Fly me to the moon, la teoría conspiranoica explicada

 

Existe el rumor, leyenda urbana, teoría conspiranoica  o como se le quiera llamar, de que el hombre en 1969 no pisó realmente la Luna y que las imágenes que se vieron fueron un montaje cinematográfico, que incluso se decía que podría haberlo dirigido el mismísimo Stanley Kubrick, que un año antes había estrenado 2001: una odisea del espacio. Esta historia sirvió de base para la película española de animación Atrapa la bandera. 

Este verano llega a las pantallas Fly me to the moon, una película dirigida por el director de Con amor, Simon, Greg Berlanti, con un elenco de actores en estado de gracia encabezado por  Scarlett Johansson, realmente excepcional, y Chaning Tatum, bastante mejor que en otros papeles anteriores. A la pareja protagonista les secunda el siempre interesante Woody Harrelson en un papel a su medida. El resto del reparto, aunque son caras desconocidas para el gran público, se les ve muy sueltos y carismáticos, especialmente Donald Elise Watkins, que interpreta a un joven ingeniero de la NASA.

La situación de la NASA a finales de los años 60, en plena competencia con la Unión Soviética por ver quién llegaba primero a la Luna, era desastrosa. Internamente funcionaba de forma bastante caótica y la aburrida imagen que daban a la opinión pública tampoco ayudaba. En esta situación, con la guerra de Vietnam llenando de sangre los noticiarios, el gobierno decide que deben dar un mensaje de esperanza a la sociedad y usar la misión Apolo 11 para ello, además de ganar a los rusos en la carrera espacial. Un misterioso enlace del gobierno contrata a una experta en marketing para dotar a la NASA del glamur y la frescura necesarios para gustar al público y que la gente se interese por la misión a la Luna. Solo hay un punto oscuro en el plan, y es que piden desde las altas esferas que de manera ultrasecreta se monte un plató para simular la retransmisión en directo del alunizaje, por si acaso fallase algo, lo cual, de hacerse, sería una gran estafa para la humanidad.

Hay buena química entre Johanson y Tatum, que encarnan respectivamente a la experta en marketing y al director de la misión Apolo, dos personajes totalmente antagónicos; el embaucamiento frente a la honestidad, la frivolidad frente a la seriedad, el espectáculo frente a la peligrosa realidad. La película es muy divertida, tiene gancho, ritmo, intérpretes carismáticos y una selección de canciones de la época muy buena, como lo habían sido en su momento las de Forrest Gump o Apollo 13.

Superdetective en Hollywood: Axel F., Eddie Murphy en plena forma

 

Uno de los cócteles más refrescantes del verano es la combinación de acción y comedia, y la saga protagonizada por Eddie Murphy como un peculiar policía que aplica sus particulares técnicas de investigación de Detroit en Beverly Hills, es una de las más emblemáticas del género. Este verano llega la cuarta entrega, Superdetective en Hollywood: Axel F., 40 años después de la primera, con Eddie Murphy cargado de energía, a pesar de los años, que no parece que hayan pasado tantos. 

Netflix ha producido esta secuela que ha estrenado directamente en la plataforma de streaming, sin pasar por las salas cinematográficas. Una lástima, porque la verdad es que esta cuarta entrega supera a la tercera con creces, la cual sí se estrenó en su momento en cines.

Han pasado muchos años, pero hay cosas que no cambian, y Axel Foley sigue estando muy cómodo trabajando en las calles de Detroit. Sigue siendo un policía fuera de serie, pero como padre no le ha ido tan bien. Tiene una hija, Jane Saunders, a la que hace años que no ve y que es una abogada de Beverly Hills. Trabajando en un complicado asunto, es coaccionada para que deje el caso, a lo que ella se niega. El viejo amigo de Axel, Rosewood, la está ayudando, y cuando es atacada, a pesar de su negativa, él avisa a Axel, que una vez más vuelve a Beverly Hills, esta vez para ayudar a su hija.

La pelicula es todo un homenaje a la original, incluso rescatando dos canciones de aquella, The heat is on y Neutron dance. Los principales secundarios repiten sus papales, ya que no solo están Judge Reinhold y John Ashton, como Rosewood y Taggart respectivamente, sino que también está Paul Reiser en el rol de Jeffrey, antiguo compañero de Axel, ahora capitán de policía de Detroit, e incluso está brevemente Bronson Princhot como Serge. Entre los nuevos fichajes que secundan a Murphy tenemos al veterano Kevin Bacon, a Joseph Gordon-Levitt y a la actriz Taylour Paige en el papel de Jane.

Superdetective en Hollywood: Axel F es un cóctel veraniego nostálgico que recupera la frescura del origen de la saga y nos devuelve a un carismático Eddie Murphy que sigue en plena forma. Persecuciones, tiroteos, chistes, nostalgia, un punto de ternura, ¿qué más se puede pedir a un cóctel de verano? Quizá que la hubieran estrenado en salas.

Del revés 2, el control de las emociones

 

Qué complicado es crecer, ¿verdad? Nos pasamos la infancia diciendo «cuando sea mayor...», pensando que podremos hacer lo que nos dé la gana. Sin embargo, después las cosas no son tan sencillas. Todo es más complejo de lo que parece y en nuestras vidas van apareciendo nuevas emociones, sensaciones, sentimientos, experiencias, que nos hacen cuestionar todo y hay que aprender a controlar todas esas novedades que continuamente van apareciendo en nuestra vida. Sobre esto trata Del revés 2 (Inside out 2).

Riley, la niña protagonista de Del revés, cumple 13 años y salta la alarma de la pubertad. Nuevas emociones se despiertan en su ser. Sus emociones básicas, Alegría, Tristeza, Asco, Ira y Miedo, están orgullosas de la personalidad que han creado en Riley y esa armonía se ve perturbada por la llegada de nuevas emociones que irrumpen en el cuartel general como un elefante en una cacharrería. Estas nuevas emociones son Vergüenza, Aburrimiento, Envidia y Ansiedad, siendo esta última la que lidera al grupo y llega con un ansia desbocada de cambiar las cosas a cualquier precio. La batalla por el control emocional ha comenzado en la cabeza de Riley, que ve cómo sus convicciones se tambalean y se siente confundida y estresada ante las nuevas emociones y las nuevas tentaciones.

Este proceso interno de Riley se manifiesta externamente en su relación con sus amigas durante un campamento de hockey sobre hielo, donde su ambición por caerle bien a las veteranas del equipo entra en conflicto con sus amigas del colegio. Es lo típico de los adolescentes de querer ser guay y codearse con los mayores descuidando a las amistades verdaderas.

La película tiene mucha chispa y  ritmo frenético. No tiene el factor sorpresa como la primera, ya que la originalidad de aquella residía en plasmar en imágenes el mundo de las emociones, y aquí ya lo conocemos. Sin embargo, las nuevas emociones, especialmente Ansiedad, tienen bastante fuerza. También es interesante encuadrar la acción en el ámbito del deporte. Aunque en la vida de la protagonista siguen siendo los pilares  fundamentales la familia y la amistad, en esta película predomina el tema de la amistad, ya que se centra más en mostrar cómo afectan los cambios emocionales a su relación con sus amigas.

Del revés 2 se ha convertido desde el mismo momento de su estreno en la película más taquillera estrenada en España en 2024. De momento lidera la taquilla, pero en el segundo semestre del año nos esperan nuevos estrenos muy potentes, como Gladiator 2, por ejemplo, así que ya veremos cómo acaba el año. Pero está claro que la nueva película de Pixar estará en las posiciones altas del ranking.

Back to black, una cuestión de energía

 

La directora de 50 sombras de Grey, Sam Taylor-Johnson, nos trae ahora, con mejor resultado, la biografía de la malograda estrella de la canción Amy Winehouse en una película que toma su título de una de las más emblemáticas canciones de la artista: Back to black. La meteórica carrera musical de Amy Winehouse que llegó a lo más alto, aquejada por un progresivo deterioro provocado por un creciente alcoholismo que la llevó a fallecer a la temprana edad de 27 años en plena cresta de la ola de su éxito.

La película nos muestra esta evolución desde que Amy empezó a cantar a los 16 años a través de sus relaciones con las tres personas más influyentes en su vida: su abuela, su padre y su marido. La actriz Marisa Abela se transforma en Amy de manera asombrosa. No sería de extrañar que tuviera una nominación al Óscar. La película tiene buen ritmo y en general todo es correcto. Sin embargo, no da la sensación de ser una película redonda, y en mi opinión, se debe a la energía.

Las películas cuentan historias y dependiendo del tipo de historia que sea, le pega ser contada con una energía u otra. Hay películas que desprenden energía positiva, buen rollo, otras que tienen una energía más visceral, más arrebatadora, etcétera. Y ninguna energía es mejor o peor que otra, sencillamente es cuestión de darle a cada historia la energía que pide para ser contada. Por ejemplo, por citar dos musicales muy buenos con energías muy distintas, pero que en cada caso es la adecuada: Mary Poppins y Moulin Rouge. Ambas transmiten mucha energía, tienen mucha garra, pero una nos transporta al mundo de la fantasía, de la infancia, y la otra nos traslada a una intensa pasión arrebatadora y visceral.

En el caso de Back to black, nos encontramos con una energía propia de película testimonial, que nos cuenta de forma dramatizada la vida de una persona, un biopic correcto que puede contar la vida de una persona sin más, pero claro, siendo como era Amy Winehouse y tal y como transcurrió su vida, quizá la película requería, o algún espectador podría esperar, que tuviese una intensidad más cercana a la de Moulin Rouge, por ejemplo, que a la de una biografía convencional. En cualquier caso, la película se deja ver con agrado, entretiene y se puede disfrutar la discografía de Amy Winehouse.

El reino del planeta de los simios, el legado de César

 

La cuarta entrega de la saga precuela del clásico de ciencia ficción El planeta de los simios. Tras El origen del planeta de los simios, El amanecer del planeta de los simios y La guerra del planeta de los simios, llega El reino del planeta de los simios, con un planteamiento muy interesante. La película arranca con la muerte de César y salta en el tiempo varias generaciones después, donde ya nos presentan una sociedad simiesca en la que los humanos han sido sometidos a los simios, con algunas referencias visuales al clásico de 1968, pero todavía no es ese momento, ya que los personajes aún no son los de la película primigenia.

La trama es sencilla: nos cuenta la historia de Noa, un simio perteneciente a un clan que vive en sintonía con las águilas, y del cual su padre es el líder. Al cumplir la mayoría de edad, debe pasar por un ritual y justo en vísperas de hacerlo, la aldea es atacada por otro clan simio liderado por Proximus, un tirano que utiliza el recuerdo y el culto a César para someter a sus súbditos. Noa sobrevive al ataque de su aldea y va tras la pista de Proximus, que ha secuestrado a su madre y a su hermana. En el camino se cruza con Nova, una humana que también va tras Proximus y con Raka, un orangután que enseña a Noa las auténticas enseñanzas de César, que no son un mensaje de miedo y de enfrentamientos, sino de buscar la conciliación para vivir en armonía simios y humanos. Eso añadido a unos fuertes lazos familiares, hacen de Noa un nuevo héroe y líder carismático, un personaje con garra para sustituir a César en la saga.

Es interesante ver cómo un legado que promueve la paz y la concordia puede ser tergiversado por unos para hacer el mal y preservado por otros para hacer el bien. Otro aspecto relevante es el hecho de que todos los personajes son nuevos. Es una época en la que aún no aparecen los de la película clásica y ya han muerto hace tiempo los de las películas anteriores. Eso les hace a los productores tomar un riesgo que se ve poco en las sagas de blockbusters actuales, optar por crear personajes nuevos sin el apoyo de ninguno secundario de las películas anteriores. Y lo cierto es que con Noa y Proximus consiguen dos buenos protagonista y antagonista, con carisma suficiente para captar la atención del público.

Además, la película visualmente es muy potente y muy bonita estéticamente. La dirige Wes Ball, el director de la saga El corredor del laberinto.

Premios Cinemanet Madrid 2024

 

El pasado 27 de mayo se entregaron los premios Cinemanet de Madrid, los premios Personaje y ¡Qué bello es vivir! El acto tuvo lugar en la Universidad San Pablo CEU. Varios medios se han hecho eco de este evento. Los podéis ver a continuación:

religionenlibertad.com

lacomarcadepuertollano.com

miciudadreal.es

Buscando a Coque en Miami y con muchas risas

 

Tras haber trabajado juntos en varios cortometrajes, los guionistas y directores Teresa Bellón y César F. Calviño, debutan en el largometraje con Buscando a Coque, que es la versión larga de uno de sus cortos, Cariño, me he follado a Bunbury. Aunque estirar la trama de un corto de 3 minutos a un largo de 87 pueda parecer algo difícil de llevar a cabo sin resultar reiterativo, en Buscando a Coque se consigue gracias especialmente a unos buenos diálogos y sus dos protagonistas, Hugo Silva y Alexandra Jiménez, que brillan con luz propia. También las localizaciones de Miami y Madrid ayudan a dar empaque al conjunto.

Los personajes se llaman como sus directores, César y Teresa, y la trama arranca cuando en esta pareja, que llevan 17 años juntos, ella le confiesa a él que se ha acostado con Coque Malla, que además es el ídolo de César desde la adolescencia. A partir de aquí comienza la búsqueda de la estrella de la música para pedirle explicaciones y hablar de lo ocurrido. Una búsqueda que les lleva hasta Miami.

El primer cuarto de hora de película es de carcajada continua y el resto se pasa en un suspiro entre unas cuantas risas más, las canciones de Coque Malla y las peripecias de la pareja de madrileños en Miami buscando al cantante en un Mustang de alquiler. El propio Coque sale en la película interpretándose a sí mismo.

En general, Buscando a Coque es una comedia romántica fresca y divertida  para público adulto con dos actores protagonistas en estado de gracia.