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Sin riesgo no hay gloria, una reflexión sobre Star Wars

Llega mayo y se cumplen cuarenta años del estreno de La guerra de las galaxias ( Star Wars ), sin duda un punto de inflexión en la historia ...

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viernes, 30 de diciembre de 2016

Balance de 2016

Termina 2016 y toca hacer un resumen de lo que ha dado de sí en Galax Pictures. Comenzaba el año con el vídeo promocional de Ragora Juegos. Luego vendría en abril el reportaje Paseando por las dunas de Aquitania, y finalmente el primer semestre se cerró con el vídeo resumen de la gala de premios de Cinemanet. Este año se premió a la película Flow, cuya trayectoria ha sido seguida de cerca en este blog. Se presentó en 2014 con un potente tráiler en la gala de Cinemanet de aquel año. Comenzaba para sus responsables un intenso periplo por festivales internacionales en los que cosecharon numerosos premios. Hace un año se estrenó en salas comerciales, con buena acogida por parte del público y estos días, para cerrar 2016, se ha lanzado en DVD a través de las librerías de la editorial San Pablo.

En el segundo semestre ha tenido lugar el momento estrella del año para Galax Pictures: la publicación del libro Historia de un blog de cine, que condensa lo que han sido los diez primeros años de actividad de este blog. Fue presentado el pasado mes de noviembre en la librería Bubok en Madrid.

Por último, como en años anteriores, muestro a continuación un ranking de los estrenos cinematográficos del año más relevantes de los que se han reseñado en este blog. Con este post suman un total de 57 entradas, de las cuales hay 40 reseñas de estrenos. Este es el top 10:

1. Spotlight

2. Espías desde el cielo

3. Kubo y las dos cuerdas mágicas

4. Hitchcock/Truffaut

5. Eddie el águila

6. Buscando a Dory

7. El renacido

8. Rogue One

9. Sully

10. El editor de libros

lunes, 26 de diciembre de 2016

Rogue One, la forja de la esperanza

Cuando en 1977 se estrenaba La guerra de las galaxias, la introducción con los míticos rótulos en perspectiva nos contaban que un comando de la alianza rebelde había robado los planos de una estación espacial llamada Estrella de la muerte. Llevaba el encabezado de Episodio IV: una nueva esperanza. Pues bien, ahora Rogue One: una historia de Star Wars (Rogue One: a Star Wars story) nos muestra en imágenes cómo ocurrieron estos hechos, nos cuenta cómo se forjó esa nueva esperanza.

Sin embargo, el film dirigido por Gareth Edwards, responsable de Monsters y Godzilla, va más allá de ser el mero prólogo del episodio IV y desarrolla nuevos personajes con una sólida historia de fondo, así como el proceso de construcción de la Estrella de la muerte. Además, aporta nuevos escenarios y ambientes galácticos a la ya amplia galería de lugares originales mostrados en las legendarias películas de George Lucas. De esta manera Rogue One amplía, complementa y enriquece la saga.

Spin-off es un término que se utiliza para designar un proyecto que surge de otro. En el ámbito cinematográfico este tipo de películas suelen caracterizarse por estar protagonizadas por un personaje secundario de la película original de la que deriva. En el caso de Rogue One se trata claramente de un spin-off de Star Wars pero presenta la peculiaridad de que los protagonistas no salían en la película principal como secundarios, ni siquiera en forma de cameo, simplemente se les nombraba como grupo, sin nombres ni distinciones.

Los perfiles de estos personajes surgen de un guion a cargo de Chris Weitz y Tony Gilroy. El primero tiene su firma en libretos como el de Antz o La brújula dorada, y Gilroy cuenta con el aval en su filmografía de los guiones de la saga derivada de El caso Bourne, salvo el de la última entrega del que se hizo cargo el propio director Paul Greengrass. Estos nuevos pobladores de la galaxia están encarnados con convicción por un gran elenco de actores encabezado por Felicity Jones y Diego Luna, secundados por Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, Alan Tudyk y Wen Jiang. Todos los miembros del comando resultan carismáticos y tienen un trazado que los diferencia, que les da una entidad propia.

Los efectos visuales y las coreografías de las escenas de acción están a la altura de lo que cabe esperar de una película de Star Wars. Mantiene el tono principal de aventuras galácticas, pero las películas de Lucas tenían además un aire político de trasfondo, que en este caso se ha sustituido por un ambiente más bien bélico, lo cual también le aporta un toque de personalidad propia a la película. Otro cambio que se ha producido, y ha quedado bien, es que la música no es de John Williams, sino de Michael Giacchino, que ya se encargó también de las partituras de las últimas películas de Star Trek y de varios films de Pixar. Una modificación que ha sido criticada por algunos fans es la eliminación de los rótulos introductorios. Personalmente creo que es correcto no haberlos incluido ya que ese formato corresponde a la saga que cuenta la historia de la dinastía galáctica de los Skywalker, y esta película es un relato tangencial a esa epopeya, y no un episodio más.

Por último cabe citar que la intervención de Darth Vader es breve pero poderosa e impactante. En general Rogue One es todo un acierto. Es un film que funciona al margen de la historia sobre la familia Skywalker pero está perfectamente engarzada con el episodio IV de la saga. Una película bélica en el espacio, llena de acción, aventuras y un mensaje sobre heroísmo, sacrificio y esperanza.

sábado, 17 de diciembre de 2016

El editor y el escritor, un buen equipo

El actor de televisión Michael Grandage, visto en la gran pantalla en La locura del rey Jorge (1994), debuta como director de cine con la película El editor de libros (Genius), en una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, que versa sobre la relación entre el editor Max Perkins y el escritor Thomas Wolfe. Una historia de amistad y admiración mutua de dos personas totalmente antagónicas, que trabajando en equipo lograron una compenetración total y un gran éxito profesional. Perkins es frío, metódico, ordenado, mientras que Wolfe es compulsivo, caótico, visceral, una fuerza desbocada de la naturaleza. Perkins encuentra en Wolfe un diamante en bruto que pulir. Poner orden en el caos creativo de este autor supone para él un reto profesional muy interesante. Por su parte Wolfe encuentra en Perkins al único editor de Nueva York que sabe apreciar su obra y su talento.

Colin Firth y Jude Law interpretan magníficamente a Max y a Thomas respectivamente, sin desmerecer en absoluto las grandes actuaciones de otros conocidos rostros que los secundan como Nicole Kidman, en la piel de la amante de Wolfe, Laura Linney, encarnando a la esposa de Perkins, y Guy Pearce, dando vida al escritor Scott Fitzgerald. La ambientación de época es fantástica, gracias tanto a la fotografía como al diseño de producción, que recrea de una forma muy atractiva la atmósfera de Nueva York en los años treinta. La música es una correcta partitura a cargo de Adam Cork, que firma con esta su segunda banda sonora. La primera fue la de London Road.

El editor de libros quizá pueda resultar un poco académica, en el sentido de que todo resulta pulcro y correcto: las interpretaciones, la puesta en escena, el ritmo narrativo…, pero le falta un toque de distinción, el sello de autor. No obstante, es un gran debut para su director y el resultado final es una película muy agradable de ver que pone varios temas muy interesantes sobre la mesa para suscitar el debate. Temas como la amistad, los entresijos de la industria editorial, la gestión del talento creativo, el trabajo en equipo y la conciliación de la profesión y la vida personal, salen a relucir y se entrelazan en esta película biográfica enmarcada en el mundo literario.

sábado, 10 de diciembre de 2016

Cuando Charlton Heston cabalgó por Torrelobatón

España ha sido, y sigue siendo, escenario de muchas producciones de Hollywood. Uno de los productores pioneros en usar nuestro país como set de rodaje fue Samuel Bronston, que rodó aquí títulos épicos como 55 días en Pekín, La caída del imperio romano, Rey de Reyes, o El Cid. Sobre esta última los directores Pedro Estepa Menéndez y Elena Ferrándiz Sanz nos traen a las pantallas Bienvenido Mr. Heston, un entrañable documental que relata las tres jornadas del rodaje de El Cid que tuvieron lugar en el pueblo vallisoletano de Torrelobatón.

A través de los testimonios de los habitantes del pueblo que en su momento trabajaron como figurantes en la película, se recrea el recuerdo de aquellas jornadas mágicas que vivieron estas personas al participar en una superproducción de Hollywood. El documental es narrado por Emilio Gutiérrez Caba y cuenta también con interesantes entrevistas al decorador Gil Parrondo, la hija de Samuel Bronston, Andrea Bronston, al hijo de Charlton Heston, Fraser C. Heston, y al historiador y crítico de cine Jesús García de Dueñas, autor del libro El imperio Bronston.

Bienvenido Mr. Heston es un documental importante para la historia del cine hecho en España, ya que recoge los testimonios de gente anónima que, de otra manera, no saldrían a la luz. A nivel hemeroteca se podrá encontrar mucha documentación sobre las estrellas que estuvieron allí y sobre el rodaje de la película en sí, pero las pequeñas historias de los cientos de personas que participaron en aquella gran aventura encuentran su voz en un documental como este, para que sus recuerdos no se pierdan en el viento con el paso del tiempo. En esta línea hay otra pieza de hace unos años, también muy interesante, titulada Por un puñado de sueños, que recopila las experiencias de la gente que vio cambiar sus vidas con la industria del cine en Almería durante la época dorada de los «spaghetti western».

El cine mueve mucho dinero y recursos técnicos, pero también a mucha gente. Personas con grandes historias y otras con pequeñas anécdotas, que podrán ser relevantes o no, pero que en cualquier caso el hecho de poner de manifiesto que una producción cinematográfica no es solamente lo que se ve en la superficie, sino que detrás hay más de lo que parece, hace que valga la pena que de vez en cuando salgan obras como esta que, además de resultar entrañables, también tienen un carácter didáctico, pues nos muestran otra mirada sobre el séptimo Arte y eso nos complementa la percepción global que tengamos del mismo.

domingo, 4 de diciembre de 2016

Sobre mentes y volcanes

Se estrena Vaiana, de Disney, y con ella un cortometraje titulado Inner workings, muy divertido sobre el dilema de si seguir a nuestros impulsos o a nuestro cerebro. El tema está planteado a través de la historia de un hombre gris que tiene un monótono trabajo de oficina y siente la tentación de hacer cosas más divertidas, pero su cerebro analiza los riesgos y le obliga a ir siempre por el camino seguro y aburrido de su habitual rutina.

El diseño del entorno laboral recuerda mucho al del personaje de Jack Lemon en El apartamento (1960). Pero la referencia más clara que impregna todo el metraje es la de Del revés, de Pixar, puesto que nos está contando la historia desde el punto de vista de la mente del protagonista, evidentemente de una manera más simplificada, ya que se trata de un cortometraje de siete minutos. Lo que resulta muy curioso es que Del revés fue presentada junto a un original corto titulado Lava, también de siete minutos de duración, que contaba una historia de amor entre dos volcanes del océano Pacífico a ritmo de una pegadiza canción con música de ukelele.

Walt Disney Motion Pictures distribuye tanto a Pixar Animation Studios como a Walt Disney Animation Studios. El primero nos presenta en 2015 un film sobre la mente humana protagonizado por una niña preadolescente, junto a un cortometraje de ambiente polinesio cuyo protagonista es un volcán supuestamente varón que suspira por tener una compañera al encontrarse solo en medio del océano. El segundo estudio de animación nos trae este año una película de ambiente polinesio protagonizada por una adolescente rebelde, junto a un corto sobre la mente de un hombre que se debate entre la emoción y la razón.

Mentes y volcanes, dos temas entrelazados por sendos estrenos de largometrajes con sus correspondientes cortometrajes procedentes de la factoría Disney, con protagonistas femeninas en los largos y masculinos en los cortos. ¿Casual o intencionado? No lo sé, pero como anécdota me parece un dato curioso.

domingo, 27 de noviembre de 2016

Las exóticas aventuras de Vaiana y Maui

Gracias a Sensacine por una agradable velada de cine con el preestreno de Vaiana, la nueva producción de Disney, que contó con la presencia de los directores del film Ron Clements y John Musker, responsables de éxitos como La sirenita o Aladdin.

Vaiana nos sumerge en la cultura mitológica de la Polinesia. Según cuenta la leyenda el semidiós Maui robó el corazón de la diosa Te Fiti, y esto provoca que el mundo se vaya deteriorando progresivamente. Miles de años después, cuando la devastación comienza dar los primeros síntomas de que el final se avecina, una niña polinesia es elegida por el océano para ir en busca de Maui y devolver el corazón a Te Fiti para así salvar al mundo.

El defecto más notorio que se puede achacar a esta película es que no arriesgan ni con el trazado de personajes ni con el desarrollo de la narración. Está muy bien realizada pero siguiendo una fórmula más que probada. El punto de partida con una adolescente que quiere descubrir mundo enfrentada a un proteccionista padre que no permite salir del lugar donde viven, nos remite inmediatamente a títulos como Buscando a Nemo o Los Croods. Y el perfil de la protagonista comulga con lo políticamente correcto del momento, resultando algo arquetípico, en la línea de Brave. En este sentido el cine de animación ha dado este año personajes más jugosos en Kubo y las dos cuerdas mágicas y también en Buscando a Dory. Incluso bajo el sello Disney resultaban más innovadoras, en lo que a personajes se refiere, películas recientes como Frozen o Rompe Ralph.

Las criaturas que sí me resultaron originales en Vaiana son unos piratas en forma de cocos mudos y malencarados, basados en unos espíritus traviesos de la mitología isleña del Pacífico, que protagonizan una genial secuencia de acción que recuerda muchísimo a Waterworld (1995), aunque sus directores sostienen que su referencia cinematográfica está más en Mad Max: Fury road (2015), pues se declaran fans del imaginario de George Miller. No en vano Waterworld se definió en su momento como una especie de «Mad Max pasado por agua», de hecho incluso el guion se parecía bastante al de Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981).

Vaiana hace gala de un encomiable trabajo de documentación para retratar el exotismo del mundo polinesio, en un proyecto que se ha desarrollado a lo largo de cinco años para dar lugar a una aventura acuática y mágica presentada como un potente espectáculo cinematográfico. Este trabajo de inmersión en este mundo se plasma en la pantalla a través tanto de las vistosas imágenes como de los sonidos étnicos que impregnan la banda sonora. Las canciones van muy en la línea de lo que Disney nos tiene acostumbrados, destacando especialmente dos de ellas: De nada (You're welcome), cantada por Maui muy en la línea lúdica y fresca de No hay un genio tan genial de Aladdin. Por otra parte está el tema central cantado por Vaiana titulado Qué hay más allá (How far I'll go) que posee una fuerza emocional equiparable al ¡Suéltalo! (Let it go) de Frozen.

Se acerca la Navidad y la magia de Disney impregna las salas de cine con una nueva y exótica aventura musical llamada a ser el taquillazo navideño de este año.

sábado, 19 de noviembre de 2016

Presentado el libro de Galax Pictures

El pasado 16 de noviembre se presentó en la librería Bubok el libro Historia de un blog de cine, que condensa lo que han sido los primeros diez años de existencia de este blog. Desde estas líneas quiero agradecer su presencia a todos los asistentes al evento así como a Jerónimo José Martín, presidente del CEC, que me acompañó durante la presentación, y al equipo de Bubok Publishing.

Fue una tarde entre amigos para compartir anécdotas, curiosidades, para «hablar de mi libro», de películas de ayer y de hoy, de blogs, pero ante todo para hablar de CINE, así con mayúsculas. Una tarde en la que el séptimo Arte fue el gran protagonista.

Con motivo de esta presentación la propia editorial y la revista cultural Amanece Metrópolis, me han publicado sendas entrevistas que se pueden leer en los siguientes enlaces:

Entrevista para Bubok Publishing.
Entrevista para Amanece Metrópolis.

GALERÍA DE FOTOS

sábado, 12 de noviembre de 2016

Comandante Sully

En enero de 2009 un avión de U.S. Airways, tras despegar del aeropuerto de La Guardia en NuevaYork, topó con una bandada de aves que dañaron los motores y acabó en el río Hudson, afortunadamente sin bajas ni de la tripulación ni de los pasajeros. El comandante Chesley Sullenberger, conocido entre sus más allegados como «Sully», se convirtió inmediatamente en un héroe para la opinión pública, pero no tanto para la NTSB, la Junta Nacional de Seguridad del Transporte, que debía investigar exhaustivamente las causas del accidente y valorar si hubo o no negligencia en la maniobra realizada, poniendo así en tela de juicio la actuación del comandante durante el suceso.

Las angustiosas horas que pasó este veterano y avezado piloto debidas al trauma del accidente y a la presión durante la investigación del mismo, fueron plasmadas por el propio Sullenberger y el periodista Jeffrey Zaslow en el libro Highest duty, que ha servido de base para que Clint Eastwood nos traiga esta intensa historia a la gran pantalla bajo el título de Sully, una película que se mueve entre el drama, la recreación histórica, el biopic o género biográfico y el conocido como «cine de catástrofes».

Eastwood da una nueva lección de maestría en narración cinematográfica. Las situaciones que cuenta se desarrollan frenéticamente en pocas horas, pero su puesta en escena y ritmo narrativo llaman a la templanza, la calma y la serenidad, sin estridencias ni efectismos grandilocuentes, pero sin restar por ello ni un ápice de la intensidad, el dramatismo y la relevancia que realmente han tenido los hechos relatados. También la fragmentación de la narración con la introducción de recuerdos del protagonista, ayuda a crear el personaje y enfocar el desarrollo de la historia desde el punto de vista de la psicología del mismo.

Por otra parte la estoica interpretación de Tom Hanks, en la piel del protagonista, transmite el estrés y angustia que atraviesa su personaje también desde la contención, sin histrionismos exagerados, y funciona perfectamente. Le secundan Aaron Eckhart, el otrora Harvey Dent de El caballero oscuro, aquí en la piel del copiloto Jeff Skiles, y Laura Linney, como la esposa de Sully. Tanto Hanks como Eckhart han tenido con esta película su primera experiencia a las órdenes de Eastwood, mientras que Linney había ya trabajado con el mítico director en Poder absoluto y Mystic river.

domingo, 6 de noviembre de 2016

Tormenta climática, tormenta emocional

El director japonés Kore-Eda Hirozaku, artífice de Nuestra hermana pequeña, nos trae una nueva historia familiar en clave melodramática con Después de la tormenta (Umi yori mo mada fukaku). En esta ocasión se trata de un escritor de mediana edad venido a menos por su afición a las apuestas, que malvive como detective privado y a raíz de la muerte de su padre trata de retomar las riendas de su vida, volver a escribir y recuperar el cariño de su hijo y de su ex mujer.

Todo transcurre en unos días en los que se avecina un tifón, que sirve como metáfora del estado emocional del protagonista, el cual se beneficia de una contenida y expresiva interpretación del actor Hiroshi Abe, quien transmite perfectamente la angustia interior y el patetismo de ese hombre caído en desgracia en plena crisis de los 50. Recuerda en cierto modo al también escritor en crisis interpretado por Paul Giamatti en Entre copas, pero esta vez en versión japonesa.

Sin embargo si hay un personaje que destaca con diferencia en el relato es el de la madre del protagonista, tanto por el trazado del personaje en sí mismo como por la genial interpretación de la veterana actriz Kirin Kiki. Una madre llena de matices, muy pegada a la realidad, con un fresco sentido del humor, que puede ser sarcástica y entrañable al mismo tiempo. Un gran personaje en la piel de una gran actriz.

En general el trazado de los personajes es muy sólido, y las relaciones entre ellos muy auténticas, fruto de un férreo guion escrito por el propio Kore-Eda. La narración transcurre sin pausa pero sin prisa, con un ritmo continuo, sin grandes cambios, pero muy fluido y adecuado a la historia que cuenta. Además introduce con mucha naturalidad en los diálogos golpes de humor muy frescos que fortalecen la empatía con el espectador y la hacen muy agradable de ver. Una película deliciosa.

lunes, 31 de octubre de 2016

Un extraño doctor viajando por el multiverso

Llega una nueva producción de Marvel Studios: Doctor Extraño (Doctor Strange), dirigida por Scott Derrickson, especializado en cine de terror. Tuvo hace unos años una incursión en el género de ciencia ficción con un malogrado remake de Ultimatum a la Tierra. Lo que sí había dejado patente es que tiene un sólido conocimiento en el manejo de las tecnologías digitales. Ahora se incorpora al universo Marvel con la adaptación de uno de sus personajes menos conocidos y el resultado es muy interesante tanto en el aspecto técnico como conceptual.

Un arrogante y exitoso neurocirujano ve truncada su meteórica carrera profesional al sufrir un accidente con su coche. Desesperado por no conseguir recuperar plenamente sus facultades mediante los últimos adelantos de la medicina, decide buscar una vía alternativa de sanción en las artes místicas, a pesar de su escepticismo en ese tema.

La película goza de un espectacular aspecto visual que justifica el surrealismo de sus apabullantes imágenes por desarrollarse la acción en universos solapados, espacios multidimensionales y viajes astrales, o lo que es en resumidas cuentas el multiverso. En este sentido el film nos trae reminiscencias de Origen, de Christopher Nolan, o incluso de Matrix, de los hermanos Wachowski. Por otra parte el hecho de ser un superhéroe que desarrolla poderes mentales, puede recordar en cierto modo a La Sombra, un superhéroe de DC Cómics llevado al cine en 1994 por Russell Mulcahy.

Además del poderoso tratamiento gráfico, Doctor Strange aporta conceptualmente un contenido interesante por el planteamiento del debate entre razón y fe, ciencia y misticismo, lo físico y lo etéreo. Es realmente una historia de conversión de un escéptico en creyente cuando su vida se viene abajo y debe encontrar un nuevo rumbo. Por lo demás la película tiene escenas de acción bien resueltas, buen ritmo narrativo y golpes de humor efectivos y correctamente dosificados. Todo el conjunto se ve aderezado por la acertada música de Michael Giacchino, responsable de partituras como las de Del revés, El destino de Júpiter, o Jurassic World, por citar algunas.

El reparto lo encabeza Benedict Cumberbach, protagonista de The imitation game, y hace suyo el personaje como Robert Downey Jr. hizo con Iron Man. Le acompañan Rachel McAdams, vista a principios de año en Spotlight, Chiwetel Ejiofor, protagonista de 12 años de esclavitud, Tilda Swinton, vista en El gran hotel Budapest, y Mads Mikkelsen, el otrora villano de Casino Royale, que en esta ocasión también es el malo de la función.

domingo, 16 de octubre de 2016

Los siete variopintos magníficos

El director japonés Akira Kurosawa estrenaba en 1954 la película Los siete samurais, sobre un pueblo de gente humilde que es atacado por una banda de forajidos y deciden contratar a siete samurais que los defiendan de sus atacantes. Hollywood siempre ha estado al quite de cazar buenas ideas y hacer su propia versión las mismas, así que en 1960 se estrenaba Los siete magníficos, dirigida por John Sturges, que trasladaba esta misma historia al género western, situando la acción en un pueblo mexicano de agricultores que son hostigados por una banda comandada por el malvado Calvera, estupendamente interpretado por un genial Eli Wallach. El reparto contaba con rostros muy conocidos de la época como Yul Bryner, Steve McQueen, James Coburn, Robert Vaughn, Charles Bronson, Brad Dexter y Horst Buchholz, actor alemán que debutaba en Hollywood con esta película tras iniciar su carrera cinematográfica años atrás en su país de origen.

El film se ha convertido en un título mítico de la historia del cine, y ha sido objeto a lo largo de los años de innumerables imitaciones. Ahora llega a las pantallas un remake de la mano del director Antoine Fuqua. La nueva versión de Los siete magníficos (The magnificent seven) cuenta con un plantel de estrellas encabezado por el carismático Denzel Washington acompañado de Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio y Chris Pratt, que despliega aquí más carisma que sus otros descafeinados personajes de héroe en Jurassic World o Guardianes de la galaxia. El grupo lo complementan los menos conocidos Byung-hun Lee, Manuel García-Rulfo y Martin Sensmeier. El villano de turno lo interpreta Peter Sarsgaard. Además pone el toque femenino al elenco la actriz Haley Bennett en el papel de la persona que decide contratar al grupo de pistoleros. Bennett había trabajado ya junto a Denzel Washington a las órdenes de Fuqua en The equalizer. Por otro lado Washington ganó el Oscar a mejor actor principal bajo la batuta de Fuqua en Training day, en la que también compartió protagonismo con Ethan Hawke.

Los personajes, además de representar a distintos arquetipos del western y tener distintas personalidades que contrastan entre sí, también dan un aspecto variopinto al conjunto desde el punto de vista físico ya que se trata de un grupo interracial e intercultural: hay un negro, un asiático, un indio comanche, un mexicano y tres blancos, de los cuales uno es de edad notoriamente más avanzada que los demás.

En esta ocasión el escenario de Los siete magníficos es un pueblo estadounidense de agricultores que se ve amenazado por un hombre de negocios sin escrúpulos que pretende quedarse con las tierras para explotarlas como mina de oro. En este sentido la película nos trae ecos de El jinete pálido (Pale rider) de Clint Eastwood. En la trama subyacen temas de interés como el debate entre justicia y venganza, o también la implicación en una causa, el hacer cosas por los demás porque es lo correcto, independientemente de si se recibe o no una retribución a cambio, tema también tratado en su predecesora. No obstante son temáticas que se esbozan pero no se profundizan, y es que el guion de la película es correcto estructuralmente pero resulta algo pobre en cuanto a diálogos, que en cambio sí eran muy buenos en el clásico de Sturges.

Visualmente la película es poderosa. Las escenas de acción están perfectamente coreografiadas y rodadas con garra por parte de su director. El film goza de un buen arranque, decae un poco el interés en la parte del reclutamiento de los pistoleros, que resulta algo sosa, y finalmente culmina en un clímax de enorme poderío visual. Globalmente resulta espectacular, vibrante y entretenida.

martes, 11 de octubre de 2016

Galax Pictures, el libro

En octubre de 2006 llegaba un nuevo dominio a la Red: galaxpictures.com para ofrecer on line vídeos de producción propia. Unos meses después iniciaba su andadura el presente blog como complemento a esa idea de especie de "productora de cine on line". Más tarde, a lo largo de los años y para ir con el signo de los tiempos, se fueron incorporando los perfiles en las distintas redes sociales según iban ganando auge entre los internautas.

Y ahora, en su décimo aniversario, llega el salto al mundo literario con el libro Historia de un blog de cine. Un recorrido por esta década de existencia a través de una selección de 55 artículos publicados en este blog a lo largo de estos años, y engarzados unos con otros por el relato de las circunstancias que me llevaron a escribir en cada momento, así como agrupados por capítulos temáticos.

El libro ha sido editado por Bubok Publishing y se encuentra ya a la venta tanto en formato papel como en e-book. Mientras tanto el blog sigue creciendo con su actividad habitual. La historia continúa.

jueves, 29 de septiembre de 2016

Hace 40 años que Gene y Richard fueron a Chicago


En 1976 se estrenaba en Estados Unidos la película El expreso de Chicago (Silver Streak), dirigida por Arthur Hiller, responsable de la exitosa Love estoy. A la cartelera española llegaría casi un año después. Era la primera colaboración artística entre Gene Wilder y Richard Pryor. Volverían a trabajar juntos en tres películas más a lo largo del tiempo: Locos de remate (Stir crazy, 1980) dirigida por Sidney Poitier, No me chilles que no te veo (See no evil, hear no evil, 1989) nuevamente a las órdenes de Arthur Hiller, y No me mientas que te creo (Another you, 1991) de Maurice Phillips.

El expreso de Chicago es una equilibrada mezcla de comedia y thriller policiaco sobre un editor de libros que debe tomar el tren a Chicago y durante el viaje es testigo de un asesinato. Gene Wilder tenía ya una buena trayectoria en cine cuando hizo esta película, y concretamente en aquel momento era muy popular por el éxito de El jovencito Frankenstein, de Mel Brooks, estrenada dos años antes. Por su parte Richard Pryor también tenía ya varios títulos a sus espaldas, pero los más recordados de su filmografía son posteriores a este film. Completan el reparto Jill Clayburgh, Patrick McGoohan y Ned Beatty. Es interesante ver también a Richard Kiel, el famoso villano Tiburón de las entregas de 007 La espía que me amó y Moonraker, inolvidable por su dentadura de acero. Pues sin esa prótesis metálica, hacía un papel prácticamente idéntico, de matón silencioso pero letal, en El expreso de Chicago, estrenada un año antes que su primera incursión en el universo del famoso espía británico con La espía que me amó.

Quizá algún lector se esté preguntando que con tanta película mítica que se puede reseñar, ¿por qué escribir sobre El expreso de Chicago, que al fin y al cabo no era más que una comedia convencional de aquella época? Pues bien, la tenía grabada en VHS, de alguna emisión que se hizo por la tele en los años 80, y en su momento fue de esas películas que vi cientos de veces.

Debido al reciente fallecimiento de Gene Wilder, hace hoy un mes, han puesto en distintos canales de televisión algunas de sus películas como El jovencito Frankenstein o Un mundo de fantasía. Homenajes muy acertados, sin duda, aunque yo recordaba El expreso de Chicago como una de sus interpretaciones más inspiradas, así que volví a verla, con cierta reticencia, pues pensaba que la encontraría muy envejecida. Sin embargo la volví a disfrutar enormemente y me ha parecido una película muy fresca, agradable de ver, con una química estupenda entre los actores, que transmiten mucha naturalidad en sus interpretaciones, y todo aderezado con una deliciosa y pegadiza música de Henry Mancini. Por todo ello tenía que dedicarle estas líneas en el blog.

viernes, 16 de septiembre de 2016

Morgan, adolescente letal

Ridley Scott se encuentra actualmente rodando la secuela de su clásico de ciencia ficción Blade Runner, película paradigmática sobre los dilemas que entraña la inteligencia artificial en cuanto a si la vida sintética puede tener o no sentimientos. El título de la novela de Philip K. Dick en la que se basa el film es bastante explicativo: ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?
Muchas películas sobre este tema se han hecho desde entonces, tanto desde un punto de vista más filosófico, con títulos como A.I. Inteligencia Artificial o la reciente Ex-Machina, como desde la perspectiva del mero entretenimiento de acción, con ejemplos tales como la saga Terminator, Soldado Universal, Robocop o Chappie. Ridley Scott llega ahora a las pantallas con esta temática en calidad de productor con la prometedora opera prima de su hijo Luke Scott: Morgan.

En un recóndito lugar en medio de la naturaleza, alejado de la civilización, un reducido equipo de científicos trabaja en un proyecto de inteligencia artificial basado en la ingeniería genética y la nanotecnología. Tras un incidente con su prototipo, una adolescente llamada Morgan, la empresa responsable envía a este remoto enclave a una analista de riesgos para investigar y evaluar las causas del incidente.

Luke Scott apunta maneras. Aunque el tema no es nuevo, la mayoría de los personajes son arquetipos, y en cuanto a la fotografía y puesta en escena no puede evitar verse de donde le viene el estilo, el director debuta en el largometraje demostrando que conoce bien el oficio y logrando una película intensa, a ratos inquietante, visualmente potente y con un ritmo narrativo impecable que mantiene el interés durante todo el metraje. Además de las citadas y evidentes influencias, el director admite que su mayor referente para el enfoque de la película es la historia de Frankenstein.

A pesar de ser un film de ciencia ficción en clave de thriller con buenas dosis de suspense y unas pinceladas de terror y acción, según ha comentado el propio director ha querido incluir en la película un trasfondo ecologista, de manera que la forma en que los científicos enseñan a su "creación" a tener sensibilidad es a través del contacto con la naturaleza. Además el vestuario que lleva la criatura está tejido con lana y seda naturales. La cinta goza por tanto de unas localizaciones de naturaleza impresionantes, rodadas en Irlanda del Norte, cerca de Belfast.

Protagonizan Kate Mara y Anya Taylor-Joy. Mara, que hace el papel de la enviada a investigar el caso, parece sentirse a gusto en el género de ciencia ficción tras haberla visto el año pasado en Marte y Cuatro Fantásticos, y hace tres años en Trascendence. Taylor-Joy es la joven que interpreta a Morgan, y pudo ser vista el año pasado en La bruja: una leyenda de Nueva Inglaterra. A estas jóvenes protagonistas las secunda un elenco interesante de veteranos: Michelle Yeoh, la otrora chica Bond en El mañana nunca muere, también coprotagonista de Tigre y Dragón, Jeniffer Jason-Leigh, que saltó a la fama en los 90 con la película Mujer blanca soltera busca, y últimamente ha sido la única mujer del masculino reparto del film de Tarantino Los odiosos ocho. Toby Jones, de las sagas Los juegos del hambre y Capitán América, y el siempre espléndido Paul Giamatti completan el reparto. Giamatti además protagoniza la que posiblemente sea la mejor escena de la película. Además de estos veteranos también cabe destacar la interpretación de Rose Leslie, conocida por la serie Juego de Tronos.

En definitiva Morgan es una cinta de ciencia ficción que sin ser novedosa resulta muy sólida en su realización y supone una carta de presentación más que convincente del prometedor director Luke Scott.

Gracias a Sensacine por el preestreno de Morgan, que además contó con la presencia del director del film.

sábado, 10 de septiembre de 2016

Con las armas no se juega

El sueño americano existe, el triunfo de jóvenes emprendedores estadounidenses que han creado un gran imperio partiendo de cero. Algunas de estas historias reales han servido de base para muchas películas biográficas, como por ejemplo La red social, Steve Jobs, o Joy. También es cierto que, a pesar de que todos los caminos hacia el éxito están plagados de luces y sombras, ya que no es oro todo lo que reluce, son historias que en general acaban bien y están aceptadas por la sociedad. Sin embargo hay otra cara de ese sueño americano, una cara oscura forjada por jóvenes que buscan ese éxito a cualquier precio, y unas veces por maldad y otras por ignorancia, traspasan los límites de lo legal y lo moral cegados y embriagados por el color del dinero. También algunos de estos sucesos han sido llevados a la gran pantalla, como por ejemplo en El lobo de Wall Street, o Dolor y dinero. Ahora es Todd Phillips, director de Resacón en Las Vegas, quien nos trae una de estas historias: Juego de armas (War Dogs).

La película nos cuenta cómo dos veinteañeros se meten en el negocio del armamento durante la guerra de Irak y acaban convertidos en traficantes de armas. El tono del film es de comedia gamberra, pero muy equilibrada, en tanto que el hecho de narrar en clave cómica no eclipsa ni desvirtúa el mensaje subyacente de crítica social sobre la hipocresía y la reprobable moralidad que entraña el negocio de la guerra. En ese sentido es bastante incisiva, sobre todo al inicio del metraje con un sarcástico discurso en la línea del que se hacía sobre los trapos sucios de la banca en La gran apuesta.

Protagonizan Jonah Hill, conocido por comedias como Infiltrados en clase, o Juerga hasta el fin, entre otras, Miles Teller, conocido por Whiplash, Divergente y el fallido reboot de Los cuatro fantásticos, y Ana de Armas, que se encuentra ahora rodando la secuela de Blade Runner con Ridley Scott. Bradley Cooper ejerce como productor y se reserva un papel secundario en pantalla.

Juego de armas es divertida, incisiva y trepidante, y además cuenta con una acertada selección de canciones para reforzar determinadas escenas. Desde mi punto de vista el título en español habría sido mejor si mantuvieran la traducción literal del original War Dogs, que sería "Perros de guerra".

Gracias a Sensacine por una nueva velada cinematográfica con el preestreno de esta película.

lunes, 29 de agosto de 2016

Magia oriental y aventuras con Kubo

Los estudios de animación nos han acompañado durante todo el verano, que comenzó con Buscando a Dory, de Pixar. Luego Blue Sky nos traía Ice Age: el gran cataclismo, Illumination Entertainment aterrizaba en la cartelera con Mascotas, y ahora el estudio Laika cierra el mes de agosto con Kubo y las dos cuerdas mágicas.

Se trata de una película de animación que combina la tradicional técnica stop-motion, es decir, grabación fotograma a fotograma de muñecos articulados, con las últimas tecnologías digitales para ofrecer un espectáculo visual muy original, fascinante y sorprendente. Ambientada en Japón, Kubo y las dos cuerdas mágicas cuenta la historia de un niño llamado a ir en busca de una armadura mágica para protegerse de la venganza de un oscuro espíritu ancestral. Una emocionante aventura épica, llena de magia y humor, con ciertos aires de tragedia shakespeariana. Dentro de toda la épica que envuelve la película también hay lugar para las emociones más intimistas a través de personajes bien trazados, con hondura dramática, que consiguen tocar la fibra sensible del espectador, por lo que la película consigue ser no solamente emocionante sino también emocional.

Es el cuarto largometraje del estudio Laika, tras los títulos Los mundos de Coraline, El alucinante mundo de Norman y Los Boxtrolls. El estudio es propiedad de Phil Knight, directivo de Nike. Su hijo, Travis Knight, debuta en la dirección con esta película, si bien ya se había encargado de la producción en los dos títulos previos. Su pasión por la cultura japonesa le ha llevado a dirigir Kubo y las dos cuerdas mágicas como un sentido y cálido homenaje a esa tradición nipona que tanto aprecia.

La versión original cuenta con un reparto de voces muy interesante. Al protagonista le da vida un joven actor: Art Parkinson, visto en la exitosa serie televisiva Juego de tronos, así como en la película de género catastrofista San Andrés. Le secundan estrellas de primer orden: CharlizeTheron, Matthew McConaughey, Ralph Fiennes y Rooney Mara.

Una frase para la posteridad: "Si han de parpadear, háganlo ahora".

Gracias a Sensacine por la invitación al preestreno de esta película.

martes, 23 de agosto de 2016

El jugador que devolvió el orgullo a su país: Pelé

En 1950 la selección de fútbol de Brasil perdió la final del mundial frente a Uruguay. Sin embargo no fue una derrota deportiva como otra cualquiera, sino que se convirtió en todo un desastre nacional por la imagen que el mundo tenía de este país. Todos lo veían como una nación primitiva, incivilizada. A nivel político se trató de implantar el estilo de juego europeo, renunciando a la ginga, el estilo propio de los jugadores, heredado de las tradiciones de sus antepasados, tratando así de dar una nueva imagen al mundo. En el mundial de 1958 fue cuando Brasil recuperó su orgullo nacional ganando el campeonato del mundo gracias al debut de Pelé, el debutante internacional más joven de la historia, que con sólo 17 años logró convertirse en la estrella del Mundial de fútbol jugando con su estilo ginga.

La película Pelé, el nacimiento de una leyenda (Pelé: birth of a legend), relata la vida de este gran futbolista en esos ocho años cruciales de su vida y de la historia del fútbol brasileño. De hecho esa lucha entre la implantación de un nuevo estilo de juego o la conservación de las tradiciones propias, es el eje central de la trama de la película. En cuanto a la vida de Pelé, retrata correctamente sus lazos con sus amigos y su familia, haciendo especial hincapié en la relación con su padre.

Dirigen los hermanos Jeff y Michael Zimbalist, cineastas curtidos en el género documental. El propio Pelé figura en la producción y hace un pequeño cameo en la pantalla. Dos jóvenes actores encarnan al campeón con gran naturalidad y frescura, uno en su infancia y otro en su adolescencia: Leonardo Lima Carvalho y Kevin de Paula, respectivamente. Ambos debutan en cine con esta película. Al padre del protagonista lo interpreta Seu Jorge, visto en títulos como Ciudad de Dios o Tropa de élite 2. La actriz Mariana Nunes interpreta a la madre. Completa el reparto Vincent D'Onofrio en la piel del seleccionador nacional Vicente Feola.

El esquema narrativo es muy convencional en el género de los biopics, o películas biográficas, y la trama se desarrolla sin sorpresas. No obstante el ritmo es bueno y cuenta con momentos muy vibrantes. La fotografía y la música se combinan para transmitir el sentimiento de esa cultura ancestral, que brota de lo más profundo del ser. Tradición, deportividad, relación paternofilial, compañerismo, son conceptos que impregnan el metraje de Pelé, el nacimiento de una leyenda.

jueves, 18 de agosto de 2016

El mejor amigo del niño: el dragón

En 1977 Disney estrenaba la película Pedro y el dragón Elliot, que combinaba la imagen real con los dibujos animados, técnica que ya había empleado en otras películas de gran éxito como Mary Poppins o La bruja novata. Sin embargo esta vez tuvo menos repercusión en el público. Llega ahora a las pantallas una nueva versión bajo el título Peter y el dragón, aunque el título original es el mismo en ambos casos: Pete's dragon, cuya traducción literal sería El dragón de Pete, siendo Pete diminutivo de Peter.

La acción se desarrolla en un pueblo de montaña en Estados Unidos, donde se cuenta la leyenda de un dragón que habita en los bosques. Un anciano del lugar asegura haberlo visto muchos años atrás. Un niño llamado Peter va de excursión por el bosque con sus padres y éstos mueren al volcar el coche en un accidente. El niño sobrevive y es acogido por el dragón. Seis años después es encontrado por una guarda forestal, hija del hombre que aseguraba haber visto al animal mitológico, y por los trabajadores de un aserradero, del cual se nutre el pueblo, que están talando los árboles indiscriminadamente.

Dirige David Lowery, cineasta forjado en el cine independiente. Protagoniza Bryce Dallas Howard, hija del prestigioso director Ron Howard, a la que ya pudimos ver enfrentada a otros monstruos en Jurassic World. Le acompañan Karl Urban, protagonista de Dredd, Wes Bentley, visto en títulos como Encontrarás dragones, American beauty o Los juegos del hambre, Robert Redford en el rol del padre de la protagonista, y los niños Oakes Fegley y Oona Laurence.

Todos trabajan bien, pero el gran protagonista de la función es el dragón Elliot, que con sólo la mirada es capaz de transmitir ternura, ira, miedo, comicidad, tristeza, en fin, todo un abanico de emociones. Al tener el cuerpo cubierto de pelo en vez de escamas, su aspecto físico recuerda más a Fuchur de La historia interminable que a otros dragones tales como el de Shrek, Dragonheart o Como entrenar a tu dragón, por citar algunos ejemplos. Además técnicamente está muy logrado, un trabajo de efectos digitales de primera línea.

La película toca la fibra sensible del espectador. A ratos trae ecos de películas como El libro de la selva, E.T. o King Kong. Si bien resulta bastante predecible en su desarrollo, al final deja buen sabor de boca. Es un cuento para niños y una película para disfrutar en familia. De trasfondo subyacen mensajes a favor de los valores familiares y la protección del medio ambiente, si bien el film no se centra en profundizar sobre ello sino más bien en la relación de amistad entre el niño y el dragón, así como en el espíritu de cine de aventuras. No obstante todas esas pinceladas de mensajes en positivo, ya sea en mayor o menor medida, le dan un aire global de optimismo al film que lo hacen muy agradable de ver.

Gracias a Sensacine por la invitación al preestreno de esta película.

lunes, 15 de agosto de 2016

Canciones veraniegas de cine


Vender una película a través de una canción que supuestamente es el tema central de su banda sonora, aunque en ocasiones solamente se disfrute con los créditos finales, es algo que se hace de vez en cuando, pero que en las décadas de los 80 y los 90 era muy habitual. Algunas canciones tuvieron tanto éxito o más que la propia película.

Hay grandes hits musicales de películas estrenadas en cualquier época del año, pero, ya que estamos en verano, propongo a continuación una selección de diez éxitos veraniegos estrenados en España durante la época estival. El orden de la lista es meramente cronológico:

1. A view to a kill, de Duran Duran. El famoso grupo pop de los 80 fue el encargado de la canción que daba título a la despedida de Roger Moore como agente 007 en Panorama para matar, estrenada en España en julio de 1985. PLAY

2. Take my breath away, de Berlin. Impresionante éxito de esta balada que formaba parte de la banda sonora de Top Gun, el encumbramiento de Tom Cruise como estrella de la pantalla. Se cumple este verano el trigésimo aniversario de su estreno. Fue en agosto de 1986. PLAY

3. Batdance, de Prince. Esta canción marcó sin duda el verano de 1989, contribuyendo a crear una enorme expectación por el Batman de Tim Burton que llegaría en septiembre de ese año. La batmanía se había desatado. PLAY

4. (Everything I do) I do it for you, de Bryan Adams. Emocionante balada romántica de enorme éxito que formaba parte de la banda sonora de Robin Hood: Príncipe de los ladrones, con Kevin Costner de protagonista, estrenada en Junio de 1991. PLAY

5. Speed, de Billy Idol. Una canción tan adrenalínica como la película a la que pertenece: Speed, con Keanu Reeves y Sandra Bullock a bordo de un bus a punto de explotar. Agosto de 1994. PLAY

6. Love is all around, de Wet, wet, wet. Prácticamente podíamos catalogar de fenómeno social el impacto de esta canción, que ayudó enormemente a que la comedia romántica británica Cuatro bodas y un funeral tuviera la taquilla que tuvo a finales de agosto de 1994. PLAY

7. Hold me, thrill me, kiss me, kill me, de U2. Bono y su banda dando marcha a la acrobática versión del hombre murciélago en Batman Forever, dirigida por Joel Schumacher. Junio de 1995. PLAY

8. Theme from Mission: Impossible, de Larry Mullen & Adam Clayton. Estos dos miembros de U2 hicieron una versión moderna del clásico de Lalo Schifrin que causó un gran impacto en el público, aumentando considerablemente la expectación ante el estreno de Mission: Impossible en julio de 1996. Hace ya 20 años. PLAY

9. Men in Black, de Will Smith. Canta, baila y actúa. Will Smith ponía ritmo a la comedia de ciencia ficción Men in Black que él mismo protagonizaba junto a Tommy Lee Jones, en julio de 1997. PLAY

10. I don't wanna miss a thing, de Aerosmith. El padre, Steve Tyler, cantando, y la hija, Liv Tyler actuando en el blockbuster veraniego Armageddon, de Michael Bay, en julio de 1998. PLAY

lunes, 8 de agosto de 2016

Fisher versus Spassky, sacrificio de peón

Las poliédricas y torturadas mentes de los grandes genios, son fuente de inspiración para la composición de personajes carismáticos cuyo magnetismo proviene sus excentricidades fruto de trastornos obsesivos compulsivos, paranoia, esquizofrenia, y otros problemas mentales, a pesar de los cuales han sido capaces de dejar su huella en la historia. Así por ejemplo nos han llegado a la pantalla biopics, o películas biográficas, de personalidades como el productor de cine Howard Hughes en El aviador, el matemático John Nash de Una mente maravillosa, o el visionario fundador de Apple, Steve Jobs. Ahora le llega el turno al campeón de ajedrez Bobby Fisher en la película El caso Fisher (Pawn sacrifice).

El director Edward Zwick, artífice de Leyendas de pasión, El último samurai, o Diamante de sangre, entre otras, dirige a Tobey Maguire, el otrora Spiderman, versión de Sam Raimi, que se mete en la piel del complicado ajedrecista. Un personaje obsesionado con vencer al campeón soviético de ajedrez, una personalidad marcada por un ambiente familiar inestable, y con la paranoia conspiratoria del espionaje durante la Guerra Fría como telón de fondo.

Liev Shreiber, que ya había trabajado a las órdenes de Zwick en Resistencia, encarna al campeón soviético Boris Spassky, en un registro más contenido, de menos diálogo y más presencia silenciosa que los personajes a los que nos tiene acostumbrados. Cabe recordar que ha interpretado personajes más viscerales tanto en Resistencia como en Lobezno, o roles más locuaces como su encarnación de Orson Welles en RKO 281 o el científico de Kate y Leopold. A principios de este año lo pudimos ver en la oscarizada Spotlight.

El famoso encuentro entre Fisher y Spassky de 1972 se convirtió en un fenómeno social sin precedentes en el mundo del ajedrez. Fisher se hizo famoso a nivel de ídolo de masas dedicándose a algo que normalmente no resulta nada mediático. No obstante también hay que tener en cuenta los factores externos, y el hecho de la época, en que un enfrentamiento entre Estados Unidos y la Unión Soviética, hace que este tipo de eventos cobren una mayor dimensión que si hubiese tenido lugar en otro momento de la historia.

El caso Fisher goza de una correcta ambientación del momento en que se desarrolla la acción, buenas interpretaciones de sus protagonistas, y un ritmo narrativo adecuado a la evolución de la trama. Es una lástima el anodino título que le han puesto para su estreno en España. La traducción literal del título original, Pawn sacrifice, viene siendo algo así como "Sacrificio de peón", en clara alusión a una jugada de ajedrez que funciona como metáfora del juego de poder de las altas esferas y de cómo utilizan a las personas en sus estrategias políticas, es decir, como a peones de ajedrez.

lunes, 1 de agosto de 2016

Vuelve Jason Bourne

Tras el relevo tomado por Jeremy Renner en El legado de Bourne, de Tony Gilroy, donde interpretaba a otro agente afectado por los acontecimientos ocurridos en las tres primeras entregas, Matt Damon vuelve a encarnar al personaje que lo encumbró en 2002 con El caso Bourne, de Doug Liman. Además esta vez participa también como productor y vuelve a contar con Paul Greengrass en la dirección, con quien había trabajado en la segunda y tercera partes, El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne respectivamente. En esta ocasión para dar título a la nueva cinta siguen la estela de Stallone en las últimas entregas de sus dos sagas más míticas, en las que usaba el nombre completo del personaje: Rocky Balboa y John Rambo. Con el espía de Matt Damon han utilizado la misma fórmula para dar título a esta película: Jason Bourne, que le da un cierto aire de secuela crepuscular al film.

Comienza con el protagonista malviviendo en Atenas, ganándose la vida, como Rambo en Tailandia al inicio de Rambo III, con peleas clandestinas. La ex agente de la CIA Nicky Parsons, inmersa ahora en el mundo de los hackers, entra en los servidores de la CIA capturando información de operaciones encubiertas en las que descubre nuevos datos sobre le pasado de Bourne, y se pone en contacto con él para darle esta información.

Julia Stiles repite en su papel de Nicky Parsons, la única que ha estado en las cuatro entregas junto a Matt Damon. Como nuevos fichajes están Tommy Lee Jones, en el rol de director de la CIA, Alicia Vikander, ganadora del Oscar este año por La chica danesa, en la piel de la encargada de la nueva operación para perseguir a Bourne, y Vincent Cassel como el ejecutor que debe dar caza al protagonista.

Paul Greengrass sigue dirigiendo con ritmo trepidante las andanzas de Bourne por medio mundo con espectaculares persecuciones motorizadas, tiroteos, peleas cuerpo a cuerpo y espionaje de alta tecnología. Y por supuesto no podían faltar unos créditos finales de diseño tecnológico amenizados por la canción Extreme ways, de Moby.

Toda la saga tiene como trasfondo los trapos sucios de las agencias que supuestamente velan por nuestra seguridad. En esta nueva entrega además se añade el controvertido tema de la privacidad de datos personales en las redes sociales. Todo muy bien entrelazado con la acción trepidante y el ritmo vertiginoso que posee el metraje desde el inicio hasta el final.

Por tanto Jason Bourne no decepciona, no cansa, al contrario, sigue aportando más elementos nuevos a un universo que inicialmente parecía no tener mucho más alcance. Sin duda la película de acción de este verano.

miércoles, 20 de julio de 2016

Money monster, el mediático circo bursátil

Un joven desquiciado irrumpe a punta de pistola en el plató del programa televisivo sobre el mundo financiero Money monster, durante una emisión en directo, reclamando a su famoso presentador explicaciones por una operación de inversión bursátil que salió mal, en la que el chico perdió todos sus ahorros al seguir los consejos de la estrella televisiva.

Jodie Foster firma con esta su cuarta película como directora, y para ello cambia totalmente de género. Hasta ahora había dirigido un cine más intimista, dramas con toques de comedia sobre conflictos familiares, con los títulos El pequeño Tate, A casa por vacaciones y El castor. En Money monster se zambulle en el thriller adrenalínico, para contarnos una historia moralizante sobre la avaricia y la banalización de la realidad a través del espectáculo mediático en el marco de la crisis económica de los últimos años. Así pasa a engrosar la lista de películas de denuncia social sobre los desmanes cometidos por los bancos y grandes empresas de inversión, junto a títulos como Wall Street: el dinero nunca duerme, Margin call, o La gran apuesta. También puede formar parte de otra lista formada por películas sobre el mundo de la televisión sensacionalista, como Asesinos natos, 15 minutos, o Showtime.

Protagonizan George Clooney, en la piel del presentador estrella, Julia Roberts, en el rol de la realizadora del programa, y Jack O'Connell como el joven secuestrador. Les secundan Dominic West y Caitriona Balfe encarnando respectivamente a los personajes del CEO y la responsable de comunicaciones de la empresa que ha generado el conflicto por el que se desencadena la trama de la película. Todos aportan sólidas e intensas, a la par que equilibradas, interpretaciones. Jodie Foster demuestra buen pulso tanto para dirigir a los actores como en la faceta técnica de la dirección.

La música de Dominic Lewis se encuentra perfectamente integrada en la acción, tanto que contribuye a crear tensión en el ambiente, pero sin que el espectador apenas se dé cuenta de los acordes que suenan. Suya fue también la partitura de Doble identidad: jaque al MI5.

El resultado global de Money monster es un intenso y frenético thriller de denuncia social, que se presta al debate por los distintos matices que ofrece en su retrato de la sociedad actual de los países occidentales, donde el exceso de tecnología y la carencia de valores humanos, abocan a una deshumanización de la especie caracterizada por la indiferencia y la apatía ante la realidad, una realidad que se antoja efímera, de usar y tirar, de pasar el rato, como una ficción televisiva.

lunes, 18 de julio de 2016

Lolo, un psicópata con complejo de Edipo

La protagonista de la trilogía Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes del anochecer, Julie Delpy, nos trae la película Lolo, el hijo de mi novia (Lolo), una comedia francesa de la cual ella es guionista, directora y protagonista. Le acompañan Dany Boon, conocido especialmente por Bienvenidos al norte, Vicent Lacoste y Karin Viard, vista recientemente en La familia Bélier.

Una sofisticada parisina dedicada al mundo de la moda entabla relación con un informático provinciano dedicado al mundo de la banca. Ella está divorciada y tiene un malcriado hijo de veinte años, llamado Lolo, el cual hará todo lo posible para espantar al nuevo pretendiente de su madre.

En principio el argumento puede dar lugar a una buena comedia, ya que es una trama muy propia de películas de enredo, sin embargo el tratamiento dado a los personajes hace que posiblemente no le haga mucha gracia a varios sectores de público. Por un lado comete el mismo error que las comedias americanas como The interview o La boda de mi mejor amiga, que es basar la comicidad verbal en un exceso de diálogos llenos de metáforas escatológicas y sexuales nada sutiles. Este tipo de humor grueso y zafio puede hacer gracia al inicio del film, con un par de comentarios para romper el hielo, pero a medida que avanza la trama se acaban haciendo reiterativos, fuera de lugar y carentes de gracia. Por otra parte las fechorías del niñato para ahuyentar al ingenuo informático, lejos de ser travesuras hilarantes, son más bien actos propios de un psicópata que no tienen ninguna gracia, y que posiblemente funcionasen mejor en un thriller, tipo La mano que mece la cuna, que en una comedia de verano.

A favor la película cuenta con un buen trabajo de actores, especialmente de Dany Boon, y una dirección bastante competente a la hora de conferir un buen ritmo narrativo a la historia. Se anuncia como la comedia del verano, y de hecho tiene buenos mimbres para que pudiera serlo, pero debido al enfoque descrito anteriormente el resultado no logra ser el anunciado.

martes, 12 de julio de 2016

Preparados para el cataclismo

Vuelven los mamíferos prehistóricos más cachondos del cine en una nueva aventura: Ice Age: El gran cataclismo (Ice Age: Collision course), que supone ya la quinta entrega de la saga. En esta ocasión deben enfrentarse al hecho de que un meteorito amenaza la Tierra. Igual que se extinguieron los dinosaurios por la caída de otro asteroide, ahora los mamíferos temen que les ocurra lo mismo, a menos que encuentren la manera de evitar la colisión. Esto sucede el mismo día de la boda la hija de Manny, el Mamut protagonista, de manera que el recelo que éste siente por su yerno permite una subtrama en la línea de El padre de la novia.

La fórmula es la misma de siempre: humor anárquico y frenético, muy en la línea del cartoon clásico, especialmente de Warner, relaciones entre los personajes en plan buddy movie, o sea "película de colegas", y por supuesto muchos anacronismos. Es fresca, entretenida, dinámica, pero es más de lo mismo. No ofrece novedades de calado respecto a lo visto anteriormente en la saga. Incluso Sid, el perezoso, que posiblemente fuese el más gracioso en la primera entrega, aquí juega un papel prácticamente secundario. En general los personajes originales de la primera película se lucen poco, en aras de incluir a otros nuevos, de esta o de alguna otra entrega anterior. Quizá el que más cancha tiene es Buck, la comadreja que entró en la saga con la tercera película (Ice Age 3: el origen de los dinosaurios).

Scrat sigue persiguiendo su bellota, esta vez incluso en el espacio sideral. Ice Age: el gran cataclismo es, en resumen, un divertido blockbuster veraniego, para pasar un rato con los niños en una sala de cine con aire acondicionado huyendo de los calores estivales. Es producto de una fórmula que funciona pero no se renueva. Además entra a formar parte de la lista de películas que tienen como trama principal la amenaza de un meteorito a la Tierra, junto a títulos como Meteoro, Deep impact o Armageddon.

sábado, 9 de julio de 2016

Un holograma para el rey

Un hombre de mediana edad que ha cometido varios errores tanto en su vida profesional como en la personal, viaja a Arabia Saudí para presentar un sofisticado sistema de teleconferencia holográfica a un rey saudí, con la esperanza de relanzar así su carrera y poner en orden su vida. Es el argumento de Esperando al rey (A hologram for the king), basada en la novela Un holograma para el rey, de Dave Eggers, y dirigida por el alemán Tom Tykwer, artífice de títulos como Corre, Lola, corre, The International: dinero en la sombra, o El atlas de la nubes, codirigida esta última con los hermanos Wachowski.

Protagoniza Tom Hanks, que nos brinda una vez más una sentida y brillante interpretación entre la comedia y el drama. Cabe destacar también a la veterana Sarita Choudhury, en el rol de una médico saudí, actriz muy ligada al cine independiente, más reconocible para el gran público por su papel la saga de Los juegos del hambre. Finalmente se hace digno de mención igualmente el debutante Alexander Black, que interpreta al chófer del personaje de Tom Hanks, y protagoniza la mayoría de los diálogos cómicos del film.

Esperando al rey ha sido rodada en espléndidas localidades de Arabia Saudí y Marruecos, de forma que hace gala de unos planos generales del desierto que son una delicia para la vista. Asimismo el gran arenal, la vasta extensión de tierra yerma sobre la cual los árabes proyectan construir toda una ciudad, juega el papel de metáfora visual que refleja el interior del protagonista. El vacío desierto sobre el que comenzar a edificar algo nuevo, frente a esa necesidad vital del personaje de volver a empezar de cero, de tener una segunda oportunidad, de iniciar una nueva vida.

Además de este tema central del renacer de las cenizas, la película aporta pinceladas de otros temas muy interesantes para el debate. En las causas de la caída del protagonista subyace una crítica al proceso de deslocalización de las empresas de occidente cuando se llevaron a China las grandes fábricas. Como se trata de un encuentro intercultural, no falta tampoco la crítica subliminal a las injusticias de la sociedad árabe como las abismales diferencias entre clases sociales, la explotación de la mano de obra inmigrante, la pena de muerte o la falta de libertad de movimiento de la mujer.

Todos estos temas son muy interesantes y están latentes en el film, pero la forma de conjugarlos quizá no sea la más adecuada, de manera que a ratos puede crear en el espectador dudas sobre qué es lo que realmente nos quiere transmitir el director. Esta dispersión de intenciones repercute en distorsiones del ritmo narrativo, que lastra en cierto modo el resultado final de la película. Se ve con agrado, no se hace pesada, pero también es cierto que, durando poco más de hora y media, no se hace corta.

No obstante, aunque no sea redonda, Esperando al rey es una película muy recomendable por lo que cuenta, por los temas que toca, por sus bellos y luminosos exteriores, y por ver a Tom Hanks desplegando ese carisma y buen hacer al que nos tiene acostumbrados.

jueves, 7 de julio de 2016

Viva, un retrato de la Cuba actual

El actor cubano Jorge Perugorría nos brinda una emocionante y soberbia interpretación en la película Viva, del director irlandés Paddy Breathnach, una coproducción entre Irlanda y Cuba que retrata las miserias de la sociedad cubana actual. El turismo sexual y la pobreza en la que continúa viviendo la población de La Habana, están presentes como telón de fondo para contar una historia sobre el perdón, la tolerancia y la redención a través de la complicada relación entre un joven peluquero homosexual, que quiere dedicarse al espectáculo en un show de drag queens, y su padre, un rudo ex boxeador alcohólico al que no ve desde la infancia y que reaparece en su vida de repente. Este personaje es al que da vida Perugorría en una asombrosa evolución que entra en sintonía con el espectador desde el principio, primero con aversión y al final con ternura.

Salvo algún detalle un poco obsceno, y quizá algo grotesco al inicio del film, la película en general se desarrolla en clave de tragicomedia, con un humor de sabor agridulce, con más drama que comedia, y una galería de personajes que se van ganando el favor del público fotograma a fotograma según avanza la trama, para desembocar en un clímax final en verdad emocionante, que toca la fibra a cualquier espectador mínimamente sensible.

El joven actor Héctor Medina debuta en el largometraje con esta película. Es su segundo trabajo como actor tras el cortometraje Camionero, y realmente se le augura un futuro muy prometedor en el mundo de la interpretación. Otro al que cabe destacar es Luis Alberto García, que encarna al dueño del cabaret, y que dota a su personaje de un gran carisma en la pantalla.

Jorge Perugorría se daba a conocer en España hace 23 años con el éxito de Fresa y chocolate, una película que retrataba también el tema de la homosexualidad en Cuba, aunque en aquel entonces era un problema político, y sin embargo actualmente se trata más de una cuestión social. En aquella película Perugorría interpretaba a un personaje homosexual, y ahora en Viva su personaje es todo lo contrario. Su grandeza reside en que con ambos personajes, totalmente antagónicos y con 23 años de diferencia entre uno y otro, ha conseguido sendas interpretaciones de un alto nivel emocional.

miércoles, 6 de julio de 2016

Bienvenido al país de los gigantes

Spielberg lleva a la gran pantalla el imaginario del autor de cuentos Roald Dahl con la adaptación de Mi amigo el gigante (The BFG). La historia de una niña huérfana que una noche ve a un gigante y éste se la lleva para que no pueda delatarlo, llevándola al país donde él habita. En un lugar poblado por gigantes robustos y primitivos que devoran niños, el protagonista del film es un gigante enclenque, más pequeño que los demás, anciano y repudiado por los más fuertes. Es un forjador de sueños, un poeta que habita entre depredadores. A pesar de su existencia tan poco alentadora, es un ser entrañable, de gran corazón, de forma que entre él y la niña nacerá una profunda amistad.

Una película dirigida por Steven Spielberg es ya, desde hace décadas, una garantía de calidad. Unas películas le salen más redondas que otras, pero todas cumplen unos mínimos de aportar algo positivo para que valga la pena pagar la entrada. Mi amigo el gigante cumple con esas expectativas, si bien hay que decir que no es de las mejores del Rey Midas de Hollywood.

El film tiene a favor unas interpretaciones sensacionales de la pareja protagonista: por un lado Mark Rylance, con quien Spielberg ya trabajó en El puente de los espías, por la que recibió el Oscar Mejor Actor de Reparto, en la piel del gigante que da título al film. Por otro lado su partenaire en la pantalla, la niña Ruby Barnhill, que debuta en cine con este film. Cabe destacar entre los secundarios a la veterana actriz británica Penelope Wilton en el papel de la Reina de Inglaterra, muy reconocible especialmente para los seguidores de la serie televisiva Downton Abbey. En cine se le ha podido ver en títulos como El exótico hotel Marigold o Match Point.

La película es técnicamente deslumbrante, como cabía esperar del maestro Spielberg, si bien no sólo en la ejecución de los efectos visuales, sino también en la conceptualización visual, de manera que crea un universo particular que consigue envolver al espectador y hacerle vivir ese mundo imaginario.

Ahora viene la gran pregunta: si tiene buenas interpretaciones y visualmente es absorbente, ¿por qué la película no resulta redonda? Tras un arranque muy bueno, que nos introduce de lleno en el mundo de la niña protagonista, y un desenlace frenético, con ecos de los clásicos Disney como Mary Poppins o La bruja novata, Mi amigo el gigante tiene un tramo central de metraje que resulta excesivamente descriptivo y en el que la historia apenas avanza. Resulta muy poético visualmente, pero se nota que la caída de ritmo en la narración lastra el resultado global del film. La película dura dos horas, y en mi opinión, creo que le sobra metraje en esa parte central de excesivo regodeo descriptivo.

Con todas y con esas, Mi amigo el gigante es una película muy agradable de ver, con personajes de buen corazón, con una historia de amistad pura e incondicional, con la ingenuidad propia de los cuentos, y con un tratamiento gráfico que consigue momentos de gran belleza visual.