Galax Pictures Cine Blog

"La información es poder."

2012-01-29T18:03:00.005+01:00

La cita anual con Clint Eastwood nos trae en esta ocasión J. Edgar, la biografía de quien fue en su momento el hombre más poderoso del mundo: el director del FBI John Edgar Hoover.

A estas alturas las películas de Eastwood tienen un estilo muy personal del ya no se mueve: la fotografía con claroscuros, la tipografía de los títulos de crédito, la música de piano, una buena dirección de actores, etc. El sello de un autor que podemos disfrutar una vez al año con distintos resultados según el guión que maneje, la implicación del propio director en el tema tratado o incluso a veces su propio estilo encaja mejor en unas historias que en otras.

Se nos presenta a un Hoover de fuertes convicciones, dispuesto a enfrentarse a todas las amenazas criminales: comunistas, atracadores de bancos, secuestradores, etc. Muy metódico en su forma de trabajar fue quien modernizó la investigación policial introduciendo métodos científicos, algo así como el pionero de CSI. Antes de entrar en la Oficina de Investigación había creado un archivo controlado en la Biblioteca Nacional para optimizar la localización de los libros. Todo un avance en el campo de la Biblioteconomía y Documentación que después aplicó también para crear los archivos del FBI con los que centralizar las fichas de todos los ciudadanos para así agilizar la búsqueda de presuntos delincuentes.

J.Edgar nos trae a un espléndido Leonardo Di Caprio dando vida al gran hombre, secundado por muy buenas interpretaciones de los actores que encarnan a las personas más importantes de la vida del protagonista: Naomi Watts (últimamente en Caza a la espía o The International) como su secretaria, Armie Hammer (conocido por el papel de los gemelos Winklevos en La red social) como su brazo derecho y pareja sentimental, y Judy Dench (M en la saga Bond desde 1995) como su madre.

La única pega que se le puede poner a la película es que dura más de dos horas y se nota. No es que se haga pesada o densa, pero es larga y al salir del cine da precisamente la sensación de que así ha sido. En comparación sus últimas películas diría que está al nivel de Invictus, por encima de Más allá de la vida y por debajo de Gran Torino.

J. Edgar

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Científicos en acción: Jurassic Park

2012-01-22T12:08:00.006+01:00

Con este artículo inauguro una nueva sección en el blog que consiste en un ciclo de posts sobre películas que tienen como protagonistas a los investigadores científicos. No se trata de hacer una crítica meramente cinematográfica sino más bien una reseña centrada en el tema que trata la película.

Abro este ciclo con Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993), todo un hito de la historia del cine por el uso que hace del ordenador para recrear criaturas vivas, que supuso un punto de inflexión en la industria de los efectos especiales. Un primer aviso de que algo estaba cambiando lo dio James Cameron en Terminator 2 un par de años antes, con impresionantes transformaciones de metal líquido, pero el paso definitivo fue el poder recrear tejido biológico por ordenador de una forma verosímil. Los dinosaurios virtuales dejaron boquiabierto a todo el mundo.

La historia, ya por todos conocida, es la de un millonario que construye un parque temático con dinosaurios creados mediante ingeniería genética. Para obtener el visto bueno del proyecto por parte de los inversores, busca el aval de los especialistas organizando una visita piloto con tres científicos: un paleontólogo, una paleobotánica y un matemático experto en la Teoría del Caos. Naturalmente las cosas no salen como estaba previsto, y empieza el espectáculo.

Los debates que pone sobre la mesa son muy interesantes. En una secuencia en la que están comiendo cada uno expone sus pegas al gran proyecto: el hecho de no respetar las leyes naturales, el ansia de conseguir algo rápidamente sin pararse a pensar en si se debe hacer o no, o la incertidumbre de cómo pueden reaccionar al entorno actual unos animales extintos hace millones de años, son apuntes que van haciendo los tres científicos.

En una escena anterior los protagonistas presencian un vídeo creado para las visitas de turistas en el se explica de una forma muy didáctica y simplificada el proceso genético por el que se llegan a crear los dinosaurios. Expone de forma muy visual cómo el ADN de dinosaurio se extrae de la sangre de mosquitos prehistóricos que picaron a los dinos y ahora se encuentran fosilizados en ámbar. De ahí se extraen secuencias genéticas incompletas que los ingenieros complementan con ADN de anfibios actuales. Desde un punto de vista de divulgación científica el vídeo es excelente, así como, en general, la capacidad de síntesis demostrada en el guión de David Koepp para condensar al máximo la esencia de la base científica desarrollada en la novela de Michael Crichton, de forma que cualquiera pueda entender en pocas palabras de qué van la teoría del Caos y la ingeniería genética.

La tecnología de hoy en día no permite llegar a hacer esto posible en la realidad, pero teóricamente, con los avances tecnológicos adecuados, podría ser factible en un futuro. Si algo hace fascinante los relatos de Michael Crichton es que todas sus novelas están muy bien documentadas y las posibilidades de que esa ficción científica pudiera ser real algún día da que pensar y es motivo de debate, especialmente desde un punto de vista ético: ¿el hecho de poder hacer algo nos da derecho a hacerlo? ¿Se debe hacer algo por el mero hecho que sea posible? Personalmente pienso que el típico argumento de "lo hago porque puedo" a veces resulta peligroso. Como dice el personaje del matemático Ian Malcolm, interpretado por Jeff Goldblum, "les preocupaba tanto si podían o no hacerlo que no se pararon a pensar si debían".

Amigos de Sensacine

La fragilidad de una dama

2012-01-11T20:27:00.005+01:00

La vida de una de las mujeres más poderosas y controvertidas de la segunda mitad del siglo XX, Margaret Thatcher, ha sido llevada al cine usando su apodo para dar título al film: La Dama de Hierro (The Iron Lady, Phyllida Lloyd, 2011). Lejos de ser una mera reconstrucción histórica de una figura pública, la directora se ha decantado por realizar un retrato intimista de la ex Primera Ministra británica en su vejez. Una octogenaria con demencia senil que vive día a día en un estado de confusión entre destellos de lucidez y un maremágnum de recuerdos que comparte con su ya fallecido marido. Toda una reflexión sobre la vulnerabilidad del ser humano: no importa lo fuerte o lo importante y poderoso que se pueda llegar a ser, en el fondo todos somos personas y por tanto frágiles, vulnerables ante el paso inexorable del tiempo.

La narración es muy fragmentada en continuas idas y venidas al pasado y al presente, de forma que se sumerge al espectador en la mente caótica de la protagonista. El uso de imágenes documentales de archivo están hábilmente introducidas y mezcladas con los fotogramas de ficción.

Meryl Streep, gran actriz estadounidense, está soberbia dando vida a la carismática líder británica. Streep ha sido nominada 16 veces al Oscar y lo ha ganado en dos ocasiones, por Kramer contra Kramer y La decisión de Sophie. Es posible que con esta película pudiera ganar su tercera estatuilla, no sé si llegará a ello, pero desde luego una décimo séptima nominación parece más que probable. Del mismo modo el veterano actor británico Jim Broadbent hace un gran trabajo en la piel del señor Thatcher.

En resumen se trata de una buena película con un buen montaje, una puesta en escena simplemente correcta y un trabajo actoral en general bueno y excelente en el caso particular de Meryl Streep.

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Amigos de Sensacine.

Frases twitteadas Vol. III

2012-01-09T20:19:00.002+01:00

Después de Frases y Frases 2, llega la tercera recopilación de frases de cine que he ido compartiendo poco a poco a través de Twitter. Esta vez el número de citas es de 15 en lugar de 10 como en los casos anteriores. Lo que sí se mantiene es el formato:
“Frase”, actor (personaje), Título en español (Título original, director, año).

Se abre el telón:

1. “Sus novelas me gustan mucho. Las novelas del oeste me encantan. Lo bueno de ellas es que puedes pensar en tus asuntos mientras las lees.”, Bernard Lee (Sargento Paine), El tercer hombre (The third man, Carol Reed, 1949).

2. “¡Quita tus sucias patas de encima, mono asqueroso!”, Charlton Heston (George Taylor), El planeta de los simios (The planet of the apes, Franklin J. Schaffner, 1968).

3. “El mundo es como tú te lo hagas.”, Linda Hunt (Stella), Silverado (Silverado, Lawrence Kasdan, 1985).

4. “Cuando uno se va al pozo todo el mundo está ocupado.”, James Cagney (Martin Snyder), Quiéreme o déjame (Love me or leave me, Charles Vidor, 1955).

5. “Vale que Michael Jackson no entró en mi casa para ir al baño. Pero su hermana sí.” Jeff Cohen (Gordi), Los Goonies (The Goonies, Richard Donner, 1985).

6. “Si mis cálculos son correctos, cuando esa belleza llegue a 140 km/h vas a ver algo acojonante.” Christopher Lloyd (Emmet Brown), Regreso al futuro (Back to the future, Robert Zemeckis, 1985).

7. “La diferencia entre el gusto por el arte de Carl y el mío es que yo sí lo tengo.” Kate Winslet (Rose), Titanic (Titanic, James Cameron, 1997).

8. “Es más fácil conservar la integridad que recuperarla.” Armin Mueller-Stahl (Wilhelm Wexler), The International: Dinero en la sombra (The International, Tom Tykwer, 2009).

9. “Se han perdido todos menos yo.” River Phoenix (Indiana Jones), Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the last crusade, Steven Spielberg, 1989).

10. “Así es como muere la libertad, con un estruendoso aplauso.” Natalie Portman (Padme Amidala), La venganza de los Sith (Star wars episode III: Revenge of the Sith, George Lucas, 2005).

11. “Hay un viejo proverbio que dice: si me orinas encima no me digas que está lloviendo.” John Vernon (Fletcher), El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales, Clint Eastwood, 1976).

12. “Esto es un tribunal de justicia, mi tribunal de justicia. Puede que no les impresione mucho pero no tengo otro.” Lian Dunn (Juez Maxwell), ¿Qué me pasa, Doctor? (What’s up, Doc?, Peter Bogdanovich, 1972)

13. “Indiana, nosotros solo pasamos por la historia. Esto…esto es historia.” Paul Freeman (Belloq), En busca del Arca perdida (Raiders of the lost Ark, Steven Spielberg, 1981).

14. “El mundo se divide en dos categorías: los que tienen el revólver cargado y los que cavan. Tú cavas.” Clint Eastwood (El bueno), El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto e il cativo, Sergio Leone, 1966).

15. “Aquí está mi discurso de Navidad: gracias a todos y Feliz Navidad.”, Frank Oz (Fozziewig), Los Teleñecos en Cuento de Navidad (The Muppet Christmas carol, Brian Henson, 1992).

Había una vez un pueblo en la Alta Normandía...

2012-01-06T20:08:00.006+01:00

El director finlandés Aki Kaurismäki nos sitúa en el norte de Francia, concretamente en la población de Le Havre, para contarnos en tono de fábula una historia sobre un limpiabotas, otrora escritor bohemio, llamado Marcel Marx cuya esposa cae enferma. Mientras ella está ingresada en el hospital se cruza en su camino un niño negro que ha llegado con un grupo de inmigrantes ilegales camino de Londres. El altruista Marcel ayuda al crío a esquivar a la policía y a que pueda cruzar al otro lado del Canal de La Mancha. El tema en cierto modo podría traernos reminiscencias de Un cuento chino: un hombre que accidentalmente se cruza con un extranjero en apuros y lo ayuda incondicionalmente.

La localidad donde transcurre la acción da título a la película y es retratada de una forma muy personal por Kaurismäki. Una especial selección de colores vivos, la estética retro y el uso de la canción adecuada en el momento oportuno, son elementos que el director conjuga hábilmente para componer su particular universo de ciudad fronteriza donde habitan personas sencillas de buen corazón. El amor entre el protagonista y su mujer, así como los lazos de amistad que les unen a sus vecinos, se transmiten al espectador sin estridencias ni artificios, simplemente con unas interpretaciones sobrias y sinceras donde los silencios y las miradas juegan un papel crucial. Todo el elenco de actores está muy bien, pero concretamente el protagonista, André Willms en el papel de Marcel, está sencillamente sublime. No se ve a un actor interpretando, se ve al personaje.

Le Havre es una película sencilla, directa y entrañable, agradable de ver en definitiva, que permite al espectador salir del cine con una sonrisa.

El Havre

Estupenda velada cinematográfica gracias a Sensacine y su concurso por Twitter.

Leer critica Le havre en Muchocine.net
Amigos de Sensacine

Top 10 de Galax 2011: Pensando en positivo

2012-01-01T12:58:00.011+01:00

Primer post de 2012, una buena ocasión de hacer balance sobre 2011. Ha sido un año prolífico en el blog con un total de 76 entradas, máximo alcanzado en los 5 años de vida que tiene esta publicación on line, de las cuales 45 han sido críticas/reseñas de estrenos en las carteleras españolas durante el año. Como en ocasiones anteriores procedo ahora a seleccionar el top 10 de los estrenos de 2011 en España reseñados en este blog.

Siguiendo la estela del ranking del año pasado, vuelvo a utilizar como criterio de selección el de destacar aquellos films que, además de poseer una buena calidad fílmica, transmitan buenas vibraciones. Algunas de ellas son películas que me sorprendieron muy gratamente contra todo pronóstico, como las precuelas de mutantes y simios o la aventura animada de Trueba y Mariscal. Quiero destacar un cine que deje una sonrisa al espectador, pero eso no significa que premie solo a las comedias, de lo que se trata es de ensalzar aquellas películas de las que uno sale del cine satisfecho de haber visto una buena película y además es recomendable para cualquier persona en cualquier momento. Ha habido en el año películas muy buenas que no están en este ranking porque, a pesar de ser cinematográficamente impecables, dejan cierto desasosiego, o bien sensación de mal cuerpo, de "muy buena pero muy dura", o de cierta inquietud. Como ya la vida está muy complicada abogo aquí por destacar lo mejor de un año que nos deje buen sabor de boca, buenas vibraciones y alegría de vivir, películas que , en definitiva, se pueden disfrutar en cualquier momento, sin mayor trascendencia pero con una buena calidad cinematográfica.

Por otro lado siempre he intentado en estas recopilaciones, abarcar el mayor número de tipos de cine, de forma que haya representantes de Hollywood, de Europa, de cine español, de animación, de comedia, de drama, de acción, en definitiva que haya un poco de todo.

Por tanto, ya sin más dilación y siguiendo los criterios anteriormente expuestos este es el Top 10 de Galax Pictures Cine Blog en relación a las películas estrenadas en España durante el año 2011 y reseñadas en este blog:

1. The Artist
2. Midnight in Paris
3. Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
4. El origen del planeta de los simios
5. Chico y Rita
6. Super 8
7. Un cuento chino
8. Enredados
9. X-Men: Primera generación
10. Un dios salvaje

Amigos de Sensacine.

Misión impersonal pero espectacular

2011-12-25T20:44:00.006+01:00

En 1996 se estrenó la primera aventura del agente Ethan Hunt, a mayor gloria de Tom Cruise ejerciendo de productor además de protagonista, bajo la batuta de Brian de Palma. La intención de Cruise era iniciar una saga en la que cada episodio fuese dirigido por un director distinto y así dotar a cada película de un estilo diferente. La primera Misión: Imposible tenía un aire de suspense y juego de “nada es lo que parece”. En la segunda ocasión se contó con John Woo tras la cámara, con lo que se dio un giro completo a la saga al convertirla en pura action movie, un espectáculo pirotécnico de acrobacias imposibles. La tercera vez el director fue J.J. Abrahms (Star Trek, Super 8) que logró una película de espías con un tono más sombrío que las anteriores, con escenas espectaculares, y la introducción en la historia de la vida personal del agente Hunt. Fue una película resuelta con oficio pero a la que se e echa en falta ese toque autoral que se pretendía en un principio que tuviese cada una de las entregas.

Algo parecido ha ocurrido esta vez con Misión: Imposible. Protocolo Fantasma (Mission: Imposible. Ghost Protocol, Brad Bird, 2011). Se ha introducido más humor y se han conseguido secuencias de acción realmente memorables, como la escalada del rascacielos en Dubai. La película es la primera incursión de Brad Bird en el cine de imagen real. Había dirigido dos joyas animadas de Pixar como Ratatouille y Los Increíbles, por lo que quizá se esperaba que el Protocolo fantasma tuviese también ese toque personal, pero no se alcanza a ver un estilo propio, dando una sensación global algo más impersonal. No obstante el resultado de la cinta es impresionante como película de acción y entretenimiento, con un Tom Cruise que se mantiene en forma a pesar de los años y la incorporación de un personaje cómico encarnado por Simon Pegg, visto este año en Paul y Las aventuras de Tintín. El equipo lo completan Paula Patton, la chica de la peli convincente en su papel, y Jeremy Renner al que vimos junto a Ben Affleck en The Town. Breve aparición de Tom Wilkinson que siempre hace interesante la escena con su presencia. El villano de la función se muestra con el rostro del veterano actor sueco Michael Nyqvist, poco lucido pero no por el intérprete sino porque tampoco se le ha dado demasiada cancha al personaje en el guión, que se ha centrado más en las peripecias del equipo de espías protagonista.

La trama esta vez consiste en que tras un atentado en el Kremlin se acusa a la organización del agente Hunt como artífices del mismo, por lo que él y su equipo con unos cuantos artilugios de alta tecnología deben encontrar por sí mismos, sin ningún otro apoyo, al verdadero culpable para limpiar sus nombres y evitar una guerra nuclear. En definitiva una buena película de espías con mucha acción sofisticada, gadgets ingeniosos, acrobacias vertiginosas, ritmo trepidante y buena química entre el cuarteto protagonista.

Amigos de Sensacine

Navidad 2011: Postales navideñas

2011-12-18T11:40:00.001+01:00

Son fechas entrañables para compartir con los seres queridos. Desde aquí os deseo a todos Feliz Navidad y próspero Año Nuevo 2012.

Como en años anteriores Galax Pictures os desea a todos unas Felices Pascuas con una pieza audiovisual preparada para la ocasión. Esta es la de este año:

Buscando la verdad sobre el magnicidio de Lincoln

2011-12-11T19:55:00.004+01:00

Aunque lo correcto hubiera sido titularla "El conspirador", la nueva película de Robert Redford como director, The conspirator, se estrena en España como La conspiración. Tras el magnicidio del presidente Abraham Lincoln, los conspiradores son detenidos y juzgados en un tribunal militar, en vez de civil. De entre ellos, una mujer, Mary Surrat, que regenta la pensión en la que se reunían los artífices del atentado, es acusada de cómplice en la operación. Nadie cree en su inocencia, ni siquiera su joven abogado, quien tendrá que desentrañar la verdad en una maraña de engaños, verdades a medias y un sistema que no juega limpio a la hora de hacer justicia, utilizando la ley de forma tendenciosa.

Estupenda recreación de época con una elegante puesta en escena y una fotografía de tonos suaves que hacen muy grato el visionado de esta cinta. Protagonizan James McAvoy (X-Men: Primera generación) como el abogado y Robin Wright como la acusada. Les secundan pesos pesados de la pantalla como Tom Wilkinson o Kevin Kline.

Película muy interesante que pone de relieve temas como la hipocresía social, la manipulación del poder y la lucha idealista por encontrar la verdad. Redford vuelve a la dirección tras la espléndida Leones por corderos, y lo hace con un film judicial muy sólido con buenas interpretaciones y un acabado técnico impecable. Quizá en un principio le falta algo de intensidad dramática en ciertos momentos que la requerían, pero va ganando en emoción a medida que avanza el metraje y al final consigue alcanzar el nivel de vigor necesario para que el espectador pueda salir satisfecho del cine.

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Una película muda en el siglo XXI...y funciona

2011-12-08T12:29:00.006+01:00

La gran sorpresa del año es una producción francesa que se titula The artist, una película muda y en blanco y negro sobre el declive de una estrella del cine de pantomima al llegar los films hablados, y el auge de una joven promesa en esta nueva era cinematográfica. La cinta está rodada a la antigua usanza, tanto a nivel estético como narrativo, e incluso el formato de pantalla es el propio de la época.

Las referencias a clásicos como Cantando bajo la lluvia ó El crepúsculo de los dioses son manifiestas. Con respecto al clásico musical de Stanley Donnen, no sólo se parece en la temática tratada sino que además el protagonista, un espléndido Jean Dujardin, está caracterizado con un enorme parecido a Gene Kelly. Asimismo también luce esplendorosa Berénice Bejo, actriz de magnética mirada que cada vez que sonríe ilumina la pantalla. A estos dos rostros hasta ahora poco conocidos para el gran público, los secundan otros más habituales como John Goodman, Penelope Ann-Miller, James Cromwell o Malcolm McDowell.

El director Michel Hazanavicius, director de series y TV movies, hasta ahora artífice en cine de Mes amis y dos comedias de espías sobre OSS 117, una especie de parodia de James Bond a la francesa que contaba también con Dujardin como protagonista, cambia de registro con esta original y deliciosa propuesta totalmente contracorriente, que supone un homenaje al Séptimo Arte y funciona a la perfección durante todo el metraje.

The artist está arrasando en cuanto a premios se refiere, y se perfila como una de las posibles favoritas para los Oscar. Además no sólo ha llevado galardones de diferentes jurados sino que también se ha llevado el premio del público en los festivales internacionales de Hampton, St. Louis y San Sebastián. Recientemente fue noticia que ha sido reconocida también por el prestigioso Círculo de Críticos de Nueva York.

Los Amigos de Sensacine hemos tenido la suerte de ver esta película en el Community Day de este destacado portal de cine. El film se estrena en las salas españolas el próximo 16 de diciembre.

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Entrevista de los usuarios de Sensacine a Michel Hazanavicius.

Un forajido muy felino

2011-12-06T12:08:00.003+01:00

El secundario más carismático de la saga Shrek ya tiene su propia película: El gato con botas (Puss in boots, 2011). Antonio Banderas presta su voz por cuarta vez, ya que apareció en tres entregas del ogro verde, al simpático gato espadachín, en esta ocasión como protagonista absoluto. Le acompañan en sus andanzas una gata a la que pone voz Salma Hayek, y el imaginativo y soñador huevo Humpty Alexander Dumpty. La técnica de animación es espléndida. La historia versa sobre la búsqueda de las habichuelas mágicas que permitirán llegar al castillo de un gigante donde se encuentra la Oca de los Huevos de Oro.

Ir en busca de un tesoro y recuperar el honor perdido, son dos de los grandes temas que han dado lugar a interesantes relatos a lo largo del tiempo, y ambos casos se dan cita en este film. Los personajes están muy bien enmarcados la trama: tienen objetivos claramente definidos para justificar sus acciones y existe conflicto dramático entre ellos para conferirles mayor relieve. Amistad, traición y romance, tres ingredientes importantes en este tipo de metrajes que no faltan en esta ocasión, cada uno en su dosis adecuada.

La película es como un film del Zorro pero en versión gatuna. Divertida y trepidante, así se puede definir esta aventura de aire hispano con un protagonista que responde al perfil de truhán simpático de noble corazón.

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2º Community Day de Sensacine

2011-12-04T19:45:00.002+01:00

Eran la ocho de la tarde del 1 de diciembre de 2011. Un grupo de cinéfilos se dan cita en la Plaza de los Cubos de Madrid.

Tras la gratificante experiencia del Community Day el pasado verano, Sensacine vuelve a convocar a sus colaboradores y seguidores a un nuevo evento. En esta ocasión pudimos disfrutar en primicia de la película The artist, de la que daré parte próximamente, pero adelanto que es sencillamente impresionante.

A continuación cenamos en el sofisticado 40 café en la Gran Vía madrileña, para luego dar paso a un concurso de cine por equipos. Una agradable velada donde el Séptimo Arte fue el gran protagonista. Acudieron miembros de destacados blogs como Va de cine, Cineralia, Planta 13, Cinedanía , ó Historias de Cine, entre otros.

Buscando en el desván de los recuerdos.

2011-12-01T00:23:00.005+01:00

Un grupo de niños y adolescentes encuentran, en el desván de uno de ellos, el mapa de un tesoro y, claro está, se ponen en marcha para ir a buscarlo. Estos chicos son Los Goonies (1985) y la gran aventura que corrieron se ha convertido en todo un referente dentro del cine comercial familiar y una película de culto representativa del Hollywood ochentero.

La película fue una producción de Steven Spielberg dirigida por Richard Donner, que ya en aquel momento tenía en su haber la dirección de títulos relevantes como Superman ó La profecía. En el reparto de jóvenes promesas encontramos a Ke Huy Quan, que en aquel momento era un rostro conocido por haber participado un año antes en Indiana Jones y el templo maldito. Protagoniza Sean Astin en sus inicios, hoy conocido como Sam, el leal amigo de Frodo en la saga de El Señor de los Anillos. Un adolescente Josh Brolin, al que vimos hace poco como tiburón financiero en Wall Street: El dinero nunca duerme, era el hermano mayor del protagonista. Completan el reparto Corey Feldman, Kerri Green, Martha Plimpton y Jeff Cohen, que posteriormente desarrollaron sus respectivas carreras ocasionalmente en el cine pero principalmente en televisión.

La cinta tiene de todo: aventuras, humor, acción y un elenco de actores juveniles entre los cuales hay buena química. Todo ello servido en un tono fresco, desenfadado, propio de un trabajo hecho con ilusión y con vocación de entretener sin complejos para dejar un buen sabor de boca al salir del cine. En definitiva se trata de un film que transmite energía positiva, y para ello cuenta como bazas principales con unos diálogos ágiles y un ritmo narrativo fluido, además de una correcta partitura musical de Dave Grusin. También gozó de cierta repercusión la canción The Goonies R’ good enough de la popular cantante Cyndi Lauper, que aparece en la película cantando este tema en la televisión que hay encendida en el salón de los protagonistas.

Este año se ha hablado bastante de esta película a raíz del estreno de Super 8, producida nuevamente por Spielberg, que supone un nostálgico revival de aquel cine de los 80 que hizo soñar a varias generaciones.

Más en Cinemanet

Diario de producción:ESTRENO

2011-11-28T21:01:00.001+01:00

Ya está disponible on line La pistola que mató a Lincoln.

El sobrino de un excéntrico escritor fallecido, tiene encomendada la tarea de publicar la última obra de su tío. Sin embargo necesita la clave de acceso al archivo y no la tiene.

Comandos élficos y alta tecnología en Navidad

2011-11-27T17:05:00.007+01:00

Se acerca la Navidad y Sensacine, junto a Sony Pictures, invita a sus colaboradores y seguidores a ver en primicia Arthur Christmas: Operación regalo, que se estrenará el 9 de diciembre en las salas españolas.

Es Nochebuena y Santa Claus reparte regalos por todo el planeta con un gran despliegue de medios técnicos y un ejército de elfos adiestrados como Marines. Sin embargo, como nada es infalible, una niña se queda sin regalo, algo que preocupa enormemente a Arthur, el hijo torpe pero entrañable de Santa Claus.

Los estudios Aardman, artífices de películas de animación stop motion con plastilina como Chicken run ó la saga de varios cortos y un largo de Wallace & Gromit, se juntaron con Dreamworks para el proyecto de animación 3D Ratónpolis (Flushed away) en 2006. Ahora vuelven a esta técnica pero en coproducción con Sony Animations, para traernos Arthur Christmas: Operación regalo, una película muy divertida y dinámica, que llega a la cartelera como un soplo de aire fresco, ya que aporta un cierto toque de originalidad a las típicas películas navideñas que se estrenan cada año en estas fechas.

Tres generaciones de Santa Claus se dan cita en esta historia: el actual, su antecesor y sus herederos, cada cual con su particular carácter y su propia visión de la Navidad, aunque Arthur es quien encarna el auténtico espíritu navideño en su afán de pensar en los demás antes que en sí mismo.

Cine familiar fresco y divertido, con secuencias de acción vertiginosa y un tempo narrativo frenético, a excepción de alguna pequeña caída de ritmo a mitad de metraje, pero que no afecta a que el conjunto global de la película resulte trepidante.

Arthur Christmas: Operación regalo (3D)

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Diario de producción: el cartel

2011-11-23T20:22:00.003+01:00

Pues mientras estoy postproduciendo también ha habido tiempo para diseñar un cartel. Aquí lo dejo como anticipo.

El corto ya tiene música. Se trata de cuatro arreglos musicales que combinan sonidos pop/rock, jazz y una pincelada de música electrónica.

Faltan ahora algunos ajustes de postproducción. Ya queda poco para el estreno on line. Si todo va bien estará disponible la próxima semana.

Poker de ases hablando sobre la naturaleza del ser humano

2011-11-19T22:43:00.005+01:00

Un niño agrede a otro en un parque y los padres de ambos se reúnen en casa del agredido para resolver el incidente como personas civilizadas. Es la trama de la nueva película de Roman Polanski, Un dios salvaje (Carnage, 2011), adaptación de una obra de teatro de la escritora francesa Yasmina Reza.

El director de El escritor deja la intriga política para traernos este año algo totalmente distinto, mucho más cotidiano: cuatro personajes bastante antagónicos entre sí metidos en una habitación nos muestran cómo se puede pasar del comportamiento racionalmente correcto a la más cruel sinceridad movida por el instinto. Un cínico abogado de una compañía farmacéutica, casado con una agente de inversiones, frente a una apasionada del arte y preocupada por los derechos humanos en el Tercer Mundo, casada con un vendedor de artículos para el hogar. Personajes perfectamente trazados a nivel de guión y encarnados por un excelente cuarteto de actores, formado por Christoph Waltz, Kate Winslet, Jodie Foster y John C. Reilly.

A Waltz, visto recientemente en Los tres mosqueteros como el cardenal Richelieu, le sienta como anillo al dedo el rol del abogado, y es que tras su encarnación de nazi en Malditos bastardos, se ve que se le dan bien los personajes cargados de cinismo. Winslet está sensacional, la otrora protagonista de Titanic ha sabido madurar muy bien artísticamente, como ya demostró también en Revolutionary road. Foster, vista hace unos meses en El castor, encarna el papel muy en su línea de mujer inconformista y perfeccionista. Reilly, un secundario habitual, comparte protagonismo con los otros tres ases de la interpretación y mantiene el tipo en este tour de force interpretativo a cuatro bandas.

Un sólido guión con ágiles diálogos y un elenco de actores que dan lo mejor de sí mismos, son las grandes bazas con las que juega Polanski para mantener a los espectadores pegados a la butaca, y lo consigue con creces. Es una de esas películas que se desarrollan en tan solo una estancia, como La soga, 12 hombres sin piedad o La ventana indiscreta, que desgraciadamente se prodigan bastante poco en el cine contemporáneo. Un film muy interesante desde un punto de vista tanto cinematográfico como antropológico.

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Diario de producción: rodando con actores

2011-11-13T22:27:00.003+01:00

Era una tarde de otoño en Madrid. Tres actores se reúnen para dar vida a un guión: La pistola que mató a Lincoln.

El rodaje transcurrió sin que ocurriera ninguna catástrofe. Siempre hay alguna cosilla que no puede ser tal como se había concebido en un principio y se improvisa algún que otro ajuste, pero en general se puede decir que la cosa fue como la seda. El ambiente era muy lúdico y todos lo pasamos bien. Espero que eso luego se transmita en el resultado final del corto.

Agradezco enormemente a los actores Pedro Oliver y Almudena Ramírez que se hayan brindado a participar en este proyecto.

Lo siguiente será rodar otros planos de relleno, sin actores. Seguiré informando.

Diario de producción: 3,2,1...¡Acción!

2011-11-09T19:55:00.004+01:00

Ha llegado el momento de poner en marcha el nuevo proyecto de Galax Pictures, un corto de ficción que lleva por título La pistola que mató a Lincoln. Con este post se inaugura un mini diario para poder seguir la evolución del proyecto a través de este blog.

El guión lo escribí este verano tras aglutinar en una sola historia varias ideas aisladas que me rondaban la cabeza desde hacía tiempo. Afortunadamente cuento con los actores en los que pensé de entrada para dar vida a estos personajes. El próximo fin de semana tendrá lugar el rodaje. Esperemos que todo salga bien. Al menos los ánimos están muy altos tras la reunión de planificación que tuvimos la semana pasada.

En cuanto al género se podría decir que se trata de una comedia, aunque no por tener gags pretendidamente cómicos sino más bien por el tono que le quiero dar a la historia. Trato de que sea algo ameno, positivo, dinámico... ya veremos en qué deriva la cosa, pero en principio esa es la intención.

Entre el domingo y el lunes publicaré el segundo post de este diario, con alguna foto del rodaje.

Botones, todo un símbolo

2011-11-07T22:52:00.006+01:00

El director de Los chicos del coro (2004) Christophe Barratier, nos trae una nueva historia sobre niños en la Francia de los años 40 con La guerra de los botones (La nouvelle guerre des boutons, 2011), remake del film homónimo de 1962. La trama versa sobre la rivalidad entre dos bandas de chicos de sendos pueblos vecinos, una guerra en la que robarle los botones de la ropa al adversario se acaba convirtiendo en objetivo militar de tan curiosa contienda. Este juego de niños tiene lugar en el marco de la ocupación nazi en Francia, con gente del pueblo perseguida bien por ser judíos o bien por pertenecer a la resistencia.

Deliciosa recreación de época con una cuidada fotografía acompañada de una adecuada partitura musical. Emocionalmente va de menos a más, ganando en intensidad dramática en su tercio final. Los actores infantiles/juveniles están correctos en sus respectivos roles, destacando entre ellos el pequeño debutante Clément Godefroy, tanto por su fotogenia como por su espontaneidad. El elenco adulto viene encabezado por Laetitia Casta y Guillaume Canet.

En definitiva una entrañable y amena producción francesa para disfrute de toda la familia, donde se nota que se ha hecho con cariño y respeto por parte del director, al film original.

Sensacine ha invitado a sus seguidores y colaboradores a un pase especial de esta película.

La guerra de los botones

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Virtuosismo spielbergiano para las viñetas de Tintín

2011-11-05T18:21:00.005+01:00

El famoso e intrépido reportero creado por Hergé, tras series de animación en televisión y alguna adaptación con actores al cine sin mayor repercusión, ocupa ahora el lugar que le corresponde gracias a la unión de Peter Jackson en la producción y Steven Spielberg en la dirección utilizando la más avanzada tecnología con la técnica de captura de movimiento. El resultado es Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011).

Desde los geniales títulos de crédito iniciales hasta el último fotograma, el film es como una montaña rusa. Una trepidante cinta de aventuras intensa y visualmente portentosa. Quizá le fallan un poco los ocasionales golpes de humor, y es que la trama avanza de manera tan continua que no da tiempo de pararse a pensar si alguien ha dicho algo gracioso en un momento dado.

La película tiene mucha influencia de Indiana Jones, pero también de Atrápame si puedes (Catch me if you can, 2002), especialmente en la música y los títulos de crédito iniciales. John Williams compone una sensacional partitura que ayuda enormemente a la conseguida ambientación de esta gran aventura de época recreada digitalmente.

¿Algún punto flaco? Pues sí, nadie es perfecto. El personaje de Tintín apenas tiene matices, es un chico listo que se pasa el día pensando y descifrando pistas, y no hace otra cosa en toda la película, algo que lo hace algo frío para empatizar con el público. Mejor perfilado resulta el capitán Haddock, un borracho hundido en un mar de alcohol buscando recuperar su dignidad.

Respecto a los actores que se han vestido los trajes de sensores para ser digitalizados, tenemos a Jammie Bell, el otrora niño bailarín de Billy Elliot, visto recientemente en La legión del Águila. Por otra parte tenemos al veterano en estas lides Andy Serkis, que fue el mono listo de El origen del planeta de los simios, y ahora es el capitán Haddock. Los cómicos Nick Frost y Simon Pegg, protagonistas el verano pasado en Paul, dan vida a los agentes Hernández y Fernández. Y al villano de la función le ha prestado sus movimientos el actual agente 007, Daniel Craig.

Spielberg demuestra que sigue estando en forma y que en esto del entretenimiento es uno de los más grandes de todos los tiempos.

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Un lustro on line

2011-10-31T11:30:00.006+01:00

Termina octubre de 2011, esto significa que Galax Pictures cumple 5 años de existencia en internet. Por ello he pensado que es buen momento para dar un giro a la imagen de la web. Realmente el nuevo logo se ha podido ver ya en los últimos reportajes realizados a lo largo de este año. Ahora ese look se hace extensivo a la página web y a sus distintos canales.

Han sido 5 años de creación de contenidos audiovisuales tocando distintos formatos y géneros: ficción, documentales y reportajes periodísticos. Y la cosa sigue. Próximamente se anunciará un nuevo proyecto de ficción.

Espero que el nuevo diseño de la web sea más atractivo y accesible. Aun hay que matizar algunos detalles, pero lo principal ya está operativo.

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Buenas intenciones

2011-10-23T11:57:00.006+02:00

No solo de las buenas intenciones se obtienen buenos resultados, se requiere la conjugación de varios factores. Algo así es lo que ha ocurrido con la adaptación a la gran pantalla del clásico cómic de Víctor Mora: El capitán Trueno y el santo Grial, un film de aventuras de corte clásico para disfrute de toda la familia, un género poco común en el panorama del cine español y que personalmente considero que se debería prodigar más a menudo.

La cinta se ha estrenado tras un largo periodo de tiempo en que el proyecto ha pasado por varias manos e intentos de llevarlo a cabo, y finalmente ha visto la luz envuelto en un halo de polémicas y problemas, algo así como le ocurrió a Kevin Costner con Waterworld en los años 90. La película objetivamente no se puede decir que sea buena. Tiene un tono que recuerda a aquellas coproducciones europeas de los años 60 y 70 como El Zorro o El coloso de Rodas. Estaría bien que transmitiese una sensación de nostalgia por aquel cine pero adaptado a los tiempos que corren, sin embargo el problema estriba en que más que un homenaje parece una película más de aquella época. Creo que tiene dos puntos flacos fundamentales que son, por un lado la dirección de actores bastante floja y por otra parte abunda en clichés y tópicos del género excesivamente manidos y eso hace que dé la sensación de no aportar nada nuevo. Si bien la dirección de actores no suele ser fuerte en este tipo de producciones, incluso a nivel de Hollywood, también es cierto que se suele intentar paliar con una realización vistosa, arriesgada, algo que en este caso es correcta, convencional, y por tanto no llega a suplir otras carencias.

Dicho esto quisiera romper una lanza en favor de los productores por tomar iniciativas de llevar a cabo proyectos como este, que considero son necesarios en nuestro cine patrio. En cuanto a los actores destacaría a Sergio Peris Mencheta como un correcto Capitán Trueno, a Gary Piquer como el villano de la función componiendo un personaje en la línea del Christoph Waltz de Malditos bastardos, a Jennifer Rope en la piel de una bruja emulando a Grace Jones en Conan el destructor, y a Ramón Langa como un oscuro malvado que debería haber tenido más cancha en el metraje.

En definitiva me alegro de que se realicen proyectos como este en España, y espero que la próxima vez se mejoren los resultados, ya que la intención es buena, pero hace falta pulir algunos aspectos técnicos para llevar el barco a buen puerto.

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Los mosqueteros y Leonardo

2011-10-14T23:47:00.007+02:00

Por enésima vez se recrea en la gran pantalla el clásico literario de Alejandro Dumas Los tres mosqueteros (The three musketeers), esta vez bajo la dirección de Paul W.S.Anderson, responsable de productos de acción basados en video juegos, como Mortal Kombat o Resident evil. En el tráiler todos hemos podido ver una especie de barcos voladores a modo de dirigible, y la verdad es que lo que en un principio se antoja como una fantasmada fuera de lugar, se convierte en realidad en un punto muy interesante de la película, y es que se trata de una máquina inventada por Leonardo da Vinci cuyos planos buscan los protagonistas al inicio de la película como si se tratase del grupo de Mission:Imposible trasladado al siglo XVII. A partir de ahí el relato es la historia por todos conocida de D’Artagnan viajando a París para convertirse en mosquetero y entablando amistad con los famosos en horas bajas Aramis, Porthos y Athos.

Normalmente se dice que las licencias artísticas malogran las adaptaciones literarias, pero en este caso si se hubiesen alejado de la novela y explotado más la trama de da Vinci como una nueva aventura de los mosqueteros, podría haber dado lugar a un film más original con aire retrofuturista en la línea de La liga de los hombres extraordinarios, la cual dejó mucho que desear con su resultado final, pero esta especie de cine de espías sofisticados en épocas anteriores al siglo XX, es un material muy suculento para desarrollar el género de aventuras.

La película es un espectáculo visual impresionante, con actores que sin tener unos personajes de gran calado, consiguen aportar el suficiente carisma para que su presencia en la cinta no pase inadvertida entre tanta parafernalia efectista que envuelve el metraje. Entre los villanos nos encontramos a Mila Jovovich (El quinto elemento, Residente vil) como Milady, a Christoph Waltz (Malditos bastardos) como el cardenal Richelieu, a Mads Mikelsen (Después de la boda, El rey Arturo) como Rochefort y a Orlando Bloom (El señor de los anillos, Piratas del Caribe) como el duque de Buckingham. Por otra parte los héroes son encarnados por actores que han estado recientemente en películas de guerreros medievales. Matthew Macfadyen, que hace de Athos, y a Luke Evans, en la piel de Aramis, ambos fueron del bando de los malos en Robin Hood, de Ridley Scott. Porthos es encarnado por Ray Stevenson al que vimos repartiendo estopa junto a Mads Mikkelsen en El rey Arturo, de Antoine Fuqua, y más recientemente en Thor. A D’Artagnan le da vida en este caso un joven actor llamado Logan Lerman al que vimos como hijo de Christian Bale en El tren de las 3:10.

En fin, una entretenida, sofisticada y trepidante cinta, con una vibrante partitura musical, para disfrute de toda la familia, concebida especialmente para verse en 3D, aunque en 2D resulta también muy espectacular.

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La aventura comenzó hace 30 años

2011-10-06T23:25:00.006+02:00

En octubre de 1981 se estrenaba en España En busca del arca perdida (Raiders of lost Ark, Steven Spielberg), la presentación del célebre arqueólogo Indiana Jones. Una idea original de George Lucas que puso en marcha con un guión de Lawrence Kasdan y la dirección de Steven Spielberg, el cual quería hacer un film de James Bond, y ante la negativa de sus responsables, su amigo George le propuso este proyecto.

Secuencias como la del héroe perseguido por una enorme bola de piedra o arrastrado por un camión a lo largo de una polvorienta carretera, se han convertido en referentes clave del cine de entretenimiento contemporáneo. También es muy recordada aquella escena en la que un fornido tipo con una espada amenaza a Indiana y éste sin mediar palabra desenfunda su revólver y lo abate de un seco disparo. Lo más curioso es que esto no estaba en el guión. En principio debían rodar una coreografía de lucha entre Jones con su látigo y el árabe con su espada. Sin embargo Harrison Ford se encontraba indispuesto y pidió si podían terminar pronto. Como la escena tenía que quedar terminada ese día se improvisó resolverla con el revólver. También fue casual la elección de Ford como protagonista. George Lucas, productor de la cinta, ya había contado con él en American Graffitti y Star Wars, y no quería repetir. Se barajaron varios nombres y el que más les convenció fue Tom Selleck, pero su compromiso con la serie de televisión Magnum no le permitió acceder al papel, así que finalmente Ford se metió en la piel del ahora mítico personaje al que nadie se imagina con el rostro de otro actor.

Lo que no fue nada casual fue el excelente montaje de sonido. Los efectos sonoros
fueron algo a lo que desde un principio le quisieron dar bastante importancia, y finalmente el arduo trabajo se vio colmado con un premio especial a la edición de sonido y el Oscar a mejor Sonido. Y no fue el único, también recibió los galardones a mejor Diseño de Producción, mejor Montaje y mejores Efectos Especiales. En el equipo de estos FX figuraba Joe Johnston, director de la reciente Capitán América. Se quedaron sin estatuilla otras tres nominaciones a mejor Película, mejor Música y mejor Director.

Tres décadas han pasado ya desde que el héroe del látigo y el sombrero llegase a las pantallas al ritmo de los pegadizos acordes de la vibrante partitura de John Williams, y hoy en día se ha convertido en uno de los iconos cinematográficos de mayor repercusión social del cine contemporáneo, que vio su prolongación en el tiempo con otros tres títulos que empiezan por “Indiana Jones y…” El templo maldito, La última cruzada y El reino de la calavera de cristal. Y por lo visto la cosa no acaba aquí, parece que se está preparando una quinta aventura de este gran personaje del celuloide.

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A los malvados ni agua

2011-09-28T20:21:00.004+02:00

Espléndido thriller de investigación policial de la mano del director Enrique Urbizu con un enorme José Coronado como protagonista. Se trata de No habrá paz para los malvados (2011), una cinta cargada de tensión y suspense en clave de cine negro clásico aderezado con algunos elementos propios del western.

El pulso narrativo es muy equilibrado A pesar de que hay cosas que no son lo que parecen y la información se va dando muy poco a poco durante el metraje, el espectador no se pierde en la trama, se ve claramente lo que está ocurriendo en cada momento. Lo único por lo que puede dar la sensación de que le falta algo para ser redonda, es que ciertos aspectos del pasado del protagonista parece que en algún momento se van a aclarar y sin embargo se quedan algo abiertos a la especulación. Solamente queda claro y bien atado lo justo para que se entienda la historia contada, pero hay algunos flecos secundarios que el espectador agradecería que fuesen explicados.

Con todas y con esas, reitero que estamos ante una gran película con una impresionante interpretación de Coronado que rezuma autenticidad en todo momento recorriendo lugares de Madrid muy reconocibles, un buen trabajo de localización por parte del equipo de producción. Esta extrapolación del aire de cine negro hollywoodense a la ambientación en España, y concretamente en Madrid, recuerda en cierto modo a El crack (1981), de José Luis Garci. Por otra parte también conserva el tono que el propio Urbizu ya había exhibido en La caja 507 (2002), otro thriller con José Coronado, que en aquella ocasión compartía el protagonismo con Antonio Resines.

En papeles secundarios destaca la presencia de Juanjo Artero, que inevitablemente asociamos a la serie de TV El comisario, aunque en esta ocasión va de policía con corbata. Los personajes secundarios que se cruzan durante la investigación están muy bien perfilados y correctamente encarnados por los respectivos actores.

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Policías bajo presión

2011-09-25T10:20:00.004+02:00

Con cierto retraso llega a la cartelera española Los amos de Brooklyn (Brooklyn’s finest, Antoine Fuqua, 2009), un sólido thriller policial sobre tres agentes de Brooklyn que por distintos motivos están muy quemados con su trabajo. Por un lado está un veterano al que le quedan siete días para jubilarse y ya está de vuelta de todo. Se ha separado de su mujer y vive amargado, sin ilusiones, por toda la miseria que ve a diario a su alrededor sin poder hacer nada para remediarlo. Por otra parte un joven de convicciones religiosas con serios problemas para mantener a su familia se encuentra obsesionado por conseguir dinero ilegal de las redadas que practica habitualmente. El poner a prueba sus principios morales continuamente lo atormenta sin medida. Completa el triángulo un policía que trabaja como infiltrado en el mundo del narcotráfico y está tan metido que incluso ha entablado una gran amistad con un peligroso delincuente y necesita como sea salir de ahí para recuperar su vida.

Formalmente la película no ofrece nada que no se haya visto antes en este tipo de producciones, pero el director de Training day y El rey Arturo compone un contundente relato que mantiene el interés en todo momento acompañado de unas interpretaciones excelentes por parte de su elenco actoral. Richard Gere como el veterano, Ethan Hawke en la piel del desesperado cabeza de familia y Don Cheadle haciendo de infiltrado, crean unos personajes muy auténticos que transmiten muy bien su angustia al espectador, especialmente Don Cheadle. Les acompaña Wesley Snipes encarnando al capo mafioso con quien ha entablado amistad el infiltrado. También favorece al conjunto la música, una vibrante partitura de Marcelo Zarvos, responsable de otras bandas sonoras como las de El castor, Algo pasa en Hollywood o El buen pastor.

En definitiva un gran trabajo de Antoine Fuqua, quizá lastrado por un tono general algo más pesimista de lo deseado pero globalmente es una película muy lograda a pesar de contar historias ya vistas anteriormente.

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Amigos con derechos

2011-09-20T19:00:00.004+02:00

Con derecho a roce (Friends with benefits, Will Gluck, 2011) trata de lo que el propio título nos informa: dos amigos que intentan entablar una relación meramente sexual sin comprometerse emocionalmente. Este núcleo central de la trama, que viene aderezado por una ambientación en el mundo editorial, en que los protagonistas son una cazatalentos de una prestigiosa revista y un genio de internet que ha triunfado con un blog y va a ser fichado por los grandes. Flash mobs, mensajes instantáneos, vídeos on line, y demás parafernalia virtual están presentes en todo el metraje a modo de querer reflejar la sociedad de la información actual que funciona a la velocidad de un clic en la red. Este aspecto se antoja más interesante que el planteamiento original de la cinta a la que hace referencia el título.

La nota melodramática, o pretendidamente emocional la pone el problema familiar del protagonista masculino. Aun así el resultado es bastante superficial y el desarrollo de la trama demasiado previsible. No obstante la película es agradable de ver por su glamour y unos actores que cumplen con oficio su cometido. Sorprende en principio ver que dos estrellas emergentes como Justin Timberlake y Mila Kunis, vistos ambos en proyectos de gran envergadura como son La red social y Cisne negro respectivamente, se hayan embarcado juntos en una comedia romántica ligera como esta. Destaca en un rol secundario el veterano Woody Harrelson en la piel de un redactor de deportes gay algo pasado de vueltas, que cada vez que aparece en escena eclipsa a todos los demás.

En general deja una sensación parecida a la de Morning glory, que está bien, se deja ver, se pasa un buen rato pero se echa en falta un poco más de chispa, un poco más de garra.

Sensacine en cooperación con Sony Pictures, ha invitado a un pase exclusivo a sus colaboradores y seguidores.

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Alas de celuloide

2011-09-17T11:02:00.004+02:00

Desde tiempo inmemorial el hombre ha soñado con volar. La historia de la aviación está llena de gente ilusionada con sentir la libertad de movimiento propia de los pájaros y ver el mundo desde las alturas. El cine se ha hecho eco de épicas hazañas aéreas, muchas inventadas para la ocasión, pero algunas veces ha recurrido a recrear grandes aventuras de personas reales que han conseguido importantes logros en la evolución de este gran sueño de la humanidad. Quisiera centrarme en dos casos concretos de sendos apasionados del aire llevados a la gran pantalla por pesos pesados del Séptimo Arte.

En primer lugar hablamos de Charles Lindberg, que en 1927 se convirtió en el primer piloto que consiguió volar de New York a París en un monoplano con una sola hélice llamado El Espíritu de San Luis. Un vuelo en soledad que duró algo más de 33 horas. Esta gran hazaña fue plasmada en celuloide por el gran Billy Wilder con James Stewart dando vida al célebre aviador en la cinta El héroe solitario (The Saint Louis Spirit). La narración está muy bien engarzada mediante flashbacks y los pensamientos del protagonista usando la voz en off. Aunque no es la típica película de Wilder, su maestría se nota en el resultado final de la cinta. Lo que se refleja muy bien es la pasión del personaje por su profesión, lo que hace que el film en general transmita una sensación muy optimista, muy positiva, al ver a alguien que pone tanto entusiasmo en lo que hace.

El segundo caso es el de Howard Hughes, un millonario, de fortuna heredada, fascinado con la aviación y con el cine. Martin Scorsese llevó su vida a las carteleras en El aviador (The aviador, 2004). La ambientación de la película es excelente y Leonardo Di Caprio se mete estupendamente en la piel de Hughes. Destaca también la interpretación de Cate Blanchett como la célebre Katherine Hepburn, que fue pareja del magnate durante un tiempo. El rodaje de la primera película de Hughes, "Ángeles del infierno", sobre pilotos de la I Guerra Mundial, sirve como presentación del personaje y un crisol perfecto de las dos grandes pasiones del protagonista: el cine y los aviones. A partir de ahí se muestran varios años de la vida de este personaje con los momentos claves de su vida, como sus récords de velocidad, la gestación de enorme hidroavión Hércules, o su grave accidente probando un XF-11. Además se aprecia la evolución de su enfermedad, un trastorno obsesivo-compulsivo que se fue agudizando con el paso del tiempo.

La vida está llena de hazañas llevadas a cabo por personas a las que le apasiona lo que hacen, y es que sentir las cosas, poner ilusión, ganas y coraje es fundamental para sacar los proyectos adelante.

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El pasado siempre vuelve

2011-09-07T21:28:00.009+02:00

Tres agentes del Mossad se convirtieron en héroes tras una operación en los años 60, pero manteniendo en secreto algo relacionado con aquella misión. Treinta años después el pasado irrumpe de nuevo en sus vidas. Esto es La deuda (The debt, John Madden 2010), un excelente thriller con un sólido guión y un magnífico elenco de actores. El director de Shakespeare in love compone un relato de suspense que engancha desde el primer fotograma y mantiene la tensión en todo momento.

Se trata de una narración en dos tiempos con seis actores dando vida a tres personajes. Jessica Chastain, Marton Csocas y Sam Worthington interpretan las versiones juveniles de los roles encarnados respectivamente por los veteranos Helen Mirren, Tom Wilkinson y Ciarán Hinds. Lo realmente interesante del tema es que los espías no son de cartón piedra, son personajes muy humanos con sus miedos, dudas, ilusiones, angustias, no se trata de los típicos ejecutores de élite super entrenados y demás. Esto hace que el espectador establezca buena empatía con los intérpretes y que así la trama y todo lo que les ocurre a los protagonistas resulte más emocionante.

La oscarizada Helen Mirren, galardonada con el premio de la Academia de Hollywood por The Queen, es una de esas actrices que transmiten mucho con su mera presencia. Toda una dama británica a la que hemos visto recientemente en Red, otra de espías retirados pero en un tono muy distinto al caso que nos ocupa, y en La última estación encarnando a la mujer de Tolstoi. Tom Wilkinson ya se está convirtiendo en un secundario de lujo imprescindible en thrillers y tramas de espionaje, como El escritor, El sueño de Casandra, Duplicity o Michael Clayton. Sam Worthington se embarcó en esta aventura tras encadenar tres proyectos de acción donde primaban los efectos especiales sobre todas las cosas: Furia de titanes, Avatar y Terminator salvation.

El guión lo firman Matthew Vaughn, Jane Goldman y Peter Straughan. Goldman y Vaughn han colaborado en los guiones de tres de las cuatro películas que forman la filmografía como director de Matthew hasta ahora: Stardust, Kick ass y X-Men: Primera generación.

La deuda se estrenó en Reino Unido el pasado año 2010, y llega a las carteleras españolas casi un año después. Y menos mal que ha llegado porque desde luego vale la pena. Nunca es tarde si la película es buena, y en este caso lo es.

Social Noise en colaboración con Universal Pictures ha organizado un pase para bloggers de cine para ver esta estupenda cinta que se estrenará este próximo jueves 8 de septiembre.

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J.J.Abrahms, el alumno aventajado de Spielberg

2011-08-25T22:58:00.006+02:00

Supongamos que Los Goonies en vez de tener una aventura de piratas la tuviesen con un extraterrestre. Con eso nos hacemos una idea de más o menos lo que nos podemos encontrar en Super 8, una película dirigida por J.J. Abrahms, responsable del último Star Trek, y producida por el mismísimo Steven Spielberg que vuelve con este film a su universo de ilusión, aventura y fantasía que tanto explotó con éxito en los años 80, unas veces como director y otras como productor.

En un pueblo de Estados Unidos en el año 1979, un grupo de adolescentes está rodando un cortometraje de zombies con una cámara de super 8. Entonces ocurre ante sus narices un aparatoso accidente en que descarrila un tren de mercancías que alberga un importante secreto militar el cual queda grabado en la cámara de los chicos.

Los jóvenes protagonistas son desconocidos y con poca experiencia, salvo Elle Fanning, pero lo hacen muy bien. Se les ve cómodos y desenvueltos en sus repectivos roles.

Super 8 es una gran película. Un film de ciencia ficción en que las relaciones humanas priman sobre el espectáculo de los efectos especiales, que por cierto son bastante buenos.De hecho posee la fórmula que tanto gusta a Spielberg y que tantos éxitos le ha dado: mostrar a personas cotidianas en situaciones extraordinarias.Tan sólo se le puede poner como pega un desenlace algo precipitado, pero que no afecta de forma relevante al buen sabor de boca que deja la película en su conjunto, y es que al final la trama del alienígena es lo de menos, lo verdaderamente interesante son las distintas subtramas que ocurren en torno a los conflictos entre los personajes.

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Frases twitteadas Vol. II

2011-08-19T10:22:00.003+02:00

Tras la buena acogida entre los lectores de la primera recopilación de citas cinematográficas, aquí llega una nueva entrega con otras 10 frases que he ido compartiendo en Twitter. El formato es el mismo que el anterior:
“Frase”, actor (personaje), Título en español (Título original, director, año).

Vamos allá:

1. “Si alguien se mete conmigo, yo me meto con él.”, Robert deNiro (Al Capone), Los intocables de Elliot Ness (The untouchables, Brian de Palma, 1987).

2. “La distancia entre el genio y la locura se mide tan sólo por el éxito.”, Jonathan Pryce (Elliot Carver), El mañana nunca muere (Tomorrow never dies, Roger Spottiswoode, 1997).

3. “Vaya a vender sus neuras a otra parte. Aquí ya estamos servidos.”, Jack Nicholson (Melvin Udall), Mejor imposible (As good as it gets, James L. Brooks, 1997).

4. “Para sobrevivir a la guerra hay que convertirse en guerra.”, Sylvester Stallone (John Rambo), Rambo –Acorralado parte II (Rambo-First blood part II, George Pan Cosmatos, 1985).

5. “Hay un nuevo tipo en la ciudad. Se llama Robocop.”, Miguel Ferrer (Bob Morton), Robocop (Robocop, Paul Verhoeven, 1987).

6. “Hazlo o no lo hagas. Pero no lo intentes.”, Frank Oz (Yoda), El imperio contraataca (The empire strikes back, Irvin Kershner, 1980).

7. “No soy un cobarde. Soy…práctico.”, Alan Cox (John Watson), El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, Barry Levinson, 1985).

8. “Han pasado 84 años, y aun percibo el olor a recién pintado.” Gloria Stuart (Rose), Titanic (Titanic, James Cameron, 1997).

9. “Prefiero tus deudas a los millones de otro.” Marilyn Monroe (Sugar Kane), Con faldas y a lo loco (Some like it hot, Billy Wilder, 1959).

10. “Souvenirs, novedades, artículos de coña…” Ian McNeice (Vendedor ciego), Top secret (Top secret, Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, 1984).

Así se alzaron los simios

2011-08-16T10:10:00.008+02:00

El origen del planeta de los simios (Rise of the planet of the apes, Rupert Wyatt, 2011), título autoexplicativo como pocos, nos cuenta pues eso mismo, cómo se inició el proceso que llevó a que en la Tierra los simios evolucionaran hasta cambiar las tornas de forma que los humanos pasaran a ser la especie inferior, tal como se encontró la situación el astronauta interpretado por Charlton Heston tras un largo viaje por el espacio en el clásico de Franklin J. Schaffner El planeta de los simios (The planet of the apes, 1968). La premisa para explicar el paso evolutivo es interesante: se trata de un joven y brillante científico, encarnado por James Franco, que investiga sobre cómo conseguir la neurogénesis, es decir, la generación de células neuronales, para aplicarlo como cura contra el alzheimer, y experimentando el fármaco en chimpancés, algo que los hace más inteligentes.

Los simios digitales, creados por WETA Digital, la compañía responsable de los efectos de, entre otras, Avatar, King Kong (2005) y El Señor de los Anillos, son realmente impresionantes. De hecho Andy Serkis, que ya se había enfundado el traje de sensores para dar vida virtual al Gollum y al mismísimo King Kong de Peter Jackson, es en la presente cinta el responsable de interpretar digitalmente a César, el mono protagonista. Completan el reparto principal Freida Pinto, la gran revelación de Slumdog Millionaire, y el veterano John Lithgow.

La música de Patrick Doyle es muy envolvente, muy primaria, con mucha percusión, totalmente integrada en la historia contada. Es una de estas películas que ya se sabe lo que va a pasar y lo interesante es ver el proceso de cómo sucede. El ritmo narrativo es muy bueno, perfectamente dosificado para comprender la evolución de los personajes.

En definitiva se trata de una sensacional película de ciencia ficción a la altura del clásico de Schaffner y muy por encima del mediocre remake de Tim Burton que contaba con un soso Mark Wahlberg como protagonista allá por el año 2001. La presente precuela tiene ritmo, tensión, emoción y unos efectos digitales muy conseguidos. Imprescindible.

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El gran capitán

2011-08-13T11:57:00.007+02:00

El director Joe Johnston, responsable de aventuras para toda la familia como Rocketeer, Jumanji, Jurassic Park III o Cariño, he encogido a los niños, nos trae ahora Capitán América: El primer vengador (Captain America: First avenger, 2011), la adaptación a la gran pantalla del conocido superhéroe de los comics de Stan Lee. Es el último eslabón de la cadena que faltaba para culminar el gran proyecto de Marvel Studios, Los vengadores, que se estrenará en verano de 2012. Arrancaron con Iron Man, luego vinieron El increíble Hulk, Iron Man 2 y Thor.

Al igual que se enmarcó la precuela de los X-men como una aventura relacionada con un hecho histórico, como fue la crisis de los misiles cubanos, en esta ocasión ocurre algo similar pero en la II Guerra Mundial, en la que las divisiones científicas tanto de los nazis como de los Aliados, deciden el destino del mundo en una batalla que ocurre en paralelo con los frentes reales. Y la verdad es que la fórmula funciona. El resultado es una trepidante aventura con estética retrofuturista en la línea de Sky Captain y el mundo del mañana.

Chris Evans, que había encarnado a la Antorcha Humana en las dos entregas de Los 4 fantásticos, se mete aquí en la piel de un muchacho enclenque con problemas de salud que tras ser rechazado por el ejército en varias ocasiones, insiste en querer ir a luchar para poner su granito de arena en ayudar a los demás. Un científico que está buscando al candidato ideal para un experimento que consiste en crear super soldados, se fija en el muchacho, no por sus aptitudes ni su talento, que no los tiene, sino por su calidad humana. Este es otro punto interesante de la película, el de primar a la persona sobre el profesional, el hecho de resaltar las cualidades de un alma noble. El contrapunto lo pone Hugo Weaving, inolvidable agente Smith de Matrix, en el rol de Cráneo Rojo, un villano carismático interpretado por el actor adecuado aunque quizá algo desaprovechado en el resultado global del film. Completan el reparto Hayley Atwell como la chica de la película, Tommy Lee Jones es un sarcástico coronel , Stanley Tucci como el creador del experimento y Dominic Cooper dando vida a Howard Stark, el padre de Tony Stark/Iron Man.

Los efectos especiales en general son correctos, pero la transformación digital de Evans es impresionante, tal como pasaba con Brad Pitt en El curioso caso de Benjamin Button, aunque la técnica empleada ha sido diferente.

Entretenida, inocente, espectacular, una gran aventura de cierto aroma retro muy disfrutable por público de todas las edades. Diría que es de las mejores, junto con la primera de Iron Man, entre los títulos que forman la saga de Los vengadores.

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Rodando un videoclip

2011-08-12T18:11:00.001+02:00

A veces las cosas surgen de la forma más insospechada. Quien haya seguido mi trayectoria a través de mi página web, sabrá que me gusta experimentar con distintos formatos y géneros. Sin embargo el video clip era algo que aun no había abordado.

El mes pasado tuve la suerte de colaborar con el equipo de producción de un videoclip para la Jornada Mundial de la Juventud 2011. Tras un par de reuniones de brainstorming y planificación, tuvimos una estupenda jornada de rodaje en la que grandes profesionales de la realización televisiva se brindaron a colaborar en el proyecto, además de mucha gente que se unió espontáneamente a la dinámica y fresca coreografía preparada para la ocasión.

El vídeo se proyectará en los actos de la JMJ que tendrá lugar la próxima semana entre los días 16 y 21 de agosto. De momento se puede ver en internet el making off : Así se hizo “Meet in Madrid”.

Veranos de película

2011-08-04T22:51:00.004+02:00

Las actividades y lugares propios de época estival, son escenarios tan válidos como cualquier otro para desarrollar historias y tramas interesantes que den lugar a películas de diversos géneros. Por ejemplo, en 1987 causó furor entre los adolescentes Dirty dancing, de Emile Ardolino, que enmarca la acción durante los años 60 y trata sobre una chica de clase alta que va a pasar el verano a un campamento con sus padres y se enamora del profesor de baile. Un romance a ritmo de mambo que convirtió a Patrick Swayze en todo un ídolo.

El clásico de David Lean Locuras de verano (Summertime, 1955) nos brindaba a una excelente Katherine Hepburn de vacaciones en Venecia, en una película llena de romance y glamour. También la ciudad de los canales bajo el sol abrasador puede ser escenario de tragedias, como nos mostró Luchino Visconti en la densa y amarga Muerte en Venecia (Death in Venice, 1971), en la que un elegante resort puede ser escenario del más dramático desenlace. También en un exclusivo hotel mediterráneo se desarrolla Muerte bajo el sol (Evil under the sun, Guy Hamilton, 1982), esta vez en las islas griegas, donde el famoso detective Hercule Poirot, creado por Agatha Christie e interpretado para la ocasión por un sensacional Peter Ustinov, debe resolver un crimen producido en tan idílico lugar entre gente distinguida. A pesar de ser un thriller con un asesinato como eje central de la trama, la cinta tiene un tono muy fresco y glamuroso aderezado por estupendos temas musicales de Cole Porter.

Y finalmente no podía faltar el título que aterrorizó a todos los bañistas: Tiburón (Jaws, 1975). El gran Steven Spielberg, acompañado por una inolvidable partitura de John Wiliams, metió el miedo en el cuerpo a muchos veraneantes con este sensacional thriller sobre un gran tiburón blanco que acecha bajo el agua en la costa de la localidad de Amity. El jefe de policía Brody, encarnado por Roy Scheider, debe velar por la seguridad de los turistas frente a las presiones políticas que le impiden cerrar las playas, pues causaría grandes pérdidas económicas al pueblo. Le acompañan para dar caza al temible escualo un veterano cazador de tiburones y un científico experto en estos peces, personajes encarnados por Robert Shaw y Richard Dreyfuss respectivamente. El trío protagonista consigue darle una entidad muy sólida al conjunto, ya que los personajes están muy bien trazados, contrastan mucho entre sí y la química entre los actores es excelente.

Las altas temperaturas veraniegas afectan sin duda al comportamiento de la gente, normalmente para bien, pero no siempre, y el Séptimo Arte puede reflejarlo en todas sus facetas. Risas, amor, muerte, todo es posible en verano y en el cine.

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Vaya desmadre de boda

2011-07-30T13:08:00.005+02:00

Kristen Wiig, a la que vimos recientemente en Paul, escribe, coproduce y protagoniza La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids, Paul Feig 2011), una desmadrada comedia de humor gamberro y escatológico en la línea de las sagas de adolescentes Porky’s o American Pie, pero protagonizada por mujeres de treinta y pico años. Lilian, una chica cercana a los cuarenta encuentra por fin al hombre de su vida. Inmediatamente se lo cuenta a su mejor amiga desde la infancia, Annie, a la que nombra primera dama de honor. Cuando conoce al resto de damas, una de ellas, Helen, rivaliza con Annie por ser la mejor amiga de la prometida y la que se sabe montar una buena ceremonia.

La galería de personajes es la mejor baza de la película. Son seis mujeres, la novia más cinco damas de honor, cada una de las cuales está bien definida y cada rol representa un tipo femenino diferente, de distintos círculos sociales, todas en una edad en la que se plantean los errores y aciertos de sus vidas, los éxitos y los fracasos, y cómo encarar el futuro. Una propuesta muy atractiva que sin embargo se ve empañada por un humor excesivamente grueso que caricaturiza a los personajes, restándoles capacidad de trascendencia, y por un tratamiento formal demasiado televisivo, que da la sensación al espectador de estar viendo un capítulo de una teleserie en vez de un largometraje de cine. No obstante es entretenida, divertida a ratos y se deja ver, especialmente en fechas veraniegas, aunque el planteamiento que subyace podría haber dado lugar a una película mucho más interesante.

Este film se estrena el próximo 12 de agosto pero he tenido oportunidad de verla anticipadamente en un pase para blogueros de cine organizado por Social Noise.

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Frases twitteadas Vol.I

2011-07-20T00:22:00.003+02:00

Normalmente Twitter se nutre bastante de este blog, así que ¿por qué no nutrir también al blog con Twitter? Desde hace un mes, más o menos, he comenzado a twittear citas de películas, algunas veces son de las míticas que todo el mundo conoce, y otras veces son frases que no se han hecho famosas pero que se me antojan interesantes.

A continuación recopilo las 10 primeras siguiendo el siguiente formato:
“Frase”, actor (personaje), Título en español (Título original, director, año).

Empieza el espectáculo:

1. “Si salgo vivo de este caso me voy a poner a bailar”, Bruce Willis (Joe Hallenbeck), El último boy scout (The last Boy Scout, Tony Scott, 1991).

2. “¿Y si no hay mañana? Hoy no lo ha habido.”, Bill Murray (Phil Connors), Atrapado en el tiempo (Groundhog day, Harold Ramis, 1993).

3. “Si algo no se rompe, ¿para qué pegarlo?”, Woody Allen (CW Briggs), La maldición del escorpión de jade (The curse of the jade scorpion, Woody Allen, 2001).

4. “En el mundo de la publicidad no existe la mentira, si acaso se llama exageración.”, Cary Grant (Roger Thornhill), Con la muerte en los talones (North by northwest, Alfred Hitchcock, 1959).

5. “Le haré una oferta que no podrá rechazar”, Marlon Brando (Vito Corleone), El padrino (The godfather, Francis Ford Coppola, 1972).

6. “Lo difícil de echarse un farol es saber cuándo hay que dejarlo.”, Scott Glenn (Bart Mancuso), La caza del Octubre Rojo (The hunt for Red October, John McTiernan, 1990).

7. “Un mundo que ha sido capaz de crear el Taj Mahal, a William Shakespeare y la pasta dentífrica, algo bueno tendrá.”, James Cagney (C.R. MacNamara), Uno, dos, tres (One, two, three, Billy Wilder, 1961).

8. “Mi psicoanalista me lo advirtió, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista.”, Woody Allen (Isaac), Manhattan (Manhattan, Woody Allen, 1979).

9. “Vivo o muerto tú vendrás conmigo.”, Peter Weller (Alex J. Murphy), Robocop (Robocop, Paul Verhoeven, 1987).

10. “Jack ha muerto, amigo mío, puedes llamarme… Joker.”, Jack Nicholson (Jack Napier/Joker), Batman (Batman, Tim Burton, 1989).

De viaje con un alien muy cachondo llamado Paul

2011-07-16T13:13:00.005+02:00

Un par de amigos de Reino Unido, uno escritor de novela gráfica, el otro su ilustrador, viajan a Los Angeles para visitar la prestigiosa feria del mundo de la viñeta Comic-con, y a continuación hacer una ruta en autocaravana por los lugares relacionados con temática alienígena, como Roswell o el Area 51. De pronto en su camino se cruza un extraterrestre de verdad que les pide ayuda.

Este es el punto de partida de Paul (Greg Motola, 2011), una road movie en clave de comedia desmadrada, mezclada con el imaginario visual y conceptual de la ciencia ficción creado en las últimas décadas por el tándem Lucas-Spielberg. El resultado es un refrescante producto veraniego plagado de guiños cinéfilos a los grandes títulos del género, y a otros films de culto, así como de humor gamberro que en algunos momentos puede rayar en la irreverencia, y es que Paul es un alien un tanto macarrilla que se ríe de todo y de todos. A veces no está muy claro si el chiste es un homenaje, una crítica o simplemente una burla. Va un poco de sobrado, algo así como el pato espacial de Howard: un nuevo héroe (1986), aunque aquel tenía una ironía menos ácida que este nuevo pasota galáctico que ahora nos ocupa.

El hecho de que los protagonistas sean turistas británicos en Estados Unidos, le aporta un valor añadido al conjunto en lo que se refiere al humor basado en las diferencias culturales. El guión está firmado por los dos protagonistas, Simon Pegg y Nick Frost. A Pegg lo hemos visto en la piel de Scotty en la precuela de Star Trek, y este año nos lo volveremos a encontrar en la pantalla con dos títulos muy potentes: Las aventuras de Tintín, en la que también estará Frost, y la nueva entrega de Mission: Imposible. Les acompañan en el reparto Jason Bateman, que hacía pareja con Jennifer Garner en Juno, Kristen Wiig, a la que veremos próximamente protagonizando La boda de mi mejor amiga, y pone la guinda del pastel actoral una aparición estelar de Sigourney Weaver.

Risas, efectos especiales y guiños continuos al Séptimo Arte son los ingredientes de este entretenido y fresco cocktail, no apto para todos los paladares, para disfrutar en una tórrida tarde de verano.

El club de Amigos de Sensacine tuvo la ocasión de ver en primicia este film en su primer Community Day.

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Un chino perdido en Buenos Aires

2011-07-10T13:19:00.005+02:00

Un cuento chino (Sebastián Borenzstein, 2011) es una nueva coproducción hispano argentina con Ricardo Darín de protagonista y Gerardo Herrero entre los varios productores del film. Ambos habían colaborado en 2009 en el estupendo thriller El secreto de sus ojos y ahora cambian de tercio para traernos una divertida comedia a medio camino entre el retrato costumbrista y el realismo mágico, en una muy curiosa historia inspirada en hechos reales. Y digo curiosa porque lo más fantástico del asunto es la realidad en que se basa y lo más cercano a lo cotidiano es pura ficción.

La trama se desencadena cuando en una aldea china una joven pareja disfruta de un relajante paseo en barca y de pronto una vaca cae del cielo aplastando a la chica. El novio se va entonces a Buenos Aires en busca de un tío suyo que había emigrado en el pasado y allí topa con Roberto, un huraño ferretero de espíritu bondadoso acostumbrado a vivir en soledad, que se sorprende a sí mismo haciendo de buen samaritano. La relación del argentino, que sólo habla español, con el chino que sólo habla mandarín, es un buen ejemplo de comunicación entre personas por encima de barreras culturales y lingüísticas. Cuando las cosas se quieren hacer bien se supera cualquier obstáculo.

El tono de la película es fresco y ligero, de una aparente simplicidad que trasluce un contenido más humano y emotivo de lo que parece en la superficie. El ritmo narrativo es adecuado, sin altibajos, constante manteniendo el interés en todo momento. Ricardo Darín hace alarde de su gran carisma que sostiene el film durante todo el metraje. El conjunto está aderezado con divertidísimos gags de un humor sutil y elegante que hacen más distendido el relato.

En definitiva se trata de una muy recomendable película, muy humana , divertida, con buenos actores y una historia arriesgada que Sebastián Borenzstein resuelve con oficio en su doble faceta de guionista y director.

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Sensacine celebra su primer Community Day

2011-07-03T12:10:00.007+02:00

Y esperemos que no sea el último. Ayer, 2 de julio de 2011 era el gran día. Sensacine organizó en Madrid un evento estupendo donde el gran protagonista ha sido el CINE tratado por grandes amantes del Séptimo Arte. Galax Pictures asistió al acontecimiento donde se reencontró con viejos conocidos como Cinedanía, De fan a fan o Cineralia y además estableció nuevos contactos con otros interesantes blogs como Vadecine, Mis críticas de películas o Cinemascomics.

La jornada comenzó, por gentileza de Universal Pictures, con un pase en exclusiva de Paul, una divertida comedia de la que daré parte más adelante ya que se estrena el próximo 22 de julio.

Durante la comida se habló sobre el futuro del cine. Parece que lo más comentado es el tema de la tecnología 3D, y la opinión más extendida es que tiene poco futuro. Finalmente se jugó un divertido concurso de cine por equipos, en el que Galax Pictures unió fuerzas con Cinemascomics para alcanzar un satisfactorio segundo puesto.

Así transcurrió el día, hablando de cine en buena compañía. Un plan estupendo para pasar un caluroso sábado de verano.

Este castor de trapo está muy vivo

2011-06-29T20:57:00.006+02:00

Jodie Foster dirige a Mel Gibson y a sí misma en El castor (The Beaver, 2011), un relato con intención de fábula sobre un hombre profundamente deprimido que utiliza como terapia el hablar a través de una marioneta que se convierte en su alter ego.

Desde luego la propuesta es muy original y la interpretación de Gibson da la talla con un personaje que puede ser un gran reto para cualquier actor. Aunque la película muestra globalmente los distintos aspectos de la vida del protagonista, se centra más en su vida personal que en lo profesional. Incluso dentro de su vida privada a ratos toma más protagonismo la subtrama de su hijo adolescente, interpretado por Anton Yelchin, y su historia con una compañera de estudios, encarnada por Jennifer Lawrence, vista recientemente en el papel de Mística, la mutante de color azul que imita formas en X-men: Primera generación. También a Yelchin lo hemos visto en producciones de ciencia ficción como Star Trek o Terminator: Salvation dando vida a un joven Kyle Reese, el soldado que protegía a Sarah Connor en la primera entrega de la saga sobre el mítico cyborg. Jodie Foster se reserva el rol de esposa abnegada que trata de mantener a la familia unida y aprovecha todo intento de su marido por mejorar para ayudarlo a salir del abismo en que se encuentra.

Otro punto a favor es la música, queda bastante bien para dar ese toque de fábula que persigue la película. Sin embargo narrativamente a veces resulta algo confusa en intenciones y eso hace que no acabe de ser redonda. Por ejemplo, hace unos meses veíamos la producción mexicana El estudiante, que era también una fábula pero en ningún momento dejaba de tener ese tratamiento algo naif que la hace parecer un cuento. En El castor tiene algunos detalles que sí son de cuento pero otros que no lo son tanto y ahí es donde puede patinar un poco ya que se queda poco definida.

En resumen, es una correcta película con buenos actores, una trama arriesgada, música adecuada y el punto más flojo se encuentra en el tono que se le quiere conferir al conjunto del film.

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Experimentando formatos

2011-06-24T13:53:00.003+02:00

Hacía unos meses que no publicaba nuevos vídeos. Ya iba siendo hora de sacar algo nuevo y he tratado no sólo de que sea otro vídeo más sino de aportar algo que no hubiese hecho en clips anteriores.

La nueva producción se enmarca en la sección de reportajes. Esta vez he tratado de incluir recursos visuales que no hubiera usado antes y también he intentado imprimir un tono a medio camino entre informativo, divulgativo y didáctico. Se trata de un reportaje titulado Turberas: el origen del carbón, que explica de una forma muy básica el proceso de formación de la turba. Ha sido ideado específicamente como complemento audiovisual a un artículo del blog Horizontes bajo tierra.

Cuando Charles encontró a Erik

2011-06-13T23:12:00.007+02:00

Si no recuerdo mal Bryan Singer había definido su película X-Men (2000) como un trailer de X-Men2 (2003), dado que la primera fue un experimento de adaptación de los comics Marvel con una estética muy distinta a las viñetas originales. La cosa funcionó y llegó la segunda entrega con un presupuesto más generoso, y en fin, una película con más enjundia. La tercera entrega, que ya no dirigió Singer, fue un desastre, un carnaval de mutantes que decepcionó mucha gente. Tras esta trilogía llega el momento de las precuelas, de ver los orígenes de este grupo de superhéroes. Primero llegó Lobezno, que también fue muy criticada, aunque yo personalmente la disfruté mucho, reconociendo que es inferior a las dos primeras entregas de la serie. Ahora llega X-Men: Primera generación (X-men:first class, Matthew Vaughn 2011), con la que descubrimos el primer encuentro entre Magneto y el Profesor X durante los años 60 en plena crisis de los misiles cubanos, y señoras y señores, impresionante película de entretenimiento con mayúsculas. Vuelve el esplendor de los mutantes a la gran pantalla.

La película dura más de dos horas y no lo parece. Tiene un ritmo trepidante pero sin atropellarse. El desarrollo de la historia está muy bien dosificado. Visualmente es potente y los actores hacen unas estupendas interpretaciones, especialmente Michael Fassbender como Magneto y James McAvoy como Charles Xavier. A Fassbender lo hemos visto recientemente en Centurión y Malditos bastardos, y a McAvoy en La última estación. Kevin Bacon encarna al malo de la función de forma efectiva; se ve que le van los papeles de villano, basta recordarlo en títulos como El hombre sin sombra (Hollow man, Paul Verhoeven, 2000) o Río salvaje (The river wild, Curtis Hanson, 1994).

El buen hacer de los actores, la química entre ellos y la ponderada dirección de Matthew Vaughn confieren una hondura dramática a los personajes y a la trama que le dan un aire de trascendencia al resultado final más allá del mero espectáculo de efectos digitales, que por cierto son muchos y muy buenos.

En definitiva se trata de una buena dosis de aventuras, acción y ciencia ficción con personajes creíbles que logran conectar con el espectador emocionalmente por encima de toda la necesaria parafernalia tecnológica propia de este tipo de films.

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Cualquier tiempo pasado fue mejor

2011-06-11T12:52:00.005+02:00

Cualquier tiempo pasado nos parece mejor era el estribillo de la canción “Buscando en el baúl de los recuerdos” que cantaba Karina a finales de los 60, y es que de eso trata Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011), la nueva película del incombustible Woody Allen. Cuenta la historia de un escritor de Hollywood en busca de inspiración para una novela que viaja a París con su prometida y los padres de ésta. Deambulando por la ciudad al dar la medianoche se encuentra viajando en el tiempo a su idealizada época favorita, los locos años 20, donde se topa con reconocidos personajes de la cultura como Hemingway, Scott Fitzgerald, Luis Buñuel, Picasso o Dalí.

Owen Wilson protagoniza la cinta interpretando con gran soltura al típico personaje que normalmente da vida el propio Allen, que a estas edades ya no da el pego para encarnar a un tipo que está a punto de casarse y debe recurrir a un sustituto, en este caso Wilson, al que hay que reconocer que ha realizado un gran trabajo en esta película. Le acompañan Rachel MacAdams, la protagonista de Morning Glory, y Marion Cotillard, que tras Origen y Enemigos públicos, la vemos nuevamente en un rol de mujer con relaciones amorosas turbulentas. Brevísimos papeles para rostros mediáticos como Carla Bruni, como guía turística, o Adrien Brodi en la piel del genio Dalí.

Maravillosa partitura musical omnipresente en el relato, y unos diálogos frescos y ágiles para una deliciosa cinta que rezuma glamour en un delirio cultural fantástico que invita a una reflexión sobre la tendencia que solemos tener a pensar que el pasado siempre ha sido mejor, cuando en realidad todas la épocas tienen sus pros y sus contras, pero es mejor recordar lo bueno, aunque sin obsesionarse ya que también hay que vivir el presente y mirar hacia el futuro.

En definitiva una estupenda, optimista, divertida y entrañable película de Woody Allen.

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Un bailarín llamado Li Cunxin

2011-06-04T19:10:00.003+02:00

El último bailarín de Mao (Mao’s last dancer, Bruce Beresford, 2009) cuenta la historia real del bailarín chino Li Cunxin, de cómo se inició en el ballet siendo un niño en su China natal durante el régimen de Mao, y de cómo llegó a Estados Unidos donde alcanzó la fama forjándose una sólida y prestigiosa carrera profesional.

El director de la oscarizada Paseando a Miss Daisy (Driving Miss Daisy, 1989), compone un relato de contrastes culturales y sociopolíticos entre la China comunista y la América capitalista, sin cargar demasiado las tintas en esta cuestión para dar más cancha a las relaciones personales del protagonista con la gente que le rodea. Todo ello presentado con una puesta en escena clásica y elegante.

El tono de la película es muy equilibrado y optimista, sin grandilocuencias dramáticas, quizá algo edulcorado pero sin caer en la sensiblería. Una película muy agradable de ver con momentos muy emotivos, y un retrato del mundo del ballet muy alejado del aire sombrío que veíamos hace poco en El cisne negro.

Los números musicales están bien coreografiados, los actores aportan interpretaciones correctas de sus personajes, y el ritmo narrativo es adecuado al tipo de historia que se está contando.

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Una chica letal llamada Hanna

2011-05-30T23:03:00.006+02:00

El director Joe Wright, artífice de los dramas Orgullo y prejuicio (2005), Expiación (2007) o El solista (2009), se mete ahora de lleno en el género de acción con Hanna (2011). Se trata de una chica que vive aislada del mundo, como si fuera Rapunzel, bajo la custodia de su padre, un ex espía que la entrena para ser una asesina profesional implacable que se adapte al medio para sobrevivir en cualquier situación, un poco en la línea de la saga Bourne.

La trama y los personajes son planos y muy arquetípicos en este tipo de películas, pero el estilo visual de Wright le confiere un aire de cine de acción experimental que la aleja de la típica action movie hollywoodense y la hace más cercana a títulos europeos de los años 90 como Nikita (Luc Besson, 1990) o Corre Lola, corre (Lola rennt, Tom Tykwer 1998).

Una potente banda sonora de The chemical brothers acompaña las escenas de acción, estupendamente coreografiadas. Los siempre solventes Eric Banna y Cate Blanchet secundan a la joven protagonista Saoirse Ronan, vista recientemente en un papel secundario de Camino a la libertad. Subyace una crítica a la sociedad banal e hiperactiva actual en la caricatura de una adolescente que habla sin parar de chorradas huecas y materialistas, un personaje secundario muy bien interpretado por la jovencísima actriz Jessica Barden.

Algunas escenas ambientadas con cierto aire surrealista le dan un toque de distinción al conjunto, sazonado también con algún que otro golpe de humor. Por lo demás está a la altura de las circunstancias en cuestión de tiros, persecuciones y peleas cuerpo a cuerpo. Un entretenimiento de acción bien realizado con aroma a cine experimental.

Sensacine ha invitado a sus seguidores y colaboradores a ver en primicia esta película que se estrena en cines el próximo 10 de junio.

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70 aniversario del señor Kane

2011-05-26T23:53:00.006+02:00

En mayo de 1941 vio la luz Ciudadano Kane (Citizen Kane), una de las mejores películas de la historia del cine. Y lo más curioso es que estuvo a punto de no ser estrenada por las presiones mediáticas del magnate de la prensa William Randolph Hearst, en cuya imagen se basó Orson Welles para crear al mítico Charles Foster Kane. Esta polémica se ha plasmado en la estupenda película RKO 281, un film concebido inicialmente para televisión pero que se estrenó en salas comerciales , que goza de un elenco de actores excelente: Liev Screiber encarna a Welles, James Cromwell a Hearst, Melanie Griffith en la piel de la esposa del magnate, John Malkovich como Manckiewicz, el coguionista y amigo de Welles, y Roy Scheider como el productor George Schaefer.

El hilo conductor de Ciudadano Kane es por todos conocido: la investigación periodística que tiene lugar tras la muerte de Kane para desvelar el significado de su última palabra antes de morir: Rosebud. Así se va trazando con sucesivos flashbacks la controvertida historia del carismático director de un periódico que llegó a lo más alto y fue tan querido como odiado por quienes le conocían bien. Tal como dice Liev Schreiber interpretando a Welles en RKO 281, el tema de la película es “un hombre gana el mundo y pierde su alma”.

Ciudadano Kane fue innovadora en su momento tanto por ese uso narrativo que hace del flashback como por algunos ángulos de cámara poco habituales en aquel momento. El aspecto visual resultaba muy rompedor en la época. Fue la opera prima de Welles, que la realizó con 24 años en la cuádruple faceta de productor, guionista, actor principal y director, y se ha convertido con el paso del tiempo en algo más que un clásico. Proezas como esta no se ven todos los días.

RKO Radio Pictures fichó a Orson Welles tras el enorme éxito que cosechó con su versión radiofónica de la obra de H.G.Wells La guerra de los mundos, con la que hizo creer a mucha gente que los extraterrestres estaban realmente invadiendo Nueva York. La intención del Estudio era que Welles hiciera La guerra de los mundos en cine, pero el joven y rebelde genio quería hacer algo diferente. Finalmente logró hacer la película que quería contra viento y marea, en medio de grandes polémicas.

Sin duda Ciudadano Kane es cine con mayúsculas. Una obra maestra del Séptimo Arte que se estrenó hace ya 70 años.

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Las grietas de la justicia

2011-05-17T23:26:00.006+02:00

Unos sugerentes títulos de crédito en pantalla dividida dan inicio a El inocente (The Lincoln lawyer, Brad Furman 2011), un intenso thriller judicial sobre un frívolo y engreído abogado que trabaja desde el asiento trasero de un Lincoln recorriendo las calles de Los Angeles. Un día recibe un caso de un conocido para defender a un chico, hijo de una influyente familia, acusado de agredir a una prostituta. A priori parece que le resultará fácil y lo maneja de la misma forma expeditiva con la que trata la mayoría de sus litigios, pero las cosas se complican y no todo será tan sencillo.

En principio puede tener algunos puntos en común con Algunos hombres buenos, como la frivolidad del abogado, la influencia de su padre que también lo era, y el hecho de la evolución del personaje al enfrentarse a un caso más complicado de lo normal. Sin embargo el contexto en que se desarrolla la acción y el desenlace de la trama son totalmente distintos de la estupenda cinta de Rob Reiner.

Matthew McConaughey hace una de sus mejores interpretaciones protagonizando este film en la piel del ambiguo abogado. Goza del carisma necesario para estar presente en pantalla prácticamente las dos horas de metraje y muestra una gran presencia en escena. Le acompañan otros rostros conocidos como Marisa Tomei, William H. Macy o John Leguizamo.

La película pone de relieve lo frágil que puede ser el sistema judicial a la hora de hacer justicia de verdad, ya que realmente todo se puede manipular conociendo bien el entramado legal y haciendo un uso inmoral del mismo aprovechándose de las fisuras que tiene. Una fotografía hiperrealista de tonos muy contrastados, y un uso muy notorio de los primeros planos que nos acercan de forma casi claustrofóbica a los personajes, son las herramientas estilísticas que utiliza Brad Furman para dirigir con pulso firme este intrincado laberinto de estrategias legalistas. Todo ello respaldado por un sólido texto, ya que se trata de la adaptación de una novela de Michael Connelly, autor también de Deuda de sangre, que fue llevada al cine por Clint Eastwood.

En definitiva una película intensa, entretenida, bien interpretada, de la que si bien se entiende globalmente la historia, es de esas películas que para captar todos los detalles y matices se requiere de un segundo visionado, pues a veces el espectador se puede perder un poco entre la jerga legalista que se maneja en la historia.

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Galax Promo 2011

2011-05-16T00:46:00.000+02:00

La vida de Alexia

2011-05-13T20:52:00.008+02:00

Alexia (Pedro Delgado, 2011) es un documental de creación que relata la vida de Alexia González-Barros, una niña que murió a los 14 años de edad por un tumor en la columna vertebral y actualmente se encuentra en proceso de beatificación debido a la intensidad con que vivió la fe católica durante su infancia, y especialmente en sus últimos días durante el doloroso proceso de la enfermedad.

El padre de la niña era muy aficionado a filmar escenas familiares en Super 8, y de este material se nutre bastante el film. Esto se combina con divertidas animaciones, localizaciones de los lugares clave de la vida de la protagonista y testimonios de sus familiares y conocidos. Otra pieza clave es la narración en off. Del mismo modo que el documental El viaje del emperador no tenía el típico monólogo, sino que tres actores daban vida con su voz a una familia de pingüinos para contar la odisea de las aves antárticas como si de un cuento se tratase, en este caso también se prescinde de la locución tradicional de forma que es la propia Alexia quien cuenta su historia dialogando con su ángel de la guarda, al que llama Hugo, encarnados ambos personajes por las voces de los actores Miriam Fernández y Richard del Olmo respectivamente.

Todos estos elementos son tratados magníficamente y con mucho tacto por su director en un montaje dinámico, muy equilibrado, con un tono fresco y entrañable. Si bien en los recursos empleados y el entorno en que se mueve la historia puede tener algunos puntos en común con La última cima, el tono de ambas cintas es muy distinto, ya que si bien en aquella había una tendencia a ser innovadora en cuanto a la imagen que la sociedad tiene del mundo eclesiástico, en esta ocasión el discurso es más bien familiar o intimista, centrado en la figura de la protagonista, una niña muy querida y apreciada por todos aquellos que la conocieron.

El guión ha sido coescrito por el propio Pedro Delgado junto con el crítico de cine Jerónimo José Martín, presidente del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC). Ambos artífices han estado muy implicados personalmente en el proyecto y eso se nota positivamente en el resultado final de la película.

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La shakespeariana deidad marveliana

2011-05-03T23:10:00.007+02:00

De todos es conocida la devoción de Kenneth Brannagh por la obra de Shakespeare. Lo ha interpretado en teatro y ha dirigido y protagonizado algunas adaptaciones al cine como Henry V, Mucho ruido y pocas nueces o el mismísimo Hamlet en una aparatosa superproducción. Una vez se alejó de su gran referente para ir a otro clásico como es Mary Shelley, adaptando a la gran pantalla Frankenstein. Ahora se mete en algo más moderno como los comics de Marvel, sin embargo no lo hace con cualquier superhéroe de la galería marveliana sino con Thor (2011), basado en el dios del trueno de la mitología escandinava, así que algo de clasicismo rezuma esta nueva cinta de la colección de comics creada por Stan Lee.

Debido a su exceso de arrogancia y bravuconería, Thor, el primogénito de Odin, rey de Asgard es desterrado a la Tierra donde entablará contacto con una experta astrofísica y su equipo de investigación, así como con el personal de la entidad secreta SHIELD. La historia transcurre por tanto entre dos mundos, o mejor dicho entre dos planetas, cuyos viajes interplanetarios tienen lugar de un modo similar al de Stargate (Roland Emmerich, 1994). Al igual que en aquella se asociaba la tecnología egipcia a seres de otra galaxia, aquí se explican los mitos nórdicos como seres superiores en un sistema planetario dividido en reinos, con batallas épicas entre ellos como en la Tierra Media de El señor de los anillos. Visualmente la puerta para viajar a otros reinos guarda un cierto parecido con la que comunicaba los universos cibernético y real en Tron: Legacy, salvo que en este caso el entorno es más colorista.

La influencia shakespeariana de Brannagh se nota especialmente en las escenas que se desarrollan en el mundo de Thor, concretamente con los conflictos familiares entre padre, hijo y hermano. Por otra parte la acción desarrollada en la Tierra tiene un aspecto más en la línea de Iron Man, guardando así la coherencia estilística en el entramado fílmico que Marvel va tejiendo poco a poco presentándonos a cada uno de los personajes que formarán parte del gran proyecto Los Vengadores.

Curiosamente los papeles principales de Thor y su hermano Loki, están interpretados por actores más bien desconocidos, Chris Hemsworth y Tom Hiddleston respectivamente, encarnando ambos a sus personajes con gran convicción. Les acompañan pesos pesados de la pantalla como Natalie Portman en el rol de la científica, Anthony Hopkins como Odin y Stellan Skarsgard como el mentor de Portman. En un papel más secundario encontramos también a Rene Russo, la otrora compañera de andanzas de Mel Gibson en Arma Letal 3 y 4.

Los efectos especiales son de primera línea y las escenas de acción están muy bien coreografiadas. La película resulta muy entretenida y tiene golpes de humor muy divertidos. En general es una película de aventuras y fantasía a la antigua usanza, con buenos sentimientos y mensaje positivo sobre el valor de la amistad, la justicia y el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal.

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A cualquiera le puede pasar

2011-04-30T13:08:00.006+02:00

El problema del paro a raíz de los recortes en las plantillas de las empresas propiciados por la crisis económica, es algo de lo que nadie está a salvo, ni siquiera los más altos cargos ni los más veteranos. En esto se centra The company men (John Wells, 2010), la historia de cómo se ven afectados tres altos ejecutivos de distintas edades que se ven implicados en un proceso de despidos de una gran empresa de transportes.

Oliver Stone nos mostraba los entresijos de la debacle bursátil en Wall Street: El dinero nunca duerme, y ahora el curtido productor y guionista televisivo John Wells debuta en la dirección cinematográfica con este retrato de los efectos de aquella caída en el tejido empresarial y los dramas humanos que ello conlleva. El tono es muy acertado y equilibrado, ya que no es tremendista pero tampoco deja de mostrar los problemas reales con los que cualquiera se puede identificar. Es rigurosa con la gravedad de lo que está ocurriendo y al mismo tiempo lanza un mensaje de esperanza.

El elenco es fantástico, con Ben Affleck encabezando el cartel junto a Tommy Lee Jones, Chris Cooper, Kevin Costner y Maria Bello. Aunque no aparece entre los principales nombres, cabe destacar la interpretación de Rosemarie DeWitt en el papel de la realista esposa del joven ejecutivo triunfador, al que todo su mundo se le derrumba de la noche a la mañana, que sabe afrontar con entereza la nueva situación familiar debida al despido de su marido. En general las relaciones entre todos los personajes son muy interesantes, están muy bien tratadas a nivel de guión y la química entre los actores funciona con mucha naturalidad.

En definitiva es una película de rabiosa actualidad, testimonio de una realidad que afecta a mucha gente, pero que lejos de regodearse en las miserias humanas trata de ofrecer una chispa de optimismo.

Sensacine ha invitado a sus colaboradores y seguidores a la premiere de esta película en Madrid.

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Un escenario desolador pero fascinante

2011-04-26T23:46:00.008+02:00

Las altas temperaturas y la escasez de agua son dos factores que combinados resultan incómodos y peligrosos para cualquiera. Esas condiciones se dan en el desierto, un entorno altamente hostil que sin embargo causa una gran fascinación y ha servido de escenario a grandes películas a lo largo de la historia. Recientemente tenemos el caso de Camino a la libertad, de Peter Weir, con los avatares de un grupo de fugados de un campo de concentración estalinista que deben atravesar a pie el desierto del Gobi, aunque se filmó en otras localizaciones.

Uno de los casos más paradigmáticos del desierto en el cine es Lawrence de Arabia (1962), el clásico de David Lean, un gran espectáculo cinematográfico que nos ha dejado un amplio repertorio de estampas de enorme belleza estética. La intensa luz y los amplios horizontes más allá de donde alcanza la vista, son algunos de los atractivos que estos parajes ofrecen a los cineastas y Lean ha sabido sacarle partido como nadie.

Buena parte de la película se rodó en el sur de España, en varias localizaciones Sevilla y Almería, entre ellas el desierto de Tabernas, el mismo en el que Sergio Leone recreó la frontera de Estados Unidos con Mexico para sus spaghetti-westerns. Inolvidable Clint Eastwood con su poncho y su sombrero pegando tiros a lo largo y ancho de la inmensidad desértica en Por un puñado de dólares (Per un pugno de dollari, 1964), La muerte tenía un precio (Per qualche dollare in piu, 1965) y El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto e il cativo, 1966). Ya sin Eastwood, Leone hizo una cuarta incursión en este escenario y género con Hasta que llegó su hora (C’era una volta il west, 1968). Rememorando este pasado de Tabernas, Alex de la Iglesia filmó con cierta nostalgia 800 balas (2002), con un espléndido Sancho Gracia en la piel de un veterano especialista que mantiene a duras penas un show del oeste en el otrora escenario de las míticas películas.

En este mismo desierto rodó Steven Spielberg parte de Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the last crusade, 1989). Para la primera aventura del famoso arqueólogo, En busca del Arca perdida (Raiders of the lost Ark, 1981), había escogido otro lugar, Túnez, donde ya su colega George Lucas recreó el ficticio planeta Tatooine para La guerra de las galaxias (Star wars, 1977), un rodaje accidentado ya que una tormenta de arena arrasó con parte del decorado galáctico que hubo de ser reconstruido.

Y por supuesto no puede faltar una mención a los desiertos norteamericanos, que han sido escenario de infinidad de westerns a lo largo de la historia, como La diligencia (Stagecoach, John Ford 1939) o Centauros del desierto (The searchers, John Ford 1956) en territorio estadounidense, o también en terreno mexicano como Veracruz (Robert Aldrich, 1954) o Dos mulas y una mujer (Two mules for sister Sarah, Don Siegel 1970), por citar algunos ejemplos.

Ya sea por la estética, la grandeza, la amplitud o por la fragilidad que el ser humano puede sentir ante el enorme vacío y las duras condiciones climatológicas, el caso es que el desierto no deja indiferente a nadie. El propio Lawrence de Arabia lo tenía muy claro:
- “¿Qué es, comandante Lawrence, lo que tanto le atrae del desierto?
- Está limpio.”

Enlaces relacionados:
Vídeo de Galax Pictures sobre el desierto: Los secretos de las arenas
El suelo del desierto en Horizontes bajo tierra

La vida de Cristo en el cine de los 70

2011-04-22T15:47:00.002+02:00

En años anteriores me he remitido durante la Semana Santa a los clásicos de los años dorados de Hollywood que se suelen revisitar en esta época. Esta vez me voy a películas algo más modernas, a los años 70, una década muy rompedora de formas, en la que podemos encontrar tres títulos sobre la vida de Jesucristo de muy diferente factura.

En 1973 se estrena el musical Jesucristo Superstar, adaptación a la pantalla de la ópera rock homónima de Andrew Lloyd Webber. Con una estética muy de la época, totalmente setentera, nos muestra a un grupo de hippies representando la pasión de Cristo en el desierto. Una película curiosa, muy taquillera en su momento que hoy día se ve muy pasada de moda visualmente, pero algunos temas musicales conservan intacta toda su fuerza.

En 1977 se llega Jesús de Nazaret de Franco Zefirelli, una mega producción concebida inicialmente como miniserie televisiva con un amplio elenco de actores de primera fila como Robert Powell, Anne Bancroft, Ernst Borgine, Claudia Cardinale, Christopher Plummer o Michael York. Un título clave en la filmografía de temática bíblica.

Finalmente en 1979 se estrenó La vida de Brian, de los Monty Python, una desternillante comedia que parte del argumento de un niño llamado Brian que nace al mismo tiempo que Jesús y lleva una vida paralela. Gozó de gran éxito de taquilla en su momento y no ha estado exenta de cierta polémica al ser considerada por algunos algo irreverente.

En fin, cine bíblico para todos los gustos con distintos enfoques. Espero que todos estéis pasando una buena Semana Santa.

Traumas infantiles

2011-04-20T10:49:00.004+02:00

Sensacine ha invitado a sus seguidores y colaboradores a un pase especial de la nueva película de Montxo Armendáriz No tengas miedo, que se estrenará en cines el próximo 29 de abril.

No tengas miedo (Montxo Armendáriz, 2011) cuenta la historia de una chica que vive con un grave problema de miedos y complejos debido a haber sufrido abusos sexuales desde que era pequeña, y lucha por encontrar su lugar en el mundo y llevar una vida normal.

El director de Historias del Kronen (1995) y Secretos del corazón (1997) se mete en el delicado y espinoso tema de los abusos a menores ofreciendo una cinta de tono frío y seco, sin contrapuntos positivos, solamente la realidad pura y dura. Deja una sensación de desesperanza parecida a la de La cinta blanca. La narrativa fluye de forma pausada y excesivamente lineal, sin cambios de ritmo ni sorpresas de guión.

Los actores están correctos en sus respectivos papeles, destacando la protagonista Michelle Jenner. La secundan Lluís Homar, Belén Rueda, Nuria Gago y Rubén Ochandiano.
Se nota una cuidada labor de documentación por parte del director sobre el tema tratado, el haber escuchado diversos testimonios de víctimas que han sufrido este tipo de situaciones. A pesar de ser una película de ficción, tiene un tratamiento con cierta tendencia al documental.

Una película testimonial sobre la fragilidad de la infancia y de cómo se puede truncar la vida de una persona adulta por las perversiones, cobardías y silencios de quienes nos rodean.

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El honor de la familia

2011-04-17T12:37:00.006+02:00

La gran mayoría de las películas de romanos a lo largo de la historia se desarrollaban en la Europa continental. La expansión del imperio en Britania ha sido menos popular en la gran pantalla, sin embargo en los últimos años el Séptimo Arte ha hecho varias incursiones en este escenario. En 2004 el director Antoine Fuqua nos presentaba a Clive Owen y Keira Knightly en El rey Arturo, que suponía una versión del mito más realista retratando al personaje histórico en el que supuestamente se basó la leyenda, y se trataba precisamente de un idealista paladín romano que combatía a los Pictos en el muro de Adriano. Más recientemente hemos visto La última legión (The last legion, 2007) y Centurión (Centurion, 2010) que tenían como eje argumental a la 9ª legión.

Ahora le toca el turno a La legión del águila (The Eagle, Kevin MacDonald 2011). Tras la pérdida del águila dorada, que simbolizaba el orgullo de Roma, por parte de la desaparecida 9ª legión, el honor de la familia de su líder quedó mancillado. Veinte años después, su hijo es nombrado centurión y elige como destino el muro de Adriano en Britania para tratar de recuperar el honor perdido de su familia.

Película de aventuras sin grandes pretensiones con cierto aire a los péplum de antaño que cumple con su función de entretener y pasar un buen rato. Protagoniza Channing Tatum que le pone ganas a su interpretación del centurión marcado por el pasado de su familia. Le acompaña en su aventura un esclavo britano encarnado por Jammie Bell, el otrora niño protagonista de Billy Elliot, y en papeles secundarios encontramos al siempre interesante, aunque aquí algo menos, Mark Strong (Camino a la libertad, Sherlock Holmes) y al veterano y eficaz Donald Sutherland.

Resulta interesante ver la recreación de un poblado celta, ya que en otras ocasiones los enemigos son simplemente tribus salvajes que aparecen de repente para luchar, pero aquí se puede ver un poco más la inmersión en cómo vivían los pueblos de origen céltico que habitaban en los Highlands. El mostrar al enemigo de un modo más cotidiano hace también ver que en una guerra todos en ambos bandos han sufrido las mismas tropelías por parte del contrario, y que el concepto de los buenos y los malos no se puede establecer de una forma genérica sino que se debe juzgar cada situación particular. Al final las guerras las comandan los políticos pero las relaciones humanas de las personas que se ven cara a cara en el campo de batalla son las que tienen autoridad moral para juzgar quienes son los buenos y quienes los malos. Honor y traición son dos términos que se utilizan en los diálogos durante todo el metraje.

Curiosamente, siendo una película de acción y aventuras, las escenas de lucha son un punto débil por ser algo confusas y caóticas. A veces se echa de menos el ralentí perfectamente coreografiado de 300 para ver lo que pasa en vez de intuirlo. Los diálogos son correctos, pero no creo que de aquí vaya a salir ninguna frase antológica. Sin embargo el espíritu de clásico de aventuras y la tensa relación de los protagonistas entre la lealtad y la traición, mantienen el interés de esta cinta de romanos que sin llegar al nivel Gladiator, resulta un film bastante decente, ameno y entretenido.

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Vídeo de Galax Pictures sobre temática celta: El visionario
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Hace 80 años se encendieron las luces

2011-04-04T00:02:00.007+02:00

El 4 de abril de 1931 se estrenaba en España Luces de la ciudad (City lights), una de las obras maestras de Charles Chaplin. Película redonda como pocas con uno de los finales más emotivos de la historia del cine. Estrenada como muda en pleno furor del cine sonoro, acaparó un enorme éxito internacional. Su rodaje se inició en 1928 unos meses antes del estreno de El cantor de Jazz (The jazz singer), la primera película sonora que tuvo una repercusión demoledora en la industria del cine. Sin embargo Chaplin sabía que no podía hacer hablar a Charlot, o se rompería la magia. Aun así se valió de la sonorización para tener el control de cómo la música debía acompañar a las imágenes y para incluir algunos efectos de sonido a lo largo del metraje, e incluso se permitió una broma en la secuencia inicial de la película en la que durante la inauguración de un monumento se da un discurso del que no se entiende nada de lo que dicen, y a partir de ahí toda la película transcurre como siempre, con pantomima e inserto de carteles con los diálogos escritos, no hablados.

La cinta cuenta la historia de un vagabundo enamorado de una florista ciega, la cual por un malentendido piensa que él es un acaudalado caballero. El altruismo de Charlot, que sin tener absolutamente nada se deja la piel para ayudar a la joven invidente, resulta admirable y entrañable. Virginia Cherrill como la florista, Harry Myers como un millonario deprimido que se da a la bebida y sólo reconoce al vagabundo como su amigo cuando está borracho, y Chaplin en su sempiterno rol de mendigo, forman un trío protagonista de una solidez aplastante, tanto en el trabajo interpretativo de los actores como en el trazado de los personajes a nivel de guión.
Los valores humanos positivos como el amor y la generosidad desinteresada, o los problemas sociales que trata de fondo, como la diferencia de clases o el poder del dinero, son todos ellos temas tan universales y atemporales que dotan a esta película de una vigencia imperecedera en el tiempo. Y desde luego cuenta con la maestría de Chaplin para plasmar estas ideas en imágenes y transmitirlas adecuadamente al público de diferentes generaciones.

La he visto varias veces a lo largo de unos cuantos años. No fue de las primeras que descubrí de Chaplin, había visto con anterioridad La quimera del oro, El chico, El gran dictador (mi favorita) y Tiempos modernos. Cuando vi Luces de la ciudad no me llamó excesivamente la atención, o al menos no me cautivó de buenas a primeras como otros títulos suyos, pero debo reconocer que a medida que pasa el tiempo la valoro cada vez más.

En definitiva Luces de la ciudad es una joya cinematográfica que cumple 80 años y mantiene intacto su encanto. Es hilarante y sentimental a la vez. Algunos gags cómicos continúan hoy en día arrancando carcajadas tanto a niños como a adultos, y el final sigue resultando sencillamente conmovedor.

Ficha de la película
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Viviendo contrarreloj

2011-04-02T17:17:00.008+02:00

Cartas a Dios (Oscar et la Dame Rose, 2009) es una producción francesa que nos cuenta la historia de un niño llamado Oscar hospitalizado por tener cáncer. Un día se siente traicionado al descubrir que le queda poco tiempo de vida y ni sus padres ni su médico se lo quieren decir. Una mujer vestida de rosa que vende pizzas al hospital, y que nunca se ha planteado las obras de caridad, pues ya tiene bastante con sus propios problemas, se acaba convirtiendo en la mejor amiga y confidente del crío.

Sin duda tiene muchos puntos en común con Vivir para siempre, de Gustavo Ron, ya que la base argumental es la misma, la de un niño enfermo terminal que quiere experimentar lo que no va a poder vivir, sin embargo el enfoque del drama y el tono son bastante diferentes. En esta cinta abundan las imágenes oníricas con aire a surrealismo cómico francés tipo Amelie, con colores muy chillones que contrastan fuertemente con la fotografía sombría y fría que retrata la realidad del hospital donde está ingresado el protagonista. El niño Amir Ben Abdelmoumen está muy bien en su papel, difícil para alguien de su edad, pero es de justicia reconocer que la gran estrella de la función es la actriz Michèle Laroque en su papel de Rose. Transmite mucha energía y tiene una gran presencia en pantalla. En papeles secundarios destaca la figura siempre carismática del veterano Max Von Sydow.

La película es la segunda incursión como director del escritor Eric-Emmanuel Schmitt, que debutó tras las cámaras en 2006 con Odette, una comedia sobre la felicidad. En ambos casos se trata de adaptaciones de sus propias novelas a la pantalla. El resultado final es una buena película con algunos momentos divertidos y otros emotivos, que se deja ver con agrado.

Con Cinemanet asistí el pasado miércoles 30 de marzo al preestreno del film en el cine Palafox de Madrid. El evento contó con la presencia del propio director para presentar la película, que llegará a las salas españolas el próximo 15 de abril. En Francia se estrenó en diciembre de 2009 y ahora llega a España distribuida por Karma Films.

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Ficha de la película
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Tiempos revueltos

2011-03-27T16:22:00.004+02:00

Un periodista recibe de su editor el encargo de escribir un libro sobre San José María Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei. En su investigación recurre a su padre, del que lleva alejado varios años, que había sido amigo de la infancia de José María. Sin embargo Manolo se muestra en principio reacio a ayudar a su hijo, ya que prefiere no remover el pasado. Este es el punto de partida de Encontrarás dragones (There be dragons, Roland Joffé 2011).

Como se puede apreciar, el arranque del film recuerda al de Ciudadano Kane (Citizen Kane, Orson Welles 1941), la reconstrucción de la vida una figura pública a través de una investigación periodística. Por otra parte el pasado oscuro que se irá revelando poco a poco trae reminiscencias de la reciente Incendies, que si bien aquella tenía como trasfondo de la tragedia la guerra civil libanesa, la cinta de Joffé enmarca la trama en la contienda española.

La ambientación de las distintas épocas que recrea es impresionante, con gran atención al detalle. El guión tiene una estructura muy sólida y las interpretaciones de los protagonistas son muy solventes, especialmente de Charlie Cox y Wes Bentley en los papeles de José María y Manolo respectivamente. Completa el reparto principal la otrora chica Bond de Quantum of solace Olga Kurylenko, en un rol correcto pero poco desarrollado para la relevancia de su personaje en la trama. En papeles secundarios encontramos rostros conocidos del cine español como Jordi Mollá o Ana Torrent.

La banda sonora es de esas que se acoplan perfectamente a las imágenes y pasa casi inadvertida para el espectador. Muy buena película en general, a la que solamente se le puede achacar para ser totalmente redonda, el hecho de que le falte algo de intensidad emocional en algún momento que lo requiere.

El director de La misión (The misión, 1986) y Los gritos del silencio (The killing fields, 1984) utiliza como telón de fondo histórico la guerra civil española y la creación del Opus Dei, para desarrollar un drama de ficción con varios temas de interés, donde el principal es el perdón y tangencialmente toca otros como la amistad, la redención y la sinrazón de la guerra.

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El club de los directores malditos

2011-03-19T12:09:00.004+01:00

Hay determinados directores a los que el Oscar a Mejor director se les resiste, a pesar de haber hecho muchos méritos para merecerlo, algunos incluso más que otros que sí han recibido la preciada estatuilla. Con el tiempo unos acaban recibiéndolo, otros no lo han recibido nunca, y otros siguen en activo y por tanto aun hay esperanzas.

Uno de los casos más paradigmáticos es el de Steven Spielberg. Hoy día cuenta ya con dos galardones, por La lista de Schindler (1993) y Salvar al soldado Ryan (1998). Sin embargo fue nominado en cuatro ocasiones más antes de ganar el primer Oscar, a saber Encuentros en la tercera fase (1977), En busca del Arca perdida (1981), E.T. (1982) y El color púrpura (1985). Posteriormente a sus dos victorias volvió a ser nominado por Munich en 2005, pero un tercer Oscar quizá pensaron sería demasiado. Algo parecido le ocurrió a su admirado David Lean, que ganó en dos ocasiones consecutivas por El puente sobre el río Kwai (1957) y Lawrence de Arabia (1962), pero con Doctor Zhivago (1965) se quedó sólo con la nominación. Antes de ganar sendas estatuillas había sido nominado en tres ocasiones más por Breve encuentro (1945), Cadenas rotas (1946) y Locuras de verano (1955). Su última nominación fue por Pasaje a la India (1984).

Un caso reciente de justicia tardía es el de Martin Scorsese, que fue reconocido como Mejor Director por Infiltrados (2006) tras otras cinco nominaciones anteriores durante más de veinte años de carrera profesional: Toro salvaje (1980), La última tentación de Cristo (1988), Uno de los nuestros (1990), Gangs of New York (2002) y El aviador (2004).

Sin embargo grandes genios como Charles Chaplin o Alfred Hitchcock nunca fueron reconocidos en esta categoría por la Academia de Hollywood. El inolvidable Charlot recibió dos premios honoríficos, uno en 1928 con El circo por su versatilidad artística, y el otro en 1972 por su gran aportación a la industria del cine. En 1973 recibió el Oscar a la mejor música por Candilejas, pero nunca lo nominaron como Mejor Director. Por otra parte el mago del suspense fue nominado hasta en cinco ocasiones por Rebeca (1940), Náufragos (1944), Recuerda (1945), La ventana indiscreta (1954) y Psicosis (1960), pero no recibió ningún galardón hasta que le otorgaron en 1968 el premio Irving Thalberg, que la Academia concede a personas relevantes de la producción cinematográfica. A Spielberg se lo dieron en 1987.

Ridley Scott, responsable de clásicos de ciencia ficción como Alien (1979) y Blade Runner (1982) aun no ha recibido un Oscar a mejor Director a pesar de haber estado nominado en tres ocasiones: Thelma y Louisse (1991), Gladiator (2000) y Black Hawk derribado (2001). Lo más curioso es que Gladiator fue la triunfadora de su año con cinco galardones pero le fue negado el premio a su director. Este año hemos podido ver cómo David Fincher no sólo estaba nominado sino que además su película La red social partía como favorita y finalmente no ganaron ni la película ni el director. Y además es la segunda vez que le ocurre, ya que con su anterior film, El curioso caso de Benjamin Button, se vio en la misma situación. Parece que Fincher está entrando en este club de directores a los que la Academia de Hollywood se resiste a reconocer su talento detrás de las cámaras.

Reseñado en Sensacine

Aprendiendo a vivir

2011-03-13T12:06:00.006+01:00

Un jubilado inquieto, y gran admirador de El Quijote, decide matricularse en la universidad. Es el punto de partida de la producción mexicana El estudiante (Roberto Girault, 2009), una deliciosa historia de amor, amistad y buenos sentimientos en clave de comedia melodramática. La relación del protagonista con su mujer es la de un matrimonio maduro muy unido que tras muchos años juntos siguen manteniendo la ilusión del primer día, muy similar al caso de Up. Por otra parte está el núcleo argumental, las peripecias de este hombre en las aulas con sus compañeros de clase, todos ellos veinteañeros. Estos jóvenes encontrarán en su nuevo colega a un gran amigo y una fuente de sabiduría e inspiración para encontrarse a sí mismos.

La escasez de medios técnicos se ve suplida con creces por un hábil manejo del ritmo narrativo y un equipo muy motivado que se ha volcado al cien por cien en el proyecto, confiriéndole una enorme fuerza al conjunto. Especialmente el actor principal, el veterano Jorge Lavat, transmite mucho y llena la pantalla con su mera presencia.

A pesar de un inicio bastante arquetípico con algún que otro detalle un poco ñoño, el desarrollo de la película va incrementando la intensidad de las interpretaciones y alcanza varios momentos de emoción en estado puro.

Quien sea sensible a llorar en el cine que vaya a verla con una buena provisión de pañuelos. Es emocionante, positiva y muy agradable de ver.

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Dispersión de tono

2011-03-11T23:31:00.003+01:00

Un periodista con su vida personal patas arriba y un momento profesional de escasa inspiración, se encuentra con un músico callejero que resulta ser un genio venido a menos, debido a ser esquizofrénico, y decide ayudarlo. Esto cuenta Joe Wright en El solista (The soloist, 2009), una interesante historia real, muy correcta en sus formas pero lastrada por una dispersión de tono que hace complicada la empatía con el espectador.

Por un lado tenemos la relación del periodista, admirablemente interpretado por Robert Downey Jr., con su ex mujer, interpretada por una estupenda Catherine Keener, la agresiva ejecutiva de Algo pasa en Hollywood. La relación se esboza de forma que resulta interesante pero no la desarrolla del todo. Por otra parte está la historia del músico, encarnado por un correcto Jamie Foxx, del que se nos desvelan detalles de su pasado a través de varios flashbacks, pero tampoco nos lo cuentan todo y deja la sensación de que falta algo. Otro frente es el de mostrar la cruda realidad de los indigentes en la ciudad de Los Ángeles, pero también como película testimonial se queda en la superficie. Y finalmente la amistad que surge entre los dos protagonistas, que es el hilo argumental principal, no tiene la suficiente intensidad para sobresalir como tema principal entre tanta subtrama.

Esta dispersión de tocar varios palos sin profundizar realmente en ninguno le resta fuerza al conjunto de la película, que por otra parte resulta muy correcta en cuanto a fotografía, puesta en escena y algún que otro momento de poesía urbana generado por la música de violín sonando por las calles entre tanto acero y hormigón de la metrópolis.

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Tenemos un plan

2011-03-06T20:10:00.003+01:00

El habitual guionista George Nolfi debuta en la dirección con Destino oculto (The adjustment bureau, 2011), un thriller de ciencia-ficción basado en un relato del prolífico Philip K. Dick, con guión adaptado por el propio Nolfi. Un joven senador interpretado por Matt Damon, conoce a una bailarina, con el rostro de Emily Blunt, y se enamora irremisiblemente. Sin embargo unos hombres con sombrero, que se mueven en una realidad paralela, deciden que la pareja no puede permanecer unida porque no estaba en el plan establecido, y que si no renuncian a su relación sus vidas fracasarán estrepitosamente.

Las cuestiones de si el futuro está escrito, si la sociedad no es lo suficientemente madura para evolucionar por sí sola necesitando que alguien la guíe, si todo obedece a un plan y no somos tan libres como creemos, son las ideas que dan pie a la trama de la película. El pulso narrativo de su director es firme y el ritmo, a pesar de alguna caída puntual, es bueno y trepidante, especialmente al inicio y al final. El tono del film es como el de las historias de espionaje, con conspiraciones, persecuciones, secretos y demás, pero sin espías. Los miembros de la entidad secreta que trabajan para que se cumplan los planes, tienen un look parecido al de los antiguos agentes de la CIA.

Los efectos especiales están perfectamente integrados en el relato, tanto que no parece que haya muchos pero sí que los hay. Los protagonistas están muy convincentes en sus papeles. En un rol secundario encontramos al veterano Terence Stamp.

Lo único que se le puede achacar a la película es la sensación de que le falta trascendencia, cuando por los temas que trata podría tener, y tampoco aclara algunas cosas. No da la sensación de haber visto una gran película como ocurría con Origen, que siendo también un thriller de ciencia-ficción de mero entretenimiento, dejaba la impresión de haber visto algo de mayor calado de lo que parece a priori.
En resumen Destino oculto es un notable debut para su director y una entretenida historia sobre un hombre que por amor se rebela contra un futuro escrito que él no ha elegido. Romance, intriga y ciencia-ficción adecuadamente combinados son ingredientes idóneos para pasar un buen rato en el cine.

Hoy termina la 8ª Muestra Syfy de cine fantástico, que se abrió el pasado 3 de marzo con el preestreno de esta película, evento al que pude asistir gracias a la invitación que Sensacine sorteó en un concurso a través de Twitter.

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El sueño se convierte en pesadilla

2011-03-05T11:29:00.003+01:00

Espléndida interpretación de Natalie Portman en Cisne negro (Black swan, Darren Aronofsky, 2010). El director recrea una atmósfera muy absorbente que resulta en todo momento inquietante, para contarnos cómo una joven bailarina obsesionada con la perfección de su trabajo, vive una intensa y turbulenta experiencia ante la presión que le supone el hecho de protagonizar el ballet de El lago de los cisnes. Debe interpretar tanto al cisne blanco como al negro. Con el primero no tiene problema pero el segundo es el que le más le cuesta y su afán obsesivo por ser capaz de hacerlo de un modo perfecto le empieza a dar problemas.

El tono de la película es oscuro emocionalmente, y se plasma en imágenes con una textura muy particular de fotografía degradada y predominio de tonos blancos y negros. Este contrastado arco cromático combinado con los movimientos de cámara, le confieren al film una estética electrizante y envolvente.

De la misma forma que Watchmen ofrecía una visión muy primaria y oscura de la naturaleza humana y del mundo de los superhéroes, Cisne negro nos ofrece el lado más sórdido y siniestro del arte, concretamente del mundo de la danza. Sin embargo no resulta negativa en el sentido de que no trata de juzgar a un colectivo ni generalizar unos comportamientos, sino que se centra en el caso concreto de la protagonista. Tanto es así que la película resulta muy psicológica, ya que desde el primer fotograma al último todo se ve según el prisma subjetivo del personaje. Nos adentramos en una mente convulsa y problemática a través de Natalie Portman igual que hicimos con Leonardo Di Caprio en Shutter island y Origen.

En definitiva se trata de una película muy intensa, no apta para todos los gustos, con un trabajo muy meritorio de Natalie Portman, que le ha valido un Oscar, en un registro muy alejado de su imagen en la saga de Star Wars. Un ejemplo de que la perfección sólo existe en los sueños, que si se persiguen de forma obsesiva, se pueden convertir en pesadillas.

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Larga vida al rey

2011-03-01T23:38:00.004+01:00

El discurso del rey se ha proclamado vencedora en la 83 edición de los Oscar de Hollywoood con cuatro galardones, a saber Mejor película, director, actor principal y guión original. Es una espléndida película que disfruté mucho cuando la vi. Así como el galardón para Colin Firth como mejor actor lo tenía muy claro, pensaba que la mejor película sería La red social, y el mejor director David Fincher, que por su trayectoria y con este film se merecía más el premio que Tom Hooper, al menos desde mi punto de vista y sin menospreciar el exquisito trabajo de este último. Finalmente La red social se llevó 3 Oscar a Mejor montaje, guión adaptado y banda sonora original.

Parece que Fincher hace sus películas en sentido contrario a los criterios de la Academia. Hace dos años estuvo nominado por El curioso caso de Benjamin Button, una cinta deliciosa con cierto aire a clasicismo y glamour hollywoodense en sus formas, pero en aquella ocasión los académicos decidieron galardonar el cine más independiente y rompedor premiando a Danny Boyle y su potente Slumdog millionaire. Este año ha presentado La red social, que supone un retrato de la juventud de emprendedores de internet, un relato de rabiosa actualidad, moderno, impactante, pero esta vez la Academia se ha decantado por las formas más clásicas y glamourosas de una producción de época como El discurso del rey.

Sobre los Oscar para Christian Bale y Natalie Portman por The fighter y Cisne negro respectivamente, no tengo nada que objetar. Me quito el sombrero ante ambos astros de la pantalla. El apartado técnico ha sido copado por Origen, creo que de forma muy acertada, con cuatro estatuillas en las categorías de mejor fotografía, efectos visuales, sonido y montaje de sonido.

Pixar con Toy Story 3 ha seguido la estela de los clásicos de Disney acaparando los premios de mejor película de animación y mejor canción.

Para echarse unas risas

2011-02-26T18:02:00.006+01:00

Un cirujano plástico utiliza, para dar pena, la excusa de estar casado con una mujer que lo maltrata como estrategia para ligar. Un día conoce a una chica que le interesa de verdad, así que necesita mantener la mentira y le pide a su ayudante de la clínica que se haga pasar por su esposa, de que se supone que se está divorciando. Este es el argumento de Sígueme el rollo (Just go with it, Dennis Dugan 2011).

Divertidísima comedia de enredo con Adam Sandler y Jennifer Aniston como protagonistas. Les acompaña en un papel secundario Nicole Kidman, a la que sorprende ver en una producción de este tipo. Los diálogos tienen mucha chispa y entre los actores hay buena química. Sin embargo la puesta en escena, montaje y fotografía son los típicos de esta clase de comedias, en la línea de Algo pasa con Mary, Los padres de ella y tantas otras más. Hace poco veíamos Morning glory que tenía un punto de glamour añadido y una factura más elegante de lo habitual, pero que fallaba en que le faltaba gracia, resultaba descafeinada. Con Sígueme el rollo ocurre lo contrario, el acabado formal es más normalito pero los gags y los diálogos tienen mucha gracia, o al menos yo me he reído mucho y no fui el único en la sala. Como valor añadido cabe apuntar que la película dura casi dos horas, algo más de la media de este tipo de films que suelen rondar la hora y media, pero resulta entretenida hasta el final.

En definitiva una comedia muy graciosa de humor grueso con actores especialistas en el género que demuestran su veteranía y nos hacen pasar un rato agradable y divertido.

Sensacine ha invitado a sus colaboradores y seguidores a un pase previo del film con la colaboración de Sony Pictures.

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Difícil decisión

2011-02-24T00:09:00.002+01:00

Un grupo de monjes franceses del monte Atlas, en Argelia, fueron asesinados por fundamentalistas islamistas en el año 1996. El director Xavier Beauvois nos cuenta estos hechos en su aclamada película De dioses y hombres (Des hommes et des dieux, 2010). La vida en el monasterio bajo la constante incertidumbre de si serán o no atacados por los violentos extremistas que están aterrorizando al país, es la situación que mueve a los personajes a debatirse continuamente entre irse o quedarse, un dilema moral entre el miedo, la Fe y el deber.

El planteamiento del monasterio sitiado por una amenaza que se cierne sobre sus ocupantes, remite en cierto modo a algunos westerns, en los que un grupo de resistentes soportan la el asedio de los atacantes, ya sean indios, ejércitos enemigos o forajidos, en un fuerte, como en El Álamo (John Wayne, 1960) que en realidad era una antigua misión española, o en la comisaría de un sheriff como en Río Bravo (Howard Hawks, 1959).

Una historia de coraje, amistad y compromiso, con un elenco de actores excepcional, de interpretaciones muy contenidas que transmiten mucha emoción, entre los que destacan Lambert Wilson en el rol del abad y Michael Londsdale como el médico del lugar, que son los rostros más conocidos. Sin embargo también cabe citar a Olivier Rabourdin y a Jacques Herlin, el más veterano con cierto aire de sabio maestro que resulta muy entrañable. El trazado de los personajes es impecable. En ellos se reflejan las paradojas del ser humano. Aquel que físicamente parece más fuerte resulta más afectado psicológicamente ante la presión, y otro que está más achacoso por fuera denota más templanza para afrontar la situación. Una escena sublime, musicalizada con El lago de los cisnes de Tchaikovsky, consigue la total empatía del espectador con el destino de los personajes.

El film transcurre con un ritmo pausado y reflexivo, como la vida de los monjes, fotografiada con una iluminación muy sobria y naturalista. La única pega que se le puede poner es que dure dos horas, ya que se le podrían reducir diez o quince minutos de metraje y no pasaría absolutamente nada.

En definitiva una estupenda película, de enorme valor humano, que denota un gran respeto del director hacia los monjes, la historia que cuenta y el público que la está viendo.

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Los inicios de Galax

2011-02-19T12:45:00.002+01:00

Comencé a escribir este blog en febrero de 2007. Eso significa que este mes hace 4 años de andadura esta aventura bloggera. Además de hablar de cine en general y de analizar las películas de estreno en particular, también me ha servido para dar interactividad a la web principal Galax Pictures, de forma que se puedan comentar los distintos vídeos que se van publicando.

La web comenzó unos meses antes que el blog, en octubre de 2006, por lo tanto los primeros vídeos no tienen su propio post para dejar comentarios. Por eso aprovecho este cuarto aniversario del blog para que este post sea el que dé interactividad a los primeros cortos de Galax Pictures en la red.

El primero fue un corto que realicé en 2004 titulado La hora del felino, con dos gatos como protagonistas. Simultáneamente se publicó otro de 2005 bajo el título de Sólo el CD, un thriller sobre una investigación policial. Finalmente en diciembre de 2006 se estrenó online El vengador, nuevamente en el género de thriller, sobre un asesino a sueldo que acepta los trabajos en función de que las condiciones del trato cumplan con su particular código ético.

Invito a quien no los haya visto a que les eche un vistazo, o a quien ya los conozca que los revisione, y si quieren dejar algún comentario, ahora ya tienen donde hacerlo.

Érase una chica a una melena pegada

2011-02-17T23:35:00.004+01:00

Walt Disney vuelve a sorprender con Enredados (Tangled, Byron Howard y Nathan Greno, 2010), una muy libre versión del cuento clásico Rapunzel, de los hermanos Grimm. La joven Rapunzel vive encerrada en lo alto de una torre en lo más recóndito del bosque. La maquiavélica Gothel la mantiene alejada de la realidad para beneficiarse de los poderes mágicos de su larguísima melena rubia. Un día un simpático ladrón, en plena huída de los soldados, se topa con la torre y la cosa cambia.

Al inicio parece una más del tío Walt, pero pronto empiezan los giros de guión en la trama acompañados de espectaculares escenas de acción, concebidas para sacar partido al 3D, y frescos golpes de humor, que acaban haciendo de Enredados una muy equilibrada película entre la tradición Disney y el tono más moderno y desenfadado propio de otras productoras como Dreamworks o Fox Animation.

La técnica de animación es magistral, especialmente en lo que concierne a la iluminación y a la textura del cabello, tanto el de Rapunzel como el de su malvada madrastra. La música de Alan Menken acompaña estupendamente al conjunto, como ya hizo en otros grandes éxitos de la casa como La sirenita, La bella y la bestia, Aladdin o Pocahontas.

Divertida, fresca, dinámica y entrañable película familiar con el sello Disney, mucho mejor de lo que parece a priori, y con un alto nivel técnico en lo que se refiere a la animación 3D.

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Reseñado en Sensacine

Érase una vez en Cuba...

2011-02-12T11:48:00.004+01:00

Tras seis años de arduo trabajo llega a las pantallas Chico y Rita (Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, 2010), una película de animación para adultos del Estudio Mariscal. Cuenta la apasionada historia de amor a lo largo de más de 60 años entre una cantante y un pianista de La Habana.
La película es una arriesgada apuesta de animación en 2D. Una trama que podría haberse rodado perfectamente con actores reales, pero que en dibujos animados resulta más ideal, más mágico. La omnipresente y estimulante música de Bebo Valdés contribuye notablemente a conseguir esa magia en el conjunto del film.

La recreación que se hace de Cuba tanto en los años 40 y 50 como en la actualidad es magistral, con una especial atención al detalle que denota un excepcional trabajo de documentación realizado para la ocasión. Este detallismo hace que, siendo un dibujo y no un escenario real, se transmita perfectamente el ambiente de las distintas épocas. Ahí reside su grandeza.

La película acaba siendo un gran homenaje al jazz, donde la música se convierte en la gran protagonista de la cinta, algo parecido a lo ocurrido en 2005 con Habana Blues, de Benito Zambrano, que contaba la historia de dos amigos músicos a los un día se les presenta la ocasión de salir de la isla con la propuesta de unos productores musicales españoles.

Chico y Rita tiene una historia de amor de encuentros y desencuentros en el tiempo, algo que no es nuevo pero que es universal y eso la hace atemporal. Por tanto es disfrutable siempre que se presente de una forma original e innovadora, y ahí es donde la película encuentra su fuerza, en cómo nos cuentan esa historia. Es a la vez original y clásica, mágica y real.

Sensacine ha invitado a sus colaboradores y seguidores a un pase en primicia de esta película que llegará a las carteleras españolas el próximo 25 de febrero. Los asistentes al evento han tenido la ocasión de charlar con el director Tono Errando tras la proyección del film.

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Conflictos familiares

2011-02-07T22:56:00.005+01:00

Impresionante interpretación de Christian Bale en The fighter (David O. Russell, 2010) encarnando a un ex boxeador enganchado al crack, que entrena a su hermano menor para que se convierta en el nuevo campeón del barrio. Basada en hechos reales, la película cuenta el conflicto familiar ocasionado por la diferencia de opiniones sobre cómo dirigir la carrera profesional del benjamín de la casa como boxeador, interpretado por Mark Wahlberg.

La película retrata la vida del barrio obrero de Lowell, donde ocurren los hechos, de forma realista pero equilibrada visualmente, sin caer en detalles sórdidos. Tan sólo llega al hiperrealismo en el aspecto verbal. El acento de los actores, seguramente es muy real pero cinematográficamente puede ser un hándicap para llegar a determinados sectores de público y crítica. De hecho al principio puede resultar algo localista, por el retrato que hace de los protagonistas, pero en cuanto se empieza a desarrollar la trama familiar y de lucha por triunfar, el tema de la película se hace universal y por tanto de interés general.

Historia de autosuperación en entorno pugilístico, tipo Rocky, con una potente banda sonora y unos personajes muy bien perfilados e interpretados entre los que destaca notablemente Christian Bale con una caracterización totalmente opuesta a su habitual imagen de héroe que ha venido ofreciendo en los últimos tiempos, como en la saga de Batman, El tren de las 3:10 o Terminator salvation. El cambio de registro le ha valido el Globo de Oro a Mejor Actor de Reparto y está nominado al Oscar en la misma categoría.

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Reseñado en Sensacine

Medallas CEC 2010

2011-02-06T17:02:00.008+01:00

El pasado 31 de enero se entregaron las medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) en el cine Palafox de Madrid. La gala fue presentada por los actores Miriam Giovanelli y Rubén Ochandiano. La gran vencedora de la noche fue También la lluvia, que acaparó seis galardones: Mejor Película, Director (Icíar Bollaín), Guión Original (Paul Laverty), Actor Secundario (Karra Elejalde), Fotografía (Alex Catalán) y Música (Alberto iglesias).

Las demás películas premiadas se llevaron una medalla cada una: el Mejor Montaje fue para Enterrado (Buried) de Rodrigo Cortés. Biutiful se llevó el premio a Mejor Actor para Javier Bardem. El Mejor Guión Adaptado fue para Gustavo Ron por Vivir para siempre. En cuanto a las actrices las galardonadas fueron: Petra Martínez a Mejor Actriz por Nacidas para sufrir y Eva Santolaria como Mejor Actriz Secundaria en Héroes. La directora Juana Macías se llevó el Premio Revelación por Planes para mañana. Completan el palmarés Toy Story 3 como Mejor Película Extranjera y La última cima como Mejor Documental.

La medalla a la Labor Literaria y Periodística este año fue para el escritor Emilio C. García Fernández, y la Medalla de Honor para el veterano actor Tony LeBlanc, premio que recogió su hijo pronunciando unas emotivas palabras en nombre de su padre.

El evento resultó ameno y dinámico, con correctas dosis de humor y unos presentadores que aportaron frescura y buenas vibraciones al ágil guión de la ceremonia . Tras la entrega de premios se proyectó la película The Fighter, que se estrenó en las carteleras el pasado viernes 4 de febrero.

Cinemanet y Galax Pictures asistieron al acto. Este es el reportaje:

Reseñado en Sensacine

Hablando de la muerte

2011-02-01T20:20:00.003+01:00

La cita anual con el veterano Clint Eastwood, nos trae en esta ocasión Más allá de la vida (Hereafter), un drama de tres historias entrecruzadas que tienen en común a personas que han pasado por alguna experiencia con la muerte. La película comienza con una periodista francesa que sobrevive a un tsunami pero que ha tenido un contacto con el más allá, y a partir de esta traumática experiencia su vida cambia. Por otra parte en San Francisco se desarrolla la historia de un médium que tiene el don de contactar realmente con los difuntos, pero que para él supone una maldición ya que quiere llevar una vida normal y no puede. Finalmente en Londres un niño tímido e introvertido sufre la pérdida de un ser querido y busca la forma de entrar en contacto con él.

La película transcurre con un ritmo muy pausado y reflexivo, quizá demasiado en algún momento. Empieza muy fuerte con la escena del tsunami y luego va bajando la intensidad pero no vuelve a recuperarla en ningún momento, y ese es quizá el punto que hace que la película no sea del gusto de todos ya que para algunos puede resultar un poco pesada. Tiene varios momentos importantes pero están demasiado dispersos a lo largo del metraje. El tema central es la muerte, pero tangencialmente se tocan otros temas interesantes como lo efímero de la fama, la hipocresía de la sociedad, la soledad de quienes son diferentes y no encajan en la corriente social predominante, e incluso la fortaleza de los lazos familiares.

Con respecto a los intérpretes todos están muy bien, especialmente Matt Damon, que transmite mucho con una interpretación de emoción contenida. Además su personaje tiene más cancha para lucirse esta vez, ya que en su anterior trabajo a las órdenes de Eastwood, Invictus, la estrella era con diferencia el presidente Mandela magistralmente interpretado por Morgan Freeman. Pero volviendo a lo que nos ocupa este año, es también digno de mención el niño, Frankie McLaren, que transmite bastante y tiene escenas muy meritorias. En determinados gestos de los actores y en el uso de claroscuros para fotografiar algunas secuencias, es donde se ve el sello de su autor, los rasgos característicos del cine de Eastwood.

La película ha sido producida por Steven Spielberg, una colaboración que ya habían tenido ambos cineastas en la dilogía bélica formada por Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima. Más allá de la vida no llega a la intensidad de Gran Torino pero es en general una muy buena película.
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II Edición Premio Personaje

2011-01-30T13:30:00.003+01:00

Cinemanet entrega en Madrid el Premio Personaje al protagonista de la película Vivir para siempre, de Gustavo Ron. El director fue el encargado de recoger el galardón. Como en otros actos de la asociación, Galax Pictures ha cubierto el evento.

El turbio pasado

2011-01-23T23:47:00.004+01:00

En Canadá muere una mujer de origen libanés. Sus hijos acuden a ver al notario para leer el testamento y se encuentran con una extraña petición de su madre: deben encontrar a su padre, al que creían muerto, y a un hermano que hasta ahora no sabían que existía. Esta misión les llevará al Líbano a investigar el turbio pasado de su madre, sobre el cual ella siempre guardó silencio. Este es el punto de partida de Incendies (Denis Villeneuve, 2010), producción canadiense que plantea un potente drama familiar de ecos shakesperianos con la guerra civil libanesa como telón de fondo.

Siguiendo el ejemplo de Ciudadano Kane, la película está narrada en dos tiempos: la historia en la actualidad de los hermanos investigando, y el pasado de su madre puesto en imágenes que se va construyendo a base de flashbacks a lo largo del metraje. Todo ello con un ritmo narrativo pausado muy lineal sin altibajos, algo que resulta positivo y negativo a la vez. Es bueno en el sentido que el misterio se va desgranando poco a poco, la información que se va dando al espectador está muy bien dosificada para mantener el interés en todo momento. Por otra parte tiene el inconveniente de que cuando se van descubriendo puntos claves de la trama la escena no alcanza el clímax emocional que quizá debiera tener precisamente porque no se detecta un cambio de ritmo, y esto hace que el conjunto globalmente puede resultar algo frío. Es como una persona poco expresiva que te cuenta un chiste igual que te da el pésame, todo con el mismo tono.

Por otra parte los actores están todos muy convincentes en sus respectivos papeles, especialmente la protagonista Lubna Azabal. La fotografía es muy sobria y también muy constante, al igual que el ritmo. La música sin embargo sí que ayuda a crear en algún momento un cambio emocional. También es de agradecer que en algunos momentos en que otros directores se habrían recreado en detalles escabrosos, éste haya recurrido a las elipsis para no mostrar escenas desagradables.

En general una buena película, con una historia un tanto rocambolesca, bien interpretada y bien dosificada en su narración.

Sensacine ha invitado a sus colaboradores y seguidores a un pase privado de la película que se estrenará en cines el próximo 11 de marzo.

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Buenos días in the morning

2011-01-22T13:02:00.004+01:00

El cine ha tratado en numerosas ocasiones su propia industria entre bambalinas, tal como veíamos hace poco en También la lluvia. Sin embargo la televisión también tiene su filmografía en la que se han tratado los diferentes formatos del medio. Por ejemplo Tootsie (Sydney Pollack, 1982) con un inolvidable Dustin Hoffman haciéndose pasar por actriz, mostraba el backstage de las teleseries. En Quiz Show (Robert Redford, 1994) se abordaba el mundo de los concursos televisivos. Más recientemente y en clave de comedia Showtime (2002) se atrevía con los realities juntando en la pantalla a Robert de Niro y Eddie Murphy en roles de dos policías antagónicos que se convierten en un protagonistas de un programa sobre la vida policial. En clave de melodrama romántico con Robert Redford y Michelle Pfeiffer ante las cámaras, Jon Avnet nos mostraba en 1996 los entresijos de los noticiarios televisivos Íntimo y personal (Up close and personal). Este último formato es el que nos trae ahora Morning glory, la nueva película Roger Mitchell, director de Notting Hill, que ha unido sus fuerzas con la guionista Aline Brosh McKenna, responsable del libreto de El diablo viste de Prada, en una comedia ligera, quizá demasiado ligera, sobre el mundo de la tele por dentro.

Una joven productora de televisión en paro busca desesperadamente un nuevo empleo y lo encuentra en una cadena nacional para producir el programa matinal de la emisora, que está llena de curtidos divos televisivos y pasa por una mala racha de audiencia.

Película para lucimiento de Rachel MacAdams, a la que hay que reconocer que se esfuerza considerablemente en su papel, secundada por veteranos de lujo como Diane Keaton, Harrison Ford y Jeff Goldbum. Una cinta muy agradable de ver, de factura impecable, que tiene el inconveniente de quedarse a medias en lo que sugiere. Por un lado tiene el tono de las comedias románticas pero no desarrolla suficientemente el romance, centrándose más en la carrera al éxito de la protagonista, y por otra parte si no se va a meter en sentimentalismos podría decantarse por la exageración para producir carcajadas, pero tampoco llega a ese nivel. Tiene un pico de risas a mitad de película pero en el resto simplemente esboza la sonrisa. Por tanto no tiene la suficiente química emocional entre actores para ser una comedia romántica pero tampoco se desmelena lo suficiente para ser una comedia desmadrada. Esto hace que el conjunto resulte un poco descafeinado.

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Rodaje peligroso

2011-01-17T23:31:00.005+01:00

Se han hecho muchas películas sobre el cine por dentro, los avatares de directores, productores y actores, especialmente en Hollywood. Con un guión de Paul Laverty, habitual colaborador de Ken Loach, la directora española Icíar Bollaín nos trae También la lluvia, la historia de un equipo de rodaje que en el año 2000 se desplaza a Cochabamba (Bolivia) para rodar una película sobre la llegada de Colón a América, y durante el rodaje se ven envueltos en pleno conflicto de la guerra del agua entre indígenas y gobierno.

Cabe destacar varios matices de este film. En primer lugar es muy interesante el planteamiento en sí mismo de la historia, mezclando el cine testimonial de un hecho real, como fue el conflicto del agua, con una historia ficticia sobre el rodaje de una película. Por otra parte esta segunda trama también es muy representativa de la industria del cine actual, en la que están muy en boga las coproducciones, de forma que nos presentan un equipo internacional con un productor español, un director mexicano, una chica argentina que graba el making of, y unos inversores angloparlantes a los que sólo se les oye a través del teléfono. El trazado de personajes es correcto, son creíbles, si bien son algo arquetípicos: el productor es práctico, expeditivo, obsesionado con no gastar más de lo necesario. El director vive en su mundo ensimismado con su arte, el actor principal es un divo cínico de vuelta de todo que bebe en exceso y los actores secundarios son jóvenes que viven con ilusión sus respectivos personajes.

Hasta aquí el planteamiento. En cuanto al resultado final se puede decir que es bastante bueno pero con ciertas irregularidades. El arranque es brillante: la forma en que se va presentando poco a poco a los personajes y lo que están haciendo, mientras en paralelo se va introduciendo el problema social que les rodea. Las distorsiones vienen en el desenlace, cuando estalla el conflicto. Algunas situaciones se resuelven de forma algo forzada o precipitada resultando un poco artificiosas.

En cuanto a los actores se puede decir que los secundarios están correctos, Gael García Bernal como director da bandazos, a veces se le ve algo desorientado, mientras que a Luis Tosar y Karra Elejalde en los roles respectivos de productor y actor principal, se les nota muy cómodos en la piel de sus personajes.

En general una película que no es redonda pero sí muy estimable y meritoria en su planteamiento.

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Reseñado en Sensacine

Mis cortos en Notodofilmfest

2011-01-15T11:56:00.003+01:00

El pasado día 4 de enero finalizó el plazo de presentación de cortometrajes a la novena edición del certamen de cortos online Notodofilmfest. En esta ocasión he presentado dos nuevos vídeos a concurso.

El pasado mes de octubre me registré en el certamen para presentar en el apartado de Triple destilación, en el que concurren vídeos de 30 segundos de duración, La oficina asesina, que trata sobre los riesgos laborales en los trabajos administrativos.

Más tarde acabé dando forma a un proyecto que me rondaba la cabeza desde hacía unos meses. Quería hacer un experimento con cine de animación de una forma totalmente artesanal, puesto que no dispongo de ningún software específico de animación. Así pues me lancé a crear los fotogramas del corto con un editor de vídeo, dibujos hechos a lápiz y otros con autoformas de PowerPoint, retocados convenientemente con Photoshop. El resultado final ha sido El legado de Endimión, un cortometraje de animación y ciencia ficción sobre la pasión de un hombre por la luna.

Estos son los 2 cortometrajes que estreno en el festival online Notodofilmfest. Alea jacta est (La suerte está echada).

Supervivencia

2011-01-08T20:45:00.006+01:00

El prestigioso director australiano Peter Weir, responsable entre otras de El show de Truman, Único testigo, La costa de los mosquitos o El club de los poetas muertos, estrena Camino a la libertad (The way back, 2010), una extraordinaria historia de bondad, fuerza de voluntad, perdón y amistad. El periplo de siete presos fugados de un gulag soviético durante la II Guerra Mundial, que recorren más de 6000 km a pie atravesando montañas y desierto, sirve de base para un relato profundamente humano de supervivencia en una naturaleza agreste, dura y hostil sin apenas recursos ni provisiones.

Cada uno de los fugitivos tiene su historia particular, un motivo diferente por el que han sido víctimas de la barbarie de Stalin, pero que se ven unidos en la adversidad por su ansia de libertad. En algunos momentos, y salvando las distancias, puede parecer una versión salvaje y bestia de The Way.

La presentación de los personajes es magistral. Weir se toma su tiempo dentro del campo de concentración para ir perfilando a cada uno de ellos y establecer las distintas relaciones entre sí antes de ir al meollo de la cuestión que es la fuga y posterior viaje desde Siberia hasta la India. Sus películas siempre se han caracterizado por tener un ritmo narrativo pausado pero en el que todo lo que va apareciendo en pantalla resulta interesante para el espectador. Tras siete años sin dirigir, desde 2003 en que presentó la aclamada Master & Commander, este autor mantiene su poder de transmitir mucho con ese característico y aparentemente sencillo estilo de narración con emociones contenidas.

Por otra parte el elenco de actores es estupendo, bien dirigidos. En su mayoría son rostros desconocidos secundados por dos grandes astros: Ed Harris y Colin Farrel. Harris constata una vez más que su mera presencia hace ganar puntos a la película, algo ya comprobado en títulos como La Roca o Enemigo a las puertas, sin olvidar su memorable encarnación de genio de la música en Copying Beethoven. Por otra parte Farrel demuestra que cuando es bien dirigido puede hacer grandes papeles, como ya pudimos ver en El sueño de Casandra a las órdenes de Woody Allen. Curiosamente tanto en la cinta de Allen como en la presente sus personajes tienen un problema de adicción al juego, si bien la psique de ambos es muy diferente; en aquella era un tipo débil e inestable con grandes remordimientos de conciencia mientras que aquí es un sanguinario y despiadado asesino ruso. En un papel muy secundario encontramos al carismático Mark Strong, que ha destacado en los últimos tiempos con títulos como Red de mentiras, Sherlock Holmes o Robin Hood. El joven actor británico Jim Sturgess encabeza el reparto con una sólida interpretación de un militar polaco de fuertes convicciones.

La música y la fotografía acompañan convenientemente el conjunto sin estridencias estilísticas. En general una aventura épica muy humana con buenos diálogos y estupendos actores, servida por un gran director como es Peter Weir.

Leer critica Camino a la libertad (the way back) en Muchocine.net

También publicada en Cinemanet

Reseñada en Sensacine.

El ranking del buen rollo

2011-01-06T12:20:00.006+01:00

Como en años anteriores toca hacer balance de las películas reseñadas en este blog que se han estrenado en las carteleras españolas durante el año que acaba de terminar. Esta vez me ha interesado especialmente hacer hincapié en aquellas películas que dejan buen cuerpo.

Algunos films son objetivamente muy buenos pero cuentan cosas tan terribles que uno sale del cine queriendo cortarse las venas. Son cintas incómodas, desasosegantes o desagradables, que no son aptas para ver en cualquier momento.

Como me apetece empezar 2011 con buenas vibraciones he elegido para el top 10 de 2010películas que, además de ser buenas, transmitan buen rollo. Algunas son deliberadamente optimistas con un claro mensaje positivo, y otras no tienen ningún contenido explícito en esta línea pero dejan la satisfacción de haber visto una buena película, y aunque sean algo inquietantes no transmiten mal rollo. Es por tanto una selección de metrajes que me atrevería a recomendar a cualquier persona en cualquier momento, y que de alguna forma dejan buen sabor de boca tras su visionado.

En base a esta premisa el Top 10 de Galax Pictures Cine Blog en cuanto a los estrenos en España durante el año 2010 es el siguiente:

1. La red social
2. El discurso del rey
3. El concierto
4. Invictus
5. El escritor
6. Origen
7. Vivir para siempre
8. The Way
9. Cómo entrenar a tu dragón
10. La última cima

Reseñado en Sensacine

El rey tartamudo

2011-01-04T00:31:00.005+01:00

El discurso del rey (The king’s speech, 2010) nos cuenta las peripecias de Su Majestad George VI cuando tuvo que dar una arenga de gran relevancia al comenzar la II Guerra Mundial. En los albores de la contienda, el rey George V de Inglaterra fallece. Ante la abdicación de su sucesor Edward VIII, el duque de York, siguiente en la línea sucesoria, se corona como nuevo monarca, el rey George VI, pero tiene un gran problema: es tartamudo, lo que le supone un gran hándicap para hablar en público y poder dirigirse a la nación en tiempos difíciles que requieren transmitir seguridad al pueblo. Su esposa busca un logopeda algo excéntrico para resolver la situación.

Sensacional recreación histórica a cargo del televisivo director Tom Hooper, que transcurre en un tono agradable con tintes de drama y comedia. Los actores son excelentes, especialmente los dos principales; Colin Firth en la piel del Duque de York y Geoffrey Rush como su logopeda en un tour de force interpretativo muy interesante. Firth, habitual en comedias británicas de esta última década, como El diario de Bridget Jones (2001) o Love Actually (2003), hace el papel de su vida y Rush, al que sientan como un guante los personajes ambiguos pero graciosos que conectan bien con el público, como El sastre de Panamá (2001) ó Shakespeare in love (1998), encuentra en este rol del estrafalario profesor de dicción un nuevo personaje hecho a su medida que encarna con gran presencia en pantalla. Helena Bonham Carter, habitual del cine de Tim Burton, resulta también muy convincente como abnegada esposa del monarca. Guy Pierce, protagonista de Memento y L.A. Confidential, da vida con soltura al frívolo hermano del protagonista, Edward VIII, que renuncia al trono por motivos personales.

Hay directores que experimentan técnicas en películas de época para hacerlas diferentes de otras y que no parezcan meros frescos históricos. Por ejemplo Stanley Kubrick utilizó un objetivo especial para baja luminosidad, diseñado en principio para la NASA, persiguiendo el fin de rodar con luz de velas los interiores de Barry Lyndon (1975). O más recientemente Michael Mann rodó en digital Enemigos públicos para meter al espectador de lleno en la acción de policías y gangsters durante los años 30. En El discurso del rey la fotografía algo difuminada y la frecuente utilización de lentes de gran angular confieren al film su identidad visual propia. Asimismo el hábil uso de selectas piezas musicales para subrayar determinados momentos, pone la guinda al pastel. El clímax alcanzado en el momento de pronunciar el famoso discurso, recuerda en cierto modo al del estreno de la Novena Sinfonía en Copying Beethoven.

En definitiva El discurso del rey es una emocionante historia de superación personal y amistad con brillantes intérpretes y un acabado formal de gran calidad.

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Dentro del ordenador

2010-12-28T21:09:00.006+01:00

Si en 1999 los hermanos Wachowski sorprendían con Matrix por mostrarnos el mundo virtual dentro los sofisticados ordenadores de un futuro apocalíptico, habría que buscar un precedente en Tron, de Steven Lisberger, una producción Disney de 1982 muy innovadora en su momento visualmente, pero también algo incomprendida, lo cual motivó que no le fuera demasiado bien en la taquilla, pero que sin embargo con el tiempo se ha convertido en película de culto. En ella Jeff Bridges interpretaba a Kevin Flynn, un programador de videojuegos al que la poderosa compañía ENCOM ha robado sus ideas. Una noche intenta acceder al control central de la empresa y es absorbido e introducido literalmente en el espacio digital del sistema, donde debe sobrevivir a peligrosos juegos a vida o muerte.

28 años después llega a las pantallas Tron: Legacy (Joseph Kosinski, 2010), la secuela de aquella gran aventura informática. Kevin Flynn, convertido en directivo de ENCOM, desaparece una noche y 20 años después su hijo Sam recibe un mensaje proveniente de la antigua sala recreativa de su padre. Al acudir es abducido por el sistema e irá en busca de su progenitor a través del hostil mundo virtual, que se ha vuelto más sofisticado y más violento que nunca.
Bajo un extraordinariamente vistoso envoltorio high tech subyacen temas de interés como las relaciones paternas filiales, y el desbocado afán perfeccionista que en la búsqueda obsesiva de una perfección inalcanzable, puede hacer que un sueño se convierta en pesadilla. De todas formas estos mensajes pasan a un segundo plano en aras de la acción y la aventura, pero aun así están ahí presentes.

Las avanzadas técnicas de maquillaje digital, que ya pudimos disfrutar en El curioso caso de Benjamin Button para ver a Brad Pitt a distintas edades, sirven aquí para que el propio Jeff Bridges pueda salir tanto con su aspecto actual como con el que tenía en el primer film. Tron: Legacy es impresionante visualmente. Si algo necesitaba la cinta original era una puesta al día de los efectos digitales y desde luego se ha cumplido con creces. En lo que no ha ganado tanto es en su concepto. Hoy en día la informática, la realidad virtual y el ciberespacio son nociones que están bastante asumidas dentro de la cultura popular pero que a principios de la década de los 80 no estaban tan extendidos, y en el cine se trataban con una cierta ingenuidad parecida a cómo se hablaba de la radiactividad en la ciencia ficción de los años 50. La gran debilidad de esta película reside en que puede chirriar al público del año 2010 el tratamiento conceptual del mundo informático que se maneja. Si bien la primera parte era innovadora en su propuesta, esta secuela no tiene ese mismo efecto adaptado a los tiempos que corren. No obstante la cinta es muy ochentera en prácticamente todos sus aspectos, tanto musical como estético. En este sentido resulta muy nostálgica para muchos, entre los que me incluyo.

En general Tron: Legacy es un entretenimiento de alta tecnología con aires retro, muy trepidante que ha sabido aprovechar de forma magistral los avances en efectos digitales para hacer un lavado de cara al aspecto visual del fascinante mundo retratado en su ahora envejecido modelo original.

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Bienvenidos al club

2010-12-18T19:46:00.008+01:00

Una chica de pueblo con una voz impresionante se va a la ciudad de Los Ángeles para triunfar. Casualmente empieza a trabajar de camarera en un club regentado por una veterana artista, que pasa por un momento delicado para mantener abierto el local. Esto es Burlesque (Steve Antin, 2010), un punto de partida similar al de El bar Coyote (Coyote Ugly, David McNally 2007) combinado con una escenografía en la línea de Cabaret (Bob Fosse, 1972) y la poderosa voz de Cristina Aguilera secundada por la imponente presencia de Cher. Entre los secundarios destaca Stanley Tucci como amigo y brazo derecho de la diva protagonista, algo parecido a lo que ya hizo junto a Meryl Streep en El diablo viste de Prada (The devil wears Prada, David Frankel 2006). También se puede reconocer bajo la pintura cabaretera a Alan Cumming, el inolvidable Rondador Nocturno de X-Men 2 (Bryan Singer, 2003).

El habitual actor Steve Antin, recordado por muchos como Troy Parker en Los Goonies (The Goonies, Richard Donner 1985), escribe y dirige el debut como actriz de Christina Aguilera en la gran pantalla. Se trata de un musical muy dinámico con buenas canciones, vistosas coreografías, mucho ritmo y una historia y personajes plagados de clichés. La falta de originalidad pesa más al principio de la película cuando se presentan los protagonistas, pero a medida que va avanzando el metraje la fuerza de los números musicales va in crescendo, envolviendo al público, y finalmente uno sale de la sala con muy buenas vibraciones.

Igual que el pasado verano veíamos en Los mercenarios a Stallone dando el relevo generacional a Jason Statham como nuevo héroe de acción con una típica historia del género, aquí es Cher quien da paso a Christina Aguilera como nueva actriz/cantante, donde lo que prima, igual que en el caso anterior, no es la originalidad de la historia sino las habilidades de los protagonistas.

En general Burlesque es un gran divertimento colorista bien realizado, que permite al espectador pasar un rato agradable y salir del cine con una sonrisa.

Sensacine ha convocado a sus colaboradores y seguidores a ver la película, en cooperación con Sony Pictures, el pasado 15 de diciembre en Madrid.

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Espías de verdad

2010-12-06T12:53:00.005+01:00

No sólo de acción ficticia vive el género del espionaje. También las historias reales pueden ser interesantes, tal como demostró Robert de Niro en El buen pastor, sobre los inicios de la CIA. El director de El caso Bourne (The Bourne identity, 2002) nos trae ahora una historia real de espías más actual en Caza a la espía (Fair game, Doug Liman 2010), el polémico asunto del matrimonio formado por la agente de la famosa Agencia Valerie Plame y el diplomático Joe Wilson, que se vieron expoliados ante la opinión pública debido al artículo que Wilson escribió denunciando que el resultado de unas investigaciones, en relación al plan armamentístico de Irak, había sido falseado por el gobierno. Se trata de una historia de dos personas que por enfrentarse al sistema tuvieron que luchar por salvar su matrimonio y su imagen personal.

Liman consigue un sólido thriller político con dos pesos pesados de la actuación como son Sean Penn y Naomi Watts. Si bien la química entre ellos como pareja en la ficción podría ser discutible, las interpretaciones que hacen de sus respectivos personajes por separado funcionan a la perfección.

El propio director se ha encargado también de la fotografía confiriendo una tonalidad fría al conjunto de la cinta, quizá un poco en la línea de The international, otra de espías que también contaba con la presencia de Watts. En cuanto a la dirección quizá lo que puede flojear un poco es el estilo de cámara en mano, que si bien en una película de acción encaja bien, en esta ocasión hay veces que se hace algo innecesario y puede resultar un poco forzada. No obstante el ritmo de montaje es bueno y el film mantiene el interés durante todo el metraje.

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El peregrino americano

2010-11-28T20:59:00.003+01:00

Un oftalmólogo de California, interpretado por Martin Sheen, recibe la noticia de que su hijo ha muerto en los Pirineos cuando iniciaba el Camino de Santiago. El hombre a sus 60 años y una vida acomodada, decide emprender el peregrinaje acompañado por las cenizas de su hijo. A lo largo de la travesía se le irán uniendo un holandés que quiere perder peso, un escritor irlandés bloqueado y una canadiense que quiere dejar de fumar y desconectar de su pasado.

El veterano actor Martin Sheen, de ascendencia española e irlandesa, tenía gran interés por conocer el Camino de Santiago y le propuso a su hijo Emilio Estévez que escribiese y dirigiera una película sobre ello. El resultado de esta colaboración entre padre e hijo es The Way (2010), un film muy agradable de ver lleno de emociones. Las sonrisas se mezclan eficazmente con la melancolía y la tristeza a lo largo del extenso paseo por el norte de España. El director conserva ese tono equilibrado que ya demostró en Bobby (2006), una película coral sobre la noche que asesinaron al senador Robert Kennedy, de forma que muestra el alma humana de un modo natural, sin grandilocuencias estéticas ni estridencias auditivas, simplemente con las interpretaciones contenidas de los actores, plagadas de sutilezas llenas de contenido que trascienden el mero gesto. De la misma forma también contribuye a ese tono naturalista la sobria fotografía empleada para retratar los maravillosos paisajes españoles, unida a una acertada selección de canciones. El propio Emilio Estévez hace el papel del finado hijo del doctor en apariciones oníricas a lo largo del viaje. Si bien se muestra en imagen de forma limitada, la presencia del personaje se hace manifiesta durante todo el metraje, algo que recuerda al periplo por motivos profundamente personales de Up, donde el recuerdo de la difunta esposa del anciano protagonista lo acompañaba durante toda la expedición.

La estructura narrativa es prácticamente lineal. Sólo al principio hay un par de flashbacks de conversaciones del protagonista mantenidas con su hijo, pero una vez que comienza la andadura jacobea todo evoluciona en la misma dirección, tanto la historia como los personajes. La planificación de montaje es sencilla: en cada parada que hacen hay alguna anécdota y estas escenas están unidas por secuencias de los caminantes paseando por hermosos paisajes, que si bien son imágenes muy bonitas en algún momento pueden resultar algo repetitivas. Salvo esto y algún detalle cultural que se antoja poco documentado, esta coproducción entre España y Estados Unidos es muy interesante y muy amena en su visionado. Una buena historia sobre la amistad y la búsqueda de la verdad, de respuestas y de uno mismo.

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Acrobacias ferroviarias

2010-11-24T23:45:00.003+01:00

Tras el thriller de acción Asalto al tren Pelham 123 el tándem Tony Scott / Denzel Washington vuelve a unirse en otra aventura sobre raíles en Imparable (Unstoppable, Tony Scott 2010). Inspirada en hechos reales, nos cuenta la peligrosa situación vivida por los habitantes de Pennsylvania, cuando un tren de gran tonelaje cargado de material tóxico e inflamable inició una infernal carrera sin control hacia una zona densamente poblada, todo debido a la negligencia de un torpe empleado de la compañía ferroviaria. Ese mismo día un joven jefe de tren asiste a su primera jornada laboral en compañía de un veterano maquinista, cuya experiencia pondrá al servicio de la causa para ayudar a frenar el convoy y evitar así la tragedia.

Cine de acción en clave de película de catástrofes con una puesta en escena espléndida, unos actores carismáticos y un guión que apenas se ha esforzado en crear personajes interesantes. Los protagonistas de la historia funcionan bien y tienen fuerza por los propios actores que los interpretan, pero no pasarán a la historia por los diálogos que el guionista escribió para ellos. Al tratarse de una situación límite con gente corriente y no de un thriller de acción con tipos duros diciendo chulerías, quizá daba más juego para conceder algo más de calado dramático a los personajes aunque el tono de la película sea de mero entretenimiento.

Al igual que en Training day (Antoine Fucqua, 2001) Denzel Washington hace el papel del veterano que acompaña al novato en su primer día de trabajo, sólo que en esta ocasión es un íntegro y honrado ferroviario mientras que en el papel que le valió el Oscar jugaba el rol de policía corrupto. Su presencia en el film es suficiente para aportar interés a lo que su personaje hace en cada momento. Curiosamente la primera vez que Scott y Washington trabajaron juntos fue en Marea Roja (Crimson Tide, 1995), en la que Denzel era el joven y Gene Hackman el perro viejo, todo un tour de force interpretativo entre ambos astros de la pantalla. Por otra parte Chris Pine, el joven capitán Kirk en la precuela de Star Trek, no se deja hacer sombra por su imponente compañero de reparto y resulta más que correcto. También cabe destacar la presencia de Rosario Dawson, también muy convincente como la coordinadora de operaciones.

El ritmo del metraje es frenético, como cabía esperar, y mantiene la tensión desde el principio hasta el final. El visionado de la cinta es muy potente tanto por sus imágenes como por la edición del sonido.

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La experiencia galáctica

2010-11-11T20:34:00.002+01:00

El pasado mes de septiembre saltó a los medios la noticia de que George Lucas planea reestrenar la saga Star Wars en 3D. Personalmente no me parece a priori que vaya a otorgar valor añadido a la mítica serie cinematográfica, pero supongo que para los fans de las tres dimensiones será interesante que la película revolucionaria de los efectos especiales y el aspecto visual de la space opera hace 33 años, se ponga al día con las nuevas tendencias.

Recientemente he visto en pocos días las seis películas en orden cronológico, empezando por el primer episodio y terminando con el sexto. Un visionado muy interesante sin los prejuicios creados en su momento por las inevitables corrientes de opinión generadas durante los estrenos de la nueva trilogía y la edición retocada de la antigua, por comparación entre ambas. Es curioso que durante muchos años el protagonista de La guerra de las galaxias era Luke Skywalker, pero ahora viendo la serie completa realmente la obra cumbre de Lucas es la trágica historia de Anakin Skywalker, un niño que siendo esclavo llegó a caballero Jedi y se pasó al lado oscuro por sentimientos descontrolados de amor y miedo, convirtiéndose en Darth Vader, un ser despiadado que acabará redimiéndose al final de su vida salvando a su hijo de las garras de la muerte.

Con la ampliación de 3 a 6 episodios creo que el personaje que ha salido peor parado ha sido el de Luke Skywalker interpretado por Mark Hamil. Se presentaba en el episodio 4 como un chico de pueblo con ansias de aventura, que vive en la granja de sus tíos en un remoto planeta. Tras su encuentro con dos androides perseguidos por el imperio, se acaba involucrando en la lucha contra la tiranía en la galaxia y llega a convertirse en caballero Jedi, al igual que su padre en el pasado, y a liderar la resistencia contra el emperador. Ya entonces, a pesar de ser un personaje tan sustancioso, se veía a veces eclipsado por Han Solo, un carismático contrabandista estelar encarnado con gran magnetismo por Harrison Ford. Incluso en el episodio 5 la entrada en escena de Yoda, el maestro Jedi, fue también un gran competidor ya que teniendo un papel muy secundario se convirtió en todo un icono dentro de la saga. Y por supuesto también está Darth Vader, uno de los mejores villanos de historia del cine, muy carismático, pero al fin y al cabo se trataba del malo de la función. Con la nueva trilogía el personaje de Yoda se hace omnipresente en la historia y Darth Vader de joven, llamado Anakin Skywalker en la piel de Hayden Kristensen, se convierte en el protagonista de la serie.

Por tanto la llegada de la trilogía sobre los inicios del imperio galáctico supuso un cambio en la mítica space opera de Lucas conocida hasta el momento, no sólo a nivel técnico sino también conceptual sobre la lectura que se puede hacer de la misma. Ahora llega una nueva vuelta de tuerca tecnológica con la moda del 3D, aunque esta vez no parece que vaya a incluir ningún elemento nuevo a la historia, tan sólo será cuestión de adaptar el formato. Una nueva forma visual para disfrutar una vez más de la antológica experiencia galáctica.

Una de polis y ladrones

2010-11-06T18:24:00.006+01:00

Una banda de atracadores de bancos, cuyo oficio ha pasado de padres a hijos, coge a la directora de la sucursal como rehén en su último golpe y después se enteran de que vive cerca de ellos. Uno de los integrantes, que no está muy conforme con su vida delictiva, la sigue para asegurarse de que no podrá reconocerlos, pero al conocerla la trama se complica.

Esto es The town – Ciudad de ladrones (The Town, Ben Affleck, 2010), un thriller poco original en su guión pero muy sólido en su dirección. Con reminiscencias a Heat (Michael Mann, 1995) y Le llaman Bodhi (Point break, Kathryn Bigelow, 1991) Ben Affleck dirige su segundo film, que él mismo protagoniza, con bastante aplomo y un resultado final muy estimable, mejor como director que como actor. El conjunto no tiene trampa ni cartón. Las cosas ocurren sin sorpresas ni sobresaltos, pero la forma de contar la historia mantiene el interés en todo momento. Las coreografías en las escenas de acción son muy destacables, ya que no cae en el típico montaje confuso que prima hoy en día, sino que opta por un estilo más tradicional en la planificación. Se puede decir que la persecución de coches está más cercana al estilo de John Frankenheimer en Ronin (1998) que al de Michael Bay en La Roca (1996) o el de Stallone en Los Mercenarios (2010).

Los personajes principales están bien trazados pero los secundarios apenas tienen sustancia, y es una lástima porque cuentan con actores estupendos como Pete Postlethwaite o Chris Cooper, pero el nudo dramático del film se centra demasiado en el trío protagonista formado por Ben Affleck, Jeremy Renner y Rebecca Hall. Una historia sobre la búsqueda de la redención, de querer un cambio de vida cuando uno es consciente de que lo que hace no está bien, pero se ve atrapado por su pasado y las cosas no resultan tan fáciles como parece. Uno no es tan libre de hacer lo quiera con su vida, siempre se depende de otras personas y del entorno en que se vive.

En general es una película de acción con trasfondo dramático, que al final deja la sensación de que prima la trama policiaca sobre la parte más trascendental de la historia, en un thriller entretenido resuelto con mucha soltura por parte de su director.

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Equilibrio emocional

2010-10-28T23:49:00.009+02:00

En 2008 se estrenaba Ahora o nunca en la que dos hombres antagónicos de edad avanzada, con cáncer terminal diagnosticado, deciden hacer una lista de las cosas que les quedan pendientes por hacer en la vida y llevarlas a cabo antes de morir. Ahora bien, ¿qué pasaría si en vez de ser dos personas con una vida ya hecha fueran dos chavales de doce años con toda una vida por delante quienes tienen los días contados? Este es el planteamiento de Vivir para siempre (Gustavo Ron, 2010), en la que dichos niños están gravemente enfermos de leucemia y quieren experimentar lo que hacen los adolescentes, una etapa de la vida de la que son conscientes que la tienen muy cerca pero no llegarán a ella .

A pesar de lo particularmente duro del tema abordado, el film es muy agradable de ver debido al tono distendido con que es tratado, con momentos que combinan sonrisas, alguna carcajada y unas cuantas lágrimas. La línea que separa el sentimentalismo del pastelón es muy fina, igual que la frontera entre lo entrañable y lo frívolo cuando se introduce el humor en este tipo de historias. El director en este sentido juega con distintas emociones pero sin cargar demasiado las tintas en ninguna, de forma que no llega a cruzar esas delicadas barreras divisorias. Es por tanto una película muy equilibrada en cuanto al tratamiento de las emociones que maneja. No llega a ser tan intensa como La decisión de Anne, pero tampoco deja de tomarse en serio la importancia del asunto.

Por otra parte los actores Robbie Kay y Alex Etel son impresionantes, dos jóvenes promesas que llenan la pantalla en todo momento. Les acompaña otra actriz de su quinta, Ella Purnell, que si bien tiene buena presencia en pantalla, su papel es bastante secundario. Los adultos Ben Chaplin y Emilia Fox, en los roles de los padres del protagonista, también están muy correctos, pero queda patente que las estrellas de la función son los niños.

En definitiva se trata de una película muy notable, con emocionantes interpretaciones y una dirección muy equilibrada que demuestra un gran respeto del director tanto por el material que maneja como por el público al que se dirige.

Gustavo Ron presentó la cinta en Madrid junto a los actores Alex Etel y Ella Purnell, en el cine Capitol de la Gran Vía madrileña.

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Entre tiburones anda el juego

2010-10-24T10:54:00.004+02:00

Rescates financieros, energías alternativas, caída de la bolsa, burbuja inmobiliaria, todos estos términos tan en boga últimamente son los que maneja Oliver Stone para enmarcar la trama de Wall Street: El dinero nunca duerme (Wall Street: Money never sleeps, 2010), secuela de Wall Street (1987) del propio director. Michael Douglas vuelve a la piel del personaje que le valió el Oscar a Mejor Actor hace 23 años y demuestra que el rol del tiburón financiero Gordon Gekko le sienta como un guante. Le acompañan en esta ocasión las jóvenes estrellas Shia LaBeouf, protagonista de la saga Transformers de Michael Bay y además hijo de Indiana Jones en la última aventura del famoso arqueólogo, y Carey Mulligan, la gran revelación de An education. En papeles secundarios encontramos a los veteranos Susan Sarandon, Frank Langella y Eli Wallach, que le dan aun más lustre al elenco, que lo complementa Josh Brolin como un frío y amoral magnate de la industria y las finanzas. Sendos cameos del propio Stone y de Charlie Sheen, protagonista en la primera entrega, ponen la guinda de los auto homenajes de la cinta.

Las relaciones padre/hijo ó mentor/discípulo, son el motor que mueve a los personajes en una historia de venganza, idealismo y redención. A veces, durante las operaciones económicas, puede ser algo confuso saber qué es exactamente lo que se está haciendo si uno es profano en el mundo de los brokers y las altas finanzas, pero en general la película se entiende perfectamente. Tiene un final interesante conceptualmente, aunque en la forma de plasmarlo resulta algo torpe y forzado.

El aspecto visual perpetrado por Stone es muy potente, especialmente el retrato de los rascacielos de New York. Salvo una ligera caída de ritmo a mitad de película y algunas escenas con poca intensidad dramática, se mantiene el interés durante prácticamente todo el metraje.

En general se puede decir que la película no llega a ser redonda, pero sí muy meritoria e interesante sobre un tema de rabiosa actualidad.

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El mundo de las start-ups

2010-10-12T20:56:00.004+02:00

Se conoce como start-ups a las empresas de jóvenes emprendedores que nacen en internet con escaso presupuesto y buscan financiación en inversores de capital riesgo o business angels para despegar. Facebook ha sido una de las más exitosas compañías que se han iniciado de esta manera. El actual multimillonario más joven del mundo, Mark Zuckerberg, fundador de Facebook, se enfrentó a dos demandas judiciales: una de su mejor amigo y cofundador de la red social Eduardo Saverin, por dejarlo fuera del negocio, y a otra de los hermanos Winklevoss por haberles robado la idea.

Estos son los hechos que cuenta La red social (The social network, David Fincher 2010), una película sobre amistad, negocios, traición y ambición en el marco de los jóvenes emprendedores en internet. Los tres personajes principales están muy bien perfilados: por una parte está el genio informático, egocéntrico y cínico que no tiene muy claras sus prioridades en lo que se refiere a las relaciones con los demás. A la hora de convertir su herramienta informática en actividad lucrativa cuenta con dos criterios: el de su mejor amigo que estudia Económicas y funda el Facebook con él en calidad de Director Financiero, y por otro lado conoce a Sean Parker, creador de Napster. Ambos tienen conceptos empresariales antagónicos: mientras el primero apuesta por un modelo más tradicional basado en la publicidad, pero con un sentido de la lealtad y de respeto hacia el proyecto, el otro es más práctico y rápido con un método en el que las personas no importan, sólo el éxito inmediato de empresa. Jesse Eisenberg como Zuckerberg, Andrew Garfield como Saverin y Justin Timberlake en la piel de Parker, interpretan correctamente al trío protagonista. Quizá destaca algo más la actuación de Garfield, un joven actor con un gran potencial que ya demostró midiendo sus fuerzas en pantalla con el mismísimo Robert Redford en la estupenda Leones por corderos.

El film está contado en tiempos paralelos entre los dos juicios y los hechos que en ellos se van exponiendo. El ritmo se mantiene durante todo el metraje. La puesta en escena y la estética general de la película, tiene un aire de clasicismo en las formas que recuerda en cierto modo al anterior trabajo de Fincher, la multinominada a los Oscar El curioso caso de Benjamin Button. No lo logró entonces, en favor de Slumdog millionaire, pero es posible que con esta película encuentre una nueva oportunidad.

Firmando autógrafos a las numerosas fans a las puertas del cine, las tres jóvenes estrellas presentaron en Madrid la película el pasado 6 de octubre junto con el guionista Aaron Sorkin. Distribuida por Sony Pictures, la cinta se estrena en todas las salas españolas el próximo 15 de octubre.

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Sociedad enferma

2010-10-08T23:02:00.005+02:00

En 1986 el periodista franco-iraní Freidourne Sajebhan se dirigía hacia la frontera cuando su coche se estropeó en una remota aldea. Mientras se lo reparan una mujer se acerca al forastero para contarle los trágicos sucesos que ocurrieron allí mismo el día anterior: la lapidación de una mujer acusada injustamente de adulterio. Esta es la historia verídica que nos muestra la sobrecogedora película La verdad de Soraya M (The stoning of Soraya M, Cyrus Nowrasteh 2008), basada en el best seller homónimo publicado en 1994 por el citado periodista.

La película es un gran flashback, que empieza en la mañana siguiente a la lapidación cuando Freidourne llega al pueblo, y en cuanto la mujer comienza su relato se narra linealmente cómo se urdió la trama que acabó con la vida de Soraya. Se muestra una sociedad enferma, que ante un complot perpetrado por los poderosos del lugar en aras de satisfacer sus intereses a cualquier precio, se dejan arrastrar por la acusación vertida sin pararse a pensar si es cierto o no, unos por miedo a represalias, otros simplemente por no pensar en ello. La maldad, el odio, la mezquindad, la cobardía, el fanatismo, son algunos de los rasgos predominantes en los habitantes de aquel pueblo. Una sociedad enferma como tantas otras, con el agravante de que en ese país existen leyes tan brutales como la pena capital por lapidación. En Europa las sociedades caciquiles y sus abusos también se han llevado al cine, como por ejemplo los excesos de un cacique en un pueblo al norte de España a principios del siglo XX en Luz de domingo, o la traumática infancia de unos niños alemanes en una emponzoñada sociedad en La cinta blanca. Sin embargo la barbarie mostrada en La verdad de Soraya M es algo que sigue ocurriendo hoy en día, en pleno siglo XXI, en algunos lugares del planeta.

El film es duro, y concretamente la escena de la lapidación se alarga demasiado en su metraje. Vale que quieran mostrar la crudeza del asunto, pero aun así considero que se recrean gratuitamente en dicha secuencia. El resto de la película tiene un ritmo narrativo muy bueno y un trazado de personajes de gran calado. Destaca la interpretación de la actriz Shohreh Aghdashloo en el papel de Zahra, la tía de la víctima, que es quien desvela al forastero la verdad de los hechos para que cuente al mundo la podredumbre que allí se cuece. Es una mujer de gran coraje espléndidamente interpretado por una actriz que llena la pantalla con su presencia. Por otra parte Jim Caviezel da vida al periodista, un papel que sale poco en imagen pero que es crucial en la historia. La música, muy evocadora y melancólica, ayuda a resaltar las ya de por sí emocionantes interpretaciones de los actores. En resumidas cuentas una película muy potente cuyo clímax se puede ver empañado por un regodeo excesivo en el momento más sangriento de la tragedia.

La película está distribuida en España por European Dreams Factory y Festival Films, y fue presentada en Madrid el pasado 5 de octubre. La premier contó con la presencia de la cantante Cristina del Valle, en representación de la Plataforma de Mujeres Artistas contra la violencia de género, y con la intervención estelar de Jim Caviezel, que habló sobre sus inicios como actor y su compromiso con este tipo de películas.

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Aventuras en París

2010-10-03T11:59:00.002+02:00

A principios del siglo XX un notable científico que ha investigado sobre la vida después de la muerte durante largos años, ha conseguido revivir a un pterodáctilo del cretácico, que siembra el temor en las calles de París. Mientras tanto, la intrépida periodista Adèle Blanc-Sec viaja a Egipto para buscar la momia del médico de un faraón con la esperanza de que pueda curar a su hermana, la cual se encuentra en estado catatónico tras un trágico accidente.

Este es el rocambolesco argumento de Adèle y el misterio de la momia (Les aventures extraordinaries d’Adéle Blanc-Sec, Luc Besson 2010), adaptación de los célebres comics de Jacques Tardi. Besson nos ofrece una entretenida y divertida película de aventuras, con un tono lúdico muy próximo al que mostró en El quinto elemento (The fith element, 1997). Las caracterizaciones de los pintorescos personajes están muy conseguidas y resultan convincentes a pesar de lo irreal de la historia planteada. Todo es muy absurdo pero funciona. Es como una especie de cruce entre las sagas de La momia y Parque Jurásico.

El ritmo narrativo es bueno, los diálogos son ágiles y algunos gags cómicos son muy divertidos. Los efectos especiales están a la altura de las circunstancias y la música de Eric Serra adereza perfectamente el conjunto.

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Buscando distribuidor

2010-09-30T00:08:00.003+02:00

Supongamos que hacemos una película pero no tenemos distribuidora. Sin embargo a diferentes colectivos por diversos motivos, en varios países en todo el mundo, le interesa nuestro film y nos invitan para proyectarla en un pase único para mantener un coloquio después con los espectadores. Sería como una tournée de teatro pero ofreciendo un producto audiovisual. Pues esta es la situación en que se encuentran el productor Joe Campo y el protagonista Jeffrey Azize de The human experience, de la productora Grass Roots Films. El pasado 28 de septiembre tuvo lugar una proyección en el cine Palafox de Madrid, impulsada por la diócesis de Getafe con la colaboración de la asociación de cine Cinemanet y el Instituto de Investigación John Henry Newman.

The human experience (Charles Kinnane, 2008) es un documental sobre dos hermanos que inician una búsqueda del sentido de la vida, las eternas preguntas de quiénes somos, de dónde venimos y adónde vamos, y para ello se han sumergido en tres experiencias mediante las que entraron en contacto con los ambientes donde la vida no vale nada y aun así la gente encuentra su alma y su reafirmación como seres humanos. La primera parte consiste en que los dos aventureros se ponen a convivir con los sin techo de las calles de Nueva York. Este quizá es el episodio que puede resultar un poco más artificioso que los otros en su enfoque, pero los testimonios de algunos indigentes son realmente estremecedores. Después se unen a un grupo de surfistas que viajan por el mundo buscando la ola perfecta y se van a Perú donde les espera la triste pero conmovedora rutina diaria de un hospital de niños con diversas discapacidades físicas. Finalmente se apuntan a la expedición de un amigo que es escritor y se va a Ghana para investigar sobre los leprosos en este país, gente repudiada socialmente debido a su enfermedad.

Con un montaje muy dinámico, una música muy potente y unos testimonios que emocionan y conmueven, el documental es un intenso encuentro con la cruda realidad en la que el espíritu humano lucha por preservar su dignidad en medio del caos y las condiciones más precarias. La película ha ganado numerosos premios en distintos festivales internacionales.

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El secreto está en las imágenes

2010-09-25T11:50:00.003+02:00

Hace unos días he vuelto a ver por enésima vez Titanic (James Cameron, 1997). La envergadura de producción de este film es tan pantagruélica como el propio trasatlántico hundido. En una película con tanto detalle es fácil que después de muchos visionados se sigan descubriendo cosas nuevas de las que no nos habíamos percatado anteriormente.

Esta vez concretamente me llamó la atención que en el momento del avistamiento del iceberg se oye al oficial claramente dar la orden de virar a estribor, pero el contrapicado del timonel girando el timón muestra nítidamente que lo hace a babor. Y finalmente se ve cómo la proa del barco dirigiéndose hacia el bloque de hielo se desvía hacia la izquierda, es decir, a babor. Sin embargo ningún personaje dice nada al respecto, como si todo fuese correcto. El espectador que conozca algo de terminología náutica sólo ve unas imágenes en las que realmente no concuerda la orden del oficial con la ejecución del timonel. Lo primero que pensé fue: ¿un gazapo del señor Cameron? Me parece poco probable que en una película tan medida al milímetro, con un director tan perfeccionista, se pudiera caer en un fallo como este.

Curiosamente esta semana se ha publicado en los medios la noticia de que la nieta de un superviviente del naufragio, concretamente del segundo oficial, ha desvelado en una novela que el error que indujo al naufragio no fue el exceso de velocidad, como se había mantenido hasta ahora, sino a una equivocación del timonel que giró al lado contrario al que se le indicó. Parece ser que toda la tripulación en aquella época estaba muy acostumbrada a los veleros, en los que si quieres ir a un lado debes girar el timón al contrario. Sin embargo en los barcos de vapor se gira hacia donde se quiere ir, como en la mayoría de los vehículos.

Lo que hoy se desvela como un secreto guardado Cameron lo expuso en imágenes ante todo el mundo hace trece años. Por tanto, aun con nueva información, la película conserva su vigencia.

Artículo relacionado: Titanic: la culpa fue del timonel.(El Mundo)
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Adelantada a su tiempo

2010-09-18T21:18:00.001+02:00

Hildegard von Bingen fue una mujer adelantada a su tiempo, una monja que en los oscuros años del Medievo alemán hacía gala de un sentido común y una claridad de pensamiento poco habitual en aquella época, inspirada según ella misma, por visiones celestiales. Su interés por la música, la literatura y las plantas medicinales, la hacían diferente a los demás. En un entorno en que las autoflagelaciones y el temor religioso extremo estaban a la orden del día, se trataba de una mujer muy moderna que aportaba a sus acciones un grado de racionalidad por encima de la media.

Esta es la historia que nos cuenta la directora alemana Margarethe Von Trotta en Visión (Vision – Aus dem Leben der Hildegard von Bingen, 2009). La perspectiva que da del Clero Medieval es muy terrenal. Se muestra la Iglesia como una institución con una jerarquía y unas reglas de conducta, en la que conviven y se relacionan personas que se mueven por distintos motivos, unos más materialistas y otros más espirituales. Ansias de poder, envidias, altruismo, intereses políticos, el bien común, todo un entramado social con relaciones interpersonales que se pueden dar en cualquier otro tipo de comunidad. Un retrato de la Iglesia más humano que divino. La interpretación de Barbara Sukowa como protagonista es impecable, y en general todo el elenco de actores hace un notable trabajo.

A ratos se hace algo claustrofóbica debido al cúmulo de estancias pequeñas en las que se desarrolla la historia, y al uso de planos cortos. La fotografía y la música ayudan a la correcta ambientación de un film al que a veces se le nota la falta de medios para una cinta de época. El vestuario y la puesta en escena son de una pulcritud más cercana a la Edad Media retratada en los clásicos de aventuras de los años 50 que a la sucia era medieval descrita en las imágenes de las películas desde los años 80 hasta la actualidad. Quizá en esto recuerda a El primer caballero (First knight, Jerry Zucker 1995), en que se combinaba ese vestuario de toque naif con momentos más lúgubres de fotografía oscurantista.

El conjunto de la película resulta algo frío y quizá demasiado serio, se echa en falta algún momento más distendido para oxigenar el ambiente, pero el resultado final es bastante digno.

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Un extraño visitante

2010-09-12T23:24:00.002+02:00

El pasado 2009 el cine español dio un paso de gigante en el terreno de la animación 3D con Planet 51, sobre un astronauta que llega a un planeta en el que viven unos seres verdes, cuyo diseño de la sociedad responde al modelo de los Estados Unidos en los años 50, pero con coches flotantes de estética retro y formas redondas en todos los objetos y edificios. El ambiente y el tono fresco y lúdico cincuentero recuerda a la saga de Regreso al futuro. La técnica de animación es impresionante, a la altura de las grandes producciones de Hollywood, y la idea es muy atractiva, ya que se invierten los roles clásicos de las películas acerca de invasiones alienígenas; aquí el humano es el extraterrestre. El ritmo es muy ágil y tiene golpes cómicos muy conseguidos, además de numerosos guiños cinéfilos.

Dirigida por Jorge Blanco con los codirectores Javier Abad y Marcos Martínez, se trata de la película más cara del cine español, coproducida con Reino Unido y Estados Unidos. En su versión en inglés se pueden oír las voces de gente como Gary Oldman, Jessica Biel, Dwayne Johnson o John Cleese. Además ha contado con Joe Stillman, uno de los guionistas de las dos primeras entregas de la saga Shrek.

El resultado final es una divertida comedia de ciencia ficción de mucho calado en los apartados técnico y estético, pero que se queda muy en la superficie en cuanto se refiere al trazado de los personajes, lo que hace que conceptualmente deje una cierta sensación de que podría haber dado más de sí. Una buena idea poco desarrollada. Con todo y con eso es un buen divertimento, y un título a tener en cuenta por lo que supone de novedoso a nivel industrial dentro del cine español. Una superproducción por todo lo alto.

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Dulces sueños

2010-08-28T11:02:00.005+02:00

Tras Shutter Island volvemos a encontrarnos con Leonardo Di Caprio interpretando de nuevo a un personaje atormentado, por la pérdida de su mujer, y navegando por su torturada mente en Origen (Inception, Christopher Nolan 2010), aunque con una puesta en escena muy alejada del estilo retro del film de Scorsese y más cercano al universo tecno futurista de Matrix (Hermanos Wachowski, 1999) o Minority Report (Steven Spielberg, 2002). Un ladrón de ideas, que las extrae del subconsciente de sus víctimas mientras duermen metiéndose en sus sueños, no puede regresar a su país por una serie de cargos legales que pesan contra él. Un magnate japonés le ofrece la tarea de realizar el proceso contrario, es decir, introducir una idea en la mente de un competidor, a cambio de limpiar su historial para que pueda regresar a su casa.

Un guión bien pulido para hacer creíble y entendible este laberíntico relato entre el mundo onírico de los sueños y el real, acompañado de un diseño de producción visualmente apabullante y una soberbia partitura musical de Hans Zimmer, son las grandes bazas que juega Nolan para conseguir una atmósfera absorbente que atrapa al espectador, de la misma forma que lo hizo en su anterior película El caballero oscuro. Aunque tampoco hay que olvidarse de los actores, que todos ellos están más que correctos en sus respectivos papeles. Di Caprio está enorme y lleva el peso protagonista con gran aplomo entre varios rostros conocidos: la joven revelación de Juno Ellen Page, Marion Cotillard, vista el año pasado junto a Johnny Depp en Enemigos públicos , y el carismático Ken Watanabe de El último samurái (The last samurai, Edward Zwick 2003) y Cartas desde Iwo Jima. En papeles más secundarios encontramos a Pete Postlethwaite, inolvidable en la impactante En el nombre del padre (In the name of the father, Jim Sheridan 1993), a Tom Berenger y al gran Michael Caine, habitual en el cine de Nolan, ya que ha participado en las dos entregas de Batman y en El truco final (The prestige, 2006). Otro que repite con el director es Cilian Murphy, que se metió en la piel del Espantapájaros en Batman begins.

Puede dar la sensación de que el artífice de este entramado sea demasiado pretencioso, pero el caso es que consigue salir airoso con una cinta muy sólida y muy potente. En su autocomplacencia quizá se le va un poco la mano al dilatar demasiado el metraje durante el clímax final, pero globalmente es un mal menor dentro del conjunto.

Origen es un espectáculo cinematográfico en toda regla, ya que resulta contundente tanto en su aspecto técnico como en el conceptual. Sin duda una de esas películas que no dejan indiferente a nadie.

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Bebés medicamento

2010-08-25T23:32:00.002+02:00

Una niña concebida para donar órganos a su hermana enferma de cáncer, decide que no quiere seguir donando porque desea llevar una vida normal. Por ello recurre a un abogado de éxito para solicitar la emancipación médica de sus padres. Este es el punto de partida de La decisión de Anne (My sister’s keeper, Nick Cassavetes 2009), un intenso drama que toca un tema controvertido, como es el los bebés medicamento, de enorme interés y actualidad, que sin embargo no se prodiga demasiado en el cine.

El contenido de la cinta es lo suficientemente potente como para que el visionado de la película resulte atractivo. En lo que respecta a los aspectos meramente cinematográficos cabe destacar las interpretaciones de sus actores, tanto de los adultos Cameron Díaz, Jason Patric y Alec Baldwin, como de los más jóvenes, las actrices Abigail Breslin y Sofia Vassilieva. La dirección de Cassavetes, director de El diario de Noah y John Q, es correcta y el ritmo adecuado, pero la fluidez narrativa se ve un poco lastrada por el uso algo desequilibrado de los flash-backs. Las inserciones de los mismos a veces resultan demasiado bruscas y alguno que otro es demasiado largo, lo cual hace dar bandazos al espectador en cuanto a centrar la atención en seguir la evolución del relato. Por lo demás cumple con creces el nivel emocional que se espera de un drama lacrimógeno.

En definitiva es una muy correcta película, con momentos verdaderamente emocionales, bien interpretada y que trata con buen tacto un tema bastante polémico y delicado.

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