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domingo, 30 de diciembre de 2012

Las miserias de la vida en clave musical


La célebre novela de Víctor Hugo Los miserables, publicada en 1862, fue convertida en un exitoso musical en 1980 y ahora Tom Hooper, el director de El discurso del rey, nos ofrece la adaptación a la gran pantalla de ese espectáculo que ha cautivado a millones de espectadores en los escenarios a lo largo de todo el mundo.

Dos horas y media de actores cantando puede parecer una opción poco atractiva, en principio, para ir al cine, pero realmente la fuerza de la música y las interpretaciones de los numerosos rostros conocidos que componen el elenco, hacen que tan dilatado metraje no se haga largo. Además esta versión de Los miserables cuenta con un diseño de producción de primera línea. Se ve que no han reparado en gastos. El director no siempre saca todo el jugo posible a la rica escenografía de que dispone, pero cuando lo hace consigue unas imágenes de enorme fuerza visual, especialmente en la escena inicial. Y por supuesto también hay que destacar el magnífico trabajo de vestuario que, por cierto, es mérito del diseñador español Paco Delgado.

El contenido de la obra es muy interesante. Temas universales como la redención, el amor, la caridad o las injusticias sociales, se entrelazan a lo largo de la trama y de las circunstancias particulares de los distintos personajes. Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen o Helena Bonham-Carter dan vida a estos indivíduos que pululan por la pantalla sufriendo los avatares y vicisitudes de sus miserables vidas. Personajes sumidos en la incertidumbre y la desesperación que se ven abocados al latrocinio, la prostitución o la estafa, en una sociedad deshumanizada, injusta y hostil. El marco es muy sórdido, pero mostrado en clave musical resulta menos desgarrador de lo que es. Además el mensaje que lanza es de esperanza, por lo que la obra en sí es dura pero reconfortante y positiva.

Por tanto, Los miserables es una buena película con buena historia, buenos actores, una excelente ambientación y una emocionante partitura musical.


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miércoles, 26 de diciembre de 2012

La vida es videojuego


La vida de alguien que lleva muchos años haciendo lo mismo, que además se trata de un trabajo nada reconocido y poco gratificante, es algo con lo que mucha gente se puede identificar. Esta es la historia que nos ofrece Disney Animation Studios en su última producción ¡Rompe Ralph! Tras la estupenda Enredados, Disney vuelve a triunfar en el campo de la animación 3D con esta nueva cinta ambientada en el universo paralelo que suponen las parrillas de videojuegos en una sala recreativa. El protagonista, Ralph, es el malo de uno de estos juegos de la década de los 80, que tras llevar 30 años haciendo lo mismo y siendo ninguneado por los demás personajes, decide que necesita cambiar de vida y ser el bueno, al menos una vez, para recibir los laureles y el beneplácito de quienes le rodean. Para ello se escapa de su máquina y se va conseguir una medalla de héroe en un violento juego de última generación. Sin embargo su afán de cambio puede afectar a su propio universo y a quienes en él habitan.

Una película entrañable, divertida y trepidante, llena de guiños a los videojuegos de ayer y de hoy, pero especialmente a los de antaño. Un film con mensaje positivo interesante para todos públicos, enfocado con un tono adecuado para niños y un trasfondo con el que se pueden identificar los adultos. Un universo atractivo para los aficionados a los videojuegos, pero con una trama universal que engancha a cualquier tipo de espectador. Y todo ello servido por un despliegue de imaginación impresionante y una muy depurada técnica CGI, es decir, animación 3D por ordenador, campo que normalmente domina más Pixar, pero concretamente este año comparando los estrenos de ambas firmas, ¡Rompe Ralph! y Brave, respectivamente, considero que ha salido ganando Disney. Técnicamente están a la par, pero como película en general es más redonda la del bueno de Ralph, que por otra parte bebe mucho de la influencia de Dreamworks en cuanto al trazado del personaje se refiere, y es que recuerda, tanto en lo físico como en lo psíquico, al gran ogro verde Shrek: bruto, grandote, y bonachón, al que todos discriminan pero tiene buen corazón.

En definitiva ¡Rompe Ralph! es la película de estas Navidades para disfrutar en familia, pero además es una gran película, con un original argumento, una enorme creatividad y las dosis adecuadas de emotividad, humor, y acción.

Artículo relacionado: Un día para la nostalgia


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sábado, 22 de diciembre de 2012

Feliz Navidad


Aquí está el vídeo navideño de Galax Pictures para este año. Os deseo a todos FELIZ NAVIDAD.


lunes, 17 de diciembre de 2012

Un día para la nostalgia



El pasado sábado 15 de diciembre tuvo lugar el Community Day navideño de Sensacine, en que tuvimos el privilegio de ver ¡Rompe Ralph!, la nueva producción Disney que llegará a las pantallas el próximo día 25. De ella hablaré en otro post, pero anticipo que es impresionante.

Lo que ahora nos ocupa es el cuarto Comunnity Day de Sensacine. El primero fue en verano de 2011 con Paul, luego en diciembre The Artist, este pasado verano Prometheus y ahora le ha tocado al mundo de los videojuegos con ¡Rompe Ralph! Tras la proyección de la película contamos con una mesa redonda en la que los especialistas en videojuegos de la revista Hobby Consolas, desgranaron la ingente cantidad de referencias y guiños que el film hace a los videojuegos de todas las épocas, pero especialmente a los de antes, a los pioneros de los años 80.

Es increíble la gran evolución técnica que han tenido las consolas y los gráficos de estos juegos en tan sólo tres décadas. Toda una industria que mueve grandes fortunas y millones de usuarios y fans en todo el mundo. La película ¡Rompe Ralph! trata del mundo de los videojuegos por dentro, como Tron y su secuela Tron: Legacy, con juegos que imitan a los existentes en la realidad pero diseñados especialmente para las películas. Otros títulos que trataban el tema, pero con la trama desarrollada en el mundo real, fueron Juegos de guerra, con Matthew Broderick encarnando a un avispado adolescente que se infiltra en la computadora central del Departamento de Defensa de los Estados Unidos. También en esa época hubo una película bastante olvidable pero con un argumento curioso: una máquina recreativa con un juego de "marcianitos" se trata en realidad de una herramienta de reclutamiento de seres de otra galaxia para fichar pilotos combate. La película se titulaba Starfighter: la aventura comienza.

A finales de los 80 y principios de los 90 en las salas recreativas aparecían numerosos videojuegos basados en las películas del momento: Robocop, Las tortugas Ninja ó Moonwalker son algunos ejemplos. Especialmente el caso de Moonwalker era curioso porque se trataba de un juego inspirado en la película musical homónima a mayor gloria de Michael Jackson, y la banda sonora del mismo estaba formada por algunos temas del Rey del Pop, como Bad ó Smooth Criminal, en versión instrumental y con sonido estéreo.

A estas alturas ya se ha generado una simbiosis entre cine y videojuegos de forma que no sólo éstos se nutren del celuloide sino que también el Séptimo Arte busca inspiración llevando a la gran pantalla a los personajes nacidos en las consolas. En 1993 se dio el primer paso con Super Mario Bros, encarnado por Bob Hoskins y con Dennis Hopper como villano. Una atractiva propuesta que no llegó a cuajar. Sin embargo el videoclip que mostraba imágenes de la película con la emotiva canción de Roxette Almost unreal, estaba bastante bien. A partir de ahí se han ido adaptando otros juegos dando lugar incluso, algunos de ellos, a sagas con varias entregas, como es el caso de Resident Evil, Street Figther ó Tomb Raider.

En fin, he aprovechado la ocasión para hacer un poco de retrospectiva sobre la vinculación entre el cine y los videojuegos como complemento a lo que se habló y debatió el otro día en el Comunity Day de Sensacine. Un divertido y entrañable día dedicado a la nostalgia de las salas recreativas.

domingo, 9 de diciembre de 2012

Historia de un naufragio


El director taiwanés Ang Lee, artífice de Tigre y Dragón, Hulk y Deseo peligro, nos presenta La vida de Pi, el fascinante viaje de un joven indio en busca de respuestas sobre la trascendencia del alma humana a través de las distintas religiones. Sus inquietudes espirituales se pondrán a prueba mediante una intensa experiencia de vida tras sobrevivir a un naufragio en medio del océano Pacífico.

Basada en la novela homónima de Yann Martel, la película ofrece un espectáculo visual de gran belleza plástica y poética, mérito alcanzado gracias al particular estilo de Ang Lee, que le confiere así al film una sólida identidad propia. El trabajo de producción es de primera línea así como el de los efectos visuales.

Sin embargo tiene dos puntos flacos que, desde mi punto de vista, impiden que la película sea redonda del todo. Por un lado creo que le sobra metraje en la parte central del relato, que se hace un poco larga de más. En segundo lugar pienso que le falta un ápice de intensidad dramática en determinados momentos que lo requieren para que la película toque la fibra del espectador. Quizá este detalle no sea imprescindible para calificar como redonda una película de otros géneros, pero en este caso entiendo que es un aspecto importante debido a las pretensiones del film y a las expectativas creadas.

En cuanto a los actores todos están correctos, si bien son desconocidos para el gran público. Cabe destacar como rostro conocido, en un papel muy secundario, a Gerard Depardieu. También muchos podrán reconocer en el rol de Pi cuando es adulto, al actor indio Irrfan Khan, que en la vibrante Slumdog millionaire interpretaba al inspector de policía que interroga al protagonista. Otro que nos puede sonar de verlo más recientemente es Rafe Spall, como el escritor que entrevista a Pi, y que este verano pasado lo vimos a bordo de la nave Prometheus encarnando al biólogo de la expedición.

En general La vida de Pi es una muy buena película que no dejará indiferente a nadie, al menos en lo que se refiere al aspecto visual. Ang Lee demuestra una gran capacidad para crear imágenes fascinantes que suponen un gran placer para la retina. Todo un espectáculo cinematográfico con trasfondo filosófico-religioso sobre la espiritualidad del ser humano.


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domingo, 2 de diciembre de 2012

Quiero la verdad



El esquema argumental basado en alguien que quiere descubrir y contar la verdad de algo sobre lo que las altas esferas han dado otra versión, ha sido muy utilizado por el cine hollywoodense dando como frutos infinidad de thrillers sobre conspiraciones y la lucha del individuo corriente contra los círculos del poder. Ejemplos en el cine reciente son Caza a la espía o Al límite. Ahora esta fórmula la aplica el director español Daniel Calparsoro en Invasor, su regreso a la dirección cinematográfica tras siete años de ausencia.

La película tiene como base la novela homónima de Fernando Marías y cuenta la historia de un médico militar español destacado en Irak, que vuelve a casa convertido en un héroe tras una experiencia traumática de la que él sabe que no todo lo contado en la versión oficial es cierto, y quiere encontrar la verdad de lo ocurrido.

Quizá lo más flojo de la cinta sea la dirección de actores, que resultan bastante convencionales. También en el tratamiento de algunos personajes secundarios se abusa de clichés bastante manidos en el género versión Hollywood, que no funcionan igual al trasladarlos al entorno español. Sin embargo la película goza de un ritmo narrativo trepidante y una puesta en escena que le da un aspecto visual muy potente a la cinta. La acción principal se desarrolla en La Coruña y saca buen partido de los exteriores que brinda la ciudad.

Produce la película el mismo equipo de Celda 211, aunque en este caso el resultado está un escalón por debajo de aquella. También repiten los actores Alberto Amman y Luis Zahera. Completan el reparto principal Inma Cuesta, Antonio de la Torre y Karra Elejalde.

En resumen estamos ante un buen thriller, resuelto con oficio, y dirigido con pulso y garra por parte del artífice de Salto al vacío y Guerreros. No llega a ser una película redonda del todo dentro del género pero sí ofrece un resultado bastante sólido.


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lunes, 26 de noviembre de 2012

Sam lleva 70 años tocando el piano


El 26 de noviembre de 1942 tuvo lugar en New York la premiere de Casablanca, de Michael Curtiz, título emblemático de la historia del cine. Una película con un rodaje tan caótico y convulso como la historia que cuenta. El guión sin acabar se reescribía día a día. Los actores no sabían como evolucionaban sus personajes. Bergman y Bogart pensaban que sus carreras se irían al garete. Pero finalmente la magia del cine logró vencer contra viento y marea.

Escenas como aquella en la que los clientes del Café de Rick cantan La Marsellesa para acallar los cánticos de los oficiales Nazis, tiene una fuerza emocional insuperable. Los diálogos son agudos, incisivos, dinámicos, que junto con el buen hacer de los actores nos ofrece una galería de personajes inolvidables: el cínico de buen corazón Rick Blaine, con Humphrey Bogart en lo mejor de su carrera, el amor de su vida, Ilsa, inolvidable con el rostro de Ingrid Bergman, el capitán de policía Louis Renault, un truhán encantador impecablemente interpretado por Claude Rains, y no hay que olvidar a Dooley Wilson en la piel de Sam, el pianista y leal amigo de Rick. En papeles más secundarios cabe destacar a Peter Lorre y Sydney Greenstreet, que ya habían trabajado con Bogart un año antes en El halcón maltés, de John Huston. Y por supuesto Paul Henreid, en el papel de Víctor Laszlo, marido de Ilsa y jefe de la Resistencia.

Innumerables veces ha sido imitada pero nunca superada. Muchos la han homenajeado, como Woody Allen en Sueños de seductor, basada en la obra de teatro escrita por el propio Allen en la que un neurótico fan de Casablanca, deprimido porque su mujer le ha abandonado, se imagina a Bogart aconsejándole sobre cómo tratar a las mujeres. Por otra parte el esquema argumental de tejer los mimbres de la trama en base a un triángulo amoroso en un ambiente tenso con las emociones a flor de piel en medio de un conflicto bélico como telón de fondo, y utilizando el nombre de la ciudad donde transcurre la acción como título del film, se ha visto en el cine contemporáneo con cintas como Havana, en 1990, de Sydney Pollack, o la reciente Shanghai, del sueco Mikael Hafström.

Sam lleva 70 años tocando el piano pero las teclas no se gastan. Casablanca conserva hoy en día todo su encanto, fuerza, glamour, y emoción. Una película eterna. Sea como sea la evolución del cine, pase lo que pase, siempre nos quedará Casablanca.

Galería de fotos en Sensacine.

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miércoles, 14 de noviembre de 2012

La opción Hollywood


Tras las aclamadas por la crítica Adiós, pequeña, adiós y The Town: Ciudad de ladrones, Ben Affleck vuelve a sentarse en la silla del director haciendo una incursión esta vez en el género de espías con la película Argo, la historia real de una operación de rescate llevada a cabo por la CIA en enero de 1980. En noviembre de 1979, un grupo de iraníes tomó por la fuerza la embajada estadounidense en Teherán. Seis diplomáticos lograron escapar pero se quedaron atrapados en la ciudad, exiliados en la embajada canadiense. El gobierno baraja varias opciones sobre el plan de rescate y finalmente se deciden por la "opción Hollywood" ideada por el agente de la CIA Tony Méndez, que consiste en sacar del país a los rehenes haciéndolos pasar por un equipo de rodaje que busca localizaciones en la capital iraní para rodar los exteriores de una película de ciencia ficción.

Affleck demuestra un dominio narrativo excelente y una gran capacidad para crear tensión manejando elementos muy sencillos, sin gran parafernalia. Además la película goza de una magnífica ambientación y muy buena caracterización de los actores.

Argo mezcla hábilmente elementos muy dispares como el thriller político, el cine de espías, la autocrítica sobre el mundo de Hollywood, y una historia basada en hechos reales. Todo ello aderezado con elementos propios de documental, pinceladas de humor en los momentos adecuados y un ritmo narrativo que no decae en ningún momento.

Los actores forman un elenco muy sólido. No resalta una interpretación sobre las demás, sino que todos forman un conjunto muy compacto que transmite veracidad. El agente protagonista, Tony Méndez, es encarnado por el propio Affleck. Entre los secundarios encontramos rostros conocidos como Victor Garber, que da vida al embajador canadiense. Hace unos años lo pudimos ver en la piel de otro personaje real a bordo del Titanic, donde interpretaba a Thomas Andrews, jefe de construcción de barcos encargado del mítico buque de la White Star Line. También encontramos en el reparto de Argo al gran John Goodman, visto el año pasado como productor de Hollywood en The artist, metido ahora en la piel de John Chambers, el encargado de maquillaje de numerosas películas de ciencia ficción que asesora al agente Méndez para crear la tapadera. Goodman va acompañado de otro secundario ya veterano: Alan Arkin, destacado por su rol de abuelo pintoresco en Pequeña miss Sunshine, que encarna aquí al productor Lester Siegel, el cual colabora con Chambers en la creación de la farsa y tiene los diálogos más cómicos de la cinta. Es interesante ver el lado camaleónico de Scoot McNairy, haciendo de diplomático cuando hace apenas dos meses lo veíamos en la piel de un yonqui protagonizando junto a Brad Pitt Mátalos suavemente.

En definitiva Argo es una gran película con buen ritmo, estupenda ambientación, interpretaciones de alto nivel, y Ben Affleck ha dado un paso muy sólido hacia adelante en su carrera como director.


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miércoles, 7 de noviembre de 2012

007 más vivo que nunca



Tras el bajón que supuso en la saga Quantum of solace, los productores Barbara Broccoli y Michael G. Wilson vuelven a la carga y remontan el vuelo en el año del 50 aniversario del inicio de esta longeva franquicia cinematográfica. Llega a las pantallas Skyfall, nuevamente con Daniel Craig en la piel de James Bond y bajo la batuta de Sam Mendes, director de prestigiosos títulos como American beauty, Camino a la perdición ó Revolutionary road.

Cuando se reinició la saga con Casino Royale no había demasiadas expectativas con el cambio de rumbo, pero sorprendió a propios y extraños con una puesta al día muy eficaz del legendario agente secreto, en la que se conservaba la esencia del personaje con un equilibrado toque de modernidad. Sin embargo en su continuación, Quantum of solace, ese equilibrio se perdió al desdibujarse la identidad de la serie en aras de un proceso de modernización erróneamente enfocado. Con Skyfall se consigue recuperar aquella identidad manteniendo su vigencia en la forma de hacer cine hoy en día y además logra aportar otro valor añadido: Mendes le confiere a los personajes un calado dramático mayor que el habitual en títulos precedentes.

No es la primera vez que se intenta esto contratando a un director más ducho en dramas existenciales. En 1999 se encargó a Michael Apted, artífice de Gorilas en la niebla, la dirección de El mundo nunca es suficiente, pero el resultado fue algo irregular. Tiene secuencias de acción muy espectaculares y también algunas escenas de cierta hondura dramática por encima de la media, pero la mezcla de ambos elementos en el conjunto del film no resultaba del todo homogénea. En ese aspecto Sam Mendes ha conseguido una película bastante más redonda con Skyfall, combinando la acción y la psicología de los personajes en las dosis adecuadas, además de lograr una gran potencia visual con una elegante puesta en escena.

El villano de turno está trazado con elementos que recuerdan a los malvados de Goldeneye y El mundo nunca es suficiente. No se trata de un megalómano poderoso sino más bien de un inteligente y depravado psicópata. Javier Bardem resuelve eficazmente este rol aportándole la dosis adecuada de histrionismo a su interpretación.

En cuanto a las chicas Bond tenemos a Naomi Harris en el bando de los buenos y a Berénice Marlohe como femme fatale. Harris ha formado parte del elenco de la segunda y tercera entregas de Piratas del Caribe, así como de Corrupción en Miami, de Michael Mann, entre otras. Marlohe sin embargo se ha curtido más en la televisión, pero en esta cinta ambas están muy correctas en sus respectivos personajes. Judi Dench repite como M, papel que lleva haciendo desde Goldeneye, en 1995. Y ya que hablamos de chicas en la película no puedo concluir sin nombrar a la cantante Adele, que pone pone voz a la canción del film, y desde luego vaya voz y vaya canción, sensacionales.


El caso es que James Bond vuelve con fuerza demostrando que sigue vigente en el siglo XXI. Van 23 películas producidas por la familia Broccoli, primero Albert y ahora su hija Barbara que tomó el relevo en la década de los 90. Se han cumplido 50 años de saga y parece que de momento seguirá creciendo unos años más. Todo un icono cinematográfico que ha dado mucho que hablar, lo sigue dando y por lo que parece aun tiene futuro por delante.

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lunes, 5 de noviembre de 2012

Cine y Educación


Llevo ya varios años colaborando con la asociación Cinemanet. Han sido numerosos los eventos y los temas tratados en los mismos, pero en los últimos tiempos se está profundizando en la importancia del cine dentro del ámbito educativo. Por ello dedico este post a recopilar los tres vídeos que llevo realizados con esta temática.

El pasado 27 de octubre tuvo lugar en Madrid la I Jornada de Cine y Educación de Cinemanet dedicada a La cultura del esfuerzo. Un nuevo vídeo de Galax Pictures:



Como apertura de la Jornada se proyectó un vídeo del I Congreso de Cine y Educación, que tuvo lugar hace un año, dedicado a la Educación de la afectividad a través del cine, del cual llevé a cabo la edición:



Ya en 2010 se había realizado un acto sobre cómo utilizar el cine con fines pedagógicos en el aula. Entonces además de la realización del vídeo también intervine como ponente con una introducción sobre el cine desde el punto de vista técnico:





domingo, 28 de octubre de 2012

Cuando ruge el mar


El devastador tsunami que asoló las costas de Tailandia en diciembre de 2004 se cobró numerosas víctimas y cambió la vida de muchas personas que lograron sobrevivir a un espeluznante infierno de destrucción ocasionado por la fuerza arrolladora de una naturaleza que dio rienda suelta a su lado más salvaje. Un matrimonio español con tres hijos se encontraban entonces en aquel lugar de vacaciones y, tras verse separados por la brutal catástrofe, consiguieron sobrevivir volver a reunirse los cinco miembros de la familia.

Esta odisea cautivó al cineasta Juan Antonio Bayona, artífice de El orfanato, y ha llevado a la gran pantalla esta emocionante historia bajo el título de Lo imposible. La película se ha llevado a cabo en régimen de coproducción entre España y Estados Unidos, con Ewan McGregor y Naomi Watts como protagonistas, y rodada en inglés para el mercado internacional.

La recreación del tsunami es espectacular con unos efectos especiales y una planificación de cámara totalmente efectivos y a la altura de las circunstancias. Tiene momentos duros y otros muy emocionantes. El gran acierto del director es que no se regodea en los detalles morbosos, algo que podría ser muy tentador para otros, pero tampoco los elude, y sin embargo sí da cancha a los momentos más emotivos de reencuentros, ayuda a los demás y espíritu de superación de los personajes. Momentos que conmueven y que tocan la fibra sensible de cualquier espectador, en menor o mayor medida.

En cuanto a los actores, tanto McGregor como Watts nos brindan sendas interpretaciones de primera línea, pero tampoco se quedan atrás los niños, especialmente Tom Holland, que hace el rol de hermano mayor y demuestra una gran capacidad de transmisión en momentos muy duros y también muy sensibles.

Otro punto a favor que tiene la película es el apropiado uso del sonido para crear la atmósfera adecuada desde el inicio del metraje. Así como la partitura musical original resulta algo convencional, aunque efectiva, los efectos sonoros juegan un papel fundamental en la ambientación del film.

Lo imposible está arrasando la taquilla, y es que cuando las cosas se hacen bien da igual que se trate de cine español, europeo, asiático, de Hollywood o coproducido. El secreto está en emocionar al espectador, y Lo imposible, lo consigue.



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miércoles, 17 de octubre de 2012

Cerrando bucles


Gracias a Aurum y Waytoblue por el preestreno de Looper, en el que contamos con la presencia de su director Rian Johnson.

Recientemente el actor Joseph Gordon-Levitt destacó como secundario en Origen y El caballero oscuro: la leyenda renace. Ahora asume el protagonismo de una nueva cinta de acción y ciencia ficción titulada Looper, en la que comparte cartel con Bruce Willis, Emily Blunt, Jeff Daniels y Piper Peraboo.

El director Rian Johnson se declara un apasionado de la ciencia ficción, cuyo criterio se ha forjado con influencias literarias de Phillip K. Dick o Ray Bradbury, entre otros autores, y sus referentes cinematográficos se encuentran en títulos de los años 80 como Mad Max, Terminator o Blade Runner. Con este background ha desarrollado un proyecto personal original durante diez años que finalmente se ha plasmado en este vibrante thriller de acción futurista con vocación de convertirse en película de culto, aunque eso el tiempo lo dirá, pero desde luego parte con una buena base para conseguirlo. Los diálogos y las interpretaciones de los actores están por encima de la media en este tipo de producciones, al menos en lo que a la actualidad se refiere. Opta por volver a los conceptos del género más propios de los años 70 y 80, y quizá principios de los 90, en que el hecho de contar una historia en un supuesto futuro frío y deshumanizado no era un mero capricho estético para lucir efectos digitales, como suele ocurrir últimamente, sino que se buscaba hacer pensar un poco al público, especulando con el posible destino de la humanidad si seguimos por el camino que vamos.

En esta ocasión la historia va de una organización de asesinos llamados "loopers" que se dedican a eliminar gente del futuro. En el año 2072 existen los viajes en el tiempo y la población está muy controlada, por lo que los mafiosos lo tienen complicado para matar a quien les molesta sin dejar rastro, así que envían a sus víctimas a través del tiempo al año 2042 donde un "looper" se lo carga y lo hace desaparecer.

La película juega hábilmente con la ambigüedad de quien es el bueno y quien el malo, según en qué contexto se mueva y las motivaciones que tenga para sus acciones. Es una cinta que se presta al debate tras su visionado, a pesar de su aspecto de mero entretenimiento. Una película que sorprende gratamente al trascender más allá del espectáculo pirotécnico y conformar un film sólido con identidad propia.


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jueves, 11 de octubre de 2012

Humor alleniano a la italiana


Woody Allen continua su tour europeo tras visitar Londres en Match point, El sueño de Cassandra y Scoop, Barcelona con Vicky Cristina Barcelona y París con Media noche en París. Ahora le toca a la capital italiana en A Roma con amor (To Rome with love), una comedia coral con cuatro historias que mezclan el espíritu cómico italiano de los 70 con un guiño al surrealismo de Fellini y el humor neurótico propio de Allen.

Una película fresca y divertida que se queda un escalón por debajo de Medianoche en París, y es que aquella además de poseer estas mismas cualidades también tenía como valor añadido un trasfondo interesante: una reflexión sobre la nostalgia, mientras que esta alegre locura italiana no ofrece nada más allá del mero espectáculo alleniano, por lo que resulta algo más frívola y superficial pero igualmente estimulante para pasar un buen rato en el cine.

Woody retoma sus orígenes con una de las historias. Igual que en Sueños de un seductor era un fan de Casablanca que se imaginaba hablando con Bogart sobre sus problemas con las mujeres, aquí le pasa el testigo Jesse Eissenberg, protagonista de La red social, que interpreta a un estudiante de arquitectura el cual se imagina que un famoso arquitecto al que admira le recomienda sobre amoríos complicados. El veterano arquitecto lo interpreta Alec Baldwin y la chica conflictiva es Ellen Page, la protagonista de Juno, también vista en Origen.

Otra de las historias la protagoniza Roberto Benigni, artífice de La vida es bella, dando vida a un ciudadano normal y corriente al que de repente persiguen los medios como si fuese el hombre del momento. En otra trama podemos ver a Penélope Cruz haciendo de prostituta en una historia de enredo sobre una pareja de pueblo que llega a la ciudad y le ocurren una serie de encuentros y desencuentros. La cuarta historia la protagoniza el propio Allen junto Judy Davis, en el rol de un director de ópera retirado que descubre en su consuegro un gran talento para el canto, pero tiene un problema, y es que sólo canta bien cuando está en la ducha.

En fin, A Roma con amor es divertida, delirante y un punto surrealista. Una película de Woody Allen.



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sábado, 6 de octubre de 2012

50 años con licencia para matar


El 16 de enero de 1962 daba lugar en Jamaica el inicio del rodaje de Agente 007 contra el Dr. No, dirigida por Terence Young y protagonizada por Sean Connery y Ursula Andress. El 6 de Octubre de ese mismo año se estrenaba en Londres cosechando un gran éxito que se repitió en todo el mundo, consiguiendo recaudar en taquilla veinte veces su presupuesto. Y este fue el inicio de uno de los iconos cinematográficos más emblemáticos de todos los tiempos: James Bond, el sofisticado agente secreto británico 007, con licencia para matar.

El humor negro fue algo que ya se introdujo en este film, aunque de forma muy sutil, perpetrado entre Young y Connery sobre el tono en que debía decir algunas frases, algo que se fue haciendo cada vez más marcado en las sucesivas películas de la saga hasta llegar con el tiempo a la autoparodia. También la famosa imagen del inicio en la que vemos a 007 a través del cañón de una pistola, se asentó en esta primera aventura fílmica del personaje literario creado por Ian Fleming. El diseñador gráfico Maurice Binder fue el encargado de crear esa imagen, pero quien aparecía como Bond no era Sean Connery sino su doble, el especialista Bob Simmons.

El legendario tema musical por todos conocido, y utilizado en algún momento en todas las entregas, es el de los títulos de crédito iniciales en esta película. Una composición de Monty Norman con arreglos de John Barry. La variedad de localizaciones, el exotismo y las chicas sensuales, elementos fundamentales de la marca, también quedan asentadas en este film. Unas claves para crear una saga que sigue vigente tras 50 años y que próximamente estrenará su película número 23 titulada Skyfall.

El Dr. No que da título a la cinta es el villano de la función y está interpretado por Joseph Wiseman, con un registro que sienta las bases del perfil propio de los enemigos habituales de Bond: megalómanos, excéntricos, millonarios, crueles, fríos y sofisticados.

Lo que ahora es normal en una película de Bond, era experimental en Dr. No. Resulta increíble la cantidad de detalles que sus artífices idearon para crear el personaje y que han funcionado convirtiéndose en marca de la casa. Los productores Harry Saltzman y Albert Broccoli fueron los padres de la criatura. Tenían los derechos de las novelas escritas por Ian Fleming y eligieron como primera película adaptar la sexta novela debido a que era la que mejor les encajaba en el ajustado presupuesto que manejaban. Fue una cinta de bajo coste y cuantiosos beneficios, que globalmente, como película aislada, no ha envejecido del todo bien, ya que a lo largo de las siguientes 22 películas realizadas se han ido mejorando progresivamente los gadgets, los efectos especiales y las espectaculares coreografías de las escenas de acción, por lo que esta pionera aventura se queda algo tosca en el aspecto técnico en comparación con el grado de excelencia técnica alcanzado con el paso del tiempo por el gran equipo de profesionales que hay detrás de cada una de las aventuras del espía británico. En cualquier caso es indudable que tiene su lugar de honor en la historia del cine por ser el punto de partida de una de las sagas más longevas y prolíficas que ha dado el Séptimo Arte.


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Aprovechando la ocasión he rescatado un vídeo casero que realicé hace 20 años homenajeando en clave de parodia a este icono cinematográfico. Un vídeo hecho por un adolescente fascinado por el cine de acción, que ahora lo muestro con un par de retoques de post producción como mi particular homenaje por el 50 aniversario de este legendario personaje. Larga vida a 007.



domingo, 30 de septiembre de 2012

Humor de cine


A veces se encuentran cosas curiosas buscando en el pasado. En 1996 dibujé esta viñeta para participar en el Salón del Humor de aquel año.

domingo, 23 de septiembre de 2012

Espíritu tarantiniano


Sensacine ha organizado un nuevo evento con sus colaboradores y seguidores: esta vez nos han llevado a ver Mátalos suavemente.

Brad Pitt, a pesar de su fama de guaperas, ha mostrado en otras ocasiones que le va la marcha en registros extremados y algo underground, como en Doce Monos de Terry Gillian, por la estuvo nominado al Oscar, o la cinta de Quentin Tarantino Malditos bastardos así como en Snatch, cerdos y diamantes de Guy Ritchie. Ahora llega a las pantallas convertido en un cínico asesino a sueldo en Mátalos suavemente (Killing them softly), bajo la batuta de Andrew Dominik, director del poético western El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

En este caso la acción se desarrolla en ambiente mafioso, y trata de unos aficionados que atracan una timba en la que juegan personajes poderosos de la mafia. La película se enmarca en barrios marginales con la crisis política y económica actual como telón de fondo. Durante todo el film se van oyendo fragmentos de discursos políticos en la radio de los coches, o en la televisión de los bares, estableciendo un paralelismo entre la podredumbre de las altas esferas y la de los bajos fondos. Un ejercicio de estilo interesante con aroma setentero y ecos del cine tarantiniano.

El resultado final es algo irregular, con momentos muy brillantes de interpretación, especialmente por parte de James Gandolfini, y algunos golpes de humor negro muy logrados. También cabe destacar una secuencia rodada con un ralentí exagerado, en la línea de la reciente Dredd. En los momentos más flojos lo que da es una sensación de estar viendo a un Tarantino trasnochado, o una imitación descafeinada de Pulp fiction.

En definitiva Mátalos suavemente es una cinta que no deja indiferente pero que no acaba de ser lo redonda que podría haber sido con el material que maneja. Está correctamente narrada, bien dosificada, pero quizá le falta conseguir el tono adecuado para materializar sus pretensiones.


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domingo, 16 de septiembre de 2012

Historia, espías y exotismo: Shanghai

Con dos años de retraso se estrena en España Shanghai, una película de corte clásico con ecos de Casablanca como gran referente, y otras cintas tales como Havana, El sastre de Panamá ó Deseo, peligro, que conjugan conspiraciones y exotismo enmarcados en un momento convulso de la historia como telón de fondo. En este caso el escenario es la ciudad china que da título a la película y la trama se desarrolla en los albores de la entrada de Japón en la II Guerra Mundial con el bombardeo a Pearl Harbour.

John Cusack interpreta a un espía estadounidense que acude a esta ciudad para ayudar a un compañero en una investigación. El amigo es asesinado y el recién llegado comienza a buscar al culpable. En su camino se cruzan el jefe de una banda local y su mujer, encarnados respectivamente por Chow Yun Fat y Gong Li, que ya habían formado pareja artística en La maldición de la flor dorada. El cuarto en discordia es un militar japonés interpretado por Ken Watanabe, el jefe del clan que acogía a Tom Cruise en El último samurai. Cabe también citar entre los personajes menos relevantes a dos rostros conocidos: por un lado la actriz alemana Franka Potente, protagonista revelación en Corre, Lola, Corre, y compañera de Matt Damon en las dos primeras entregas de la saga Bourne. Por otra parte un secundario habitual del cine de acción: David Morse, que ha participado en títulos como La Roca, Memoria letal, Negociador y un largo etcétera.

Objetivamente la película es impecable en todos sus aspectos, tanto técnicos como artísticos, con una estupenda ambientación y elegante puesta en escena. La cinta podría haber sido una película redonda si no fuera porque deja una sensación de ser convencional, de que le falta un punto de distinción que la haga única. Quizá una frase mítica, el carisma especial de algún actor, un plano impactante, es decir, ese tipo de detalles que pueden hacer que un film pase de ser bueno a ser inolvidable es lo que le falta a esta interesante historia de espionaje.

En cuanto al director se trata del sueco Mikael Hafström, que ya había trabajado con John Cusack en la película 1408 y se encuentra actualmente ultimando su nuevo film The tomb, en la que volveremos a ver juntos a Stallone y Schwarzennegger tras la reciente Los mercenarios 2.

En definitiva, con Shanghai estamos ante una cinta entretenida y bien realizada, que se disfruta con gusto. Espías, historia, romances, glamour, exotismo y un cuarteto de actores de peso como protagonistas, unos buenos ingredientes bien combinados para pasar una agradable velada de cine.


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lunes, 10 de septiembre de 2012

Dos turistas británicos en Madrid


Tras cuatro años de ausencia, tras Sangre de Mayo, José Luis Garci vuelve a las pantallas con Holmes & Watson: Madrid days, una interesante propuesta que consiste en situar a Sherlock Holmes y al doctor Watson en Madrid tras la pista de un asesino que imita el modus operandi de Jack el Destripador.

El estilo es muy de su autor y en ello estriban los mayores aciertos y debilidades del film. El ritmo narrativo es pausado y la cadencia de las interpretaciones es totalmente lineal. Esto tiene el inconveniente de que en determinadas escenas la propia situación pide que se transmita más emoción, más garra, especialmente en las que tienen que ver con la trama policiaca. La forma de actuar de los actores es la misma cuando descubren un cadáver que cuando cuentan un chiste o hablan de temas trascendentales. Funciona mejor como film costumbrista que como relato de misterio.

Por otra parte la pasión de Garci por los clásicos del cine y por la ciudad de Madrid, nos aporta una ambientación de época con unos planos de gran belleza que son un auténtico regalo para la vista. Además también en los datos históricos se ve un minucioso trabajo con especial atención al detalle y funciona muy bien el intercambio cultural entre los visitantes ingleses y los oriundos españoles. Otro punto interesante es el de hacer interactuar personajes ficticios con personas reales, tal como hizo Woody Allen en Midnight in Paris. Encuentros del famoso detective con figuras históricas como Isaac Albéniz o Benito Pérez-Galdós, están muy bien encajados en la trama.

El legendario detective de Arthur Conan Doyle se ha llevado al cine en diversas ocasiones, tanto adaptando las novelas originales como reinventando el personaje para darle otro punto de vista. El gran Billy Wilder hizo su propia versión del mítico investigador en clave de comedia con La privada de Sherlock Holmes. También fue muy curiosa en su momento otra propuesta cómica: Sin pistas, con Michael Caine y Ben Kingsley como duo protagonista, en la que se supone que el verdadero detective es Watson. Otro interesante ejemplo es el de El secreto de la pirámide, de Barry Levinson, que propone cómo pudo ser el primer encuentro entre Holmes y Watson cuando ambos eran estudiantes. Más recientemente hemos visto la adaptación de una novela gráfica con Sherlock Holmes, de Guy Richie, en la que encontramos a un atlético Robert Downey Jr. como un Holmes desaliñado al que le va tanto la acción física como la intelectual y reparte estopa a diestro y siniestro.

El Sherlock de Garci, encarnado muy correctamente por Gary Piquer, el villano de El capitán Trueno, se presenta como una figura crepuscular, de vuelta de todo y hastiado por la podredumbre del sistema. Se encuentra en un momento en que le preocupa más lo trascendente que lo terrenal. Un mito que ha dado ya todo lo que tenía que dar y le busca un sentido a la vida. Como viene siendo habitual en las películas de Garci, el elenco de actores es bastante extenso. Un reparto coral en el que cada actor secundario sublima su personaje por corta que sea su intervención. Watson es encarnado de forma sólida con notable presencia en la pantalla por José Luis García Pérez. De entre los muchos secundarios destacaría a Enrique Villén y Víctor Clavijo. De interpretaciones femeninas cabe destacar, por hacer muy suyo el personaje, a las actrices Belén López y Macarena Gómez.

Poética, crepuscular, nostálgica, son algunos de los adjetivos con los que se podría definir esta película, pero en definitiva Holmes &Watson: Madrid days es un film de autor, de un apasionado del cine y de Madrid, una película de José Luis Garci.



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jueves, 6 de septiembre de 2012

Yo soy la ley

Gracias a Cinemascomics y a Aurum pude disfrutar el pasado lunes 3 de septiembre del preestreno de Dredd, presentada por su protagonista, Karl Urban.

En 1995 se adaptó a la gran pantalla el cómic Juez Dredd con Sylvester Stallone de protagonista, secundado por Diane Lane, Max Von Sydow y el cómico de moda en el momento Rob Schneider. El villano de turno era nada más y nada menos que Armand Assante. Un gran plantel de actores y un grandioso diseño de producción que acabó en un fracaso de taquilla, y es que la realización del director Danny Cannon resultó algo irregular. El caso es que ahora llega a las pantallas una nueva adaptación del violento cómic bajo el breve y directo título de Dredd, tan escueto y seco como su personaje principal.

En esta ocasión el tono cambia bastante. Si en la anterior se presentaba un futuro muy lejano, ahora se presenta más inmediato, con unos enormes edificios como si cada uno fuese una pequeña ciudad vertical, llamados megabloques, en medio de los últimos resquicios de las ciudades tal como las conocemos ahora. La película es más oscura y cercana a nuestro presente que su antecesora. La ambientación es sensacional y resulta estimulante en su parte estética por el uso de interminables ralentíes, justificados por ser el punto de vista de aquellos que ingieren una droga cuyo efecto es percibir la realidad al 1% de la velocidad normal. Estas ralentizaciones de la acción sirven al director para sacar el máximo partido al 3D y recrear planos de gran belleza plástica, con ciertas reminiscencias a algunos títulos chinos del género wuxia como la célebre Hero. En otros momentos utiliza también esta acción casi estática con fines sanguinolentos, pareciéndose más bien a otras adaptaciones de novelas gráficas como Watchmen ó 300. En cualquier caso esa elaboración estética es uno de los puntos fuertes de la película.



Por lo demás la historia es bastante simple: el juez Dredd debe evaluar a una novata y durante ese día ambos acaban acorralados en un un megabloque, como si fuese Jungla de cristal a lo bestia, por una banda de narcotraficantes. Un argumento que recuerda de alguna manera a Training day, solo que en este caso el protagonista no se corrompe sino que al contrario, es un gran defensor de la justicia, aunque sea a su manera. La aspirante al puesto es una mutante con poderes psíquicos, algo que nos puede traer reminiscencias de Desafío Total, y la villana de la función es una ex prostituta muy sanguinaria que comanda un clan de fabricación y distribución de droga. A Dredd lo interpreta Karl Urban, visto en El señor de los anillos y la última de Star Trek, entre otras. En la piel de la chica mutante se ha metido la joven actriz Olivia Thirlby, que tenía un papel secundario en Juno, y la cruel mala malísima de la película es Lena Heady, la aguerrida reina espartana de 300.

Dirige Pete Travis, un director británico curtido en la televisión que nos trajo a los cines hace unos años un curioso ejercicio de estilo titulado Vantage point, sobre un atentado contra el presidente estadounidense durante una visita a España, concretamente a Salamanca.

En definitiva Dredd es una película entretenida de acción pura y dura, con una trama simple sobre agentes de la ley que se enfrentan a narcotraficantes y una narración que transcurre sin giros de guión ni sorpresas finales, pero resulta un ejercicio de estilo muy interesante en su tratamiento estético y su gran empaque visual.


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miércoles, 5 de septiembre de 2012

Nuevo vídeo para Cinemanet

El pasado viernes 31 de agosto tuvo lugar en Madrid una rueda de prensa de Cinemanet para presentar un nuevo festival de cine denominado ¡Qué bello es vivir!, una propuesta en positivo que se lanza a la piscina en una época complicada para todo pero especialmente para el mundo de la cultura.

Como en anteriores ocasiones Galax Pictures ha cubierto el evento con este vídeo:



Próximamente, en Octubre, tendrá lugar una jornada de Cine y Educación de que también daré parte en su momento.

lunes, 3 de septiembre de 2012

Piratas animados

Tras la aventura navideña Arthur Christmas realizada en animación 3D por ordenador, la compañía Aardman vuelve a su especialidad: la animación tradicional stop motion con muñecos de plastilina, con la producción ¡Piratas! (The Pirates! Band of misfits). Peter Lord dirige la cinta que despliega un apabullante diseño de producción plagado de detalles, y un guión lleno de humor británico irreverente hacia la Reina Victoria, la Royal Society y la piratería. No deja títere con cabeza, nadie se libra de la mordaz ironía; ni los piratas, ni los científicos y mucho menos los políticos.

A pesar de su gran atractivo visual y su gran sentido del humor la película no es redonda, y es que su talón de Aquiles es algo esencial: no hace vibrar al espectador. Por alguna razón los personajes no empatizan totalmente con el público. Ninguno tiene el carisma de la gallina protagonista de Chicken Run ni del perro Gromit en La maldición de las verduras. Por otra parte los gags cómicos no todos funcionan bien, y los que lo hacen inducen a la sonrisa en vez de a la carcajada, que es lo que en principio parecía que iban a provocar cuando se ha visto el trailer con anterioridad. Algunas secuencias cómicas tienen un efecto parecido al de 1941, aquella comedia disparatada de Steven Spielberg sobre la Segunda Guerra Mundial, que tuvo un presupuesto desmesurado y no hizo gracia a casi nadie llevando el film a un sonoro batacazo en la taquilla. Esperemos que a ¡Piratas! no le ocurra lo mismo.

¡Piratas! sobre el papel es genial. La historia en sí sobre el concurso de Pirata del Año, así como el encuentro con Charles Darwin y todo el pasaje en el ambiente científico de la Royal Society, son de una imaginación impagable. Y sobre la pantalla también es genial estéticamente, pero falta chispa. Falta un punto de delirio que le dé el tono adecuado y la energía necesaria al relato.

Con todas y con esas la película vale la pena, es entretenida, se deja ver, tiene buen ritmo narrativo y desde luego deja patente el extraordinario esfuerzo que supone afrontar un proyecto de estas características. La única pega es que lo que podría haber sido una gran aventura se ha quedado en una modesta aventurilla. Podría haber sido redonda pero se ha quedado a un paso de conseguirlo.


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miércoles, 29 de agosto de 2012

Puliendo el diamante en "bruto"


Hace dos años Sylvester Stallone llevó a cabo el personal proyecto de reunir a los grandes astros del cine de acción en una sola película con Los mercenarios, asumiendo tareas de guión junto a Dave Callaham, producción, dirección e interpretación. Ahora llega la secuela, Los mercenarios 2 (The expendables 2), en la que el guión lo ha co-escrito con Richard Wenk, responsable de libretos como el de 16 calles ó The mechanic. Esta vez ha delegado la dirección en Simon West, responsable de títulos como Con Air ó Lara Croft: Tomb raider, y eso se nota especialmente en un montaje de las secuencias de acción menos tosco y más elaborado. Es como si la primera parte fuese un diamante en bruto, en todos los sentidos, y ahora se han pulido las asperezas.

Por otra parte los actores son buenos amigos, se lo han pasado bien trabajando juntos y ese buen rollo se transmite al espectador. Tienen mucho contacto físico, pero también buena química entre ellos.

Los guiños autoparódicos a sus respectivos personajes más memorables y las bromas entre ellos, especialmente en relación a su edad, son continuas a lo largo del metraje. Bruce Willis y Schwarzenegger tienen más papel que en la anterior entrega. Como nuevos fichajes tenemos a Chuck Norris muy en su línea y a un sorprendente Jean-Claude Van Damme encarnando al villano de la función, y la verdad es que lo hace muy bien. Posiblemente sea el mejor papel de su carrera, además de aquel experimento titulado JCVD, del director de la reciente La fría luz del día. De nueva generación han fichado a Liam Hemsworth en el rol de un joven francotirador de élite, y a Nan Yu, actriz china de mirada perturbadora, que encarna a una agente de la CIA.

La fotografía suavemente degradada realza el tono de acción física de la vieja escuela. Los efectos especiales resultan en general convincentes, a pesar de algunos planos en los que se quedan un poco cortos, sobre todo en comparación con lo que estamos acostumbrados a ver hoy en día. No obstante lo digital no es lo que prima en esta producción sino más bien lo analógico, lo físico, es decir, la pirotecnia y las coreografías de los combates cuerpo a cuerpo, y en esto la película cumple con creces.

Bien es cierto que es difícil calificar alto una película de estas características, pero opino que cada film debe ser valorado según la categoría en que compitan. En este sentido, dentro de su género se puede decir que estamos ante una muy buena película, muy entretenida, con mucho humor y mucha acción tanto de tiros como de persecuciones, explosiones y luchas cuerpo a cuerpo.



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jueves, 23 de agosto de 2012

El cuento celta de Pixar

Tras dos años recurriendo a las secuelas de películas anteriores con Toy Story 3 y Cars 2, Pixar vuelve a una nueva historia original con Brave. Se trata de un cuento de espada y brujería ambientado en Escocia, con reminiscencias a Braveheart, o dentro del cine de animación 3D a títulos de su competidora Dreamworks como Shrek: Felices para siempre o Como entrenar a tu dragón, a pesar de que estas cintas no tenían lugar en la misma Escocia pero sí se recuerdan en algunos momentos en cuanto a la ambientación de pueblos guerreros se refiere.

El tema de fondo sobre las relaciones paterno filiales que el equipo de John Lasseter ya había explotado en Buscando a Nemo, lo retoma ahora en este film, con la diferencia de que en esta ocasión en vez de entre hijo y padre el conflicto de rebeldía se da entre hija y madre. La búsqueda de uno mismo y su propio destino es el leitmotiv del personaje principal, una princesa abocada a ser futura reina, pero con más alma de guerrera que de dama.

Técnicamente Pixar siempre da un paso adelante en la animación 3D con cada nuevo proyecto, y en este sentido mantiene con creces su reputación; los rizos pelirrojos de la princesa son buena prueba de ello. La espléndida partitura de Patrick Doyle, de estilo celta, consigue transmitir el ambiente adecuado a la acción y llega a tocar la fibra sensible en los momentos emotivos, especialmente al final del film.

En cuanto a la narración, al igual que ocurría en la producción Disney Enredados, es una película que va de menos a más. Comienza correctamente, para no ahuyentar a nadie, y va aumentando el interés a medida que avanza el metraje, dejando al terminar un buen sabor de boca. Finalmente la magia funciona.


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domingo, 19 de agosto de 2012

La sombra de Bourne es alargada

Cinco años después de El ultimátum de Bourne, el guionista Tony Gilroy, encargado de los libretos de la trilogía sobre el famoso espía amnésico creado por el novelista Robert Ludlum, escribe una cuarta entrega y se pone detrás de la cámara para dirigir su tercera película, tras Michael Clayton y Duplicity, también de ambiente conspiratorio: El legado de Bourne (The Bourne legacy). Y no lo hace nada mal, de hecho conserva la estética de la saga y se acerca más a la primera entrega de Doug Liman en cuanto a movimiento de cámara, algo que se agradece especialmente en las escenas de persecuciones, que Paul Greengrass hizo demasiado caóticas en las dos secuelas que dirigió, sobre todo en El mito de Bourne.

Debido al revuelo ocasionado por Jason Bourne el proyecto secreto de entrenamiento especial de espías Treadstone se ve expuesto a la opinión pública. Ante el temor de un efecto dominó que descubra otros programas similares, la CIA decide cancelarlos, lo cual implica eliminar a los agentes correspondientes. Uno de ellos, Aaron Cross, logra zafarse de la encerrona y huye en una frenética carrera por sobrevivir, acompañado de una investigadora científica implicada en el proyecto, la doctora Martha Shearing. Ambos personajes son encarnados respectivamente de forma sólida y convincente por Jeremy Renner, visto últimamente en Los Vengadores y Mission:Imposible: Protocolo fantasma, y Rachel Weisz, la protagonista de la saga de La Momia. Les acompaña el siempre efectivo Edward Norton en el rol del mando de la CIA que lleva a cabo la operación de cierre de los programas.

La trama como enlace con la trilogía anterior está bien introducida, pero adolece de ofrecer algo más. Una vez puestas las cartas sobre la mesa no aporta mucho sobre el nuevo personaje, dependiendo en exceso de la sombra de Bourne como leitmotiv de la historia. No obstante los actores protagonistas y la eficaz realización de Gilroy son suficientes para mantener el interés durante todo el metraje, que dura algo más de dos horas.

Por tanto se puede concluir que la película funciona muy bien como film trepidante de espías, pero se queda en ser una más de tantas debido a la dependencia que tiene de la trilogía precedente, por lo que se echa en falta un mayor trazado del personaje principal.


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