Humor alleniano a la italiana

Woody Allen continua su tour europeo tras visitar Londres en Match point, El sueño de Cassandra y Scoop, Barcelona con Vicky Cristina Barcelona y París con Media noche en París. Ahora le toca a la capital italiana en A Roma con amor (To Rome with love), una comedia coral con cuatro historias que mezclan el espíritu cómico italiano de los 70 con un guiño al surrealismo de Fellini y el humor neurótico propio de Allen.

Una película fresca y divertida que se queda un escalón por debajo de Medianoche en París, y es que aquella además de poseer estas mismas cualidades también tenía como valor añadido un trasfondo interesante: una reflexión sobre la nostalgia, mientras que esta alegre locura italiana no ofrece nada más allá del mero espectáculo alleniano, por lo que resulta algo más frívola y superficial pero igualmente estimulante para pasar un buen rato en el cine.

Woody retoma sus orígenes con una de las historias. Igual que en Sueños de un seductor era un fan de Casablanca que se imaginaba hablando con Bogart sobre sus problemas con las mujeres, aquí le pasa el testigo Jesse Eissenberg, protagonista de La red social, que interpreta a un estudiante de arquitectura el cual se imagina que un famoso arquitecto al que admira le recomienda sobre amoríos complicados. El veterano arquitecto lo interpreta Alec Baldwin y la chica conflictiva es Ellen Page, la protagonista de Juno, también vista en Origen.

Otra de las historias la protagoniza Roberto Benigni, artífice de La vida es bella, dando vida a un ciudadano normal y corriente al que de repente persiguen los medios como si fuese el hombre del momento. En otra trama podemos ver a Penélope Cruz haciendo de prostituta en una historia de enredo sobre una pareja de pueblo que llega a la ciudad y le ocurren una serie de encuentros y desencuentros. La cuarta historia la protagoniza el propio Allen junto Judy Davis, en el rol de un director de ópera retirado que descubre en su consuegro un gran talento para el canto, pero tiene un problema, y es que sólo canta bien cuando está en la ducha.

En fin, A Roma con amor es divertida, delirante y un punto surrealista. Una película de Woody Allen.

A Roma con amor (To Rome with Love)

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50 años con licencia para matar

El 16 de enero de 1962 daba lugar en Jamaica el inicio del rodaje de Agente 007 contra el Dr. No, dirigida por Terence Young y protagonizada por Sean Connery y Ursula Andress. El 6 de Octubre de ese mismo año se estrenaba en Londres cosechando un gran éxito que se repitió en todo el mundo, consiguiendo recaudar en taquilla veinte veces su presupuesto. Y este fue el inicio de uno de los iconos cinematográficos más emblemáticos de todos los tiempos: James Bond, el sofisticado agente secreto británico 007, con licencia para matar.

El humor negro fue algo que ya se introdujo en este film, aunque de forma muy sutil, perpetrado entre Young y Connery sobre el tono en que debía decir algunas frases, algo que se fue haciendo cada vez más marcado en las sucesivas películas de la saga hasta llegar con el tiempo a la autoparodia. También la famosa imagen del inicio en la que vemos a 007 a través del cañón de una pistola, se asentó en esta primera aventura fílmica del personaje literario creado por Ian Fleming. El diseñador gráfico Maurice Binder fue el encargado de crear esa imagen, pero quien aparecía como Bond no era Sean Connery sino su doble, el especialista Bob Simmons.

El legendario tema musical por todos conocido, y utilizado en algún momento en todas las entregas, es el de los títulos de crédito iniciales en esta película. Una composición de Monty Norman con arreglos de John Barry. La variedad de localizaciones, el exotismo y las chicas sensuales, elementos fundamentales de la marca, también quedan asentadas en este film. Unas claves para crear una saga que sigue vigente tras 50 años y que próximamente estrenará su película número 23 titulada Skyfall.

El Dr. No que da título a la cinta es el villano de la función y está interpretado por Joseph Wiseman, con un registro que sienta las bases del perfil propio de los enemigos habituales de Bond: megalómanos, excéntricos, millonarios, crueles, fríos y sofisticados.

Lo que ahora es normal en una película de Bond, era experimental en Dr. No. Resulta increíble la cantidad de detalles que sus artífices idearon para crear el personaje y que han funcionado convirtiéndose en marca de la casa. Los productores Harry Saltzman y Albert Broccoli fueron los padres de la criatura. Tenían los derechos de las novelas escritas por Ian Fleming y eligieron como primera película adaptar la sexta novela debido a que era la que mejor les encajaba en el ajustado presupuesto que manejaban. Fue una cinta de bajo coste y cuantiosos beneficios, que globalmente, como película aislada, no ha envejecido del todo bien, ya que a lo largo de las siguientes 22 películas realizadas se han ido mejorando progresivamente los gadgets, los efectos especiales y las espectaculares coreografías de las escenas de acción, por lo que esta pionera aventura se queda algo tosca en el aspecto técnico en comparación con el grado de excelencia técnica alcanzado con el paso del tiempo por el gran equipo de profesionales que hay detrás de cada una de las aventuras del espía británico. En cualquier caso es indudable que tiene su lugar de honor en la historia del cine por ser el punto de partida de una de las sagas más longevas y prolíficas que ha dado el Séptimo Arte.

Agente 007 contra el Doctor No

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Aprovechando la ocasión he rescatado un vídeo casero que realicé hace 20 años homenajeando en clave de parodia a este icono cinematográfico. Un vídeo hecho por un adolescente fascinado por el cine de acción, que ahora lo muestro con un par de retoques de post producción como mi particular homenaje por el 50 aniversario de este legendario personaje. Larga vida a 007.

Humor de cine

A veces se encuentran cosas curiosas buscando en el pasado. En 1996 dibujé esta viñeta para participar en el Salón del Humor de aquel año.

Espíritu tarantiniano

Sensacine ha organizado un nuevo evento con sus colaboradores y seguidores: esta vez nos han llevado a ver Mátalos suavemente.

Brad Pitt, a pesar de su fama de guaperas, ha mostrado en otras ocasiones que le va la marcha en registros extremados y algo underground, como en Doce Monos de Terry Gillian, por la estuvo nominado al Oscar, o la cinta de Quentin Tarantino Malditos bastardos así como en Snatch, cerdos y diamantes de Guy Ritchie. Ahora llega a las pantallas convertido en un cínico asesino a sueldo en Mátalos suavemente (Killing them softly), bajo la batuta de Andrew Dominik, director del poético western El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

En este caso la acción se desarrolla en ambiente mafioso, y trata de unos aficionados que atracan una timba en la que juegan personajes poderosos de la mafia. La película se enmarca en barrios marginales con la crisis política y económica actual como telón de fondo. Durante todo el film se van oyendo fragmentos de discursos políticos en la radio de los coches, o en la televisión de los bares, estableciendo un paralelismo entre la podredumbre de las altas esferas y la de los bajos fondos. Un ejercicio de estilo interesante con aroma setentero y ecos del cine tarantiniano.

El resultado final es algo irregular, con momentos muy brillantes de interpretación, especialmente por parte de James Gandolfini, y algunos golpes de humor negro muy logrados. También cabe destacar una secuencia rodada con un ralentí exagerado, en la línea de la reciente Dredd. En los momentos más flojos lo que da es una sensación de estar viendo a un Tarantino trasnochado, o una imitación descafeinada de Pulp fiction.

En definitiva Mátalos suavemente es una cinta que no deja indiferente pero que no acaba de ser lo redonda que podría haber sido con el material que maneja. Está correctamente narrada, bien dosificada, pero quizá le falta conseguir el tono adecuado para materializar sus pretensiones.

Mátalos suavemente

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Historia, espías y exotismo: Shanghai

Con dos años de retraso se estrena en España Shanghai, una película de corte clásico con ecos de Casablanca como gran referente, y otras cintas tales como Havana, El sastre de Panamá ó Deseo, peligro, que conjugan conspiraciones y exotismo enmarcados en un momento convulso de la historia como telón de fondo. En este caso el escenario es la ciudad china que da título a la película y la trama se desarrolla en los albores de la entrada de Japón en la II Guerra Mundial con el bombardeo a Pearl Harbour.

John Cusack interpreta a un espía estadounidense que acude a esta ciudad para ayudar a un compañero en una investigación. El amigo es asesinado y el recién llegado comienza a buscar al culpable. En su camino se cruzan el jefe de una banda local y su mujer, encarnados respectivamente por Chow Yun Fat y Gong Li, que ya habían formado pareja artística en La maldición de la flor dorada. El cuarto en discordia es un militar japonés interpretado por Ken Watanabe, el jefe del clan que acogía a Tom Cruise en El último samurai. Cabe también citar entre los personajes menos relevantes a dos rostros conocidos: por un lado la actriz alemana Franka Potente, protagonista revelación en Corre, Lola, Corre, y compañera de Matt Damon en las dos primeras entregas de la saga Bourne. Por otra parte un secundario habitual del cine de acción: David Morse, que ha participado en títulos como La Roca, Memoria letal, Negociador y un largo etcétera.

Objetivamente la película es impecable en todos sus aspectos, tanto técnicos como artísticos, con una estupenda ambientación y elegante puesta en escena. La cinta podría haber sido una película redonda si no fuera porque deja una sensación de ser convencional, de que le falta un punto de distinción que la haga única. Quizá una frase mítica, el carisma especial de algún actor, un plano impactante, es decir, ese tipo de detalles que pueden hacer que un film pase de ser bueno a ser inolvidable es lo que le falta a esta interesante historia de espionaje.

En cuanto al director se trata del sueco Mikael Hafström, que ya había trabajado con John Cusack en la película 1408 y se encuentra actualmente ultimando su nuevo film The tomb, en la que volveremos a ver juntos a Stallone y Schwarzennegger tras la reciente Los mercenarios 2.

En definitiva, con Shanghai estamos ante una cinta entretenida y bien realizada, que se disfruta con gusto. Espías, historia, romances, glamour, exotismo y un cuarteto de actores de peso como protagonistas, unos buenos ingredientes bien combinados para pasar una agradable velada de cine.

Shanghai

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Dos turistas británicos en Madrid

Tras cuatro años de ausencia, tras Sangre de Mayo, José Luis Garci vuelve a las pantallas con Holmes & Watson: Madrid days, una interesante propuesta que consiste en situar a Sherlock Holmes y al doctor Watson en Madrid tras la pista de un asesino que imita el modus operandi de Jack el Destripador.

El estilo es muy de su autor y en ello estriban los mayores aciertos y debilidades del film. El ritmo narrativo es pausado y la cadencia de las interpretaciones es totalmente lineal. Esto tiene el inconveniente de que en determinadas escenas la propia situación pide que se transmita más emoción, más garra, especialmente en las que tienen que ver con la trama policiaca. La forma de actuar de los actores es la misma cuando descubren un cadáver que cuando cuentan un chiste o hablan de temas trascendentales. Funciona mejor como film costumbrista que como relato de misterio.

Por otra parte la pasión de Garci por los clásicos del cine y por la ciudad de Madrid, nos aporta una ambientación de época con unos planos de gran belleza que son un auténtico regalo para la vista. Además también en los datos históricos se ve un minucioso trabajo con especial atención al detalle y funciona muy bien el intercambio cultural entre los visitantes ingleses y los oriundos españoles. Otro punto interesante es el de hacer interactuar personajes ficticios con personas reales, tal como hizo Woody Allen en Midnight in Paris. Encuentros del famoso detective con figuras históricas como Isaac Albéniz o Benito Pérez-Galdós, están muy bien encajados en la trama.

El legendario detective de Arthur Conan Doyle se ha llevado al cine en diversas ocasiones, tanto adaptando las novelas originales como reinventando el personaje para darle otro punto de vista. El gran Billy Wilder hizo su propia versión del mítico investigador en clave de comedia con La privada de Sherlock Holmes. También fue muy curiosa en su momento otra propuesta cómica: Sin pistas, con Michael Caine y Ben Kingsley como duo protagonista, en la que se supone que el verdadero detective es Watson. Otro interesante ejemplo es el de El secreto de la pirámide, de Barry Levinson, que propone cómo pudo ser el primer encuentro entre Holmes y Watson cuando ambos eran estudiantes. Más recientemente hemos visto la adaptación de una novela gráfica con Sherlock Holmes, de Guy Richie, en la que encontramos a un atlético Robert Downey Jr. como un Holmes desaliñado al que le va tanto la acción física como la intelectual y reparte estopa a diestro y siniestro.

El Sherlock de Garci, encarnado muy correctamente por Gary Piquer, el villano de El capitán Trueno, se presenta como una figura crepuscular, de vuelta de todo y hastiado por la podredumbre del sistema. Se encuentra en un momento en que le preocupa más lo trascendente que lo terrenal. Un mito que ha dado ya todo lo que tenía que dar y le busca un sentido a la vida. Como viene siendo habitual en las películas de Garci, el elenco de actores es bastante extenso. Un reparto coral en el que cada actor secundario sublima su personaje por corta que sea su intervención. Watson es encarnado de forma sólida con notable presencia en la pantalla por José Luis García Pérez. De entre los muchos secundarios destacaría a Enrique Villén y Víctor Clavijo. De interpretaciones femeninas cabe destacar, por hacer muy suyo el personaje, a las actrices Belén López y Macarena Gómez.

Poética, crepuscular, nostálgica, son algunos de los adjetivos con los que se podría definir esta película, pero en definitiva Holmes &Watson: Madrid days es un film de autor, de un apasionado del cine y de Madrid, una película de José Luis Garci.

Holmes & Watson. Madrid Days

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Yo soy la ley

Gracias a Cinemascomics y a Aurum pude disfrutar el pasado lunes 3 de septiembre del preestreno de Dredd, presentada por su protagonista, Karl Urban.

En 1995 se adaptó a la gran pantalla el cómic Juez Dredd con Sylvester Stallone de protagonista, secundado por Diane Lane, Max Von Sydow y el cómico de moda en el momento Rob Schneider. El villano de turno era nada más y nada menos que Armand Assante. Un gran plantel de actores y un grandioso diseño de producción que acabó en un fracaso de taquilla, y es que la realización del director Danny Cannon resultó algo irregular. El caso es que ahora llega a las pantallas una nueva adaptación del violento cómic bajo el breve y directo título de Dredd, tan escueto y seco como su personaje principal.

En esta ocasión el tono cambia bastante. Si en la anterior se presentaba un futuro muy lejano, ahora se presenta más inmediato, con unos enormes edificios como si cada uno fuese una pequeña ciudad vertical, llamados megabloques, en medio de los últimos resquicios de las ciudades tal como las conocemos ahora. La película es más oscura y cercana a nuestro presente que su antecesora. La ambientación es sensacional y resulta estimulante en su parte estética por el uso de interminables ralentíes, justificados por ser el punto de vista de aquellos que ingieren una droga cuyo efecto es percibir la realidad al 1% de la velocidad normal. Estas ralentizaciones de la acción sirven al director para sacar el máximo partido al 3D y recrear planos de gran belleza plástica, con ciertas reminiscencias a algunos títulos chinos del género wuxia como la célebre Hero. En otros momentos utiliza también esta acción casi estática con fines sanguinolentos, pareciéndose más bien a otras adaptaciones de novelas gráficas como Watchmen ó 300. En cualquier caso esa elaboración estética es uno de los puntos fuertes de la película.



Por lo demás la historia es bastante simple: el juez Dredd debe evaluar a una novata y durante ese día ambos acaban acorralados en un un megabloque, como si fuese Jungla de cristal a lo bestia, por una banda de narcotraficantes. Un argumento que recuerda de alguna manera a Training day, solo que en este caso el protagonista no se corrompe sino que al contrario, es un gran defensor de la justicia, aunque sea a su manera. La aspirante al puesto es una mutante con poderes psíquicos, algo que nos puede traer reminiscencias de Desafío Total, y la villana de la función es una ex prostituta muy sanguinaria que comanda un clan de fabricación y distribución de droga. A Dredd lo interpreta Karl Urban, visto en El señor de los anillos y la última de Star Trek, entre otras. En la piel de la chica mutante se ha metido la joven actriz Olivia Thirlby, que tenía un papel secundario en Juno, y la cruel mala malísima de la película es Lena Heady, la aguerrida reina espartana de 300.

Dirige Pete Travis, un director británico curtido en la televisión que nos trajo a los cines hace unos años un curioso ejercicio de estilo titulado Vantage point, sobre un atentado contra el presidente estadounidense durante una visita a España, concretamente a Salamanca.

En definitiva Dredd es una película entretenida de acción pura y dura, con una trama simple sobre agentes de la ley que se enfrentan a narcotraficantes y una narración que transcurre sin giros de guión ni sorpresas finales, pero resulta un ejercicio de estilo muy interesante en su tratamiento estético y su gran empaque visual.

Dredd 3D

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