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Fotogramas y corcheas se amalgaman en el jazz

«No hay melodía. Trasciende las notas, no es lo que se espera. Se improvisa, como lo de hoy.» Así definía el jazz Tom Cruise en la piel de ...

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domingo, 25 de diciembre de 2011

Misión impersonal pero espectacular


En 1996 se estrenó la primera aventura del agente Ethan Hunt, a mayor gloria de Tom Cruise ejerciendo de productor además de protagonista, bajo la batuta de Brian de Palma. La intención de Cruise era iniciar una saga en la que cada episodio fuese dirigido por un director distinto y así dotar a cada película de un estilo diferente. La primera Misión: Imposible tenía un aire de suspense y juego de “nada es lo que parece”. En la segunda ocasión se contó con John Woo tras la cámara, con lo que se dio un giro completo a la saga al convertirla en pura action movie, un espectáculo pirotécnico de acrobacias imposibles. La tercera vez el director fue J.J. Abrahms (Star Trek, Super 8) que logró una película de espías con un tono más sombrío que las anteriores, con escenas espectaculares, y la introducción en la historia de la vida personal del agente Hunt. Fue una película resuelta con oficio pero a la que se e echa en falta ese toque autoral que se pretendía en un principio que tuviese cada una de las entregas.

Algo parecido ha ocurrido esta vez con Misión: Imposible. Protocolo Fantasma (Mission: Imposible. Ghost Protocol, Brad Bird, 2011). Se ha introducido más humor y se han conseguido secuencias de acción realmente memorables, como la escalada del rascacielos en Dubai. La película es la primera incursión de Brad Bird en el cine de imagen real. Había dirigido dos joyas animadas de Pixar como Ratatouille y Los Increíbles, por lo que quizá se esperaba que el Protocolo fantasma tuviese también ese toque personal, pero no se alcanza a ver un estilo propio, dando una sensación global algo más impersonal. No obstante el resultado de la cinta es impresionante como película de acción y entretenimiento, con un Tom Cruise que se mantiene en forma a pesar de los años y la incorporación de un personaje cómico encarnado por Simon Pegg, visto este año en Paul y Las aventuras de Tintín. El equipo lo completan Paula Patton, la chica de la peli convincente en su papel, y Jeremy Renner al que vimos junto a Ben Affleck en The Town. Breve aparición de Tom Wilkinson que siempre hace interesante la escena con su presencia. El villano de la función se muestra con el rostro del veterano actor sueco Michael Nyqvist, poco lucido pero no por el intérprete sino porque tampoco se le ha dado demasiada cancha al personaje en el guión, que se ha centrado más en las peripecias del equipo de espías protagonista.

La trama esta vez consiste en que tras un atentado en el Kremlin se acusa a la organización del agente Hunt como artífices del mismo, por lo que él y su equipo con unos cuantos artilugios de alta tecnología deben encontrar por sí mismos, sin ningún otro apoyo, al verdadero culpable para limpiar sus nombres y evitar una guerra nuclear. En definitiva una buena película de espías con mucha acción sofisticada, gadgets ingeniosos, acrobacias vertiginosas, ritmo trepidante y buena química entre el cuarteto protagonista.

Amigos de Sensacine

domingo, 18 de diciembre de 2011

Navidad 2011: Postales navideñas

Son fechas entrañables para compartir con los seres queridos. Desde aquí os deseo a todos Feliz Navidad y próspero Año Nuevo 2012.

Como en años anteriores Galax Pictures os desea a todos unas Felices Pascuas con una pieza audiovisual preparada para la ocasión. Esta es la de este año:

domingo, 11 de diciembre de 2011

Buscando la verdad sobre el magnicidio de Lincoln


Aunque lo correcto hubiera sido titularla "El conspirador", la nueva película de Robert Redford como director, The conspirator, se estrena en España como La conspiración. Tras el magnicidio del presidente Abraham Lincoln, los conspiradores son detenidos y juzgados en un tribunal militar, en vez de civil. De entre ellos, una mujer, Mary Surrat, que regenta la pensión en la que se reunían los artífices del atentado, es acusada de cómplice en la operación. Nadie cree en su inocencia, ni siquiera su joven abogado, quien tendrá que desentrañar la verdad en una maraña de engaños, verdades a medias y un sistema que no juega limpio a la hora de hacer justicia, utilizando la ley de forma tendenciosa.

Estupenda recreación de época con una elegante puesta en escena y una fotografía de tonos suaves que hacen muy grato el visionado de esta cinta. Protagonizan James McAvoy (X-Men: Primera generación) como el abogado y Robin Wright como la acusada. Les secundan pesos pesados de la pantalla como Tom Wilkinson o Kevin Kline.

Película muy interesante que pone de relieve temas como la hipocresía social, la manipulación del poder y la lucha idealista por encontrar la verdad. Redford vuelve a la dirección tras la espléndida Leones por corderos, y lo hace con un film judicial muy sólido con buenas interpretaciones y un acabado técnico impecable. Quizá en un principio le falta algo de intensidad dramática en ciertos momentos que la requerían, pero va ganando en emoción a medida que avanza el metraje y al final consigue alcanzar el nivel de vigor necesario para que el espectador pueda salir satisfecho del cine.

Leer critica La conspiración en Muchocine.net

jueves, 8 de diciembre de 2011

Una película muda en el siglo XXI...y funciona


La gran sorpresa del año es una producción francesa que se titula The artist, una película muda y en blanco y negro sobre el declive de una estrella del cine de pantomima al llegar los films hablados, y el auge de una joven promesa en esta nueva era cinematográfica. La cinta está rodada a la antigua usanza, tanto a nivel estético como narrativo, e incluso el formato de pantalla es el propio de la época.

Las referencias a clásicos como Cantando bajo la lluvia ó El crepúsculo de los dioses son manifiestas. Con respecto al clásico musical de Stanley Donnen, no sólo se parece en la temática tratada sino que además el protagonista, un espléndido Jean Dujardin, está caracterizado con un enorme parecido a Gene Kelly. Asimismo también luce esplendorosa Berénice Bejo, actriz de magnética mirada que cada vez que sonríe ilumina la pantalla. A estos dos rostros hasta ahora poco conocidos para el gran público, los secundan otros más habituales como John Goodman, Penelope Ann-Miller, James Cromwell o Malcolm McDowell.

El director Michel Hazanavicius, director de series y TV movies, hasta ahora artífice en cine de Mes amis y dos comedias de espías sobre OSS 117, una especie de parodia de James Bond a la francesa que contaba también con Dujardin como protagonista, cambia de registro con esta original y deliciosa propuesta totalmente contracorriente, que supone un homenaje al Séptimo Arte y funciona a la perfección durante todo el metraje.

The artist está arrasando en cuanto a premios se refiere, y se perfila como una de las posibles favoritas para los Oscar. Además no sólo ha llevado galardones de diferentes jurados sino que también se ha llevado el premio del público en los festivales internacionales de Hampton, St. Louis y San Sebastián. Recientemente fue noticia que ha sido reconocida también por el prestigioso Círculo de Críticos de Nueva York.

Los Amigos de Sensacine hemos tenido la suerte de ver esta película en el Community Day de este destacado portal de cine. El film se estrena en las salas españolas el próximo 16 de diciembre.

Leer critica The artist en Muchocine.net
Entrevista de los usuarios de Sensacine a Michel Hazanavicius.

martes, 6 de diciembre de 2011

Un forajido muy felino


El secundario más carismático de la saga Shrek ya tiene su propia película: El gato con botas (Puss in boots, 2011). Antonio Banderas presta su voz por cuarta vez, ya que apareció en tres entregas del ogro verde, al simpático gato espadachín, en esta ocasión como protagonista absoluto. Le acompañan en sus andanzas una gata a la que pone voz Salma Hayek, y el imaginativo y soñador huevo Humpty Alexander Dumpty. La técnica de animación es espléndida. La historia versa sobre la búsqueda de las habichuelas mágicas que permitirán llegar al castillo de un gigante donde se encuentra la Oca de los Huevos de Oro.

Ir en busca de un tesoro y recuperar el honor perdido, son dos de los grandes temas que han dado lugar a interesantes relatos a lo largo del tiempo, y ambos casos se dan cita en este film. Los personajes están muy bien enmarcados la trama: tienen objetivos claramente definidos para justificar sus acciones y existe conflicto dramático entre ellos para conferirles mayor relieve. Amistad, traición y romance, tres ingredientes importantes en este tipo de metrajes que no faltan en esta ocasión, cada uno en su dosis adecuada.

La película es como un film del Zorro pero en versión gatuna. Divertida y trepidante, así se puede definir esta aventura de aire hispano con un protagonista que responde al perfil de truhán simpático de noble corazón.

Leer critica El gato con botas en Muchocine.net

domingo, 4 de diciembre de 2011

2º Community Day de Sensacine


Eran la ocho de la tarde del 1 de diciembre de 2011. Un grupo de cinéfilos se dan cita en la Plaza de los Cubos de Madrid.

Tras la gratificante experiencia del Community Day el pasado verano, Sensacine vuelve a convocar a sus colaboradores y seguidores a un nuevo evento. En esta ocasión pudimos disfrutar en primicia de la película The artist, de la que daré parte próximamente, pero adelanto que es sencillamente impresionante.

A continuación cenamos en el sofisticado 40 café en la Gran Vía madrileña, para luego dar paso a un concurso de cine por equipos. Una agradable velada donde el Séptimo Arte fue el gran protagonista. Acudieron miembros de destacados blogs como Va de cine, Cineralia, Planta 13, Cinedanía , ó Historias de Cine, entre otros.

jueves, 1 de diciembre de 2011

Buscando en el desván de los recuerdos.



Un grupo de niños y adolescentes encuentran, en el desván de uno de ellos, el mapa de un tesoro y, claro está, se ponen en marcha para ir a buscarlo. Estos chicos son Los Goonies (1985) y la gran aventura que corrieron se ha convertido en todo un referente dentro del cine comercial familiar y una película de culto representativa del Hollywood ochentero.

La película fue una producción de Steven Spielberg dirigida por Richard Donner, que ya en aquel momento tenía en su haber la dirección de títulos relevantes como Superman ó La profecía. En el reparto de jóvenes promesas encontramos a Ke Huy Quan, que en aquel momento era un rostro conocido por haber participado un año antes en Indiana Jones y el templo maldito. Protagoniza Sean Astin en sus inicios, hoy conocido como Sam, el leal amigo de Frodo en la saga de El Señor de los Anillos. Un adolescente Josh Brolin, al que vimos hace poco como tiburón financiero en Wall Street: El dinero nunca duerme, era el hermano mayor del protagonista. Completan el reparto Corey Feldman, Kerri Green, Martha Plimpton y Jeff Cohen, que posteriormente desarrollaron sus respectivas carreras ocasionalmente en el cine pero principalmente en televisión.

La cinta tiene de todo: aventuras, humor, acción y un elenco de actores juveniles entre los cuales hay buena química. Todo ello servido en un tono fresco, desenfadado, propio de un trabajo hecho con ilusión y con vocación de entretener sin complejos para dejar un buen sabor de boca al salir del cine. En definitiva se trata de un film que transmite energía positiva, y para ello cuenta como bazas principales con unos diálogos ágiles y un ritmo narrativo fluido, además de una correcta partitura musical de Dave Grusin. También gozó de cierta repercusión la canción The Goonies R’ good enough de la popular cantante Cyndi Lauper, que aparece en la película cantando este tema en la televisión que hay encendida en el salón de los protagonistas.

Este año se ha hablado bastante de esta película a raíz del estreno de Super 8, producida nuevamente por Spielberg, que supone un nostálgico revival de aquel cine de los 80 que hizo soñar a varias generaciones.

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lunes, 28 de noviembre de 2011

Diario de producción:ESTRENO



Ya está disponible on line La pistola que mató a Lincoln.

El sobrino de un excéntrico escritor fallecido, tiene encomendada la tarea de publicar la última obra de su tío. Sin embargo necesita la clave de acceso al archivo y no la tiene.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Comandos élficos y alta tecnología en Navidad


Se acerca la Navidad y Sensacine, junto a Sony Pictures, invita a sus colaboradores y seguidores a ver en primicia Arthur Christmas: Operación regalo, que se estrenará el 9 de diciembre en las salas españolas.

Es Nochebuena y Santa Claus reparte regalos por todo el planeta con un gran despliegue de medios técnicos y un ejército de elfos adiestrados como Marines. Sin embargo, como nada es infalible, una niña se queda sin regalo, algo que preocupa enormemente a Arthur, el hijo torpe pero entrañable de Santa Claus.

Los estudios Aardman, artífices de películas de animación stop motion con plastilina como Chicken run ó la saga de varios cortos y un largo de Wallace & Gromit, se juntaron con Dreamworks para el proyecto de animación 3D Ratónpolis (Flushed away) en 2006. Ahora vuelven a esta técnica pero en coproducción con Sony Animations, para traernos Arthur Christmas: Operación regalo, una película muy divertida y dinámica, que llega a la cartelera como un soplo de aire fresco, ya que aporta un cierto toque de originalidad a las típicas películas navideñas que se estrenan cada año en estas fechas.

Tres generaciones de Santa Claus se dan cita en esta historia: el actual, su antecesor y sus herederos, cada cual con su particular carácter y su propia visión de la Navidad, aunque Arthur es quien encarna el auténtico espíritu navideño en su afán de pensar en los demás antes que en sí mismo.

Cine familiar fresco y divertido, con secuencias de acción vertiginosa y un tempo narrativo frenético, a excepción de alguna pequeña caída de ritmo a mitad de metraje, pero que no afecta a que el conjunto global de la película resulte trepidante.



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miércoles, 23 de noviembre de 2011

Diario de producción: el cartel


Pues mientras estoy postproduciendo también ha habido tiempo para diseñar un cartel. Aquí lo dejo como anticipo.

El corto ya tiene música. Se trata de cuatro arreglos musicales que combinan sonidos pop/rock, jazz y una pincelada de música electrónica.

Faltan ahora algunos ajustes de postproducción. Ya queda poco para el estreno on line. Si todo va bien estará disponible la próxima semana.

sábado, 19 de noviembre de 2011

Poker de ases hablando sobre la naturaleza del ser humano


Un niño agrede a otro en un parque y los padres de ambos se reúnen en casa del agredido para resolver el incidente como personas civilizadas. Es la trama de la nueva película de Roman Polanski, Un dios salvaje (Carnage, 2011), adaptación de una obra de teatro de la escritora francesa Yasmina Reza.

El director de El escritor deja la intriga política para traernos este año algo totalmente distinto, mucho más cotidiano: cuatro personajes bastante antagónicos entre sí metidos en una habitación nos muestran cómo se puede pasar del comportamiento racionalmente correcto a la más cruel sinceridad movida por el instinto. Un cínico abogado de una compañía farmacéutica, casado con una agente de inversiones, frente a una apasionada del arte y preocupada por los derechos humanos en el Tercer Mundo, casada con un vendedor de artículos para el hogar. Personajes perfectamente trazados a nivel de guión y encarnados por un excelente cuarteto de actores, formado por Christoph Waltz, Kate Winslet, Jodie Foster y John C. Reilly.

A Waltz, visto recientemente en Los tres mosqueteros como el cardenal Richelieu, le sienta como anillo al dedo el rol del abogado, y es que tras su encarnación de nazi en Malditos bastardos, se ve que se le dan bien los personajes cargados de cinismo. Winslet está sensacional, la otrora protagonista de Titanic ha sabido madurar muy bien artísticamente, como ya demostró también en Revolutionary road. Foster, vista hace unos meses en El castor, encarna el papel muy en su línea de mujer inconformista y perfeccionista. Reilly, un secundario habitual, comparte protagonismo con los otros tres ases de la interpretación y mantiene el tipo en este tour de force interpretativo a cuatro bandas.

Un sólido guión con ágiles diálogos y un elenco de actores que dan lo mejor de sí mismos, son las grandes bazas con las que juega Polanski para mantener a los espectadores pegados a la butaca, y lo consigue con creces. Es una de esas películas que se desarrollan en tan solo una estancia, como La soga, 12 hombres sin piedad o La ventana indiscreta, que desgraciadamente se prodigan bastante poco en el cine contemporáneo. Un film muy interesante desde un punto de vista tanto cinematográfico como antropológico.

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domingo, 13 de noviembre de 2011

Diario de producción: rodando con actores


Era una tarde de otoño en Madrid. Tres actores se reúnen para dar vida a un guión: La pistola que mató a Lincoln.

El rodaje transcurrió sin que ocurriera ninguna catástrofe. Siempre hay alguna cosilla que no puede ser tal como se había concebido en un principio y se improvisa algún que otro ajuste, pero en general se puede decir que la cosa fue como la seda. El ambiente era muy lúdico y todos lo pasamos bien. Espero que eso luego se transmita en el resultado final del corto.

Agradezco enormemente a los actores Pedro Oliver y Almudena Ramírez que se hayan brindado a participar en este proyecto.

Lo siguiente será rodar otros planos de relleno, sin actores. Seguiré informando.

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Diario de producción: 3,2,1...¡Acción!


Ha llegado el momento de poner en marcha el nuevo proyecto de Galax Pictures, un corto de ficción que lleva por título La pistola que mató a Lincoln. Con este post se inaugura un mini diario para poder seguir la evolución del proyecto a través de este blog.

El guión lo escribí este verano tras aglutinar en una sola historia varias ideas aisladas que me rondaban la cabeza desde hacía tiempo. Afortunadamente cuento con los actores en los que pensé de entrada para dar vida a estos personajes. El próximo fin de semana tendrá lugar el rodaje. Esperemos que todo salga bien. Al menos los ánimos están muy altos tras la reunión de planificación que tuvimos la semana pasada.

En cuanto al género se podría decir que se trata de una comedia, aunque no por tener gags pretendidamente cómicos sino más bien por el tono que le quiero dar a la historia. Trato de que sea algo ameno, positivo, dinámico... ya veremos en qué deriva la cosa, pero en principio esa es la intención.

Entre el domingo y el lunes publicaré el segundo post de este diario, con alguna foto del rodaje.

lunes, 7 de noviembre de 2011

Botones, todo un símbolo


El director de Los chicos del coro (2004) Christophe Barratier, nos trae una nueva historia sobre niños en la Francia de los años 40 con La guerra de los botones (La nouvelle guerre des boutons, 2011), remake del film homónimo de 1962. La trama versa sobre la rivalidad entre dos bandas de chicos de sendos pueblos vecinos, una guerra en la que robarle los botones de la ropa al adversario se acaba convirtiendo en objetivo militar de tan curiosa contienda. Este juego de niños tiene lugar en el marco de la ocupación nazi en Francia, con gente del pueblo perseguida bien por ser judíos o bien por pertenecer a la resistencia.

Deliciosa recreación de época con una cuidada fotografía acompañada de una adecuada partitura musical. Emocionalmente va de menos a más, ganando en intensidad dramática en su tercio final. Los actores infantiles/juveniles están correctos en sus respectivos roles, destacando entre ellos el pequeño debutante Clément Godefroy, tanto por su fotogenia como por su espontaneidad. El elenco adulto viene encabezado por Laetitia Casta y Guillaume Canet.

En definitiva una entrañable y amena producción francesa para disfrute de toda la familia, donde se nota que se ha hecho con cariño y respeto por parte del director, al film original.

Sensacine ha invitado a sus seguidores y colaboradores a un pase especial de esta película.



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sábado, 5 de noviembre de 2011

Virtuosismo spielbergiano para las viñetas de Tintín


El famoso e intrépido reportero creado por Hergé, tras series de animación en televisión y alguna adaptación con actores al cine sin mayor repercusión, ocupa ahora el lugar que le corresponde gracias a la unión de Peter Jackson en la producción y Steven Spielberg en la dirección utilizando la más avanzada tecnología con la técnica de captura de movimiento. El resultado es Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011).

Desde los geniales títulos de crédito iniciales hasta el último fotograma, el film es como una montaña rusa. Una trepidante cinta de aventuras intensa y visualmente portentosa. Quizá le fallan un poco los ocasionales golpes de humor, y es que la trama avanza de manera tan continua que no da tiempo de pararse a pensar si alguien ha dicho algo gracioso en un momento dado.

La película tiene mucha influencia de Indiana Jones, pero también de Atrápame si puedes (Catch me if you can, 2002), especialmente en la música y los títulos de crédito iniciales. John Williams compone una sensacional partitura que ayuda enormemente a la conseguida ambientación de esta gran aventura de época recreada digitalmente.

¿Algún punto flaco? Pues sí, nadie es perfecto. El personaje de Tintín apenas tiene matices, es un chico listo que se pasa el día pensando y descifrando pistas, y no hace otra cosa en toda la película, algo que lo hace algo frío para empatizar con el público. Mejor perfilado resulta el capitán Haddock, un borracho hundido en un mar de alcohol buscando recuperar su dignidad.

Respecto a los actores que se han vestido los trajes de sensores para ser digitalizados, tenemos a Jammie Bell, el otrora niño bailarín de Billy Elliot, visto recientemente en La legión del Águila. Por otra parte tenemos al veterano en estas lides Andy Serkis, que fue el mono listo de El origen del planeta de los simios, y ahora es el capitán Haddock. Los cómicos Nick Frost y Simon Pegg, protagonistas el verano pasado en Paul, dan vida a los agentes Hernández y Fernández. Y al villano de la función le ha prestado sus movimientos el actual agente 007, Daniel Craig.

Spielberg demuestra que sigue estando en forma y que en esto del entretenimiento es uno de los más grandes de todos los tiempos.

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lunes, 31 de octubre de 2011

Un lustro on line

Termina octubre de 2011, esto significa que Galax Pictures cumple 5 años de existencia en internet. Por ello he pensado que es buen momento para dar un giro a la imagen de la web. Realmente el nuevo logo se ha podido ver ya en los últimos reportajes realizados a lo largo de este año. Ahora ese look se hace extensivo a la página web y a sus distintos canales.

Han sido 5 años de creación de contenidos audiovisuales tocando distintos formatos y géneros: ficción, documentales y reportajes periodísticos. Y la cosa sigue. Próximamente se anunciará un nuevo proyecto de ficción.

Espero que el nuevo diseño de la web sea más atractivo y accesible. Aun hay que matizar algunos detalles, pero lo principal ya está operativo.

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domingo, 23 de octubre de 2011

Buenas intenciones


No solo de las buenas intenciones se obtienen buenos resultados, se requiere la conjugación de varios factores. Algo así es lo que ha ocurrido con la adaptación a la gran pantalla del clásico cómic de Víctor Mora: El capitán Trueno y el santo Grial, un film de aventuras de corte clásico para disfrute de toda la familia, un género poco común en el panorama del cine español y que personalmente considero que se debería prodigar más a menudo.

La cinta se ha estrenado tras un largo periodo de tiempo en que el proyecto ha pasado por varias manos e intentos de llevarlo a cabo, y finalmente ha visto la luz envuelto en un halo de polémicas y problemas, algo así como le ocurrió a Kevin Costner con Waterworld en los años 90. La película objetivamente no se puede decir que sea buena. Tiene un tono que recuerda a aquellas coproducciones europeas de los años 60 y 70 como El Zorro o El coloso de Rodas. Estaría bien que transmitiese una sensación de nostalgia por aquel cine pero adaptado a los tiempos que corren, sin embargo el problema estriba en que más que un homenaje parece una película más de aquella época. Creo que tiene dos puntos flacos fundamentales que son, por un lado la dirección de actores bastante floja y por otra parte abunda en clichés y tópicos del género excesivamente manidos y eso hace que dé la sensación de no aportar nada nuevo. Si bien la dirección de actores no suele ser fuerte en este tipo de producciones, incluso a nivel de Hollywood, también es cierto que se suele intentar paliar con una realización vistosa, arriesgada, algo que en este caso es correcta, convencional, y por tanto no llega a suplir otras carencias.

Dicho esto quisiera romper una lanza en favor de los productores por tomar iniciativas de llevar a cabo proyectos como este, que considero son necesarios en nuestro cine patrio. En cuanto a los actores destacaría a Sergio Peris Mencheta como un correcto Capitán Trueno, a Gary Piquer como el villano de la función componiendo un personaje en la línea del Christoph Waltz de Malditos bastardos, a Jennifer Rope en la piel de una bruja emulando a Grace Jones en Conan el destructor, y a Ramón Langa como un oscuro malvado que debería haber tenido más cancha en el metraje.

En definitiva me alegro de que se realicen proyectos como este en España, y espero que la próxima vez se mejoren los resultados, ya que la intención es buena, pero hace falta pulir algunos aspectos técnicos para llevar el barco a buen puerto.

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viernes, 14 de octubre de 2011

Los mosqueteros y Leonardo


Por enésima vez se recrea en la gran pantalla el clásico literario de Alejandro Dumas Los tres mosqueteros (The three musketeers), esta vez bajo la dirección de Paul W.S.Anderson, responsable de productos de acción basados en video juegos, como Mortal Kombat o Resident evil. En el tráiler todos hemos podido ver una especie de barcos voladores a modo de dirigible, y la verdad es que lo que en un principio se antoja como una fantasmada fuera de lugar, se convierte en realidad en un punto muy interesante de la película, y es que se trata de una máquina inventada por Leonardo da Vinci cuyos planos buscan los protagonistas al inicio de la película como si se tratase del grupo de Mission:Imposible trasladado al siglo XVII. A partir de ahí el relato es la historia por todos conocida de D’Artagnan viajando a París para convertirse en mosquetero y entablando amistad con los famosos en horas bajas Aramis, Porthos y Athos.

Normalmente se dice que las licencias artísticas malogran las adaptaciones literarias, pero en este caso si se hubiesen alejado de la novela y explotado más la trama de da Vinci como una nueva aventura de los mosqueteros, podría haber dado lugar a un film más original con aire retrofuturista en la línea de La liga de los hombres extraordinarios, la cual dejó mucho que desear con su resultado final, pero esta especie de cine de espías sofisticados en épocas anteriores al siglo XX, es un material muy suculento para desarrollar el género de aventuras.

La película es un espectáculo visual impresionante, con actores que sin tener unos personajes de gran calado, consiguen aportar el suficiente carisma para que su presencia en la cinta no pase inadvertida entre tanta parafernalia efectista que envuelve el metraje. Entre los villanos nos encontramos a Mila Jovovich (El quinto elemento, Residente vil) como Milady, a Christoph Waltz (Malditos bastardos) como el cardenal Richelieu, a Mads Mikelsen (Después de la boda, El rey Arturo) como Rochefort y a Orlando Bloom (El señor de los anillos, Piratas del Caribe) como el duque de Buckingham. Por otra parte los héroes son encarnados por actores que han estado recientemente en películas de guerreros medievales. Matthew Macfadyen, que hace de Athos, y a Luke Evans, en la piel de Aramis, ambos fueron del bando de los malos en Robin Hood, de Ridley Scott. Porthos es encarnado por Ray Stevenson al que vimos repartiendo estopa junto a Mads Mikkelsen en El rey Arturo, de Antoine Fuqua, y más recientemente en Thor. A D’Artagnan le da vida en este caso un joven actor llamado Logan Lerman al que vimos como hijo de Christian Bale en El tren de las 3:10.

En fin, una entretenida, sofisticada y trepidante cinta, con una vibrante partitura musical, para disfrute de toda la familia, concebida especialmente para verse en 3D, aunque en 2D resulta también muy espectacular.

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jueves, 6 de octubre de 2011

La aventura comenzó hace 30 años


En octubre de 1981 se estrenaba en España En busca del arca perdida (Raiders of lost Ark, Steven Spielberg), la presentación del célebre arqueólogo Indiana Jones. Una idea original de George Lucas que puso en marcha con un guión de Lawrence Kasdan y la dirección de Steven Spielberg, el cual quería hacer un film de James Bond, y ante la negativa de sus responsables, su amigo George le propuso este proyecto.

Secuencias como la del héroe perseguido por una enorme bola de piedra o arrastrado por un camión a lo largo de una polvorienta carretera, se han convertido en referentes clave del cine de entretenimiento contemporáneo. También es muy recordada aquella escena en la que un fornido tipo con una espada amenaza a Indiana y éste sin mediar palabra desenfunda su revólver y lo abate de un seco disparo. Lo más curioso es que esto no estaba en el guión. En principio debían rodar una coreografía de lucha entre Jones con su látigo y el árabe con su espada. Sin embargo Harrison Ford se encontraba indispuesto y pidió si podían terminar pronto. Como la escena tenía que quedar terminada ese día se improvisó resolverla con el revólver. También fue casual la elección de Ford como protagonista. George Lucas, productor de la cinta, ya había contado con él en American Graffitti y Star Wars, y no quería repetir. Se barajaron varios nombres y el que más les convenció fue Tom Selleck, pero su compromiso con la serie de televisión Magnum no le permitió acceder al papel, así que finalmente Ford se metió en la piel del ahora mítico personaje al que nadie se imagina con el rostro de otro actor.


Lo que no fue nada casual fue el excelente montaje de sonido. Los efectos sonoros
fueron algo a lo que desde un principio le quisieron dar bastante importancia, y finalmente el arduo trabajo se vio colmado con un premio especial a la edición de sonido y el Oscar a mejor Sonido. Y no fue el único, también recibió los galardones a mejor Diseño de Producción, mejor Montaje y mejores Efectos Especiales. En el equipo de estos FX figuraba Joe Johnston, director de la reciente Capitán América. Se quedaron sin estatuilla otras tres nominaciones a mejor Película, mejor Música y mejor Director.

Tres décadas han pasado ya desde que el héroe del látigo y el sombrero llegase a las pantallas al ritmo de los pegadizos acordes de la vibrante partitura de John Williams, y hoy en día se ha convertido en uno de los iconos cinematográficos de mayor repercusión social del cine contemporáneo, que vio su prolongación en el tiempo con otros tres títulos que empiezan por “Indiana Jones y…” El templo maldito, La última cruzada y El reino de la calavera de cristal. Y por lo visto la cosa no acaba aquí, parece que se está preparando una quinta aventura de este gran personaje del celuloide.

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miércoles, 28 de septiembre de 2011

A los malvados ni agua


Espléndido thriller de investigación policial de la mano del director Enrique Urbizu con un enorme José Coronado como protagonista. Se trata de No habrá paz para los malvados (2011), una cinta cargada de tensión y suspense en clave de cine negro clásico aderezado con algunos elementos propios del western.

El pulso narrativo es muy equilibrado A pesar de que hay cosas que no son lo que parecen y la información se va dando muy poco a poco durante el metraje, el espectador no se pierde en la trama, se ve claramente lo que está ocurriendo en cada momento. Lo único por lo que puede dar la sensación de que le falta algo para ser redonda, es que ciertos aspectos del pasado del protagonista parece que en algún momento se van a aclarar y sin embargo se quedan algo abiertos a la especulación. Solamente queda claro y bien atado lo justo para que se entienda la historia contada, pero hay algunos flecos secundarios que el espectador agradecería que fuesen explicados.

Con todas y con esas, reitero que estamos ante una gran película con una impresionante interpretación de Coronado que rezuma autenticidad en todo momento recorriendo lugares de Madrid muy reconocibles, un buen trabajo de localización por parte del equipo de producción. Esta extrapolación del aire de cine negro hollywoodense a la ambientación en España, y concretamente en Madrid, recuerda en cierto modo a El crack (1981), de José Luis Garci. Por otra parte también conserva el tono que el propio Urbizu ya había exhibido en La caja 507 (2002), otro thriller con José Coronado, que en aquella ocasión compartía el protagonismo con Antonio Resines.

En papeles secundarios destaca la presencia de Juanjo Artero, que inevitablemente asociamos a la serie de TV El comisario, aunque en esta ocasión va de policía con corbata. Los personajes secundarios que se cruzan durante la investigación están muy bien perfilados y correctamente encarnados por los respectivos actores.

Leer critica No habrá paz para los malvados en Muchocine.net
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domingo, 25 de septiembre de 2011

Policías bajo presión


Con cierto retraso llega a la cartelera española Los amos de Brooklyn (Brooklyn’s finest, Antoine Fuqua, 2009), un sólido thriller policial sobre tres agentes de Brooklyn que por distintos motivos están muy quemados con su trabajo. Por un lado está un veterano al que le quedan siete días para jubilarse y ya está de vuelta de todo. Se ha separado de su mujer y vive amargado, sin ilusiones, por toda la miseria que ve a diario a su alrededor sin poder hacer nada para remediarlo. Por otra parte un joven de convicciones religiosas con serios problemas para mantener a su familia se encuentra obsesionado por conseguir dinero ilegal de las redadas que practica habitualmente. El poner a prueba sus principios morales continuamente lo atormenta sin medida. Completa el triángulo un policía que trabaja como infiltrado en el mundo del narcotráfico y está tan metido que incluso ha entablado una gran amistad con un peligroso delincuente y necesita como sea salir de ahí para recuperar su vida.

Formalmente la película no ofrece nada que no se haya visto antes en este tipo de producciones, pero el director de Training day y El rey Arturo compone un contundente relato que mantiene el interés en todo momento acompañado de unas interpretaciones excelentes por parte de su elenco actoral. Richard Gere como el veterano, Ethan Hawke en la piel del desesperado cabeza de familia y Don Cheadle haciendo de infiltrado, crean unos personajes muy auténticos que transmiten muy bien su angustia al espectador, especialmente Don Cheadle. Les acompaña Wesley Snipes encarnando al capo mafioso con quien ha entablado amistad el infiltrado. También favorece al conjunto la música, una vibrante partitura de Marcelo Zarvos, responsable de otras bandas sonoras como las de El castor, Algo pasa en Hollywood o El buen pastor.

En definitiva un gran trabajo de Antoine Fuqua, quizá lastrado por un tono general algo más pesimista de lo deseado pero globalmente es una película muy lograda a pesar de contar historias ya vistas anteriormente.

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martes, 20 de septiembre de 2011

Amigos con derechos


Con derecho a roce (Friends with benefits, Will Gluck, 2011) trata de lo que el propio título nos informa: dos amigos que intentan entablar una relación meramente sexual sin comprometerse emocionalmente. Este núcleo central de la trama, que viene aderezado por una ambientación en el mundo editorial, en que los protagonistas son una cazatalentos de una prestigiosa revista y un genio de internet que ha triunfado con un blog y va a ser fichado por los grandes. Flash mobs, mensajes instantáneos, vídeos on line, y demás parafernalia virtual están presentes en todo el metraje a modo de querer reflejar la sociedad de la información actual que funciona a la velocidad de un clic en la red. Este aspecto se antoja más interesante que el planteamiento original de la cinta a la que hace referencia el título.

La nota melodramática, o pretendidamente emocional la pone el problema familiar del protagonista masculino. Aun así el resultado es bastante superficial y el desarrollo de la trama demasiado previsible. No obstante la película es agradable de ver por su glamour y unos actores que cumplen con oficio su cometido. Sorprende en principio ver que dos estrellas emergentes como Justin Timberlake y Mila Kunis, vistos ambos en proyectos de gran envergadura como son La red social y Cisne negro respectivamente, se hayan embarcado juntos en una comedia romántica ligera como esta. Destaca en un rol secundario el veterano Woody Harrelson en la piel de un redactor de deportes gay algo pasado de vueltas, que cada vez que aparece en escena eclipsa a todos los demás.

En general deja una sensación parecida a la de Morning glory, que está bien, se deja ver, se pasa un buen rato pero se echa en falta un poco más de chispa, un poco más de garra.

Sensacine en cooperación con Sony Pictures, ha invitado a un pase exclusivo a sus colaboradores y seguidores.

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sábado, 17 de septiembre de 2011

Alas de celuloide


Desde tiempo inmemorial el hombre ha soñado con volar. La historia de la aviación está llena de gente ilusionada con sentir la libertad de movimiento propia de los pájaros y ver el mundo desde las alturas. El cine se ha hecho eco de épicas hazañas aéreas, muchas inventadas para la ocasión, pero algunas veces ha recurrido a recrear grandes aventuras de personas reales que han conseguido importantes logros en la evolución de este gran sueño de la humanidad. Quisiera centrarme en dos casos concretos de sendos apasionados del aire llevados a la gran pantalla por pesos pesados del Séptimo Arte.

En primer lugar hablamos de Charles Lindberg, que en 1927 se convirtió en el primer piloto que consiguió volar de New York a París en un monoplano con una sola hélice llamado El Espíritu de San Luis. Un vuelo en soledad que duró algo más de 33 horas. Esta gran hazaña fue plasmada en celuloide por el gran Billy Wilder con James Stewart dando vida al célebre aviador en la cinta El héroe solitario (The Saint Louis Spirit). La narración está muy bien engarzada mediante flashbacks y los pensamientos del protagonista usando la voz en off. Aunque no es la típica película de Wilder, su maestría se nota en el resultado final de la cinta. Lo que se refleja muy bien es la pasión del personaje por su profesión, lo que hace que el film en general transmita una sensación muy optimista, muy positiva, al ver a alguien que pone tanto entusiasmo en lo que hace.


El segundo caso es el de Howard Hughes, un millonario, de fortuna heredada, fascinado con la aviación y con el cine. Martin Scorsese llevó su vida a las carteleras en El aviador (The aviador, 2004). La ambientación de la película es excelente y Leonardo Di Caprio se mete estupendamente en la piel de Hughes. Destaca también la interpretación de Cate Blanchett como la célebre Katherine Hepburn, que fue pareja del magnate durante un tiempo. El rodaje de la primera película de Hughes, "Ángeles del infierno", sobre pilotos de la I Guerra Mundial, sirve como presentación del personaje y un crisol perfecto de las dos grandes pasiones del protagonista: el cine y los aviones. A partir de ahí se muestran varios años de la vida de este personaje con los momentos claves de su vida, como sus récords de velocidad, la gestación de enorme hidroavión Hércules, o su grave accidente probando un XF-11. Además se aprecia la evolución de su enfermedad, un trastorno obsesivo-compulsivo que se fue agudizando con el paso del tiempo.

La vida está llena de hazañas llevadas a cabo por personas a las que le apasiona lo que hacen, y es que sentir las cosas, poner ilusión, ganas y coraje es fundamental para sacar los proyectos adelante.

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miércoles, 7 de septiembre de 2011

El pasado siempre vuelve


Tres agentes del Mossad se convirtieron en héroes tras una operación en los años 60, pero manteniendo en secreto algo relacionado con aquella misión. Treinta años después el pasado irrumpe de nuevo en sus vidas. Esto es La deuda (The debt, John Madden 2010), un excelente thriller con un sólido guión y un magnífico elenco de actores. El director de Shakespeare in love compone un relato de suspense que engancha desde el primer fotograma y mantiene la tensión en todo momento.

Se trata de una narración en dos tiempos con seis actores dando vida a tres personajes. Jessica Chastain, Marton Csocas y Sam Worthington interpretan las versiones juveniles de los roles encarnados respectivamente por los veteranos Helen Mirren, Tom Wilkinson y Ciarán Hinds. Lo realmente interesante del tema es que los espías no son de cartón piedra, son personajes muy humanos con sus miedos, dudas, ilusiones, angustias, no se trata de los típicos ejecutores de élite super entrenados y demás. Esto hace que el espectador establezca buena empatía con los intérpretes y que así la trama y todo lo que les ocurre a los protagonistas resulte más emocionante.

La oscarizada Helen Mirren, galardonada con el premio de la Academia de Hollywood por The Queen, es una de esas actrices que transmiten mucho con su mera presencia. Toda una dama británica a la que hemos visto recientemente en Red, otra de espías retirados pero en un tono muy distinto al caso que nos ocupa, y en La última estación encarnando a la mujer de Tolstoi. Tom Wilkinson ya se está convirtiendo en un secundario de lujo imprescindible en thrillers y tramas de espionaje, como El escritor, El sueño de Casandra, Duplicity o Michael Clayton. Sam Worthington se embarcó en esta aventura tras encadenar tres proyectos de acción donde primaban los efectos especiales sobre todas las cosas: Furia de titanes, Avatar y Terminator salvation.

El guión lo firman Matthew Vaughn, Jane Goldman y Peter Straughan. Goldman y Vaughn han colaborado en los guiones de tres de las cuatro películas que forman la filmografía como director de Matthew hasta ahora: Stardust, Kick ass y X-Men: Primera generación.

La deuda se estrenó en Reino Unido el pasado año 2010, y llega a las carteleras españolas casi un año después. Y menos mal que ha llegado porque desde luego vale la pena. Nunca es tarde si la película es buena, y en este caso lo es.

Social Noise en colaboración con Universal Pictures ha organizado un pase para bloggers de cine para ver esta estupenda cinta que se estrenará este próximo jueves 8 de septiembre.

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jueves, 25 de agosto de 2011

J.J.Abrahms, el alumno aventajado de Spielberg


Supongamos que Los Goonies en vez de tener una aventura de piratas la tuviesen con un extraterrestre. Con eso nos hacemos una idea de más o menos lo que nos podemos encontrar en Super 8, una película dirigida por J.J. Abrahms, responsable del último Star Trek, y producida por el mismísimo Steven Spielberg que vuelve con este film a su universo de ilusión, aventura y fantasía que tanto explotó con éxito en los años 80, unas veces como director y otras como productor.

En un pueblo de Estados Unidos en el año 1979, un grupo de adolescentes está rodando un cortometraje de zombies con una cámara de super 8. Entonces ocurre ante sus narices un aparatoso accidente en que descarrila un tren de mercancías que alberga un importante secreto militar el cual queda grabado en la cámara de los chicos.

Los jóvenes protagonistas son desconocidos y con poca experiencia, salvo Elle Fanning, pero lo hacen muy bien. Se les ve cómodos y desenvueltos en sus repectivos roles.

Super 8 es una gran película. Un film de ciencia ficción en que las relaciones humanas priman sobre el espectáculo de los efectos especiales, que por cierto son bastante buenos.De hecho posee la fórmula que tanto gusta a Spielberg y que tantos éxitos le ha dado: mostrar a personas cotidianas en situaciones extraordinarias.Tan sólo se le puede poner como pega un desenlace algo precipitado, pero que no afecta de forma relevante al buen sabor de boca que deja la película en su conjunto, y es que al final la trama del alienígena es lo de menos, lo verdaderamente interesante son las distintas subtramas que ocurren en torno a los conflictos entre los personajes.

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viernes, 19 de agosto de 2011

Frases twitteadas Vol. II


Tras la buena acogida entre los lectores de la primera recopilación de citas cinematográficas, aquí llega una nueva entrega con otras 10 frases que he ido compartiendo en Twitter. El formato es el mismo que el anterior:
“Frase”, actor (personaje), Título en español (Título original, director, año).

Vamos allá:

1. “Si alguien se mete conmigo, yo me meto con él.”, Robert deNiro (Al Capone), Los intocables de Elliot Ness (The untouchables, Brian de Palma, 1987).

2. “La distancia entre el genio y la locura se mide tan sólo por el éxito.”, Jonathan Pryce (Elliot Carver), El mañana nunca muere (Tomorrow never dies, Roger Spottiswoode, 1997).

3. “Vaya a vender sus neuras a otra parte. Aquí ya estamos servidos.”, Jack Nicholson (Melvin Udall), Mejor imposible (As good as it gets, James L. Brooks, 1997).

4. “Para sobrevivir a la guerra hay que convertirse en guerra.”, Sylvester Stallone (John Rambo), Rambo –Acorralado parte II (Rambo-First blood part II, George Pan Cosmatos, 1985).

5. “Hay un nuevo tipo en la ciudad. Se llama Robocop.”, Miguel Ferrer (Bob Morton), Robocop (Robocop, Paul Verhoeven, 1987).

6. “Hazlo o no lo hagas. Pero no lo intentes.”, Frank Oz (Yoda), El imperio contraataca (The empire strikes back, Irvin Kershner, 1980).

7. “No soy un cobarde. Soy…práctico.”, Alan Cox (John Watson), El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, Barry Levinson, 1985).

8. “Han pasado 84 años, y aun percibo el olor a recién pintado.” Gloria Stuart (Rose), Titanic (Titanic, James Cameron, 1997).

9. “Prefiero tus deudas a los millones de otro.” Marilyn Monroe (Sugar Kane), Con faldas y a lo loco (Some like it hot, Billy Wilder, 1959).

10. “Souvenirs, novedades, artículos de coña…” Ian McNeice (Vendedor ciego), Top secret (Top secret, Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, 1984).

martes, 16 de agosto de 2011

Así se alzaron los simios


El origen del planeta de los simios (Rise of the planet of the apes, Rupert Wyatt, 2011), título autoexplicativo como pocos, nos cuenta pues eso mismo, cómo se inició el proceso que llevó a que en la Tierra los simios evolucionaran hasta cambiar las tornas de forma que los humanos pasaran a ser la especie inferior, tal como se encontró la situación el astronauta interpretado por Charlton Heston tras un largo viaje por el espacio en el clásico de Franklin J. Schaffner El planeta de los simios (The planet of the apes, 1968). La premisa para explicar el paso evolutivo es interesante: se trata de un joven y brillante científico, encarnado por James Franco, que investiga sobre cómo conseguir la neurogénesis, es decir, la generación de células neuronales, para aplicarlo como cura contra el alzheimer, y experimentando el fármaco en chimpancés, algo que los hace más inteligentes.

Los simios digitales, creados por WETA Digital, la compañía responsable de los efectos de, entre otras, Avatar, King Kong (2005) y El Señor de los Anillos, son realmente impresionantes. De hecho Andy Serkis, que ya se había enfundado el traje de sensores para dar vida virtual al Gollum y al mismísimo King Kong de Peter Jackson, es en la presente cinta el responsable de interpretar digitalmente a César, el mono protagonista. Completan el reparto principal Freida Pinto, la gran revelación de Slumdog Millionaire, y el veterano John Lithgow.

La música de Patrick Doyle es muy envolvente, muy primaria, con mucha percusión, totalmente integrada en la historia contada. Es una de estas películas que ya se sabe lo que va a pasar y lo interesante es ver el proceso de cómo sucede. El ritmo narrativo es muy bueno, perfectamente dosificado para comprender la evolución de los personajes.

En definitiva se trata de una sensacional película de ciencia ficción a la altura del clásico de Schaffner y muy por encima del mediocre remake de Tim Burton que contaba con un soso Mark Wahlberg como protagonista allá por el año 2001. La presente precuela tiene ritmo, tensión, emoción y unos efectos digitales muy conseguidos. Imprescindible.

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sábado, 13 de agosto de 2011

El gran capitán


El director Joe Johnston, responsable de aventuras para toda la familia como Rocketeer, Jumanji, Jurassic Park III o Cariño, he encogido a los niños, nos trae ahora Capitán América: El primer vengador (Captain America: First avenger, 2011), la adaptación a la gran pantalla del conocido superhéroe de los comics de Stan Lee. Es el último eslabón de la cadena que faltaba para culminar el gran proyecto de Marvel Studios, Los vengadores, que se estrenará en verano de 2012. Arrancaron con Iron Man, luego vinieron El increíble Hulk, Iron Man 2 y Thor.

Al igual que se enmarcó la precuela de los X-men como una aventura relacionada con un hecho histórico, como fue la crisis de los misiles cubanos, en esta ocasión ocurre algo similar pero en la II Guerra Mundial, en la que las divisiones científicas tanto de los nazis como de los Aliados, deciden el destino del mundo en una batalla que ocurre en paralelo con los frentes reales. Y la verdad es que la fórmula funciona. El resultado es una trepidante aventura con estética retrofuturista en la línea de Sky Captain y el mundo del mañana.

Chris Evans, que había encarnado a la Antorcha Humana en las dos entregas de Los 4 fantásticos, se mete aquí en la piel de un muchacho enclenque con problemas de salud que tras ser rechazado por el ejército en varias ocasiones, insiste en querer ir a luchar para poner su granito de arena en ayudar a los demás. Un científico que está buscando al candidato ideal para un experimento que consiste en crear super soldados, se fija en el muchacho, no por sus aptitudes ni su talento, que no los tiene, sino por su calidad humana. Este es otro punto interesante de la película, el de primar a la persona sobre el profesional, el hecho de resaltar las cualidades de un alma noble. El contrapunto lo pone Hugo Weaving, inolvidable agente Smith de Matrix, en el rol de Cráneo Rojo, un villano carismático interpretado por el actor adecuado aunque quizá algo desaprovechado en el resultado global del film. Completan el reparto Hayley Atwell como la chica de la película, Tommy Lee Jones es un sarcástico coronel , Stanley Tucci como el creador del experimento y Dominic Cooper dando vida a Howard Stark, el padre de Tony Stark/Iron Man.

Los efectos especiales en general son correctos, pero la transformación digital de Evans es impresionante, tal como pasaba con Brad Pitt en El curioso caso de Benjamin Button, aunque la técnica empleada ha sido diferente.

Entretenida, inocente, espectacular, una gran aventura de cierto aroma retro muy disfrutable por público de todas las edades. Diría que es de las mejores, junto con la primera de Iron Man, entre los títulos que forman la saga de Los vengadores.

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viernes, 12 de agosto de 2011

Rodando un videoclip

A veces las cosas surgen de la forma más insospechada. Quien haya seguido mi trayectoria a través de mi página web, sabrá que me gusta experimentar con distintos formatos y géneros. Sin embargo el video clip era algo que aun no había abordado.

El mes pasado tuve la suerte de colaborar con el equipo de producción de un videoclip para la Jornada Mundial de la Juventud 2011. Tras un par de reuniones de brainstorming y planificación, tuvimos una estupenda jornada de rodaje en la que grandes profesionales de la realización televisiva se brindaron a colaborar en el proyecto, además de mucha gente que se unió espontáneamente a la dinámica y fresca coreografía preparada para la ocasión.

El vídeo se proyectará en los actos de la JMJ que tendrá lugar la próxima semana entre los días 16 y 21 de agosto. De momento se puede ver en internet el making off : Así se hizo “Meet in Madrid”.

jueves, 4 de agosto de 2011

Veranos de película


Las actividades y lugares propios de época estival, son escenarios tan válidos como cualquier otro para desarrollar historias y tramas interesantes que den lugar a películas de diversos géneros. Por ejemplo, en 1987 causó furor entre los adolescentes Dirty dancing, de Emile Ardolino, que enmarca la acción durante los años 60 y trata sobre una chica de clase alta que va a pasar el verano a un campamento con sus padres y se enamora del profesor de baile. Un romance a ritmo de mambo que convirtió a Patrick Swayze en todo un ídolo.

El clásico de David Lean Locuras de verano (Summertime, 1955) nos brindaba a una excelente Katherine Hepburn de vacaciones en Venecia, en una película llena de romance y glamour. También la ciudad de los canales bajo el sol abrasador puede ser escenario de tragedias, como nos mostró Luchino Visconti en la densa y amarga Muerte en Venecia (Death in Venice, 1971), en la que un elegante resort puede ser escenario del más dramático desenlace. También en un exclusivo hotel mediterráneo se desarrolla Muerte bajo el sol (Evil under the sun, Guy Hamilton, 1982), esta vez en las islas griegas, donde el famoso detective Hercule Poirot, creado por Agatha Christie e interpretado para la ocasión por un sensacional Peter Ustinov, debe resolver un crimen producido en tan idílico lugar entre gente distinguida. A pesar de ser un thriller con un asesinato como eje central de la trama, la cinta tiene un tono muy fresco y glamuroso aderezado por estupendos temas musicales de Cole Porter.


Y finalmente no podía faltar el título que aterrorizó a todos los bañistas: Tiburón (Jaws, 1975). El gran Steven Spielberg, acompañado por una inolvidable partitura de John Wiliams, metió el miedo en el cuerpo a muchos veraneantes con este sensacional thriller sobre un gran tiburón blanco que acecha bajo el agua en la costa de la localidad de Amity. El jefe de policía Brody, encarnado por Roy Scheider, debe velar por la seguridad de los turistas frente a las presiones políticas que le impiden cerrar las playas, pues causaría grandes pérdidas económicas al pueblo. Le acompañan para dar caza al temible escualo un veterano cazador de tiburones y un científico experto en estos peces, personajes encarnados por Robert Shaw y Richard Dreyfuss respectivamente. El trío protagonista consigue darle una entidad muy sólida al conjunto, ya que los personajes están muy bien trazados, contrastan mucho entre sí y la química entre los actores es excelente.

Las altas temperaturas veraniegas afectan sin duda al comportamiento de la gente, normalmente para bien, pero no siempre, y el Séptimo Arte puede reflejarlo en todas sus facetas. Risas, amor, muerte, todo es posible en verano y en el cine.

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sábado, 30 de julio de 2011

Vaya desmadre de boda


Kristen Wiig, a la que vimos recientemente en Paul, escribe, coproduce y protagoniza La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids, Paul Feig 2011), una desmadrada comedia de humor gamberro y escatológico en la línea de las sagas de adolescentes Porky’s o American Pie, pero protagonizada por mujeres de treinta y pico años. Lilian, una chica cercana a los cuarenta encuentra por fin al hombre de su vida. Inmediatamente se lo cuenta a su mejor amiga desde la infancia, Annie, a la que nombra primera dama de honor. Cuando conoce al resto de damas, una de ellas, Helen, rivaliza con Annie por ser la mejor amiga de la prometida y la que se sabe montar una buena ceremonia.

La galería de personajes es la mejor baza de la película. Son seis mujeres, la novia más cinco damas de honor, cada una de las cuales está bien definida y cada rol representa un tipo femenino diferente, de distintos círculos sociales, todas en una edad en la que se plantean los errores y aciertos de sus vidas, los éxitos y los fracasos, y cómo encarar el futuro. Una propuesta muy atractiva que sin embargo se ve empañada por un humor excesivamente grueso que caricaturiza a los personajes, restándoles capacidad de trascendencia, y por un tratamiento formal demasiado televisivo, que da la sensación al espectador de estar viendo un capítulo de una teleserie en vez de un largometraje de cine. No obstante es entretenida, divertida a ratos y se deja ver, especialmente en fechas veraniegas, aunque el planteamiento que subyace podría haber dado lugar a una película mucho más interesante.

Este film se estrena el próximo 12 de agosto pero he tenido oportunidad de verla anticipadamente en un pase para blogueros de cine organizado por Social Noise.

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miércoles, 20 de julio de 2011

Frases twitteadas Vol.I


Normalmente Twitter se nutre bastante de este blog, así que ¿por qué no nutrir también al blog con Twitter? Desde hace un mes, más o menos, he comenzado a twittear citas de películas, algunas veces son de las míticas que todo el mundo conoce, y otras veces son frases que no se han hecho famosas pero que se me antojan interesantes.

A continuación recopilo las 10 primeras siguiendo el siguiente formato:
“Frase”, actor (personaje), Título en español (Título original, director, año).

Empieza el espectáculo:

1. “Si salgo vivo de este caso me voy a poner a bailar”, Bruce Willis (Joe Hallenbeck), El último boy scout (The last Boy Scout, Tony Scott, 1991).

2. “¿Y si no hay mañana? Hoy no lo ha habido.”, Bill Murray (Phil Connors), Atrapado en el tiempo (Groundhog day, Harold Ramis, 1993).

3. “Si algo no se rompe, ¿para qué pegarlo?”, Woody Allen (CW Briggs), La maldición del escorpión de jade (The curse of the jade scorpion, Woody Allen, 2001).

4. “En el mundo de la publicidad no existe la mentira, si acaso se llama exageración.”, Cary Grant (Roger Thornhill), Con la muerte en los talones (North by northwest, Alfred Hitchcock, 1959).

5. “Le haré una oferta que no podrá rechazar”, Marlon Brando (Vito Corleone), El padrino (The godfather, Francis Ford Coppola, 1972).

6. “Lo difícil de echarse un farol es saber cuándo hay que dejarlo.”, Scott Glenn (Bart Mancuso), La caza del Octubre Rojo (The hunt for Red October, John McTiernan, 1990).

7. “Un mundo que ha sido capaz de crear el Taj Mahal, a William Shakespeare y la pasta dentífrica, algo bueno tendrá.”, James Cagney (C.R. MacNamara), Uno, dos, tres (One, two, three, Billy Wilder, 1961).

8. “Mi psicoanalista me lo advirtió, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista.”, Woody Allen (Isaac), Manhattan (Manhattan, Woody Allen, 1979).

9. “Vivo o muerto tú vendrás conmigo.”, Peter Weller (Alex J. Murphy), Robocop (Robocop, Paul Verhoeven, 1987).

10. “Jack ha muerto, amigo mío, puedes llamarme… Joker.”, Jack Nicholson (Jack Napier/Joker), Batman (Batman, Tim Burton, 1989).

sábado, 16 de julio de 2011

De viaje con un alien muy cachondo llamado Paul



Un par de amigos de Reino Unido, uno escritor de novela gráfica, el otro su ilustrador, viajan a Los Angeles para visitar la prestigiosa feria del mundo de la viñeta Comic-con, y a continuación hacer una ruta en autocaravana por los lugares relacionados con temática alienígena, como Roswell o el Area 51. De pronto en su camino se cruza un extraterrestre de verdad que les pide ayuda.

Este es el punto de partida de Paul (Greg Motola, 2011), una road movie en clave de comedia desmadrada, mezclada con el imaginario visual y conceptual de la ciencia ficción creado en las últimas décadas por el tándem Lucas-Spielberg. El resultado es un refrescante producto veraniego plagado de guiños cinéfilos a los grandes títulos del género, y a otros films de culto, así como de humor gamberro que en algunos momentos puede rayar en la irreverencia, y es que Paul es un alien un tanto macarrilla que se ríe de todo y de todos. A veces no está muy claro si el chiste es un homenaje, una crítica o simplemente una burla. Va un poco de sobrado, algo así como el pato espacial de Howard: un nuevo héroe (1986), aunque aquel tenía una ironía menos ácida que este nuevo pasota galáctico que ahora nos ocupa.

El hecho de que los protagonistas sean turistas británicos en Estados Unidos, le aporta un valor añadido al conjunto en lo que se refiere al humor basado en las diferencias culturales. El guión está firmado por los dos protagonistas, Simon Pegg y Nick Frost. A Pegg lo hemos visto en la piel de Scotty en la precuela de Star Trek, y este año nos lo volveremos a encontrar en la pantalla con dos títulos muy potentes: Las aventuras de Tintín, en la que también estará Frost, y la nueva entrega de Mission: Imposible. Les acompañan en el reparto Jason Bateman, que hacía pareja con Jennifer Garner en Juno, Kristen Wiig, a la que veremos próximamente protagonizando La boda de mi mejor amiga, y pone la guinda del pastel actoral una aparición estelar de Sigourney Weaver.

Risas, efectos especiales y guiños continuos al Séptimo Arte son los ingredientes de este entretenido y fresco cocktail, no apto para todos los paladares, para disfrutar en una tórrida tarde de verano.

El club de Amigos de Sensacine tuvo la ocasión de ver en primicia este film en su primer Community Day.

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domingo, 10 de julio de 2011

Un chino perdido en Buenos Aires


Un cuento chino (Sebastián Borenzstein, 2011) es una nueva coproducción hispano argentina con Ricardo Darín de protagonista y Gerardo Herrero entre los varios productores del film. Ambos habían colaborado en 2009 en el estupendo thriller El secreto de sus ojos y ahora cambian de tercio para traernos una divertida comedia a medio camino entre el retrato costumbrista y el realismo mágico, en una muy curiosa historia inspirada en hechos reales. Y digo curiosa porque lo más fantástico del asunto es la realidad en que se basa y lo más cercano a lo cotidiano es pura ficción.

La trama se desencadena cuando en una aldea china una joven pareja disfruta de un relajante paseo en barca y de pronto una vaca cae del cielo aplastando a la chica. El novio se va entonces a Buenos Aires en busca de un tío suyo que había emigrado en el pasado y allí topa con Roberto, un huraño ferretero de espíritu bondadoso acostumbrado a vivir en soledad, que se sorprende a sí mismo haciendo de buen samaritano. La relación del argentino, que sólo habla español, con el chino que sólo habla mandarín, es un buen ejemplo de comunicación entre personas por encima de barreras culturales y lingüísticas. Cuando las cosas se quieren hacer bien se supera cualquier obstáculo.

El tono de la película es fresco y ligero, de una aparente simplicidad que trasluce un contenido más humano y emotivo de lo que parece en la superficie. El ritmo narrativo es adecuado, sin altibajos, constante manteniendo el interés en todo momento. Ricardo Darín hace alarde de su gran carisma que sostiene el film durante todo el metraje. El conjunto está aderezado con divertidísimos gags de un humor sutil y elegante que hacen más distendido el relato.

En definitiva se trata de una muy recomendable película, muy humana , divertida, con buenos actores y una historia arriesgada que Sebastián Borenzstein resuelve con oficio en su doble faceta de guionista y director.

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domingo, 3 de julio de 2011

Sensacine celebra su primer Community Day


Y esperemos que no sea el último. Ayer, 2 de julio de 2011 era el gran día. Sensacine organizó en Madrid un evento estupendo donde el gran protagonista ha sido el CINE tratado por grandes amantes del Séptimo Arte. Galax Pictures asistió al acontecimiento donde se reencontró con viejos conocidos como Cinedanía, De fan a fan o Cineralia y además estableció nuevos contactos con otros interesantes blogs como Vadecine, Mis críticas de películas o Cinemascomics.


La jornada comenzó, por gentileza de Universal Pictures, con un pase en exclusiva de Paul, una divertida comedia de la que daré parte más adelante ya que se estrena el próximo 22 de julio.

Durante la comida se habló sobre el futuro del cine. Parece que lo más comentado es el tema de la tecnología 3D, y la opinión más extendida es que tiene poco futuro. Finalmente se jugó un divertido concurso de cine por equipos, en el que Galax Pictures unió fuerzas con Cinemascomics para alcanzar un satisfactorio segundo puesto.

Así transcurrió el día, hablando de cine en buena compañía. Un plan estupendo para pasar un caluroso sábado de verano.

miércoles, 29 de junio de 2011

Este castor de trapo está muy vivo


Jodie Foster dirige a Mel Gibson y a sí misma en El castor (The Beaver, 2011), un relato con intención de fábula sobre un hombre profundamente deprimido que utiliza como terapia el hablar a través de una marioneta que se convierte en su alter ego.

Desde luego la propuesta es muy original y la interpretación de Gibson da la talla con un personaje que puede ser un gran reto para cualquier actor. Aunque la película muestra globalmente los distintos aspectos de la vida del protagonista, se centra más en su vida personal que en lo profesional. Incluso dentro de su vida privada a ratos toma más protagonismo la subtrama de su hijo adolescente, interpretado por Anton Yelchin, y su historia con una compañera de estudios, encarnada por Jennifer Lawrence, vista recientemente en el papel de Mística, la mutante de color azul que imita formas en X-men: Primera generación. También a Yelchin lo hemos visto en producciones de ciencia ficción como Star Trek o Terminator: Salvation dando vida a un joven Kyle Reese, el soldado que protegía a Sarah Connor en la primera entrega de la saga sobre el mítico cyborg. Jodie Foster se reserva el rol de esposa abnegada que trata de mantener a la familia unida y aprovecha todo intento de su marido por mejorar para ayudarlo a salir del abismo en que se encuentra.

Otro punto a favor es la música, queda bastante bien para dar ese toque de fábula que persigue la película. Sin embargo narrativamente a veces resulta algo confusa en intenciones y eso hace que no acabe de ser redonda. Por ejemplo, hace unos meses veíamos la producción mexicana El estudiante, que era también una fábula pero en ningún momento dejaba de tener ese tratamiento algo naif que la hace parecer un cuento. En El castor tiene algunos detalles que sí son de cuento pero otros que no lo son tanto y ahí es donde puede patinar un poco ya que se queda poco definida.

En resumen, es una correcta película con buenos actores, una trama arriesgada, música adecuada y el punto más flojo se encuentra en el tono que se le quiere conferir al conjunto del film.

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viernes, 24 de junio de 2011

Experimentando formatos


Hacía unos meses que no publicaba nuevos vídeos. Ya iba siendo hora de sacar algo nuevo y he tratado no sólo de que sea otro vídeo más sino de aportar algo que no hubiese hecho en clips anteriores.

La nueva producción se enmarca en la sección de reportajes. Esta vez he tratado de incluir recursos visuales que no hubiera usado antes y también he intentado imprimir un tono a medio camino entre informativo, divulgativo y didáctico. Se trata de un reportaje titulado Turberas: el origen del carbón, que explica de una forma muy básica el proceso de formación de la turba. Ha sido ideado específicamente como complemento audiovisual a un artículo del blog Horizontes bajo tierra.