie. Las relaciones se deterioran en favor de las interacciones artificiales entre los respectivos sustitutos mecánicos.

Este mundo en el que los humanos se hacen cada vez más sedentarios y más dependientes de las máquinas, un poco al estilo de la sociedad de gordos que presentaba Wall-E, es retratada en esta película a través de una trama policiaca en la que un agente del FBI investiga la misteriosa muerte de un operador, es decir, una persona que muere en su casa al ser atacado su doble robótico en la calle.

Protagoniza el carismático Bruce Willis, soportando todo el peso protagonista, aunque está secundado por rostros conocidos como James Cromwell, el granjero de Babe, el cerdito valiente (Babe, Chris Noonan 1995), Ving Rhames, compañero de Tom Cruise en la saga Mission:Imposible, o Rosamund Pike, chica Bond en Muere otro día (Die another day, Lee Tamahori 2002).

Muy entretenida película del autor de la estupenda Breakdown (1997) y la fallida Terminator 3. La rebelión de las máquinas (Terminator 3: Rise of the machines, 2003). Los efectos especiales son adecuados, aunque sin alardear demasiado, y el ritmo narrativo correcto, guardando un buen equilibrio entre la investigación policial y las escenas sentimentales en torno a la vida privada del protagonista.

Vendetta judía

Quentin Tarantino reescribe a su manera la historia de la II Guerra Mundial con su particular tono desmitificador, gamberro e irreverente. Malditos bastardos (Inglourious basterds, 2009) cuenta dos historias de venganza de los judíos contra los nazis. Por un lado la única superviviente de una familia masacrada por las tropas del III Reich, regenta un pequeño cine en la Francia dominada por los partidarios de la svástica. Cuando su negocio va a servir para el estreno de una película patriótica a la que asistirá todo el alto mando alemán, se le pone en bandeja la oportunidad de revancha. Por otra parte un escuadrón de judíos conocidos como Los Bastardos, aleccionados por un salvaje sargento americano, se dedica a matar nazis despiadadamente a lo largo y ancho del territorio ocupado. Cuando los Aliados se enteran del evento cinematográfico, les encargan a estos violentos soldados la misión de atentar contra la cúpula de poder de Hitler en la noche de estreno.

Las referencias cinéfilas son innumerables. Desde los créditos iniciales con el tema "Green leaves of summer" de El Álamo (The Alamo, John Wayne 1960), pasando por los homenajes a Sergio Leone con escenas rodadas como si fuera un spaggetti western, tanto en la planificación de la secuencia como en la música de Ennio Morricone acompañando las imágenes. El grupo de los Bastardos nos remite en parte a Doce del patíbulo (The dirty dozen, Robert Aldrich 1967) y el tono anacrónico y psedocómico con el que trata la contienda mundial recuerda en cierto modo a Los violentos de Kelly (Kelly's heroes, Brian G. Hutton 1970).

En cuanto a los actores Brad Pitt y Diane Krugger están muy convincentes en sus papeles de sargento despiadado y actriz-espía alemana respectivamente. Sin embargo si hay alguien que acapara toda la atención y se convierte en la estrella de la función es Christoph Waltz, actor austriaco que encarna al oficial nazi dedicado a perseguir judíos. En el pasado Festival de Cannes fue reconocido su meritorio trabajo.

Respecto al tema tratado es obvio que mostrar a unos judíos haciéndole a los alemanes las barbaridades que éstos cometieron contra ellos resulta controvertido, e incluso diría que provocador. Sin embargo también se puede hacer la lectura de que el ojo por ojo y diente por diente no es la mejor solución a los conflictos ya que esa postura acaba convirtiendo a uno en aquello contra lo que lucha. El tema también fue tratado, pero en serio y basado en un hecho real, en la polémica cinta Munich (2005) con la que el maestro Spielberg nos mostraba como los agentes del Mossad tenían la misión de eliminar a los terroristas que cometieron la masacre de atletas israelíes en los Juegos olímpicos de Munich en 1972.

No obstante el tono de la película de Tarantino es bastante frívolo en cuanto a historia e ideología se refiere, y no pretende ser más que un mero espectáculo cinematográfico con buenos diálogos y un correcto manejo del tempo narrativo, plagado de guiños y homenajes al Séptimo Arte.


Información adicional: "El sonido de los bastardos", en Sensacine

Nueva sección

La producción audiovisual abarca diversos ámbitos. Por ello es momento de ampliar la actividad de Galax Pictures con una nueva sección: Reportajes Serán vídeos de corte periodístico con duraciones alrededor de un minuto y tratarán sobre lugares o temas que considero de interés. La intención es publicar un reportaje al mes, al menos en un principio.

Para inaugurar la sección, siguiendo la estela del último corto documental El Visionario, nos quedamos en Galicia para conocer el concepto de "ecomuseo" en Forno do Forte, una recreación del modo de vida de los alfareros gallegos en la década de los 50.

Sly premiado en la Mostra

Se ha clausurado la 66 edición del Festival de Cine de Venecia con aires de Oriente Medio; el León de Oro a Mejor Película se lo ha llevado Lebanon del director israelí Samuel Maoz, y el León de Plata a Mejor Dirección ha sido para la iraní Shirin Neshat por el film Zana Bedonen Mardan. El actor Colin Firth se llevó la Copa Volpi por su interpretación en A single man, y la actriz rusa Ksenia Rappoport por La doppia ora.

Sin embargo en el premio que más me ha llamado la atención, y por el cual me alegro, es el Jaeger Le-Coultre otorgado a Sylvester Stallone por su contribución a la industria cinematográfica. Comenzó siendo doblemente nominado a los Oscar como guionista y actor en Rocky (John G. Avildsen, 1976) para luego pasarse años como favorito de los Razzies a peor actor. Siempre vapuleado por la crítica pero gran triunfador de la taquilla, Sly, como le llaman sus amigos, ha demostrado que es un luchador nato y que todos sus logros se los ganado a pulso. Lo que es innegable es que con Rocky y Rambo ha creado dos iconos importantes de la historia del cine contemporáneo. Para bien o para mal Stallone es un nombre que ya tiene su lugar en la historia del cine. Ahora Venecia reconoce el toque autoral de su obra. Para 2010 ya se anuncia el estreno de su nueva película The Expendables que nuevamente escribe, protagoniza y dirige.

Espionaje industrial

Un ex-agente del MI6 (Clive Owen) y una ex-agente de la CIA (Julia Roberts) que trabajan para dos grandes corporaciones planean una estafa a las altas esferas. Es el interesante argumento de Duplicity (Tony Gilroy, 2009). El director de Michael Clayton (2007) nos presenta una trama de espionaje industrial en clave de comedia.

El estilo visual es muy adecuado a la historia, especialmente en dos aspectos: por un lado la fotografía fría pero luminosa va muy bien al entorno de grandes multinacionales en que se desarrolla la acción y al mismo tiempo acompaña al tono ligero de comedia en que se cuenta el relato. Por otra parte las transiciones entre secuencias con la pantalla dividida aporta la sensación de estar viendo un rompecabezas, que es la forma en que está estructurada la narración.

Película en general entretenida y agradable de ver, aunque a veces es complicado seguir lo que está ocurriendo. Al final todas las piezas encajan y se entiende la historia en conjunto, pero hay detalles durante el desarrollo que se pierden y haría falta un segundo visionado de la película para atar algunos cabos.

En cuanto a los actores, la pareja protagonista está correcta, como cabía esperar de ambos. A Clive Owen también lo hemos visto en otra de espías este año con The International y parece que le gusta el género. En los papeles de los jefes de ambos encontramos a dos secundarios de lujo: Tom Wilkinson y Paul Giamatti.

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Los adolescentes del Enterprise

La undécima entrega cinematográfica de Star Trek (J.J. Abrahams, 2009) nos remite al primer viaje de la famosa tripulación de la nave Enterprise. La película se centra especialmente en la relación, en principio de rivalidad y luego de amistad, entre el capitán Kirk y el señor Spock. El primero es el típico rebelde sin causa con madera de líder mientras que el vulcaniano es presentado como una especie de niño prodigio incomprendido.

Sin que llegue a ser una gran película de ciencia ficción, varios aspectos la diferencian de sus predecesoras. En esta ocasión es más trepidante y tiene más efectos especiales y escenas de acción de lo que suele ser habitual en la saga. Si bien en anteriores entregas daba la sensación de ser más de lo mismo y de ver reminiscencias a las películas anteriores, en esta ocasión también existe la sensación de no ser algo nuevo en general pero sí dentro de la saga en particular, es decir, se ven reminiscencias a otras películas pero no de Star Trek. Por ejemplo la historia de la escuela de cadetes espaciales y su primer combate a bordo de una nave guarda cierto parecido con Starship Troopers (Paul Verhoeven, 1997). Por otra parte el personaje de Kirk en plan enfant terrible perseguido por la sombra de su padre que era piloto y murió heroicamente en combate, recuerda bastante al personaje de Maverick interpretado por Tom Cruise en Top Gun (Tony Scott, 1986), incluso hasta tiene moto y todo.

En general una película de aventuras galácticas muy entretenida de la mano del director de Mission:Imposible III. A destacar la presencia de Eric Bana encarnado al malo de la función, y a Winona Ryder como la madre de Spock.

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Turismo en Grecia

La guionista y protagonista de Mi gran boda griega (My big fat greek wedding, Joel Zwick 2002) Nia Vardalos, encabeza el reparto de Mi vida en ruinas (My life in ruins, Donald Petrie 2009), esta vez sólo como actriz, no como guionista, y se nota. La película versa sobre una profesora de historia que trabaja como guía turística en Grecia y debe conducir a grupo de turistas un tanto esperpénticos a los que aburre soberanamente la cultura de la Grecia clásica.

El arranque de la película es muy divertido con la presentación de los personajes, cada cual más peculiar. La cosa promete ser algo así como una comedia disparatada con personajes histriónicos que rozan el surrealismo cómico. Sin embargo un desarrollo de la trama simplista, previsible y plagado de tópicos acaba malogrando lo que en principio podría haber sido una gran comedia. No obstante se deja ver y se pasa un buen rato. A destacar en el reparto la presencia de Richard Dreyfuss y Caroline Goodall.

Los 30 en digital

Sensacional película de Michael Mann ambientada en los años 30 sobre la vida del atracador de bancos John Dillinger. El director de Collateral (2004) nos presenta su nuevo trabajo Enemigos públicos (Public enemies, 2009) con Johnny Depp y Christian Bale en los papeles principales de Dillinger y del agente que le da caza Melvin Purvis respectivamente.

Sus más de dos horas de metraje se pasan en un suspiro. Lo más llamativo de la cinta es que a pesar de no desarrollarse en la actualidad está rodada con mucha cámara en mano y en vídeo digital de alta definición, lo cual le da un toque de originalidad respecto a otras películas de época. Según palabras del propio director su intención no es mostrar los años 30 al espectador sino hacerle sentir el ambiente de ese momento. De lo que no cabe ninguna duda es de que Michael Mann ha encontrado en el cine de alta definición un gran aliado para crear un estilo propio. Es el gran autor de textura digital. Los tiroteos están estupendamente coreografiados, con mano firme como ya había demostrado en Heat (1995) o en Corrupción en Miami (Miami vice, 2006).

Los actores demuestran su gran solvencia, tanto los dos protagonistas como la actriz Marion Cotillard, vista anteriormente junto a Russell Crowe en Un buen año (A good year, Ridley Scott 2006) en el rol de la novia de Dillinger, que le da el toque femenino y romántico a esta áspera historia de tipos duros cargada de adrenalina y testosterona.

Los personajes tienen todos luces y sombras y están perfectamente trazados. El agente Melvin Purvis, encarnado por Bale, es un hombre lacónico con gran sentido de la responsabilidad para cumplir con su deber que se ve muy presionado para atrapar al enemigo público número 1 con un equipo de agentes poco cualificados. Por otra parte el personaje de Johnny Depp viene marcado por una infancia dura con desarraigo familiar, que vive al día y al límite; es expeditivo y seguro de sí mismo. Es leal a sus amigos y roba a los bancos pero no a los ciudadanos. Marion Cotillard interpreta a Billie Frachette, una chica de pueblo que trabaja en lo que puede para sobrevivir en la ciudad y encuentra en Dillinger a un amante y protector que lo daría todo por ella.

El director de Conan el bárbaro (Conan the barbarian, 1982) John Milius dirigió en 1973 otra versión de la vida de este delincuente titulada Dillinger con Warren Oates de protagonista y Ben Johnson encarnando al agente Purvis.

Memorias de un pringao

La opera prima de Borja Cobeaga, aunque no sea una gran película, es una comedia fresca y divertida, agradable de ver. Pagafantas trata sobre el típico chico bueno y tímido que agrada a las chicas, las cuales lo ven como un buen amigo pero nada más, y a la hora de tener una relación prefieren a tipos más duros y macarras a pesar de que las hagan sufrir.

Las virtudes de esta película son por un lado desmarcarse de los tópicos del cine español, como la apología de la marginalidad y el panfleto político encubierto para decantarse por un cine sin prejuicios, la diversión sin mayor pretensión. Por otra parte cabe destacar el ritmo dinámico de narración que no aburre en ningún momento.

En contra tiene un esquema argumental basado en el encadenado de sketches, lo cual hace que al final deje una sensación de estar inconclusa, como que nos han dejado a medias. Apenas hay una evolución de personajes y da la sensación de que simplemente nos muestra una serie de situaciones, unas más divertidas que otras, y nada más.

La gran aventura

Divertida, vibrante o entrañable, son sólo algunos de los muchos adjetivos con los que se podría calificar la nueva joya cinematográfica de la factoría Pixar. Up (Pete Docter y Bob Peterson, 2009) cuenta la historia de Carl Friedricksen, un vendedor de globos viudo que vive aferrado a su casa con sus recuerdos. Una constructora quiere deshauciarlo para realizar un plan urbanístico de gran envergadura en la zona, así que para evitarlo decide inflar un montón de globos que puedan elevar su casa por los aires y así emprender el viaje que siempre soñó hacer junto a su difunta mujer y que nunca llegaron a culminar.

El trazado de personajes a través de la dinámica afectiva en la pareja, como ya ocurría el año pasado con Wall-E, genera los momentos más emotivos del film. Por otra parte el contraste de caracteres entre un joven y entusiasta explorador y el veterano viudo sumido en la melacolía, hace que entre los dos personajes haya mucha energía y que ambos evolucionen positivamente, uno hacia la madurez y que el otro hacia una segunda juventud. Esta relación recuerda en cierto modo a la de Clint Eatwood con su vecino asiático en Gran Torino.

Técnicamente es impecable, como cabría esperar de sus artífices, tanto en animación 3D como en ritmo de montaje y manejo del tempo narrativo. Es una película muy bien dosificada en cuanto a combinar los momentos de humor, acción y drama, y no adolece de exceso con ninguno de ellos, lo cual la hace muy equilibrada.

Cinematográficamente recupera el espíritu de los clásicos de aventuras, cuando viajar a lugares exóticos tenía algo de mágico, y en el que una situación particular puede vivirse como una gran experiencia, algo que hoy en día parece haberse perdido en aras de un cine excesivamente efectista de frialdad mecanicista, en el que parece que la única premisa válida para justificar un poco de adrenalina es verse en la tesitura de tener que salvar el mundo. Por tanto Up aboga por recuperar la ilusión, los sueños perdidos y la valoración de los pequeños detalles que hacen que la vida pueda ser una gran aventura.

Épica en corto

Ya se puede ver on-line "El Visionario", un relato que se mueve entre la historia y la leyenda.

Antes de que los romanos construyeran la Torre de Hércules otra atalaya ocupó su lugar. Desde ésta un hombre tuvo una visión.

Un encuentro con la cultura celta.

Confesiones al límite

El tren Pelham 123 del metro de New York ha sido tomado por un grupo de hombres armados que piden diez millones de dólares al alcalde de la Gran Manzana como rescate de los pasajeros a los que retienen como rehenes. Un trabajador del control de vías, que ha sido degradado de un puesto superior, recibe la llamada del secuestrador convirtiéndose así en interlocutor y pieza clave de la negociación.

Así arranca Asalto al tren Pelham 123 (The taking of Pelham 123, Tony Scott 2009), un thriller vibrante, visualmente muy potente como suele ser habitual en su director, responsable entre otras de Enemigo público (Enemy of the state, 1998), Domino (2005) o Amor a quemarropa (True romance, 1993). Vuelve a contar con el siempre correcto Denzel Washington, con el que ya había trabajado en varias películas como El fuego de la venganza (Man on fire, 2004), Marea roja (Crimson tide, 1995), y Deja vu (2006). Le da la réplica un John Travolta a la altura de las circunstancias, aunque con un personaje en ocasiones algo pasado de vueltas. Entre los secundarios cabe destacar a James Gandolfini como alcalde y John Turturro en el rol de negociador.

Lo más llamativo son los diálogos profundos, con debate teológico incluido, entre los dos protagonistas, que en medio del caos y en el espacio de una hora se confiesan sus respectivos oscuros secretos e incluso discuten sobre si el hombre le debe a Dios una vida o una muerte. A pesar de lo que pueda parecer a priori no chirría y quizá sean los diálogos más interesantes de la película.

Se basa en la novela homónima de John Godey y al mismo tiempo es un remake de una versión anterior de 1974, que contó con Walter Mathau en el papel que hace ahora Washington y Robert Shaw en el de Travolta.

Aparte de la resolución de algunas situaciones que para algunos pueden resultar forzadas o poco creíbles, la película es muy entretenida y está elaborada con oficio. El ritmo es frenético, con un montaje muy tipo videoclip pero que le queda bien, así como la música hip hop que acompaña las imágenes, por el ambiente suburbano que retrata.

Información complementaria: "Washington vs. Travolta", en Sensacine
Leer critica Asalto al tren Pelham 123 en Muchocine.net

Se acerca "El Visionario"

Ya queda poco para que esté listo el nuevo corto de Galax Pictures. Un encuentro con la cultura celta. Un relato que se mueve entre la historia y la leyenda. De momento se puede ver el trailer pinchando AQUÍ.

Compleja sencillez

Un hombre rompe con su familia por la influencia opresiva de su padre. Años más tarde su hermano pequeño lo busca para preguntarle por el oscuro pasado que le hizo tomar tan drástica decisión. Este es el punto de partida de Tetro (2009), la nueva película de Francis Ford Coppola, una coproducción en la que participan Estados Unidos, España, Italia y Argentina. Se trata de un drama familiar, ambientado en Argentina, con tintes de tragedia griega y narrado con la fastuosidad estética propia de su autor. Fotografiada en blanco y negro y color, utiliza ambos recursos al revés de lo habitual; la línea argumental principal está rodada en escala de grises mientras que los flash-backs y las imágenes oníricas se ven en colores vivos. Asimismo juega con los formatos, usando distintos anchos de pantalla.

La dirección de actores es impecable, todos brillan con luz propia, especialmente Maribel Verdú. Vincent Gallo aporta la fuerza necesaria a su torturado personaje, que por sus conflictos internos parece sacado de una obra de Shakespeare. La gran revelación es el joven Alden Ehrenreich cuyo parecido con Leonardo di Caprio es bastante llamativo en varios momentos de la película. En papeles secundarios de figuras con cierta aura de grandeza encontramos a Carmen Maura y Klaus Maria Brandauer aportando su veteranía a sus respectivos personajes.

La fotografía y la música son más que adecuadas, como cabría esperar del autor de El Padrino (The godfather, 1972). Lo único que se le puede poner en contra es que en el desarrollo hay varias ocasiones en las que parece que va a terminar y aun continúa, y esto puede dar la impresión de que le sobra metraje. Realmente la historia es relativamente sencilla pero se adorna con grandilocuencias estéticas que en ocasiones duran lo justo pero en otras se alargan un poco de más.

La mezcla de relato costumbrista con delirios visuales de gran artista puede que no sea del agrado de todo tipo de espectadores, pero lo que sí es un hecho es que el cine de Coppola es garantía de un cierto grado de calidad en el producto final, algo difícil de encontrar en la cartelera actual.

La guerra contra las máquinas

Terminator Salvation (McG, 2009) es la cuarta parte de la saga iniciada en 1984 por James Cameron. En esta ocasión ya no hay viajes en el tiempo, como las entregas anteriores, ahora se trata de describir la guerra contra las máquinas y la consolidación de John Connor como líder de la resistencia. Lo que hasta ahora había sido tan sólo el prólogo de cada una de las entregas se convierte en casi dos horas de metraje.

Christian Bale encarna con convicción al protagonista, a la altura del Connor adolescente de Terminator 2: El juicio final (Terminator 2: Judgement day, James Cameron 1991), interpretado por Edward Furlong, y lejos de la descafeinada versión del personaje que mostró Nick Stahl en Terminator 3: La rebelión de las máquinas (Terminator 3: Rise of the machines, Jonathan Mostow 2003).

Sam Worthington se revela como el terminator con un lado humano que aporta a la película el debate sobre la diferencia entre los humanos y las máquinas. Si bien la sombra de Schwarzenegger es alargada y las comparaciones difíciles de eludir, hay que reconocer que Worthington ha salido airoso de la encrucijada. No se puede sustituir una imagen que se ha convertido en todo un icono de la historia del cine, pero se puede salvar la situación con mayor o menor éxito y creo que en este caso se puede considerar que el chico ha cumplido.

Si bien en los prólogos respectivos de las anteriores entregas se mostraba un futuro frío fotografiado en tonos azules, ahora que el futuro se hace presente llama la atención que el tono se ha vuelto más bien ocre para mostrar la misma frialdad en un escenario desértico devastado por la contienda entre los hombres y los terminator.

El ritmo de la película es adecuado, en tanto en cuanto a que la acción está bien dosificada, no se hace recargada en ningún momento ni tampoco aburrida. Incluso se puede hablar de un interés que va in crescendo, de forma que al principio al espectador le puede costar ubicarse para saber exactamente lo que está ocurriendo pero la evolución de la historia va haciendo que aumente el interés paulatinamente hasta el clímax final. Si bien al inicio parece que no tiene que ver con el resto de la saga, hacia la mitad del metraje comienzan a sucederse los homenajes a las anteriores entregas. Son guiños en todos los aspectos, tanto en planificación, situaciones, frases, etc.

Salvo algunos planos rodados con cámara en mano sin justificación alguna, la dirección de McG es bastante correcta, de forma que consigue una meritoria cuarta parte por debajo, pero a corta distancia, de las dos primeras de Cameron y bastante superior a la tercera de Mostow.

Próximos proyectos

El pasado mes de marzo abrí una nueva sección en Galax Pictures para informar sobre los próximos proyectos. Pues bien, dos de ellos son inminentes.

Antes de finalizar Junio se abrirá una nueva sección de Reportajes breves de corte periodístico sobre lugares curiosos, con encanto o interesantes. La inauguración de este nuevo espacio tendrá lugar con el reportaje sobre los alfareros gallegos del siglo XIX.

Ya entre Julio y Agosto se estrenará el proyecto estrella de este año de Galax Pictures, un documental sobre los celtas prerromanos en Galicia.

Seguiré informando de las novedades.

El alemán se lleva la Palma

Se cierra el festival de Cannes que llegó a su clausura con aires de incertidumbre, pues no había una clara favorita. Se barajaba en un principio Un profeta (Un prophète, Jacques Audiard), un durísimo drama carcelario que finalmente ganó el Premio del Jurado. Pero la Palma de Oro fue para Das weisse Band, una coproducción austríaco-franco-alemana del director alemán Michael Haneke.

Los dos representantes españoles en la competición, Isabel Coixet y Pedro Almodóvar, se quedaron sin galardón. Por otra parte los premios para los actores fueron la gran sorpresa por ser las películas más controvertidas del festival; el de Mejor Actriz para Charlotte Gainsbourg, por Anticristo (Antichrist), la muy polémica cinta de Lars Von Trier, y el de Mejor Actor para Christoph Waltz por Malditos Bastardos (Inglorious bastards!) del siempre inquietante Quentin Tarantino.

Precuela en todos los sentidos

X-men orígenes: Lobezno (X-Men origins: Wolverine, Gavin Hood 2009) es la esperada película sobre el mutante más carismático del grupo de superhéroes. El propio Hugh Jackman se ha involucrado como productor en este proyecto y se ha recorrido medio mundo promocionando el film con apariciones espectaculares en tirolina ante la prensa, demostrando así que realmente se puso en forma para dar vida por cuarta vez al personaje que le ha convertido en estrella.

Arranca con un prólogo sobre la infancia del protagonista para pasar a unos fantásticos títulos de crédito que muestran como él y su hermano Víctor Creed, muy bien interpretado por Liev Schreiber, toman parte en las distintas guerras a lo largo de la historia, algo así como la presentación de Watchmen. En general la película tiene un tratamiento casi artesanal, de forma que los efectos especiales son algo rudimentarios. Eso puede chocar un poco hoy en día pero realmente tiene sentido para dar continuidad a la saga. Si ahora vemos las cuatro películas en orden cronológico es perfectamente creíble que el capítulo sobre los orígenes sea la primera, cuando en realidad se ha hecho nueve años después de X-Men (Bryan Singer, 2000). Además también la puesta en escena y el trazado de personajes es más primario, más visceral, contrastando con la factura más sofisticada y estilizada de la trilogía que hemos conocido hasta ahora.

Todo en la historia es más primitivo. No se trata de un grupo de superhéroes que van a salvar el planeta sino de un grupo de personas diferentes del resto que buscan su lugar en el mundo. El protagonista además tiene la peculiaridad de presentar un poder muy codiciado y debe luchar por buscar su camino contra aquellos que lo pretenden convertir contra su voluntad en aquello que les reporta beneficios.

En este tono más introspectivo, que no por ello lento o aburrido ya que la película tiene escenas de acción a montones, influye también la elección del director Gavin Hood, cineasta de origen sudafricano responsable de Tsotsi (2005) que ganó el Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa. Los autores independientes metidos en una superproducción logran imprimirle un cierto toque más íntimo, más humano a los personajes. Se nota la mano de un director más preocupado por la dirección de actores que por la tecnología digital, lo cual se agradece, ya que no ocurre habitualmente en el cine de acción de los últimos tiempos.

En conclusión una película muy coherente tanto en historia como en tratamiento, muy consciente de su condición de precuela de una saga que se inició hace casi una década.

Leer critica Lobezno en Muchocine.net

Sin escrúpulos

El director de la vanguardista y frenética Corre, Lola, corre (Lola rennt, Tom Tykwer 1998) nos trae en esta ocasión un sólido thriller de corte clásico y ritmo contenido. The International: Dinero en la sombra (The International, Tom Tykwer 2009) está narrada en clave del cine de espías de toda la vida, con intriga, conspiraciones, informadores, asesinos profesionales, y toda una galería de personajes propio del género. Incluso la fotografía es fría y con tonos apagados, que en cierto modo recuerda un poco a los thrillers de los años 70 tipo French connection (William Friedkin 1971). La acción es trepidante pero entendible, se ve lo que está ocurriendo, lo cual se agradece en estos días, especialmente después de comprobar como los responsables de Bond en Quantum of solace sucumbían al estilo de "intuir más que ver" propio de la saga Bourne.

El tema tratado es muy interesante: un agente de la Interpol y una ayudante del fiscal de distrito de Nueva York investigan a una poderosa entidad bancaria que realiza operaciones muy lucrativas a costa de los conflictos bélicos en los países subdesarrollados. Un complejo entramado de banqueros, fabricantes de armas y señores de la guerra en el que los escrúpulos y la moral han dejado de existir. Es la lucha de los bancos por hacerse con el control de las deudas externas contraídas por los países en conflicto. En esta caótica tela de araña un agente con principios trata de buscar justicia.

Protagonizan Clive Owen y Naomi Watts, ambos muy correctos en sus respectivos papeles. Owen fue uno de los nombres que se barajaron para ser el nuevo 007, que finalmente fue Daniel Craig, y por lo visto no se resigna a no ser agente, ya que hace poco interpretaba a un ex-agente del MI-6 en Duplicity (Tony Gilroy, 2009) junto a Julia Roberts, y ahora encarna a un agente de la Interpol en esta historia de espionaje en las altas esferas del entramado financiero internacional. Watts demuestra una gran versatilidad para los géneros; desde el hiperrealismo del cine independiente en 21 gramos (21 grams, Alejandro González Iñarritu, 2003) al glamour de las superproducciones de Hollywood en King Kong (Peter Jackson 2005)pasando ahora por las tramas de espionaje a la antigua usanza.

Cabe destacar especialmente entre los secundarios al veterano Armin Mueller-Stahl que dota a su personaje de gran entidad y presencia. Además dice la frase que más me gustó de la película: "es más fácil conservar la integridad que recuperarla".

En definitiva una película entretenida, resuelta con oficio, con un planteamiento muy interesante, un tiroteo espectacular y cierto aire nostálgico de los thrillers de antaño.

Leer critica The International (Dinero en la sombra) en Muchocine.net

La afectividad en el cine

Galax Pictures ofrece este vídeo resumen de la conferencia de Cinemanet en la que el psicólogo Jaime Serrada, de la Fundación Gift & Task, analiza como se muestra en el cine el tema de la afectividad y la sexualidad desde la perspectiva de la psicología y la antropología.

Cinemanet: evento en Madrid

El próximo viernes 17 de abril tendrá lugar una conferencia sobre la afectividad y la sexualidad en el cine. El tema será tratado a través de películas como Juno, American Beauty, Titanic o Wall-E.

Se puede ver más información en la web oficial de Cinemanet.

Como en ocasiones anteriores Galax Pictures cubrirá el evento. Se pueden ver los reportajes de actos pasados en la sección de Colaboraciones.

Clásicos de Semana Santa

Como ya viene siendo costumbre me gusta repasar en estas fechas los clásicos de temática bíblica. Hace dos años nombré a Ben-Hur, el año pasado Los diez Mandamientos, y este año le toca ser revisitado a Quo Vadis? (Mervyn Leroy, 1951), una superproducción hollywoodense en estado puro. La historia de amor entre un general romano y una creyente durante la época de persecución a los cristianos bajo el gobierno del emperador Nerón.

La escena del incendio de Roma es espectacular y Peter Ustinov encarna al que está considerado como "el mejor Nerón" de la historia del cine, interpretación por la que recibió el Globo de Oro a Mejor Actor de Reparto y fue nominado al Oscar en la misma categoría, si bien ese año finalmente resultó ganador Karl Malden por Un tranvía llamdo deseo (A streetcar named desire, Elia Kazan 1951). Quo vadis? recibió un total de 8 nominaciones pero no obtuvo ningún galardón. Los premios se los repartieron básicamente entre Un lugar en el sol (A place in the sun) de George Stevens que se llevó el Oscar a Mejor Director, La Reina de África (The African Queen, John Huston) y Un americano en Paris (An american in Paris, Arthur Freed) que se alzó con la estatuilla a Mejor Película.

La pareja protagonista de Quo vadis? está encarnada por Robert Taylor y Deborah Kerr y nos muestran como el amor hace cambiar positivamente a dos caracteres opuestos, de dos mundos diferentes. El personaje de Taylor tiene una evolución muy positiva de un hombre cegado por la grandeza de Roma, que a través de los ojos de una humilde sierva cristiana aprende a valorar los pequeños detalles de la vida y descubre un mundo más espiritual por encima de la fastuosidad material del Imperio. Al mismo tiempo el personaje de Kerr aprende a valorar las cualidades humanas por encima de sus prejuicios contra todo lo que tiene que ver con Roma.

Por otra parte el personaje de Nerón pone el contrapunto con una evolución del personaje en sentido contrario, hacia una degeneración total. Sus delirios de grandeza unidos a un carácter débil y cobarde le llevan a cometer actos de locura y entrar en una espiral de destrucción de sí mismo y de quienes le rodean.

Una historia épica de emociones desatadas servida con el envoltorio de una superproducción de Hollywood con espectáculo, glamour y esa magia de la meca del cine que hace grande al Séptimo Arte.

Oscura reflexión sobre la vida

Hace poco hablaba sobre una bonita reflexión en torno a la vida desde el punto de vista del amor y el destino en la película Elcurioso caso de Benjamin Button. Como todo tiene su reverso oscuro también se puede reflexionar sobre la existencia y la condición humana desde una perspectiva más primaria, mostrando el lado más salvaje del ser humano. Esto es lo que nos propone Watchmen (Zack Snyder, 2009), la adaptación a la gran pantalla de la novela gráfica homónima. En un 1985 alternativo al que hemos conocido, Nixon sigue siendo presidente tras haber ganado la guerra de Vietnam y ha promulgado una ley que prohibe la actuación de los héroes enmascarados que llevan años combatiendo el crimen. Una noche uno de estos héroes retirados es asesinado, lo cual destapa la sospecha de un complot contra los enmascarados.

El director de 300 vuelve a demostrar su virtuosismo en mezclar la estética del comic con lo último en tecnología digital para crear imágenes de gran potencia visual. En comparación con su anterior obra, Watchmen ofrece un perfil más profundo de los personajes y una trama bastante más compleja que la de 300. Quizá esta complejidad sea lo que le hace flaquear en la resolución final a la hora de atar cabos y haga que 300 por comparación resulte más redonda. No obstante Watchmen está muy bien planteada y mantiene el interés durante sus casi 3 horas de metraje.

En esta película se nos plantean héroes vulnerables, torturados por un oscuro pasado y con vidas plagadas de pocas luces y muchas sombras. El más carismático es Roschach, el líder que a través de un diario nos cuenta su investigación del asesinato de El Comediante, el más brutal y expeditivo de los enmascarados. El Dr. Manhattan es un científico convertido en un titán azul de pura energía tras un fatídico accidente de laboratorio. Espectro de Seda es la chica del grupo con poca vocación, ya que lo que hace es sustituir a su madre en el rol de heroína que lucha contra el crimen. El Búho Nocturno es el héroe más normal del grupo, un idealista al que le gustó luchar contra el crimen en su momento y acepta de buen grado su retiro forzoso. No tiene un pasado negro como EL Comediante, Roschach o el propio Dr. Manhattan.

Hay escenas acompañadas de canciones muy conocidas de grandes artistas como Bob Dylan, Simon & Garfunkel o Leonard Cohen, muy bien escogidas que le dan un toque especial al conjunto de la película.

La película es sin duda una de las mejores plasmaciones que se han hecho del espíritu del comic al cine. Eso tiene también sus pros y sus contras: lo bueno es el mérito de haber conseguido tal hazaña, pero eso mismo tiene el inconveniente de que la película no trascienda más allá del comic de forma que sea muy recomendable para cualquiera que le gusten los comics en general, pero que tengamos reparos a la hora de recomendarla a quienes no les guste el mundo de la viñeta. Iron Man o El caballero oscuro fueron películas que gustaron a todo tipo de público, tanto a fans del comic como al público en general. Quizá en este sentido Watchmen obtenga el beneplácito de un sector más reducido de público.

En resumen Watchmen es una muy buena película tanto a nivel técnico como conceptual, con buenos personajes, buena historia, que se plantea muy bien y se desinfla un poco en su resolución final, pero en general nos deja grandes momentos de aventura, acción y buen cine de entretenimiento.

Leer critica Watchmen en Muchocine.net